La fotografía como afición y otras artes visuales

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Recomendaciones semanales - del 3 al 10 de julio de 2016

Esta semana, que he estado de vacaciones, se suponía que podría recolectar un mayor número de recomendaciones fotográficas, y con más tranquilidad. Lo cierto es que no. No sé si porque he estado muy entretenido con otras actividades, o porque el verano se va notando y el número de noticias disminuye. Aunque también el verano se presta a las actividades culturales. No sé. Igual ha sido un fenómeno casual. Azaroso. El caso es que ha afectado tanto al número de recomendaciones seleccionadas, como al número de fotografías recolectadas en el tablero de Pinterest de la semana.

Las fotografías que acompañan la edición de esta semana de mis recomendaciones son de ayer mismo, sábado. Pasé toda la mañana con mi sobrino Diego, de siete años. Y nos fuimos a visitar el Acuario de Zaragoza, que está especializado en especies fluviales fundamentalmente. Alguna hay marina, especialmente las que tienen su habitat relacionado con la desembocadura de los cinco ríos representados en esta exposición permanente; el Nilo por África, el Mekong por Asia, el Amazonas por América, el Darling-Murray por Oceanía y el Ebro por Europa. A mi me gustaría ir con más frecuencia. Pero es caro. 14 euros la entrada normal y 7 euros para los niños hasta 12 años. Y no existen posibilidades de abonos anuales o iniciativas tipo "amigos del acuario" ni nada por el estilo. Siempre lo digo. Con esos precios, la mayor parte de la gente va una vez cada mucho tiempo, y el acuario suele estar con poquita gente. Desangelado. Con un abono anual equivalente a dos entradas, estarían ingresando más dinero, y la gente iría a pasar la mañana o la tarde y habría ambiente. Por el mundo esto se da... ¿por qué en los museos y entidades culturales de Zaragoza no es así? Absurdo. En cualquier caso, como llevaba mi Leica D-Lux, hice algunas fotografías de las que os dejo una muestra en esta entrada.

Seguimos encabezando estas entradas de recomendaciones con entradas luctuosas. Gentes de la fotografía que se van al otro barrio.

Esta semana, Ted Forbes dedicaba un vídeo a la memoria de Dave Heath (1931-2016). Os lo dejo aquí. Está en inglés.

Yo no conocía a este fotógrafo, que tampoco parece muy popular fuera de Estados Unidos. Incluso en su país no es de los más conocidos. Sin embargo, las muestras de su trabajo que ofrece Forbes y lo que luego he podido ver me hacen pensar en un fotógrafo muy intimista, que se introduce mucho en sus sujetos. Con un estilo fotoperiodístico, parece que una de sus influencias fundamentales fue W. Eugene Smith, sin embargo no trabajó para los medios de comunicación, y vendió su trabajo a través de galerías de arte o de libros de fotografía. Merece la pena darse una vuelta por su obra.

Otro de los fallecidos esta semana ha sido el director de cine iraní, muy interesante como cineasta, Abbas Kiarostami (1940-2016). Hubo una referencia a su trabajo como fotógrafo hace un par de años en Cada día un fotógrafo, que os recomiendo repaséis. También es un fotógrafo muy intimista, muy apegado a los paisajes, lo cual sucede también en su obra cinematográfica. Muchas de sus fotografías son realizadas al vuelo, mientras conduce. En una observación permanente de esos paisajes. A conocer, también. Como fotógrafo y como cineasta.

Desde el otro lado de los Pirineos, las noticias que nos llegan no tienen todas relación con el fútbol. Porque se han puesto en marcha ya los encuentros fotográficos de Arles que es uno de los festivales más importantes de fotografía en el mundo. Algún día habría que ir. Total está "aquí al lado", al otro lado de la frontera. Por eso han llegado abundantes noticias sobre exposiciones en la ciudad provenzal, de las cuales he seleccionado algunas.

Una curiosa, y estremecedora, es la serie de Andres Serrano sobre la tortura. Aunque representada en ocasiones en sus fotografías, algunas de las cuales podemos ver en L'Oeil de la Photographie, en forma de objetos utilizados en épocas remotas, también encontramos fotografías que nos muestran el mundo de la tortura hoy en día o en los terribles acontecimientos bélicos o totalitarios que se sucedieron durante el siglo XX. Me vale como elemento de reflexión. Porque evita caer en un morbo excesivo, con fotografías directas sencillas y que hablan por si mismas.

También podemos ver en L'Oeil de la Photographie fotografías de la serie Phenomena de Peter, Sara & Tobias. Es decir los fotógrafos Tobias Selnaes MarkussenSara Galbiati y Peter Helles Eriksen. Leía esta mañana el artículo en Xataka Ciencia "El ovni de los agujeros". Un artículo en el que explica cómo el "fenómeno ovni" se ha convertido en el nuevo "dios" de la modernidad para explicar aquello a lo que mucha gente no encuentra explicación. Y en lugar de tomar la vía ardua y difícil de investigar, estudiar, analizar... opta por abrazar los modernos mitos de los extraterrestres y las naves espaciales de otros mundos. Como antaño sucedía con los dioses. Los fotógrafos, con su investigación y trabajo, recogen las manifestaciones culturales de la acogida de estos nuevos mitos por partes de las sociedades actuales. Con un punto de vista entre documental e irónico, sin que falte una cierta dosis de cariño.

Don McCullin es uno de los grandes de los fotórreporteros de las últimas décadas, especialmente en tiempos de guerra. Pero en Arles han optado por exponer su obra menos relacionada con el fenómeno bélico, y mostrando sus facetas como paisajista y fotógrafo documental de la realidad social de las ciudades occidentales. Tan buenas como su trabajos más conocidos. También en L'Oeil de la Photographie.

