La fotografía como afición y otras artes visuales

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Recomendaciones semanales - del 15 al 22 de mayo de 2016

No sé muy bien por qué este domingo, que lo tenía perfectamente planificado en la cabeza para hacer una serie de cosas, nada ha salido como pensaba, y aquí estoy más allá de las seis de la tarde y sin haber redactado las recomendaciones semanales, y con más cosas todavía por hacer. En fin... de momento os dejo con mi tablero de Pinterest de la semana.

En cuanto a las fotografías acompañantes... son los restos de la prueba del pequeño Meyer-Optiks Görlitz Trioplan 50/2,9. Hasta ahora la había probado con dos tipos de cámaras. Con digitales de formato APS-C, es decir más pequeño que el tamaño de fotograma para el que están pensados, y con cámaras para película tradicional de formato 24 x 36 mm. Que es el formato para el que nació. Con las digitales de formato APS-C, en las que actúa como un teleobjetivo cortito, da resultados aceptables con el diafragma cerrado a f/5,6 o mejor f/8 o f/11, pero a plena apertura sólo va bien con determinados temas. Con la película tradicional tiene sus limitaciones pero es perfectamente usable entre f/5,6 y f/16, y no va mal del todo para retratos a aperturas mayores. Y no fue mal con las micro cuatro tercios... Pero quedaba probarlo con una digital de formato 24 x 36 mm. En mi caso, con la Canon 5D Mark II. Ya puedo decir algo... ni aun cerrando a f/8 es recomendable si la información en las esquinas es trascendente, como por ejemplo en arquitectura o paisaje. Y no digamos ya a f/2,9, su apertura máxima.

Vamos en primer lugar con un premio. Se ha anunciado que este año se otorga el Premio Princesa de Asturias (el género del premio varía según el candidato o la candidata al trono, parece) al fotógrafo James Nachtwey, según nos informan en Quesabesde. A mí este tipo de premios que están otorgados por un jurado "de prestigio", pero que no corresponden a las nobles lides del reconocimiento directo entre pares, no me dicen gran cosa. Pero es la tercera ocasión en que este premio se otorga a un fotógrafo, tras el premio de 2013 a Annie Leibovitz, también en la categoría de Comunicación y Humanidades, y el de 1998 a Sebastião Salgado, en la categoría de Artes. Sin embargo, Nachtwey concita la aprobación general de los medios especializados y de sus colegas, puesto que tiene una calidad y una ética profesional ampliamente reconocidas. Así que parece que este año el fallo del jurado no "ha fallado".

Suelo empezar las recomendaciones con algún clásico. En L'Oeil de la Photographie nos han mostrado esta semana algunas fotografías destacadas del húngaro Andre Kertész, especialmente aquellas de ambiente más parisino. Aunque no falta alguno de sus distorsionados desnudos o de sus naturalezas muertas. En vida, se considero a sí mismo como infravalorado. Fue un fotógrafo osado... y eso a veces se paga. Pero hoy en día está ampliamente reconocido como uno de los principales fotógrafos del siglo XX.

No sabía de la obra del fotógrafo Otto Umbehr, conocido como UMBO. Y también apareció en esta semana en L'Oeil de la Photographie un artículo a él dedicado. Y me ha parecido muy interesante. Fue uno de los fotógrafos formados en la Bauhaus, y eso lo convirtió en un autor atrevido y muy experimentador. Su archivo fue destruido durante la guerra por un bombardero, quizá uno de los motivos para que sea poco conocido. Un artista de las vanguardias sobre el que habrá que investigar más.

En estas últimas semanas me ha salido varias veces a colación la obra del fotógrafo Ralph Gibson. Ted Forbes, responsable de The Art of Photography, un videocast/canal de Youtube muy interesante, nos ofreció hace unos días una entrevista con el fotógrafo, a propósito de una próxima exposición, que reproduzco a continuación.

Y esta semana, en Xataka Foto han dedicado un artículo al fotógrafo angelino, que ha realizado buena parte de su obra en la ciudad de Nueva York, de todos modos. Es un fotógrafo muy original, que siempre proporciona encuadres y puntos de vista muy personales e interesantes.

Un fenómeno que siempre me despierta curiosidad es el de las personas con ancestros africanos, con las piel más o menos oscura, que sienten una poderosa atracción hacia todo lo relacionado con África. Incluso sienten su identidad vinculada a ese gran continente, incluso si tienen que remontarse bastantes generaciones para encontrar un antepasado realmente africano, e incluso si tienen tantos o más antepasado de origen europeo. En el artículo que encontramos esta semana en Feature Shoot, las mujeres fotografiadas por Joana Choumali no deben remontarse tanto en el tiempo para encontrar ese ancestro africano. De hecho, han heredado indumentarias de sus antepasadas de ese origen, con las cuales se han retratado con el fin de definir unos nuevos cánones de belleza y de estilo distintos de los impuestos por la civilización occidental de origen europeo. Realmente son retratos muy bellos, aunque me pregunto si no caen involuntariamente en cierto folklorismo que les puede restar valor. No sé... Ya digo que es un fenómeno curioso. Difícil tema el de la identidad, cuya reflexión suele levantar más barreras que derribar las ya existentes. A mí me parece peligroso definirse como perteneciente a un grupo, en función de un color de piel, o de un origen fotográfico, cuando lo que realmente nos hace personas distintas, únicas y valiosas tiene más que ver con lo que no se ve y se contiene dentro de la calota craneal.

