La fotografía como afición y otras artes visuales

CARLOSCARRETER.ES

Home / Essays / photographers

Recomendaciones semanales - del 29 de mayo al 5 de junio de 2016

Esta semana he estado realmente muy ocupado y no he recogido muchas recomendaciones, así que haremos una entrada de apaño. Por supuesto, como siempre empezaremos por el tablero de Pinterest de la semana. Que viene con un poco de todo.

En cuanto a las fotografías acompañantes... Salvo tres de ellas que están relacionadas con el primer artículo del que hablaré, y que están hechas con película tradicional Kodak ColorPlus 200 en una Pentax MX con un SMC Pentax-M 40 mm 1:2,8, el resto proceden de mi última adquisición para el sistema micro cuatro tercios. A ver. Me explicaré. No soy muy fan de la fotografía con teleobjetivos, más allá de un tele corto. Me suelo conformar con cualquier cosa que vaya entre los 70 mm y los 100 mm, hablando en términos del formato 24 x 36 mm, o sus equivalentes en otros formatos. En el sistema micro cuatro tercios estaríamos hablando en focales entre 35 mm y 50 mm. Más allá... la verdad es que los resultados, con pequeñas excepciones me suelen aburrir, siendo el territorio de la macrofotografía donde los encuentro más adecuados. Y tengo soluciones para ello. El caso es que en algún viaje me he llevado teleobjetivos de orígenes diversos con adaptadores. Yo viajo con cámaras micro cuatro tercios por su ligereza y discreción. Pero no deja de ser un poco incómodo. Así que me he agenciado un pequeño y coqueto Panasonic G Vario 1:4-5,6/35-100 mm ASPH Mega OIS. Para que comparéis, os pongo una foto con una solución similar para Canon EOS de formato completo. Esta última, medio paso de diafragma de promedio más luminosa, pero sin estabilizador óptico.

Como veis, es mucho más ligerito. Y sinceramente, en un uso cotidiano durante un viaje, no creo que el talabarte de 21 megapíxeles, con un objetivo que en su momento se consideraba decente, pero que se diseñó para la película tradicional, de mejor calidad de imagen que el pequeño conjunto de 16 megapíxeles enormemente mas portable.

El objetivo me has costado muy poco. Un 60% de su precio habitual que ya es económico. Pero es que es... como decirlo... de "km 0". Es decir... usado en escaparates y demostraciones. Pero está en excelente estado. Que no quería gastar gran cosa en un chisme así.

Mis primeras fotografías con el recién llegado, al salir del cine... Este pasillo siempre me ha parecido muy fotogénico.

Pero vayamos a la fotografía... o no... pasemos primero por la escultura... o fotografías de esculturas. En Cross Connect Magazine, revista virtual dedicada al arte contemporáneo, dedicaron un artículo al escultor barcelonés Jaume Plensa. Este escultor ha llenado el mundo de grandes, o pequeñas, esculturas de señoras, parece ser que son de género femenino, formadas por letras, sentadas, con las piernas recogidas en posición fetal y abrazadas por las manos. En Zaragoza, nos colocaron una en el recinto de la Expo 2008 con el título "Alma del Ebro". Lo cierto es que no le encuentro diferencias sustanciales a otras similares, extremadamente similares, que están repartidas por el mundo. Sin embargo, tiene otras esculturas que incluso si comparten elementos con las anteriores, presentan variaciones que me parecen interesantes. Bueno. Me resultó curioso y os lo dejo.

Vista general del "Alma del Ebro" que tenemos instalada en el antiguo recinto de la Expo en Zaragoza.
Vista parcial de la misma.
Esta versión mucho más pequeñita y metalizada, estaba o está en el exterior del Museo de Bellas Artes de Montreal, en Canadá.

El clásico de hoy es un clásico muy contemporáneo. Se trata de la fotógrafa Donna Ferrato, probablemente de las primeras en conseguir meterse en el mundo de la violencia de género y conseguir documentarlo fotográficamente, en un momento en el que no se hablaba del tema en el mundo. Incluso se la cosa, como se explica en el artículo de American Photo, empezó de forma inesperada. Me parece notable la historia que nos cuentan, y me ha gustado mucho el pequeño documental que incorpora el artículo. Está en inglés... ayudan los subtítulo disponibles,... también en inglés. Bueno... la verdad es que a mí me impresionó la historia y la experiencia que nos cuenta Ferrato.