Cambiando de tercio, el paisaje. En esta semana he estado metido a fondo en esta práctica. De Islandia me he traído una abundancia de paisajes, no siempre obtenidos en las mejores condiciones de luz. Frente a la tendencia que se observa en algunos sitios a transformar mediante el procesado digital los paisajes en algo muy distinto de lo que había en el momento de la toma, mi ética personal me lleva a que el procesado, que siempre existe, no seamos hipócritas y digamos que no, intenta recuperar las sensaciones del momento de la toma sin añadir nada más. O por lo menos eso espero. En cualquier caso, hay que mirar muchos paisajes para tener una idea clara de por donde hay que tirar. En el tumblelog de If You Leave, nos han mostrado los paisajes de la serie "Plethora" de Cody Cobb, que se aproximan mucho a mi ideal. Paisajes con poco elementos, bien distribuidos en el cuadro. Colores naturales, sin estridencias y que devuelven un ambiente sin ninguna sensación de artificiosidad. Pero es más difícil de lo que parece... Llevo dos días revisando la primera versión del libro de fotos de Islandia, y aunque la selección de fotografías me parece adecuada, el tratamiento que les he dado me hace dudar... Habrá que revisar más.

De niño, en clase de manualidades, nos ponían hacer collages. Algo que nos divertía pero nos parecía banal. Problemas del sistema educativo español a lo largo de las décadas. Sin embargo, de vez en cuando encuentro artistas del collage que no dejan de atraerme. Algo así me ha pasado con la propuesta que nos ha traído esta semana Lenscratch. Se trata del trabajo de Nadine Boughton, que ha través de sus collages con la imaginería de los años 50 en Estados Unidos, intenta establecer una exploración crítica de los valores de esa sociedad, que se han transmitido a la actualidad con más fuerza de lo que pensamos. Las ideas de los papeles asociados a los sexos, la belleza, el poder, la ciencia y la tecnología, el miedo al conflicto bélico o terrorista,... Muy interesante.

Y con el principio del mes de julio nos ha llegado el nuevo número de Fraction Magazine, el 88.

Tengo la sensación de haber revisado ya las coloridas fotografías de Manuel Armenis, que desde Alemania nos ofrece su visión de los lugares que son habituales en nuestra vida cotidiana, lugares sin ningún tipo de glamour, pero que son constantes en nuestras vidas.

Mary Chairetaki y Panos Charalampidis nos dan su visión de las mesetas del interior de la isla de Creta, donde se suponía que estaba la Cornucopia de los dioses, el cuerno de la abundancia. Una reflexión sobre el mundo agrario griego, que se podría extender fácilmente a otros países mediterráneos.

También desde Grecia nos llega el trabajo de Mehran Khalili, que intenta trasladarnos cómo ha afectado al país heleno la profunda crisis económica y financiera, y social, de la última década.

Madeleine Kukic, desde los países bajos, con un blanco y negro muy elegante, nos transmite su visión del mundo de la infancia, a través del mundo de su hija.

Y con esto lo dejamos por hoy...

Recomendaciones semanales - del 19 de junio al 3 de julio de 2016

Vuelvo a mis recomendaciones semanales tras mi semana de parón por vacaciones. No hay mucho que contar,... porque no he estado en internet tan apenas. Pero algo hay. Lamentablemente, un par de noticias luctuosas. Pero de momento, para abrir boca, mi tablero en Pinterest de estas "dos semanas".

Las fotografías acompañantes en esta ocasión son del viaje por Islandia durante una semana que he realizado en este principio de vacaciones. En concreto, son algunos paisajes, ejemplos de los numerosos saltos de agua, algunos de ellos de los más vistosos otros más discretos, que encontramos en el país nórdico. Como información técnica del viaje, diré que como de costumbre he llevado por el mundo cámaras del sistema micro cuatro tercios por su ligereza y competencia. Me he llevado dos, la Olympus OM-D EM-5 y la rojilla Panasonic Lumix GM5. La primera ha sido la titular, especialmente combinada con el objetivo de focal variable Olympus M.Zuiko Digital ED 12-40mm F2.8 PRO. No soy muy aficionado a las focales variables. Además este objetivo es relativamente grande dentro del sistema y desequilibra un poco el uso de la cámara. Pero la EM-5 y el 12-40/2,8 tienen un atributo fundamental en estos viajes. Son resistentes al agua en situaciones de mal tiempo. Se pueden usar bajo la lluvia. Y no sabéis lo bien que viene en un país donde parece que todos los días llueve, o cuando te acercas al aerosol levantado por un potente salto de agua.

Gullfoss
Brúarhiöđ

En cuanto a ópticas, la GM5, que iba como cámara de reserva, ha ido calzada la mayor parte del tiempo con el compacto teleobjetivo de focal variable Panasonic Lumix G Vario 35-100mm F4.0-5.6 ASPH. MEGA O.I.S. Este es muy compacto y económico. No soy muy de usar teleobjetivos, así que para un uso ocasional me conformo con una óptica honesta pero que no cueste mucho. Además es realmente pequeño para lo que ofrece. Y diafragmando a f/8 su calidad es bastante razonable. También a plena apertura, pero salvo que no haya luz o sea un retrato, prefiero cerrar algo el diafragma. Y además está estabilizado. Lo he usado. Y creo que con ventaja. Para situaciones en las que necesitase mucha luminosidad o un objetivo más discreto he llevado el siempre competente Panasonic Leica DG Summilux 15mm F1.7 ASPH, y como "tapa" de la Olympus para el transporte, y en un par de situaciones que lo he usado, el Olympus Fisheye Body Cap (9mm F8.0 ojo de pez).