En un Wyoh, un tumblelog dedicado a la fotografía de desnudo, en todas las variedades que se os pueda ocurrir, aparecía esta semana una fotografía que me resultó familiar de inmediato. La pude contemplar no hace muchas semanas en las exposiciones del Perugia Social Photo Festival en el Museo Civico Palazzo della Penna. Y es del fotógrafo Alec Dawson. Pertenece a su serie Nobody Claps Anymore, y son fotografías escenificadas que nos muestran situaciones sociales y personales relativamente desasosegantes.

Seguimos con el desnudo. En esta ocasión con la obra de la china Fengyuan Ding, que nos es presentada en L'Oeil de la Photographie. El tema del desnudo es complejo. Y sus representaciones y significados muy diversos. Siempre me parece curioso que aunque en mis tableros de Pinterest el desnudo está representado, pero está lejos de ser el motivo más frecuente en mis selecciones semanales, sin embargo las fotografías de desnudo son las que recogen más "me gusta" o son repineadas... Y también son las que me han supuesto alguna crítica que otra, argumentando su "indencencia". Bueno... para todo hay en este mundo. La obra de Fing que nos muestra el artículo mencionado, no he encontrado un sitio personal o profesional de la fotógrafa, aunque estas adoptan diversas formas. Me parecen más interesantes aquellas de composición más sencilla, que no simple, y que relacionan el cuerpo femenino con la naturaleza, o con lo prohibido o peligroso, o con la muerte. Eso sí... fotógrafa fiel a la película tradicional, su blanco y negro es excelente.

La fotografía y el cine está perpetuamente relacionados. Y nuevamente es L'Oeil de la Photographie quien nos lleva a la obra fotográfica de un cineasta, Gus Van Sant, en la que nos ofrece fotografías vinculadas a sus obras cinematográficas, así como otras obras gráficas. Un directo capaz de ofrecernos cosas estupendas y cosas infumables... pero indudablemente dotado para ver y mirar. Nunca Nicole Kidman fue mejor actriz ni estuvo tan guapa e inquietante como cuando la dirigió Gus Van Sant.

Y si hace unas semanas hablaba de una asociación de fotógrafos de plato, hoy traigo el artículo que Hunter Art Magazine ha dedicado a Pipo Fernández, uno de estos sufridos profesionales de la fotografía, pocas veces reconocidos. Os animo a pasar un buen rato cinéfilo y fotófilo con su obra, y con su blog.

Recomendaciones semanales - del 8 al 15 de mayo de 2016

Tras un sábado un poquito agotador, y una noche de sueño escaso e intranquilo, me estoy tomando con calma lo de las recomendaciones fotográficas de hoy. Pero en primer lugar, el tablero de Pinterest de la semana, como es costumbre desde hace un tiempo.

Como veremos más adelante, aunque hay recomendaciones para todos los gustos, me han salido un poco no apta para todos los públicos. Bueno, ya juzgaréis vosotros mismos.

Las fotografía acompañantes siguen siendo de las actividades asociadas al Encuentro "analógico" del que ya os he hablado en varias ocasiones. En esta ocasión, asistimos el jueves a una charla sobre la historia de la fotografía a cargo de Maribel Pascual, que fue profesora de la especialidad de Imagen y sonido en un instituto de enseñanza secundaria de la ciudad. Organizada por Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ), realmente fue muy amena. También ayer sábado por la mañana, tuvimos otra sesión de positivado, con distintas personas que el sábado pasado por la tarde, y que estuvo realmente muy bien. Por algunos resultados y por el excelente ambiente que se respiraba.

Beatriz Pascual comentando algunos objetos fotográficos históricos que se trajo a la charla.
Hubo unos cuantos ejemplares de una colección de cámaras y otros objetos históricos de Miguel... no me quedé con más datos de su persona. Si algún lector los sabe, que me dé un toque, por favor.

Vamos con las recomendaciones. La Revolución Cultural fue un periodo turbulento en la China comunista de posguerra, de cuyo inicio mañana 16 de mayo se cumplirán 50 años. Enorme purga de contrarrevolucionarios, de pensadores, o simplemente de gente que caía mal, que acabo con una serie de decisiones políticas y económicas desastrosas para la población china. Hace unos años, tuve la ocasión de visitar aquí en Zaragoza un exposición de Li Zhensheng (nombre escrito al estilo oriental, con el apellido primero), que dejó testimonio escrito del fenómeno social en Harbin y alrededores donde vivía y trabjaba. Creo que es un trabajo que hay que conocer, y que esta semana nos han recordado en Iconic Photos.