Aislar los detalles, explotar el grafismo, siempre me han parecido dos de los motivos más interesantes para usar un teleobjetivo.

En un tono totalmente distinto, en Women in Photography, donde nos muestran el trabajo de fotógrafas, profesionales o aficionadas, no muy conocidas pero con calidad, nos traen el trabajo de fotografía documental en la calle de Natalia Jaeger. Desde mi punto de vista se sale de los caminos trillados por diversos motivo. Por el uso del color, y de forma muy inteligente. Por el tremendo respeto que muestra hacia sus sujetos, incluso si los fotografía de forma inadvertida. Por el intimismo y humanización de las personas que aparecen retratadas en su trabajo. A mi me gusta bastante más que la mayor parte de los "street photographers" al uso...

Su focal más corta puede ser útil para seleccionar elementos del paisaje; pero incluso la más larga nos permite aislar más algunos de ellos.

En Lenscratch nos han mostrado el trabajo de otra fotógrafa, me está saliendo muy femenina la entrada de esta semana, que ha sido premiada en algún sitio por el trabajo que nos presentan. Se trata de Judy Gelles, una fotógrafa que se ha acercado al mundo de la infancia. En concreto a los "fourth grades". Si no me equivoco, niños de 9 o 10 años que cursan el equivalente a nuestro cuarto curso de educación primaria. Proceden de diversos lugares del mundo y son mostrados de dos formas. En un retrato frontal, sin palabras, y en un retrato de espaldas, que se complementa con un texto en el que los niños hablan un poquito de quién son y cuáles son sus preocupaciones... y aquí hay de todo un poco también. A mi tocado la fibra sensible... aunque sea un proyecto aparentemente sencillo. Aparentemente es la palabra clave.

Sin ayudas extras, quizá no destaque en la fotografía de aproximación, por una distancia de enfoque mínimo discreta; pero quizá con alguna ayuda,... una lente de aproximación que ya tengo con un adaptador a la rosca del objetivo.

Flore es una fotógrafa de origen franco-español. Madre española y pintora. Pero desarrolla su trabajo en el país vecino. Usando proceso tradicionales argénticos. En L'Oeil de la Photographie nos muestran una serie que no aparece todavía en su página web, y que quiere ser un homenaje a la juventud en Indochina de la escritora Marguerite Duras, cuyo 20º aniversario de su muerte se celebra este año. A mí, el tono onírico y atemporal del conjunto de su obra me ha parecido interesante... No sé a vosotros.

Al caer la tarde y con un cielo nublado, interesa recortar el encuadre en el paisaje,... y viene bien el estabilizador cuando la luz escasea.

En general, el mundo del "cosplay", es decir, de los aficionados a disfrazarse de sus personajes favoritos de ficción, especialmente del mundo de las historietas, se suele asociar con un tono de alegría y desenfado. Sin embargo, como nos cuentan en L'Oeil de la Photographie, la fotógrafa rusa Mariya Kozhanova nos muestra una serie de retratos de "cosplayers" de su país cargados de melancolía y con mucha soledad. Un desprendimiento del entorno que se atribuyen a que son jóvenes que nacieron tras la caída de la Unión Soviética, en un país en el que los elementos de cohesión e identidad estaban desorganizados y difuminados, y que han ido tomando elementos foráneos, de diferentes culturas, tal vez sin haber llegado a integrarlos plenamente. No sé. Puede que sí, puede que no. Pero son de los pocos retratos de "cosplayers" que me han llamado la atención. Formato cuadrado, colores muy matizados y muy bien controlados, parece formato medio sobre película tradicional, pero no estoy seguro, miradas que transmiten distintas personalidades y, tal vez, motivaciones.

Aunque no sea especialmente aficionado a la actitud de "paparazzo" con el teleobjetivo,... a veces puede dar lugar a escenas con cierto interés.