Urriðafoss
Seljalandsfoss

Poco antes de salir de viaje, nos podíamos enterar del fallecimiento del fotógrafo chino Fan Ho (1931 - 2016) de quien ya había hablado previamente en estas páginas. O en el Cuaderno de ruta, no recuerdo. Fotógrafo documental que recorrió las calles de Hong Kong con su cámara, especialmente durante las décadas de los 50 y los 60 del siglo XX, con un estilo muy personal de fotografía en blanco y negro, muy estilizada y con unos valores estéticos muy notables. Dominaba como pocos la composición, el tratamiento de las formas y la armonía entre luces y sombras. Un fotógrafo cuyas imágenes deben ser estudiadas por todos los aficionados a la fotografía. La noticia apareció en múltiples medios, pero yo la traigo aquí de la mano de Quesabesde.

Y al regreso de la vacaciones, esta vez a través de PetaPixel, aunque también la noticia apareció en múltiples medios, me entero del fallecimiento del fotógrafo de moda radicado en Nueva York Bill Cunnigham (1929 - 2016). Octogenario como el anterior, este ha estado en activo hasta el final, con columna propia desde hace décadas en The New York Times. Su presencia, con un equipo muy simple, permanecía fiel a una Nikon FM2 para película tradicional con un objetivo de focal sencilla, probablemente un 50 mm pero no estoy seguro, y su característica chaqueta azul, era habitual de las calles de la Gran Manzana y en las pasarelas, donde se le trataba con un respeto cercano a la reverencia. Toda una institución a pesar de su carácter excéntrico. Hablé de él hace unos años a propósito de un documental que realizaron sobre el personaje.

Gljúfrafoss

Yéndonos ya a las recomendaciones de carácter habitual, y empezando como casi siempre por un clásico, conoceremos al fotógrafo belga Léonard Misonne, que vivió y trabajó a caballo entre los siglos XIX y XX, y fue adepto al pictorialismo, como nos muestran en L'Oeil de la Photographie. Aunque este estilo fue especialmente utilizado por los retratistas, especialmente aquellos que querían separarse de la fotografía de aficionado que empezaron a surgir con la popularización del medio por parte de Kodak, buscando un calidad de "obra de arte" en sus fotografías, Missone lo utiliza para documentar el paisaje natural, urbano y social de la Europa de su tiempo. Realizó y perfeccionó sus propios procesos fotoquímicos, cuidando mucho tanto la composición, como la iluminación y el resultado final.

Como vemos en las fotografías de hoy, en un viaje a Islandia el paisaje es el motivo fundamental de la fotografía del viajero. Pero frente al fresco y agreste paisaje de la isla próxima al Ártico, en Feature Shoot nos mostraron el trabajo del fotógrafo australiano Gabriel Scanu sobre las playas y costas próximas a Sidney. Los drones teledirigidos con un aparato de grabación de vídeo o fotográfico incluido se van popularizando poco a poco, lo cual permite al fotógrafo nuevos puntos de vista. Lo cual no quiere decir que todo lo que se haga de esta forma sea significativo, aunque sea más o menos espectacular. Pero el trabajo de Scanu, además de refrescante para las veraniegas fechas en las que nos movemos, me ha parecido que tiene un punto de vista interesante y que nos puede aportar algo más que unas vista bonitas.

Skógafoss
En las cercanías de Foss a Sidu

Sigue siendo actualidad el festival PHotoEspaña 2016. Ya os hablé de mis visitas hace unas semanas a algunas de sus exposiciones en Madrid. Todavía tengo intención de volver en los días que me quedan de vacaciones. Ya tengo prevista la fecha, con billetes de tren incluido y entrada al Prado para ver al Bosco, que no solo de fotografía se alimenta uno artísticamente hablando. Pero hay otras cosas que ver en fotografía. En Clavoardiendo Magazine nos van hablando de la oferta del festival de este año.

Me extrañó en mi desplazamiento a la villa y corte en el mes de junio que la Fundación Mapfre no tuviera nada que ofrecer. Bueno, pues sí. Nada menos que al japonés Hiroshi Sugimoto, un fotógrafo muy sugestivo, del que ya he comprado algún libro. No faltaré a la cita con esta exposición.

Hace tiempo que me considero un fan incondicional de la fotografía del francés Bernard Plossu. No pudo ser en la visita anterior, me quedé corto de tiempo, pero no faltaré a mi cita con el francés en el Real Jardín Botánico.

Como ando siempre corto de tiempo, pocas veces suelo salirme de las exposiciones de la sección oficial del festival. Pero está la sección off del mismo, que puede ser también interesante, generalmente en galerías privadas. El premio de este año en esta sección va para el proyecto "Cuando aún nevaba" de Jesús Labandeira. Si puedo me acerco.

Foss a Sidu
En las cercanías de Foss a Sidu

También ha salido recientemente el número 21 de Fraction Magazine Japan. Que me sigue pareciendo más interesante que el proyecto original norteamericano. Parece que en esta ocasión está especialmente dedicado a la fotografía de paisaje, y me ha resultado muy interesante. No voy a destacar ningún porfolio en especial, y sugiero que visitéis todos ellos. Bueno sí que voy a destacar alguno... Cómo no, acorde a las fotos de hoy, el trabajo de Ryotaro Horiuchi, que trabaja en blanco y negro la estética de los saltos de agua. Y también el singapureño Hui Hsien Ng, que nos ofrece paisajes de Islandia, aunque de tiempos más fríos que los que he tenido yo.

Terminaremos con una recomendación más anecdótica, que nos llega desde el facebook de Revela-TBlade Runner fue una película que constituyó un referente fundamental para toda la ciencia ficción posterior,... aunque si que haya sido superada desde mi punto de vista. Ciertas fotografías tienen un papel importante en la película... pero no hablaré de eso. La protagonista femenina, Sean Young, parece que acarreó consigo por el rodaje una Polaroid, cuyas fotografía se pueden contemplar, no tanto por su calidad como por su cinefilia y por el hecho de que son un claro antecedente de la moda del selfi de famosa tal y como lo conocemos en la actualidad.