Seguimos en Oriente. Creo que ya he comentado en alguna ocasión el trabajo de Shoji Ueda, fotógrafo japonés que sublimó el trauma japonés de la posguerra con un tono poético e intimista. A mí me gusta mucho, y con la excusa de que en American Suburb X han publicado un artículo sobre él esta semana, lo vuelvo a recomendar.

En primer plano, una interesante Kodak Autgraphic y, tras ella, una Nettar muy semejante a mi Ikonta, ambas de Zeiss Ikon.
Una Zorki-4, la "leica" soviética, comparte cuadro con una modesta Lumière francesa.

Y más Japón. También otro autor del que habréis oído hablar en estas páginas, Daido Moriyama. Y que también me gusta por su personal y característica fotografía. También aprovecho la excusa de que en L'Oeil de la Photographie han comentado su último libro publicado, para volver a traerlo a mis recomendaciones.

Y aún más Japón, aunque en esta ocasión de la mano del fotógrafo polaco Pawel Jaszczuk. Ya he dicho que me iba a poner no recomendado para todos los públicos. En American Suburb X nos han hablado de su trabajo Kinky City... siendo esta ciudad de conducta sexualmente unusual Tokio. Aunque visitamos el País del Sol Naciente hace dos años, difícilmente eso nos hace "expertos" en esta compleja sociedad... creo que harían falta muchos años para entenderla. Pero algo que si sorprende porque constantemente encuentras indicios de ellos, es la extraña relación que parecen tener los nipones con la sexualidad. No entraré más allá en ello, pero el trabajo de Jaszczuk adopta el estilo que podemos encontrar en otros fotógrafos auténticamente nipones. Aunque desconcertante en ocasiones, no ha dejado de parecerme interesante.

Kodak intentó competir con Polaroid en la fotografía instantánea, pero le sacudieron en el morro por infringir patentes.
Pequeñas copias estereocópicas, para ver pícaras fotografías en 3D de finales del siglo XIX o principios del siglo XX.

En Clavoardiendo reflexionan sobre la sexualidad, la percepción del género y cómo la sociedad percibe según que elementos. En concreto se centran en la obra de Patricio Cassinoni, fotógrafo argentino que realiza retratos con una iluminación inspirada por los antiguos pintores renacentistas y barrocos, en los que reflexiona sobre la dicotomía entre el vestido y el desnudo, y las tensiones que surgen entre la moda y lo que uno realmente es. Bueno. Dirigiros a los enlaces y valorad vosotros mismos la obra del porteño.

De algunos clásicos, dejándonos llevar por algunas asociaciones de ideas nos hemos ido viniendo a fotógrafos contemporáneos. Pero volvamos por un momento a los clásicos. Incluso si son relativamente modernos. Ya he comentado en las últimas semanas que el mejicano Oscar Colorado nos trae de vez en cuando interesantes galerías y biografías comentadas de buenos fotógrafos. Y esta semana nos ha hablado de un artista contemporáneo precozmente fallecido, una de las figuras más representativas del pop-art, para muchos el artista más importante de la segunda mitad del siglo XX. Nada menos que Andy Warhol. Que también utilizó la fotografía, de formas diversas con base o como medio fundamental de su obra. No os perdáis el artículo que es realmente interesante y completo.

Vuelta al estudio en un sábado por la mañana.
Una mezcla de "expertos" y novatos en la ampliación tradicional fotográfica.

Mary Ellen Mark, otra fotógrafa que podemos considerar un clásico del siglo XX en la fotografía. Aunque fundamentalmente dedicada al mundo de la fotografía documental, también ha picoteado en otros géneros, incluido, claro está, el retrato. Esta semana, The New York Times nos ha recordado su serie de retratos con una cámara fotográfica que es un monstruo en sí misma. Se trata de la Polaroid 20x24 Land Camera, que usaba película instantánea del tipo Polaroid PolaPan 20x24, que ya no se fabrica. Por que nos aclaremos todos; los 20x24 no son dimensiones en sistema métrico decimal, no son centímetro. Son pulgadas. Es decir, estamos hablando de una cámara capaz de obtener copias directas de aproximadamente 50 x 60 cm. Con la inmensa calidad que esto implica. Hay muy poquitas de estas cámaras en el mundo, se usa en régimen de alquiler, y no es especialmente portátil. Pesa 107 kilogramos.

Me ha parecido muy curiosa, y me estoy viniendo totalmente a la fotografía contemporánea, la serie titulada Darlene & Me, de la noruega Anja Niemi. Inspirada por el descubrimiento de una maleta de 1959  que perteneció a una asesora de belleza llamada Darlene. A partir de ahí, la serie nos muestra autorretratos múltiples de la propia autora caracterizada como Darlene/ella misma aconsejada por Darlene, en unas escenificaciones realmente interesantes. Nos lo han contado en COOPH.