Y terminaré contándoos que siendo principio de mes, ha salido el número 87 de Fractión Magazine. Viene muy interesante, con tres porfolios que me han llamado la atención.

El de Elli Chung, en el que relaciona su mundo cotidiano con los seres mitológicos del Asia Oriental.

El de Ashley Comer, sobre el reencuentro con la mujer que fue su madre biológica pero que la entregó en adopción al nacer para procurarle un mejor futuro.

las visiones parciales de lo cotidiano, que nos muestra el alemán Max Slobodda.

Espero que os gusten, como a mí.

Con una cámara tan pequeñita como la Panasonic Lumix GM5, parece que dos pasos es la máxima ganancia que obtenemos con el estabilizador. A 100 mm (200 mm equivalentes), una velocidad de obturación de 1/50 s parece lo máximo que puedo bajar. Con otra cámara con mejor agarre, a lo mejor se puede bajar algún paso más.

Recomendaciones semanales - de 22 al 29 de mayo de 2016

Este domingo me he encontrado con una abundancia de artículos guardados en Pocket, aptos desde mi subjetivo punto de vista para ser comentados en mis recomendaciones fotográficas de cada domingo. Algún tipo de selección u organización tendré que hacer para no hacerme eterno, tanto en el tiempo como en el espacio. De momento, el tablero de Pinterest de la semana. Que lógicamente también viene bien nutrido de fotografías.

Las fotografías que acompañan a la entrada de hoy son paisajes del Parque del Agua de Zaragoza y de los Sotos de Ranillas que se encuentran adyacentes. Una tarde tristona de luz, pero fresca después de que el calor se haya empezado a apoderar poco a poco de la ciudad. Las fotografías están tomadas con la Canon EOS 5D Mark II calzada con un "nuevo" objetivo fabricado tras el Telón de Acero. Se trata de un Helios 44M 58 mm 1:2. Por motivos que yo creo que tienen que ver más con el mito que con la realidad, se está convirtiendo en un objeto de fetiche. La verdad es que en las cuatro o cinco décadas que los Helios 58 mm 1:2, copias de los Carl Zeiss Jena Biotar 58 mm 1:2, estos a su vez un diseño Planar de Carl Zeiss usado con otro nombre comercial por temas de litigios de patentes, se hicieron millones y millones de ellos. Y se pueden encontrar muchos y muy baratos. Hablaré con más detalle de sus virtudes y sus defectos otro días.

Empiezo con el escándalo de los últimos tiempos. El prestigioso fotógrafo de National Geographic Steve McCurry, más que retocar sus fotografías, las manipula. Y parece que la comunidad internetera ha decidido que en exceso. Creo que ya hace unos días que manifesté una cosa. National Geographic no se dedica al periodismo y a la información precisa. Su vocación siempre ha sido la de dar a conocer a los norteamericanos primero, al resto del mundo después, las maravillas del mundo y el universo de una forma más bien amable. Desde ese punto de vista... cuesta trabajo sorprenderse de que el trabajo de sus fotógrafos sea sometido a un fuerte procesado para ajustarse a esa visión estéticamente perfecta del mundo. Incluso de la pobreza... legado el caso. Pero bueno. A McCurry le están lloviendo palos por todos lo lados, y no colabora en su descargo que, como nos informan en Quesabesde, haya borrado su blog personal... que yo seguía. Ale... a pensar qué queremos. Fotos perfectas o bonitas, o fotos menos perfectas y bonitas que nos informen con precisión. Yo no tengo claro que todo el común esté a favor de esto último... oye. No vayamos a ser hipócritas... o más de lo habitual.

Tenemos ya encima, con algunas exposiciones ya en marcha, el festival de PhotoEspaña 2016, el más importante festival de fotografía de nuestro país, que tienen desde siempre la ocurrencia de celebrar en los meses de más calor atorrante. Si eres de Madrid, donde se celebra la mayor parte del festival, aun puedes dosificar el esfuerzo. Si vas de fuera, y pretendes una maratón a ver las exposiciones más importantes, asume la deshidratación. Tuve una muy mala experiencia en la edición del 2013, mezclada con incordios familiares, que ha hecho que me haya saltado las dos últimas ediciones. Salvo las exposiciones que se celebran en Zaragoza, que las hay. Este año también. Ya os iré hablando de ellas. No obstante, este año me gustaría acercarme por la capital.