Hundafoss
Svartifoss

Recomendaciones semanales - del 12 al 19 de junio de 2016

Últimas recomendaciones semanales de la primavera, antes de entrar en modo vacacional durante una quincena. Es seguro que dentro de una semana no saldrá esta sección cuasisemanal, y ya veremos lo que pasa dentro de quince días. Dentro de tres semanas espero haber recobrado la "normalidad". En cualquier caso, vamos a lo que ha pasado esta semana. Y para eso nada mejor que empezar por el tablero de Pinterest de estos últimos días.

Las fotografías que acompañan hoy las recomendaciones semanales entran dentro del territorio macro. Realizadas con la Olympus OM-D EM-5 y dos de los objetivos más modestos dentro del sistema micro cuatro tercios. El modesto gran angular de Panasonic G 14 mm 1:2,5 ASPH, pequeñito pero matón, y el teleobjetivo de focal variable también de Panasonic G VARIO 35-100 1:4-5,6 ASPH MACRO O.I.S., que adquirí recientemente por un 60% de su ya de por sí modesto coste en una "outlet" por internet. Ambos tienen una rosca para filtros de 46 mm, y a ambos les coloqué ayer por turno mediante un adaptador de paso de rosca de 46 a 49 mm la lente de aproximación Cosina que tengo desde hace una década acompañando al plasticoso Cosina MC 100 mm 1:3,5 Macro para montura Canon EF. El casos es que esta lente de aproximación de 3 1/3 dioptrías, permite que el teleobjetivo de focal variable, a su máxima longitud focal de 100 mm, obtenga una escalas de reproducción entre 1:3 y 1:2. Si contamos además con el factor de recorte del formato micro cuatro tercios frente al denominado "formato completo", tenemos que registra la misma escena que un objetivo para ese formato con una escala de reproducción entre 2:3 y 1:1... No está mal... ¿verdad? Con el 14 mm el efecto es muy pequeño, muy sutil, aunque tiene cierto efecto en el nivel de desenfoque del fondo, que es más acusado. Por lo tanto, servirá más a propósitos estéticos que de adentrarse en la fotografía de aproximación.

El objetivo de focal variable con la lente de aproximación y usado a distintas longitudes focales.

Empecemos como de costumbre remontándonos al pasado. Antes de que se comercializará y se volvieran relativamente comunes los procesos más conocidos para película positiva o negativa en color, ya existía un proceso para obtener fotografías en color, que era el Autochrome o Placa Autocroma, patentado por los hermanos Lumière, los del cinematógrafo. Si os vais al tablero de Pinterest encontraréis un ejemplo, bastante pícaro, de las fotos que hacían estos hermanos con sus autocromos. Un retweet de Believe in Film me ha llevado a un artículo en Mashable en el que nos muestran el trabajo de 1927 del fotógrafo de National Geographic Clifton R. Adams, que documentó los modos de vida de la Irlanda rural en la época con las complejas transparencias que se conseguían mediante este proceso.

Yéndonos ya en otro tono totalmente distintos a una fotógrafa que se puede considerar ya un clásico de la fotografía mundial en general y de la mejicana en particular, En L'Oeil de la Photographie nos han recordado esta semana el trabajo de Graciela Iturbide. Desde mi punto de vista una fotógrafa excelente que ha sabido transmitir con fidelidad muchos aspectos de la compleja cultura de la sociedad mejicana y latinoamericana en general. Un trabajo etnográfico a conocer por todos los aficionados a la fotografía. Necesariamente.

De mi visita a Madrid el sábado de la semana pasada tengo todavía pendiente de hojear con calma un libro que compré sobre el trabajo en color, menos conocido, del nipón Daido Moriyama. Una parte de este trabajo en color forma parte de un conjunto de fotografías de la que nos hablan en American Suburb X bajo el epígrafe de Daido Tokyo y que constituyen una exposición que se está empezando a poder contemplar por distintos puntos del mundo. Muy interesado en la visión alternativa de un fotógrafo al que se suele relacionar con sus fotografías en blanco y negro fuertemente contrastadas y de atrevidos encuadres.

Ya hablaba hace unos días de algunas exposiciones del festival PHotoEspaña de este año. Luego saldré a visitar las otras dos que se han abierto aquí en Zaragoza en los últimos días. El festival otorga distintos premios y reconocimientos a fotógrafos en distintos estadios de su desarrollo profesional y artístico, con especial interés en los más jóvenes. Y ahí tenemos el premio Descubrimientos, que en esta edición ha ido a parar al chileno Andrés Durán Dávila. Mediante una cuidadosa e ingeniosa manipulación digital, Durán Dávila nos reinterpreta monumentos dedicados a próceres de la patria o de las ciudades, poniendo en cuestión sus méritos o las sociedades a las que han dado lugar. Nos lo contaron en Quesabesde, entre otros sitios.

Un par de propuestas que nos llegan desde Clavoardiendo, una revista en línea de fotografía que cada día está más interesante.

En primer lugar, tenemos el proyecto "Piel de otoño" de David Inclán, un proyecto muy introspectivo en el que se da un repaso a los temas universales de los acontecimientos fundamentales de la vida de una persona. Fotografías de aspecto muy melancólico, en las que la copia es muy trabajada, y con inspiración de artistas de origen japonés. Supongo que podemos considerar a Inclán como un fotógrafo a seguir en un futuro.

En segundo lugar, tenemos el proyecto "La balsa de piedra" de José Cavana, inspirado por el relato del mismo título de José Saramago. Cavana sitúa su balsa de piedra en el peculiar entorno del Cabo de Gata, con una mezcla fotografía de arquitectura y paisaje, muy manipulada para conseguir unas simetrías forzadas, aunque eventualmente rotas por pequeños detalles.