La delicada operación de enfocar la ampliadora con la lupa bajo la lámpara encendida.
Evaluando los negativos que se han de ampliar.

Finalmente me ha llamado la atención el trabajo del fotógrafo Brice Portolano, como nos lo cuentan en Flavorwire. Este fotógrafo se ha ido a Finlandia, al norte del Cículo Polar Ártico, donde una joven llamada Tinja vive prácticamente en soledad, a 300 kilómetros de la ciudad más próxima, criando perros, y viviendo de la naturaleza. Bellísimos paisajes, pero un durísimo clima, para un estilo de vida que según nos cuentan empieza a resultar atractivo para gentes que se cansan del estilo de vida urbanita actual. Este reportaje forma parte de un proyecto más amplio, No Signal (por los lugares donde no hay señal para usar el teléfono móvil), sobre personas que desean volver a una vida en pleno contacto con la naturaleza.

Descubriendo desde la aparición de la imagen en el revelador que el control del contraste en la copia es un arte en sí mismo.
Iniciándose en el arte del uso de reservas y quemados locales al ampliar la copia.

Recomendaciones semanales - del 1 al 8 de mayo de 2016

Mañana lluviosa que parece que va a impedir que salga con un grupo de buenas gentes a hacer unas fotografías en uno de los barrios de Zaragoza. Bueno, así me puedo plantear la redacción de estas recomendaciones con más tranquilidad. En primer lugar, como de costumbre, el tablero de Pinterest con las fotografías que me han llamado la atención en internet en estos últimos siete días.

En segundo lugar, las fotografías acompañantes corresponden a la sesión de positivado que realizamos ayer de los negativos del II Encuentro "analógico" del que ya os he hablado en un par de ocasiones, o tres. En un momento dado, me di cuenta que hacía casi quince años que no ampliaba copias fotográficas en un cuarto oscuro con una ampliadora y con la húmeda liturgia de hacer pasar el papel fotográfico por los distintos baños que convertirán la imagen virtual en imagen real. Cuantos errores de principiante realizas cuando te desentrenas. Pero fotos obtuvimos. Porque sigo pensando que más allá de lo conveniente que sea la fotografía digital, las imágenes fotográficas tienen que acabar ampliadas en un papel, y la relación física e íntima que te otorgan los procesos fotoquímicos es más satisfactoria que los digitales. Y que la nitidez no lo es todo, que hay otros sentimientos de realización menos fáciles de explicar al obtener la imagen final.

Las dos fotografías sobre papel de 10 x 12 pulgadas, aproximadamente, 25 x 30 cm (un poquito más).

En cuanto a las recomendaciones fotográficas, como de costumbre empezamos retratrayéndonos hacia atrás en el tiempo, y nos vamos a los retratos psicológicos de Marcel Sternberger tal y como nos los muestran en American Photo. Frente al glamour de las fotografías de famosos en la época, nos encontramos con retratos mucho más directos e introspectivos. Es curioso que frente al uso de cámaras de medio y gran formato que dominaban el retrato en los años 30 y 40 del siglo XX, Sternberger se pusiera a los mandos de una pequeña Leica, adecuada para viajar ligero a la hora de realizar reportajes, pero sin la capacidad de registrar información que tenían las anteriores. A mí me han parecido muy interesantes. He encontrado poca información sobre este fotógrafo en la red.

Otro fotógrafo de quien tampoco conozco gran cosa, y que también podría calificarse entre los clásicos es Ian Berry, a quien Cartier-Bresson invitó a unirse a Magnum en 1962. Nos lo cuentan y nos muestran algunas fotografías en Camerafilia, donde comprobamos que tenía ese estilo de fotografía documental que podemos asociar a otros fotógrafos británicos de la época y que a mí me gusta bastante. Todavía se encuentra en activo.

Aunque algunos de los presentes teníamos alguna experiencia en la ampliación de fotografías, también había quien se acercaba por primera vez y tenía que avanzar calmado en todos sus pasos.

Un cuento de Julio Cortázar, que tuve ocasión de leer en su momento, inspiró una de las película sobre fotografía más interesantes que conozco, película que por otra parte es importante en la historia del cine por sí misma, independientemente de su relación con la fotografía. Pero es menos conocido que realizó un libro de viajes y fotografías con su mujer Carol DunlopLos autonautas de la cosmopista (o Un viaje atemporal París-Marsella). Después de leer el artículo que le han dedicado a este libro en Clavo Ardiendo, me han entrado muchas ganas de leer este libro. Dunlop murió pocos meses después. También fue el último libro que escribió Cortázar, que murió al año siguiente de publicarse el libro.

Otro clásico de la fotografía documental, Bruce Davidson. En este caso, fotógrafo documental de la más pura escuela norteamericana, aunque no le faltan influencias de los fotógrafos británicos y franceses, desde mi modesto punto de vista. Nos recuerdan en L'Oeil de la Photographie que se acaba de publicar una biografía ilustrada que puede ser interesante.