El tema de la edición de 2016 es Europa. Y en estos últimos días ya han aparecido algunas sugerencias interesantes, que no son ni de lejos exhaustivas:

Cristina de Middel en el Centro Fernán Gomez con su trabajo Antipodes. Nos lo cuentan en Clavo Ardiendo.

Carlos Saura y la España de los 50 en un nuevo libro y expuesto en Segovia. Nos lo cuentan en DSLR Magazine.

El viaje de Inge Morath por el Danubio, y el proyecto de ocho fotógrafas actuales por recrearlo en la Fundación Telefónica de Madrid. Nos lo cuentan en Yorokubu.

Hoy no he empezado por un fotógrafo clásico como es habitual. Pero lo tengo previsto. Fotógrafa más bien. Se trata de la muy personal Diane Arbus. Me encontre una referencia en el tumblelog del MoMA, que me llevó a dos artículos del New York Times. Uno de ellos, fundamentalmente texto, nos cuenta cómo esta fotógrafa que empezó con un negocio con su marido de fotografía de moda, acabó separada del marido y dedicada a un tipo de fotografía muy distinto que la hace un referente y una influencia fundamental en la fotografía posterior. El otro hace un repaso a los primeros años de la fotógrafa, a sus principios antes de que adoptara del todo su estilo particular, de retratos con cámara de medio formato en formato cuadrado. Y ya apuntaba maneras la fotógrafa, ya. El paso de una fotógrafa comercial a una artista de la fotografía.

Barack Obama es un presidente de los Estados Unidos que se ha caracterizado por hablar mucho, aparentar más todavía, y hacer... no sé muy bien qué es lo que ha hecho ni si me gusta. Pero parece más un producto de mercadotecnica que un líder capaz, que es lo que nos han estado vendiendo durante más de ocho años. Recordemos que le hicieron Premio Nobel de la Paz antes de que hubiese podido tomar ninguna decisión para trabajar por la misma... yo aluciné. Y en su esfuerzo de imagen perfecta no ceja, incluso a medio año del final de su mandato. Y se ha apuntado el tanto de ser el primer presidente norteamericano en visitar Hiroshima. Es curiosa la propaganda de los líderes de Estados Unidos y de muchos líderes conservadores europeos por lo peligrosos que son algunos pequeños países del mundo con regímenes más o menos horribles, por que buscan obtener armas de destrucción masiva. Estados Unidos tiene arsenal suficiente para un apocalipsis en condiciones varias veces... lo mismo que algunos de sus "amigos" como la Federación Rusa y la República Popular China... y otros. Pero lo cierto es que el testimonio de Hiroshima es importante. Y el gesto propagandístico de Obama ha producido algún artículo que no deja de ser útil. Como el que dedican en The Bristish Journal of Photography a las fotografías de Wayne Miller tomadas en septiembre de 1945, sólo un mes tras la catástrofe. También sobre este tema el International Center of Photography nos cuenta cómo fotógrafos oficiales tomaron más de 1100 fotografías de Punto Cero del ataque, de las cuales 700 están en su colección. Los contenidos de las mismas estuvieron restringidos al gran público... no falta la censura en los "vigilantes de la democracia liberal". pero ahora podemos verlas.

Llegúemonos hasta la fotografía contemporánea. Me ha interesado la entrevista que en Lenscratch reproducen a la fotógrafa Tina Barney. Y también me han parecido muy interesantes sus retratos de grupos en entornos y situaciones más o menos espontáneas, más o menos escenificadas. Excelente fotógrafa en color, que quienes más me conocen saben que yo respeto tanto o más que el blanco y negro, siempre considerado "más artístico". La entrevista está realizada por Ken Weingart, que tiene un blog dedicado a entrevistar a otros fotógrafos.