Del trabajo de Kelly Hofer me enteré si no recuerdo mal a través de un twitter, pero no recuerdo de quien. El fotógrafo empezó su vida en una colonia huterita, uno de estos grupos ultraortodoxos de denominaciones protestantes que se anclan a modos de vida muy tradicionales, rechazando la tecnología y viviendo en comunidades cerradas. En cualquier caso, uno de los proyectos de Hofer, "Hutterite", tiene que ver con sus vivencias de sus primeros años de vida, y nos traslada a una de estas colonias, especialmente a sus niños y adolescentes, ofreciéndonos una visión amable de este modo de vida al que parece que él a renunciado. En cualquier caso, con una mezcla de fotografías en blanco y negro y fotografías en color en que este ha tenido un tratamiento que nos retrotrae a los tonos y saturaciones de las películas de antaño, especialmente las kodachrome. Lo cierto es que me ha gustado... aunque me haya dejado la duda de cuál es la tesis real de Hofer sobre estas comunidades.

Acerquémonos al mundo del retrato. En Cada día un fotógrafo nos sugieren que nos acerquemos al trabajo de Margo Ovcharenko, un joven fotógrafa rusa afincada en Nueva York que de momento ha centrado su trabajo en los jóvenes rusos de su generación. Como muchos de sus coetáneos, transmite esa languidez que tan de moda está en esos grupos de edad y en los fotógrafos de esas edades. Pero sin duda, en el trabajo de Ovacharenko se aprecia un mayor dominio y cuidado en los encuadres, los temas y el tratamiento del color que hace que la podamos destacar de la marea corriente común.

En ese sentido, creo que todavía destacan más los retratos de Daria Amaranth, otra fotógrafa rusa, en San Petersburgo, a la que entrevistan en Women in Photography. Sus retratos son cualquier cosa menos improvisados, con composiciones muy cuidadas, e iluminaciones sencillas pero también muy sutiles, dominando las claves bajas. También me ha parecido muy interesante. Aunque es cierto que la selección de fotografías realizada en la entrevista influye mucho en esta impresión. Sus sitios web nos hablan de un trabajo más indiscriminado, con fotografías más conseguidas y otras más anodinas, independientemente de sus habilidades técnicas.

Un artículo del Showcase de If You Leave, otra revista en línea, nos da a conocer el trabajo de un grupo de fotógrafas londinenses que se presentan colectivamente con el nombre de Skin & Blister Collective, constituido por Louise OatesLaura SolomonsAlex WheelerSophie DavisMarta GutFrancesca Oldfield y Dafne Salis. Con frecuencia me parece más interesante el diálogo que estableces las fotógrafas entre sí dentro del colectivo que el trabajo presentado en individual por cada una de ellas, aunque hay de todo. Me parecen interesante estos trabajos colectivos.

Finalmente, un artículo que despertó uno de mis cabreos redundantes. Yo soy un chico de ciencias. Y creo que en estos momentos, la ciencia es una de las herramientas que tenemos para poder revertir algunas de las catástrofes que el ser humano, como depredador difícil de contener que es, ha producido. Especialmente los desastres ambientales entre otros. Sin embargo, estamos en la época de la postmodernidad. Que al igual que el romanticismo en el siglo XIX, difunde una ideología colectiva, y en este caso de carácter global, muy anticientífica. Con frecuencia se satanizan los descubrimientos científicos y algunas de sus aplicaciones tecnológicas. Aunque todo el mundo vaya colgado de sus dispositivos electrónicos móviles. Y se transmiten con facilidad los bulos sobre las "maldades" de distintas cuestiones. Esos mismos que no pueden prescindir de su teléfono celular, protestan por "las enfermedades" no demostradas que producen las antenas de telefonía móvil. Una de las ciencias y tecnologías más atacadas es la genética y los transgénicos. La modificación genética de las especies domésticas es algo que viene haciendo el ser humano de hace decenas de miles de años. Si no, de qué habría la variedad de razas perrunas que vemos, o la variedad de tomates, o de melocotones... Pero ahora se conocen los mecanismos íntimos y se pueden hacer de forma más dirigida. Esto, no es ni bueno ni malo, depende de quién lo utilice y para qué. Y en el caso de los transgénicos el problema está en una serie de empresas con mucho poder y ausencia total de transparencia que se aprovechan de la total desregulación del sistema capitalista liberal. El caso más conocido es Monsanto. El fotógrafo Mathieu Asselin nos muestra en Lens Culture su investigación sobre las consecuencias de la falta de ética y escrúpulos de los responsables de esta empresa. A la cual habría que meterle mano a fondo. Pero insisto, el mal uso de estas ciencias y tecnologías por algunos seres humanos nos habla de que la especie humana es peligrosa para su entorno... no la ciencia o la tecnología. Que en un momento dado, pueden ser las herramientas que nos salven de nosotros mismo. Por favor, no confundamos.

Estas dos últimas son ejemplos del gran angular con la lente de aproximación; el resto están tomadas con el teleobjetivo de focal variable.

Recomendaciones semanales - del 5 al 12 de junio de 2016

Y estoy aquí de nuevo un domingo por la mañana recopilando aquellas noticias o artículos que he encontrado durante la semana en internet relacionadas con el mundo de la fotografía y que me han parecido interesantes, y que creo que pueden interesar a otros aficionados. Pero en primer lugar, como siempre, el tablero de Pinterest de la semana.