Tras realizar las hojas de contactos y seleccionar los mejores negativos, estos se colocan con cuidado en los portas.

Cindy Sherman es una de las fotógrafas más cotizadas en la actualidad, y una de las pocas que es mencionada sistemáticamente en los tratados de arte moderno y contemporáneo, que suelen relegar a la fotografía a un segundo plano. A mi, personalmente, me produce reacciones contrapuestas. Creo que su serie Untitled Film Stills es realmente muy interesante y supone una propuesta fundamental en la historia de la fotografía contemporánea, pero luego esta fotógrafa conceptual ha insistido con frecuencia en variaciones más o menos elaboradas sobre los mismos conceptos que no siempre me han convencido. En Flavorwire nos dan la oportunidad de comprobar cómo desarrolla estos conceptos en la actualidad, donde se ha alejado de las sencillas cámaras y pequeños negativos en blanco y negro, para adentrarse en el uso de la copia de gran formato digital sobre metal. No hay que defraudar a los coleccionistas, que prefieren grandes obras de más de un metro de largo que las pequeñas ampliaciones sobre papel en blanco y negro... uy, ya me ha salido el lado crítico.

En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos han anunciado que andan muy apretados de tiempo, y que van a alternar las reseñas nuevas de fotógrafos con las que publicaron hace unos años. Realmente, puede estar bien recuperar o dar segundos vistazos a fotógrafos ya conocidos. De los que han mostrado esta semana yo me quedo con la japonesa Kimiko Yoshida. Con el autorretrato conceptual como punto de partida, con el que viaja por todo el mundo, transformándose en mujeres de todo tipo de culturas. Nos ofrece un trabajo que está a caballo entre la fotografía, la performance y otras artes contemporáneas. Me parece muy interesante, y su página web da para perderse mucho rato.

Andábamos escasos de marginadores, y había que encuadrar un poco a ojo o con ayuda de hojas del tamaño adecuado.

Les Krims es otro fotógrafo que no es fácil. También moviéndose en el terreno de lo conceptual, sus fotografías con frecuentes desnudos, e incluso con escenas sexuales relativamente explícitas, suponen afiladas y profundas críticas a la sociedad occidental y específicamente a la norteamericana. A medio camino entre la parodia y el drama su visión no es especialmente esperanzadora, puesto que nos habla más de hipocresías que de evoluciones positivas.Nos lo han contado en Hunter Art Magazine.

Yo creo que ya he hablado en alguna ocasión del trabajo de Mihaela Noroc. O sus fotografías aparecen con frecuencia en mis tableros de Pinterest. Esta semana han mostrado su trabajo en Feature Shoot. Noroc es una fotógrafa romana que lleva varios años viajando por el mundo con su cámara de fotos reflejando la belleza femenina sin prejuicios raciales. Con frecuencia, en los medios hay un sesgo eurocéntrico a la hora de definir los canones de belleza en las personas. Incluso cuando se trata de personas con rasgos propios de otras latitudes, generalmente se aceptan como bellas aquellas que se acercan más a las formas caucásicas. El trabajo de Noroc, The Atlas of Beauty, trata de romper esta visión. Realmente, sus retratos son técnicamente excelentes dado que los toma al vuelo. Pero sigo pensando que, aunque se esfuerza, y hay una notable variedad de rostros femeninos, todavía hay un sesgo sobre a lo que los europeos nos parece una mujer bella aun en otras latitudes del mundo. Pero bueno, merece la pena bucear en sus archivos para dar con aquellos ejemplos donde afortunadamente se rompe este sesgo y tenemos la auténtica sensación de estar ante bellezas originales y distintas. Bien por la diversidad.

Importante el cuidadose enfoque de la imagen, para conseguir la mayor nitidez posible.

Un poco de concienciación social. En Lenscratch nos proponen conocer el trabajo de Jennifer Little, una fotógrafa que se ha ido a Owens Lake, un lago seco que encontramos en California, y que se encuentra seco debido al trasvase masivo de agua para consumo humano hacia Los Ángeles. La consecuencia ha sido la desecación del lugar, y el acúmulo de sustancias en forma de polvo que es transportado por el viento, y que es la principal fuente de contaminación de partículas carcinogénicas en Estados Unidos. La sobreexplotación de los acuíferos, tanto de aguas superficiales como profundas, siempre da lugar a consecuencias indeseadas, de las que los políticos más populistas que prometen todo tipo de trasvases y regadíos masivos no se dan por enterados, constituyendo amenazas ambientales de primer nivel. Los políticos, digo. Curiosamente, las fotografías de Little no carecen de belleza paisajística.