En el párrafo anterior defendía las cualidades de la fotografía en color. Un ámbito en el que esta reina es el de la fotografía de naturaleza. Sin embargo, hay algunos fotógrafos por ahí que nos demuestran que se puede hacer un excelente trabajo con el blanco y negro en todo tipo de entornos. Como es el caso de Gregor Törzs y sus fotografías de la fauna acuática, o sus estudios sobre la cristalización de los minerales. Nos lo han contado en L'Oeil de la Photographie.

Hablando de meterse en el agua... Eso es lo que hace la japonesa Asako Narahashi en algunas de sus series, como nos cuentan en Cada día un fotógrafo. Pero como la mayor parte de los fotógrafos japoneses su actividad es intensa y variada. Y muy personal. Os recomiendo un paseo por su página web.

En muchas parte del mundo están mal... guerras, pobreza, catástrofes naturales... Se llena el mundo de campos de refugiados, de suburbios degradados, de bolsas de miseria y enfermedad... Y por si fuera poco, un mundo de creencias supersticiosas e irracionales aumentan estas catástrofes cuando algunas de estas personas son incluso más despreciadas por los prejuicios irracionales de los que les rodean. En Feature Shoot nos hablan del trabajo de Eric Gyamfi, que ha retratado a las mujeres del campo de brujas de Gambaga, gueto donde son expulsadas mujeres de toda edad acusadas de brujería. Como miles de mujeres en la Europa de los siglos XV al XVII, como las "brujas" de Nueva Inglaterra, o decenas de supersticiones absurdas, muchas de origen religioso en todo el mundo. Este gueto en Ghana tiene más de 200 años de antigüedad. Y no parece que nadie vaya a hacer nada por acabar con esta ignominia. Para que una mujer vaya a parar allí... pues que alguien la denuncie de ser "bruja".

Se habla mucho de Corea del Norte. Se habla menos de que hay miles de refugiados de Corea del Norte en Corea del Sur, donde llegan huyendo a través de China. En Time nos hablan del trabajo de la fotógrafa Caitlin O'Hara que ha documentado la vida de dos jóvenes muchachas refugiadas a las que la vida no les trata mal. Pero subyace el problema de aquellos que son detenidos en China cuando escapan, y son retornados a Corea del Norte, donde sufren graves represalias. Problemas con los refugiados en todas partes del mundo. Nadie los quiere... salvo que sean guapos y bien vestidos como los que salían en la película Casablanca.

Terminemos en términos menos dramáticos. Para los más aficionados a lo erótico-festivo... en Quesabesde nos han propuesto una lista de 10 autoras, mujeres ¿eh?, dedicadas a la fotografía erótica. Bueno... he estado repasando el trabajo de las mismas, y algunas más que fotografía erótica son fotógrafas de desnudo, simplemente. A mi lo de la "nude yoga girl"... pues no sé. De todo hay a la hora de "ponerse"... pero me parece más una reivindicación del cuerpo que de un intento de erotizar al personal. Pero juzgad vosotros.

Y finalizo ahora ya con un artículo de American Suburb X (ASX) sobre los errores afortunados. Errores debidos a motivos técnicos, o a la mala técnica del fotógrafo, o a un despiste... que resultan en fotografías que por algún motivo nos atraen. A mi me pasó recientemente. Es más fácil que sucedan con la película tradicional. Porque quedan físicamente ahí... no son simples bits electrónicos que podemos borrar sobre la marcha... Igual deberíamos pensarnos dos veces cuando decidimos borrar una imagen digital. ¿La hemos mirado bien?

Recomendaciones semanales - del 15 al 22 de mayo de 2016

No sé muy bien por qué este domingo, que lo tenía perfectamente planificado en la cabeza para hacer una serie de cosas, nada ha salido como pensaba, y aquí estoy más allá de las seis de la tarde y sin haber redactado las recomendaciones semanales, y con más cosas todavía por hacer. En fin... de momento os dejo con mi tablero de Pinterest de la semana.