Intento poner en estos tableros todo lo que veo y me gusta o me llama la atención... pero a veces no es posible. Uno de mis fotógrafos conceptuales favoritos es Duane Michals, de quien ya he hablado por aquí en otras ocasiones. El caso es que en muchas ocasiones no tiene sentido "pinear" una fotografía aislada suya... ni aunque lo haga con una de sus series entera... hay que verlas juntas y en orden, algo que es difícil de conseguir en Pinterest. Por ejemplo en el tumblelog de Only Old Photography, el 11 de junio pusieron una notabilísima serie de Michals, llena de signficados, surrealista, profunda, cíclica... titulada "Things are Queer, 1973". Esto no se puede "pinear" de forma coherente. ¿Tendré que abrir un tumblelog para este tipo de situaciones? Me lo pensaré. Aunque últimamente no voy precisamente sobrado de tiempo.

Ayer estuve en Madrid. Llevaba casi dos años sin ir. Desde octubre de 2014. Y me he saltado dos ediciones de PhotoEspaña, desde la que visité en junio de 2013. Que me trae malos recuerdos. No por la visita en sí misma, sino por las consecuencias inmediatas al regreso. Las fotos que acompañan la entrada de hoy proceden de la visita, a la que me llevé mi pequeña, discreta y fiel Leica D-Lux. En principio, había pensado dedicar la entrada de hoy a las exposiciones de PhotoEspaña que visité. Pero he decidido que les dedicaré una entrada en exclusiva. De momento, como aperitivo, diré que una de las más interesantes, o que a mí más me gustó, ha sido la de Cristina De Middel en Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa. Ya hablaré de ella. Pero de momento, os dejo una entrevista que le hicieron esta semana en Clavoardiendo. Es la fotógrafa de moda en España. Y creo que con motivos...

Nunca había entrado ni el Museo de la Biblioteca Nacional, ni el Centro Cibeles, antiguo Palacio de Telecomunicaciones,... Pero con motivo de PhotoEspaña he podido visitarlos por dentro. Interesante este último.

Rodney Smith es un fotógrafo de moda especialmente activo cuyo estilo me traslada a un pasado de forma doble. En primer lugar porque en lo que se refiere a su forma de presentar las creaciones y los modelos me recuerda más a colegas suyos de los años 50 o 60, que a sus coetáneos de los años 70 y posteriores. Lo cual hace que sus fotografías son indudablemente elegantes, muy elegantes. Pero también nos echa la mirada hacia atrás por la indudable influencia que el surrealismo, especialmente René Magritte, tiene en sus imágenes, lo que hace que se salgan de los caminos trillados. Hay un humor y aparente desenfado, pero también hay espacio para la reflexión. Nos lo han contando en Hunter Art Magazine.

Mary Ellen Mark también es una fotógrafa de la que hemos hablado de vez en cuando en estas páginas. Pero en esta ocasión nos recuerdan en American Photo que dedicó muchos años de su vida a mantener el contacto, seguir y documentar la vida de Tiny, mujer a la que conoció en 1983 cuando era una adolescente de 13 años huída que se prostituía para conseguir dinero, y con quien permaneció en contacto hasta la muerte de la fotógrafa recientemente, justo antes de terminar de preparar un libro sobre la mujer, que no pudo ver publicado. Muchas de las más icónicas fotografías de Mark son de Tiny, especialmente en su juventud. Una vida difícil, reflejada en las fotografías de una fotógrafa de primera.

El Círculo de Bellas Artes, cada vez más cara la entrada, estamos de vacas flacas para la cultura, es un habitual de las sedes de la sección oficial de PhotoEspaña; a la salida, nos encontramos subiendo por Alcalá y Gran Vía una manifestación ciclonudista.

Nicholas Nixon es un fotógrafo que también me gusta mucho. Si la anterior es una mujer conocida por muchos sus aspectos de su trabajo entre los que incluía el proyecto sobre Tiny, Nixon es conocido fundamentalmente por su proyecto de toda la vida sobre las hermanas Brown, pero tiene otros proyectos que también son muy interesantes. En las páginas de The New York Times nos hablan de "A photographer's eye" en el cual toma fotografías de su propio ojo. Fotografías difíciles de realizar, pero que adquieren gracias a la creatividad del fotógrafo nuevo significados.

De Middel, en la entrevista que he mencionado antes dice algo que puede resultar provocador. En general, creo que le gusta ser provocadora... 

La foto de calle, a menos que seas Bruce Gilden con un trabajo tan faraónico, no dice nada.

Santo cielo... con lo importantes que se creen muchísimos con esto de la "street photography"... en inglés, para desmarcarse de los que simplemente documentan el mundo cuando pasean por la calle, sin asumirlo como un género en sí mismo. Bien. Que conste que a mí el estilo de Gilden no me gusta. Nada. Sus fotos... depende. En cualquier caso, en Cada día un fotógrafo nos hablan de Ando Fuchs, fotógrafo austriaco al que asignan de forma indirecta la etiqueta de "fotógrafo de calle". Aunque no voy a ser tan radical como De Middel, ni tengo tanta autoridad para serlo, lo cierto es que si hubiera reconocido a Fuchs como tal, probablemente no estaría aquí. Pero para mí... mi sensación es que es un paisajista. Lo único que en ocasiones el paisaje es el de la calle. También hace unos retratos estupendos. ¿O serán paisajes del rostro de las personas? ¿Tendrá algo que ver en esa sensación el formato cuadrado y los encuadres cerrados? Que cada uno juzgue.

Por la tarde, con el calor instalado, alternamos exposiciones con cervecitas frescas, por el llamado "barrio de la Letras", donde hay mucha cultura mezclada con tapeo y turisteo.

Volvamos al surrealismo y a la prolongada sombre de René Magritte. Que como nos cuentan en Feature Shoot, podemos encontrar en la serie "SUITS" de Ben Zank. Fotografía escenificada en riguroso blanco y negro, que tiene momentos más conseguidos y otros menos, pero que merece la pena un vistazo. Por cierto... que no toda fotografía de un señor con traje y sombrero y al que no se le ve la cara va a ser un "magritte", ¿verdad? A ver si nos ponemos un poquito más exigentes.