Y os dejo para terminar dos recomendaciones que no he tenido tiempo de revisar a fondo. Por un lado la página del colectivo Nophoto, un colectivo de fotógrafos que nace en España hace ya más de diez años con el fin de impulsar proyectos individuales o colectivos no convencionales. A ver si le puedo dedicar un poco de tiempo y extraigo alguna recomendación personal concreta. Por otro lado, en A Photo Editor nos cuentan que ha salido el cuarto número de Photographer's Quarterly, que también promete revisar las obras de algunos fotógrafos destacados, unos más conocidos que otros. Lo dicho,... si encuentro algo de tiempo, lo reviso, y os propongo alguna recomendación personal.

Luego ya viene la "magia" de ver aparecer la imagen en la bandeja del revelador... "magia" que no es magia, sino ciencia combinada con arte, la mejor clase de "magia".

Recomendaciones semanales - del 24 de abril al 1 de mayo de 2016

En primer lugar, me he quedado sorprendido al comprobar que esta semana he marcado un grupo realmente reducido de posibles recomendaciones para lo que suele ser habitual. Normalmente, desecho unas cuantas de las que he guardado en Getpocket, y hablo de las que me parecen más significativas o han atraído más mi atencion. Pero en esta ocasión, hablaré de las siete que he guardado.

El número de fotografías guardas en mi tablero de Pinterest de la semana también están un poco por debajo de lo habitual en los últimos tiempos. Pero hay un número suficiente como para que puedan resultar interesantes un grupo variado de aficionados a la fotografía.

En cuanto a las fotografías acompañante... Ayer os comentaba algunos carretes de película del último lote que mandé a revelar a Carmencita Film Lab. Entre ellos había uno del que no os hablé puesto que no entraba dentro del tema de objetivos y cámaras con montura M42, principalmente de la Europa del Este. Y es que por una vez, un carrete de película tradicional en blanco y negro lo envíe a revelar a Carmencita en lugar de procesarlo yo integramente. Quería probar a ver que tal. Se trata de un Fujifilm Neopan 100 Acros que expuse durante un paseo mañanero hace un par de meses, más o menos, con la veterana Leica IIIf que llevaba montada la segunda versión del Canon 50 mm f/1,8 para montura de rosca de 39 mm. La adecuada para la cámara alemana.

He de decir que los resultados son buenos, pero no acabo de reconocer en los archivos digitalizados el aspecto de gradación muy progresiva de grises que suele dar la Acros. Y eso que ya digo que no los encuentro mal. Simplemente, no lo esperado. De todas formas, aquella mañana la luz era muy dura y el contraste elevado.

Para fotografía en blanco y negro interesante y llena de matices, la del alemán Peter KeetmanEn Oscar en fotos nos traen una galería y un breve comentario biográfico de este fotógrafo. Aunque formado en la Bauhaus y en la Nueva Objetividad de antes de la guerra mundial, la segunda, tras este conflicto su fotografía coqueteo con la abstracción y se le adscribió a la fotografía subjetiva, en el que el punto de vista creativo se superpone al utilitarista. Y eso que son muy reconocidas sus series de fotografías industrial. Un buen fotógrafo para aprender de composición y de reconocimiento de formas y patrones.

Nos vamos a hora al mundo del glamour y las bambalinas. En algún sitio he encontrado un enlace que me ha llevado a un artículo en Nowness que ya tiene un tiempo sobre el fotógrafo George Hurrell. Fotógrafo en activo durante buena parte del siglo XX, siempre vinculado al mundo del cine y la televisión, su época dorada coincide con la época del Star-System en los grandes estudios de Hollywood. Basado este sistema en la atracción que las grandes estrellas de la interpretación ejercían sobre el público, fue un momento idóneo para que grandes fotógrafos inmortalizaran a muchas de ellas con fotografías de gran calidad, de factura muy cuidada, que servían para elevar a un estado divino a los simples mortales que alcanzaban la fama a través de la gran pantalla y los sistemas propagandísticos de las grandes productoras. El plus de Hurrell está quizá en que realmente muchas de las estrellas que pasaron ante su objetivo alcanzaban esa imagen de dioses y especialmente diosas, de gran sensualidad, y erotismo en muchos casos, con un aura de seres inalcanzables. 

Más de una vez he comentado de mi preferencia por la fotografía en color, aunque hoy este artículo me esté saliendo hasta ahora muy en blanco y negro. Y especialmente me gusta traer a estas páginas a los pioneros que impulsaron el medio en una cultura que identificaba el blanco y negro con lo profesional y artístico y el color con la fotografía familiar y los aficionados. En esta ocasión os traigo a través de un artículo en OldSkull las Kodachromes de Fred Herzog, fotógrafo alemán que tras diversas peripecias en el momento de la Segunda Guerra Mundial, acabó enrolándose de marinero en un barco, y finalmente en la ciudad canadiense de Vancouver, donde se instaló. Y allí empezó a documentar la vida de la ciudad a través de la fotografía. En color. El maravilloso color de la Kodachrome de la época.