Un trabajo documental puro, pero lleno de cariño y sensibilidad, el de Julia Cybularz, tal y como nos lo presentan en American Photo. Su serie "Breaking the Girl" acompaña la odisea de su sobrina Hannah durante cinco años en tratamiento con una compleja escoliosis idiopática, durante los difíciles años del paso de la infancia a la adolescencia. Ser familia supongo que habrá facilitado la comunicación y las fotografías, pero no me parece una serie nada fácil. Especialmente por el dolor físico y moral que puede tener la niña, de tan serena mirada.

Fachadas con decoraciones modernas y otras más tradicionales mientras nos dirigíamos a la galería, librería y tienda de La Fábrica; donde además había otra exposición de Cristina De Middel.

Antes de cerrar con una curiosidad las recomendaciones de hoy, cerraremos el ciclo también con una noticia sobre una fotógrafa española joven, PhotoEspaña, y el hecho de que la noticia nos la proporcione Clavoardiendo, una revista en línea de fotografía que no puedo dejar de recomendar a todos los aficionados a la fotografía. Y se trata de que en el certamen han concedido el Premio Revelación PhotoEspaña 2016 a la fotógrafa catalana Laia Abril. Esta fotógrafa también se ha asomado a estas páginas en alguna ocasión. Una fotógrafa que ha centrado buena parte de su trabajo en la mujer y en la sexualidad. Siempre con respeto, con mucho respeto, y con especial interés en mostrar y defender la diversidad. Pues me parece muy bien.

Decía que iba a terminar con una curiosidad. Que tal si uno pudiese introducirse en una cámara fotografica. Con un objetivo de 3000 mm de longitud focal, para una imagen redonda de aproximadamente 2400 mm de diámetro. Como vemos esos 3000 mm hay que situarlos en el terreno de las focales estándar en este caso... Si queréis conocer más detalles de este "aparato" visitad Cooph Magazine. Sí, se trata de una cámara oscura, en la que la luz entra a través de una lente en lugar de un estenopo... Como decía, curioso. Se debe a Heinrich & Palmer (Anna y Leon).

Dos jardines para terminar el día, el vertical de Caixaforum y el tropical de Puerta de Atocha... En el primero, flores y abejitas, en el segundo, animales con caparazón; "stormtroopers" de la Guerra de las Galaxias y tortugas, muchas muchas tortugas.

Recomendaciones semanales - del 29 de mayo al 5 de junio de 2016

Esta semana he estado realmente muy ocupado y no he recogido muchas recomendaciones, así que haremos una entrada de apaño. Por supuesto, como siempre empezaremos por el tablero de Pinterest de la semana. Que viene con un poco de todo.

En cuanto a las fotografías acompañantes... Salvo tres de ellas que están relacionadas con el primer artículo del que hablaré, y que están hechas con película tradicional Kodak ColorPlus 200 en una Pentax MX con un SMC Pentax-M 40 mm 1:2,8, el resto proceden de mi última adquisición para el sistema micro cuatro tercios. A ver. Me explicaré. No soy muy fan de la fotografía con teleobjetivos, más allá de un tele corto. Me suelo conformar con cualquier cosa que vaya entre los 70 mm y los 100 mm, hablando en términos del formato 24 x 36 mm, o sus equivalentes en otros formatos. En el sistema micro cuatro tercios estaríamos hablando en focales entre 35 mm y 50 mm. Más allá... la verdad es que los resultados, con pequeñas excepciones me suelen aburrir, siendo el territorio de la macrofotografía donde los encuentro más adecuados. Y tengo soluciones para ello. El caso es que en algún viaje me he llevado teleobjetivos de orígenes diversos con adaptadores. Yo viajo con cámaras micro cuatro tercios por su ligereza y discreción. Pero no deja de ser un poco incómodo. Así que me he agenciado un pequeño y coqueto Panasonic G Vario 1:4-5,6/35-100 mm ASPH Mega OIS. Para que comparéis, os pongo una foto con una solución similar para Canon EOS de formato completo. Esta última, medio paso de diafragma de promedio más luminosa, pero sin estabilizador óptico.

Como veis, es mucho más ligerito. Y sinceramente, en un uso cotidiano durante un viaje, no creo que el talabarte de 21 megapíxeles, con un objetivo que en su momento se consideraba decente, pero que se diseñó para la película tradicional, de mejor calidad de imagen que el pequeño conjunto de 16 megapíxeles enormemente mas portable.

El objetivo me has costado muy poco. Un 60% de su precio habitual que ya es económico. Pero es que es... como decirlo... de "km 0". Es decir... usado en escaparates y demostraciones. Pero está en excelente estado. Que no quería gastar gran cosa en un chisme así.

Mis primeras fotografías con el recién llegado, al salir del cine... Este pasillo siempre me ha parecido muy fotogénico.

Pero vayamos a la fotografía... o no... pasemos primero por la escultura... o fotografías de esculturas. En Cross Connect Magazine, revista virtual dedicada al arte contemporáneo, dedicaron un artículo al escultor barcelonés Jaume Plensa. Este escultor ha llenado el mundo de grandes, o pequeñas, esculturas de señoras, parece ser que son de género femenino, formadas por letras, sentadas, con las piernas recogidas en posición fetal y abrazadas por las manos. En Zaragoza, nos colocaron una en el recinto de la Expo 2008 con el título "Alma del Ebro". Lo cierto es que no le encuentro diferencias sustanciales a otras similares, extremadamente similares, que están repartidas por el mundo. Sin embargo, tiene otras esculturas que incluso si comparten elementos con las anteriores, presentan variaciones que me parecen interesantes. Bueno. Me resultó curioso y os lo dejo.