En un orden de cosas casi similar, aunque nos volvamos a pasar al blanco y negro, Rafael Roa nos recuerda el trabajo de un fotógrafo documental, Paco Gómez, que a pesar de su influencia en la fotografía de su época y posterior tengo la sensación de que no es muy conocido. Su enfoque de la fotografía en las calles tiene mucho que ver con lo mínimo, y con una creatividad alejada de la agresividad hacia las personas con la que hoy en día se suele identificar el género. A conocer y reivindicar. No confundir con el Paco Gómez más actual del que tal vez convenga hablar otro día.

La contaminación de los mares con plásticos es un problema mucho más grave e importante de lo que habitualmente nos parece. Por ello tiene especial valor el trabajo de la fotógrafa británica Mandy Barker. Como nos cuentan en Feature Shoot, durante un viaje por el Pacífico Septentrional recorrieron un conjunto de playas en los alrededores de Hong-Kong en los que recogió una cantidad notable de desechos plásticos que le permitieron realizar un conjunto de bellas y al mismo tiempo siniestras naturalezas muertas. La variedad es tal, que incluso se agrupan por temáticas de lo más diverso.

En alguna ocasión he hablado en estas páginas de la malograda Francesca Woodman. Y parece que la joven fotógrafa norteamericana hizo escuela. En esta ocasión, también en Feature Shoot, nos presentan el trabajo de la fotógrafa eslovaca Viktória Kollerová. En esta ocasión, la fotógrafa se presenta a sí misma como sujeto de sus imágenes, pero fundiéndose hasta casi desaparecer con el medio o el paisaje en el que realiza sus fotografías, usando las texturas, la luz y la posición de su propio cuerpo desnudo. Por supuesto, el uso del blanco y negro ayuda al efecto al despojar su cuerpo del característico color de la piel humana en personas de origen europeo.

Y por último juntaremos dos de mis aficiones, la fotografía y el cine, en un único artículo. En Lenscratch nos hablan de la Society of Motion Picture Still Photographers. Es decir, en el entorno de la producción de películas fotográficas, la sociedad que agrupa a los llamados foto fijas o fotógrafos de plató. Un grupo de profesionales de la fotografía poco conocido, poco reconocidos, pero que son responsables de muchas fotografías que todos reconocemos, creyendo que se trata de fotogramas extraidos de nuestras películas favoritas, cuando no. Cuando se trata del trabajo de fotógrafos que tienen que trabajar muchas veces con discreción y desconocidos del gran público. Pues echad un vistazo, que las fotografías son estupendas.

Recomendaciones semanales - del 17 al 24 de abril de 2016

Este domingo redacto las recomendaciones semanales por la tarde, después de haber dedicado toda la mañana a la fotografía activa. Un grupo de gentes involucradas en la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ) y/o Fotógraf@s en Zaragoza (FeZ) nos hemos juntado para rescatar viejas cámaras para película fotográfica tradicional y fotografiar juntos por el área de la Expo Zaragoza 2008. Unos poquitos estamos familiarizados con este tipo de fotografía desde tiempo ha, mientras que otros se atrevían hoy a recuperarla y con más o menos inseguridad a utilizar sus cámaras luchando contra los reflejos adquiridos con la toma de imágenes digital. Pero de eso hablaré otro día... cuando tengamos los carretes revelados y disponibles. Os dejo con una de la media docena de fotos que he hecho con una pequeña cámara digital que me he llevado. Por recordar el entorno

Por supuesto, hoy también tenemos el tablero de Pinterest de la semana, con las fotografías que me han gustado o me han llamado la atención por algún motivo en estos últimos siete días de navegación esporádica por internet. Hay algunas que me parece muy interesantes... no os las perdáis.

En cuanto a las fotografías que acompañarán el resto de la entrada, tengo que recordar que ayer fue el día de San Jorge, festividad oficial de la Comunidad Autónoma de Aragón. Lo cual, unido al buen tiempo, hizo que las diversas actividades festivas estuvieran muy animadas. No es que sea ni un pálido reflejo de lo que era antes de que comenzase la crisis en el año 2008... pero menos da una piedra.

Yo he estado probando un pequeño y entretenido objetivo de hace unas décadas del que os hablaré dentro de unos días. De momento, sabed que el pequeño Meyer-Optik Görlitz Trioplan V 50/2,9 iba ayer montado sobre la ya veterana Canon EOS 40D, una cámara que salvo por el hecho de que su mecanismo de captura digital y su electrónica está hoy en día muy superada está muy bien hecha y es agradable de usar. En un momento dado entramos en el Museo Pablo Gargallo, del cual ya os he mostrado fotografías en otras ocasiones, que estaba en jornada gratuita de puertas abiertas, e hice unas cuantas fotografías a las obras del maestro de Maella.

Desde hace unos años, uno de mis libros favoritos es The Nature of Photography de Stephen Shore, que al castellano se tradujo un tiempo después de comprarlo yo en versión original en inglés como Lección de fotografía. En su portada hay una fotografía de un barco trasatlántico muy característica. Y nunca me acuerdo quién es su autor. Bien, pues esta semana en Vantage nos han recordado que es de Kenneth Josephson, un importante fotógrafo conceptual que es poco conocido y que creo que esto es injusto. Por eso, lo traigo aquí y os animo a conocer más de la obra de este artista norteamericano.