Vista general del "Alma del Ebro" que tenemos instalada en el antiguo recinto de la Expo en Zaragoza.
Vista parcial de la misma.
Esta versión mucho más pequeñita y metalizada, estaba o está en el exterior del Museo de Bellas Artes de Montreal, en Canadá.

El clásico de hoy es un clásico muy contemporáneo. Se trata de la fotógrafa Donna Ferrato, probablemente de las primeras en conseguir meterse en el mundo de la violencia de género y conseguir documentarlo fotográficamente, en un momento en el que no se hablaba del tema en el mundo. Incluso se la cosa, como se explica en el artículo de American Photo, empezó de forma inesperada. Me parece notable la historia que nos cuentan, y me ha gustado mucho el pequeño documental que incorpora el artículo. Está en inglés... ayudan los subtítulo disponibles,... también en inglés. Bueno... la verdad es que a mí me impresionó la historia y la experiencia que nos cuenta Ferrato.

Aislar los detalles, explotar el grafismo, siempre me han parecido dos de los motivos más interesantes para usar un teleobjetivo.

En un tono totalmente distinto, en Women in Photography, donde nos muestran el trabajo de fotógrafas, profesionales o aficionadas, no muy conocidas pero con calidad, nos traen el trabajo de fotografía documental en la calle de Natalia Jaeger. Desde mi punto de vista se sale de los caminos trillados por diversos motivo. Por el uso del color, y de forma muy inteligente. Por el tremendo respeto que muestra hacia sus sujetos, incluso si los fotografía de forma inadvertida. Por el intimismo y humanización de las personas que aparecen retratadas en su trabajo. A mi me gusta bastante más que la mayor parte de los "street photographers" al uso...

Su focal más corta puede ser útil para seleccionar elementos del paisaje; pero incluso la más larga nos permite aislar más algunos de ellos.

En Lenscratch nos han mostrado el trabajo de otra fotógrafa, me está saliendo muy femenina la entrada de esta semana, que ha sido premiada en algún sitio por el trabajo que nos presentan. Se trata de Judy Gelles, una fotógrafa que se ha acercado al mundo de la infancia. En concreto a los "fourth grades". Si no me equivoco, niños de 9 o 10 años que cursan el equivalente a nuestro cuarto curso de educación primaria. Proceden de diversos lugares del mundo y son mostrados de dos formas. En un retrato frontal, sin palabras, y en un retrato de espaldas, que se complementa con un texto en el que los niños hablan un poquito de quién son y cuáles son sus preocupaciones... y aquí hay de todo un poco también. A mi tocado la fibra sensible... aunque sea un proyecto aparentemente sencillo. Aparentemente es la palabra clave.

Sin ayudas extras, quizá no destaque en la fotografía de aproximación, por una distancia de enfoque mínimo discreta; pero quizá con alguna ayuda,... una lente de aproximación que ya tengo con un adaptador a la rosca del objetivo.

Flore es una fotógrafa de origen franco-español. Madre española y pintora. Pero desarrolla su trabajo en el país vecino. Usando proceso tradicionales argénticos. En L'Oeil de la Photographie nos muestran una serie que no aparece todavía en su página web, y que quiere ser un homenaje a la juventud en Indochina de la escritora Marguerite Duras, cuyo 20º aniversario de su muerte se celebra este año. A mí, el tono onírico y atemporal del conjunto de su obra me ha parecido interesante... No sé a vosotros.

Al caer la tarde y con un cielo nublado, interesa recortar el encuadre en el paisaje,... y viene bien el estabilizador cuando la luz escasea.

En general, el mundo del "cosplay", es decir, de los aficionados a disfrazarse de sus personajes favoritos de ficción, especialmente del mundo de las historietas, se suele asociar con un tono de alegría y desenfado. Sin embargo, como nos cuentan en L'Oeil de la Photographie, la fotógrafa rusa Mariya Kozhanova nos muestra una serie de retratos de "cosplayers" de su país cargados de melancolía y con mucha soledad. Un desprendimiento del entorno que se atribuyen a que son jóvenes que nacieron tras la caída de la Unión Soviética, en un país en el que los elementos de cohesión e identidad estaban desorganizados y difuminados, y que han ido tomando elementos foráneos, de diferentes culturas, tal vez sin haber llegado a integrarlos plenamente. No sé. Puede que sí, puede que no. Pero son de los pocos retratos de "cosplayers" que me han llamado la atención. Formato cuadrado, colores muy matizados y muy bien controlados, parece formato medio sobre película tradicional, pero no estoy seguro, miradas que transmiten distintas personalidades y, tal vez, motivaciones.

Aunque no sea especialmente aficionado a la actitud de "paparazzo" con el teleobjetivo,... a veces puede dar lugar a escenas con cierto interés.

Y terminaré contándoos que siendo principio de mes, ha salido el número 87 de Fractión Magazine. Viene muy interesante, con tres porfolios que me han llamado la atención.

El de Elli Chung, en el que relaciona su mundo cotidiano con los seres mitológicos del Asia Oriental.

El de Ashley Comer, sobre el reencuentro con la mujer que fue su madre biológica pero que la entregó en adopción al nacer para procurarle un mejor futuro.

las visiones parciales de lo cotidiano, que nos muestra el alemán Max Slobodda.

Espero que os gusten, como a mí.

Con una cámara tan pequeñita como la Panasonic Lumix GM5, parece que dos pasos es la máxima ganancia que obtenemos con el estabilizador. A 100 mm (200 mm equivalentes), una velocidad de obturación de 1/50 s parece lo máximo que puedo bajar. Con otra cámara con mejor agarre, a lo mejor se puede bajar algún paso más.