Llevamos unas semanas discutiendo sobre donde y cuándo nos vamos de vacaciones, y este año parece que nos está costando decidirnos por motivos ajenos a mi voluntad... nuestra voluntad... quería decir. Lo siento. En cualquier caso, esta semana han coincidido dos artículos sobre viajes en tren muy diferentes. Uno de ellos en Quesabesde, de la fotógrafa alemana Tamina-Florentine Zuch que se ha hecho 20.000 kilómetros de viaje en tren por la India, mezclándose con sus gentes, y con resultados fotográficos excelentes. Prometedora fotógrafa documentalista. El otro nos llega desde The New Yorker, las fotografías se las debemos a McNair Evans, y nos habla de las gentes que usan los trenes de pasajeros de Amtrak en Estados Unidos. El tren de pasajeros, que en su momento fue clave para el desarrollo del país, actualmente es poco usado y tiene escaso prestigio frente al avión. Pero está ahí, y es usado por una cierta cantidad de estadounidenses.

En estos días se han hecho también públicos los Sony World Photography Awards 2016, que algunos definen algo así como los "oscar" de la fotografía... o como sea... Hay muchas fotos y fotógrafos interesantes, pero yo que he estado en un particular estado de humor esta semana, me he fijado sobretodo en los desérticos y polvorientos paisajes que la belga Maroesjka Lavigne ha realizado en Namibia, un país que recibe el nombre a partir del desierto que ocupa la mayor parte de su superficie. Y que desde luego no está exento en absoluto de belleza. Yo me fijé en el artículo que le dedicaron en L'Oeil de la Photographie.

Esta semana he marcado como interesantes, curiosos o anecdóticos varios artículos que tienen que ver con la mujer o con el cuerpo de la mujer. Vamos a darles un somero repaso.

En Plataforma de arte contemporáneo ha aparecido un artículo dedicado a la feminidad tal y como es capturada por la mallorquina Marta Pujades, una fotógrafa joven, todavía en sus veintitantos, pero que me ha parecido en lo que he visto de ella muy inquieta y muy interesante. Habrá que estar al tanto.

En Feature Shoot tenemos el particular trabajo de 3cm (instagram), nombre de batalla del taiwanés Yung Chen Lin. Los cuerpos de mujer literalmente cosidos, atravesados por gruesos hilos de color rojo, en imágenes convencionalmente bellas, pero que al mismo tiempo nos trasladan la idea de sufrimiento o dolor, al mismo tiempo que identificamos el rojo de los hilos con la sangre que no vemos.

En otro orden de cosas, y aquí mezclamos hombres y mujeres, en Bokeh by DigitalRev nos presentan el trabajo realizado por el fotógrafo Patrick Struys bajo el título Porn Portraits. Sí, "retratos pornográficos". Este fotógrafo, utilizando un pedazo camarón de medio formato realiza unos retratos sencillos, de personas aparentemente desnudas, que están visualizando películas pornográficas. Los retratos son para todos los públicos. Lo importante son los gestos, las reacciones, la variedad de ellas, desde las que denotan sorpresa o diversión, hasta las que muestran incredulidad o desagrado. Sencillo, pero interesante.

Y ya que estamos, en American Photo, antaño excelente revista de fotografía hoy arrinconada a la existencia virtual en internet, nos hablan del cambio que se ha producido en una revista icónica en la cultura popular; Playboy. Esta revista se ha dedicado durante décadas a vender un estilo de vida al alcance de pocos de sus lectores. Suponiendo que estos se dedicaran a leerla, puesto que entre sus artículos se intercalaban reportajes de modelos desnudas, en los que poco había que leer. Todo quedaba muy a la vista. Todo. Pues ya no. Desde hace un mes, no más desnudo. Siguen saliendo chicas, pero ya no muestran sus "vergüenzas" sino que las insinúan. Pero además han cambiado el estilo de las fotografías... ¿Una reorientación de la revista buscando respetabilidad? ¿Un reflejo del conservadurismo que está introduciéndose en las sociedades occidentales, principalmente en Norteamérica? ¿O sencillamente que no pueden competir con internet como dispensador de carne femenina y buscan otra clientela para subsistir? Nunca han sido santos de mi devoción. Siempre he opinado que tratan con poco respeto a la humanidad, tanto a mujeres, convertidas en meros objetos de deseo, como a hombres, convertidos en seres sin cerebro obsesionados con tetas y culos. Y no me considero nada mojigato.

Y finalmente, otra visión de la mujer la del japonés Yoshiro Tatsuki, con fotografías en las que se muestra una versión tradicional de la mujer japonesa basada en los cuentos de ficción tradicionales, pero introduciendo elementos modernos, sorprendentes o fetichistas, en imágenes muy narrativas. Y bellamente realizadas. Las hemos visto en L'Oeil de la Photographie.