En cuanto a las fotografías acompañantes... son los restos de la prueba del pequeño Meyer-Optiks Görlitz Trioplan 50/2,9. Hasta ahora la había probado con dos tipos de cámaras. Con digitales de formato APS-C, es decir más pequeño que el tamaño de fotograma para el que están pensados, y con cámaras para película tradicional de formato 24 x 36 mm. Que es el formato para el que nació. Con las digitales de formato APS-C, en las que actúa como un teleobjetivo cortito, da resultados aceptables con el diafragma cerrado a f/5,6 o mejor f/8 o f/11, pero a plena apertura sólo va bien con determinados temas. Con la película tradicional tiene sus limitaciones pero es perfectamente usable entre f/5,6 y f/16, y no va mal del todo para retratos a aperturas mayores. Y no fue mal con las micro cuatro tercios... Pero quedaba probarlo con una digital de formato 24 x 36 mm. En mi caso, con la Canon 5D Mark II. Ya puedo decir algo... ni aun cerrando a f/8 es recomendable si la información en las esquinas es trascendente, como por ejemplo en arquitectura o paisaje. Y no digamos ya a f/2,9, su apertura máxima.

Vamos en primer lugar con un premio. Se ha anunciado que este año se otorga el Premio Princesa de Asturias (el género del premio varía según el candidato o la candidata al trono, parece) al fotógrafo James Nachtwey, según nos informan en Quesabesde. A mí este tipo de premios que están otorgados por un jurado "de prestigio", pero que no corresponden a las nobles lides del reconocimiento directo entre pares, no me dicen gran cosa. Pero es la tercera ocasión en que este premio se otorga a un fotógrafo, tras el premio de 2013 a Annie Leibovitz, también en la categoría de Comunicación y Humanidades, y el de 1998 a Sebastião Salgado, en la categoría de Artes. Sin embargo, Nachtwey concita la aprobación general de los medios especializados y de sus colegas, puesto que tiene una calidad y una ética profesional ampliamente reconocidas. Así que parece que este año el fallo del jurado no "ha fallado".

Suelo empezar las recomendaciones con algún clásico. En L'Oeil de la Photographie nos han mostrado esta semana algunas fotografías destacadas del húngaro Andre Kertész, especialmente aquellas de ambiente más parisino. Aunque no falta alguno de sus distorsionados desnudos o de sus naturalezas muertas. En vida, se considero a sí mismo como infravalorado. Fue un fotógrafo osado... y eso a veces se paga. Pero hoy en día está ampliamente reconocido como uno de los principales fotógrafos del siglo XX.

No sabía de la obra del fotógrafo Otto Umbehr, conocido como UMBO. Y también apareció en esta semana en L'Oeil de la Photographie un artículo a él dedicado. Y me ha parecido muy interesante. Fue uno de los fotógrafos formados en la Bauhaus, y eso lo convirtió en un autor atrevido y muy experimentador. Su archivo fue destruido durante la guerra por un bombardero, quizá uno de los motivos para que sea poco conocido. Un artista de las vanguardias sobre el que habrá que investigar más.

En estas últimas semanas me ha salido varias veces a colación la obra del fotógrafo Ralph Gibson. Ted Forbes, responsable de The Art of Photography, un videocast/canal de Youtube muy interesante, nos ofreció hace unos días una entrevista con el fotógrafo, a propósito de una próxima exposición, que reproduzco a continuación.

Y esta semana, en Xataka Foto han dedicado un artículo al fotógrafo angelino, que ha realizado buena parte de su obra en la ciudad de Nueva York, de todos modos. Es un fotógrafo muy original, que siempre proporciona encuadres y puntos de vista muy personales e interesantes.

Un fenómeno que siempre me despierta curiosidad es el de las personas con ancestros africanos, con las piel más o menos oscura, que sienten una poderosa atracción hacia todo lo relacionado con África. Incluso sienten su identidad vinculada a ese gran continente, incluso si tienen que remontarse bastantes generaciones para encontrar un antepasado realmente africano, e incluso si tienen tantos o más antepasado de origen europeo. En el artículo que encontramos esta semana en Feature Shoot, las mujeres fotografiadas por Joana Choumali no deben remontarse tanto en el tiempo para encontrar ese ancestro africano. De hecho, han heredado indumentarias de sus antepasadas de ese origen, con las cuales se han retratado con el fin de definir unos nuevos cánones de belleza y de estilo distintos de los impuestos por la civilización occidental de origen europeo. Realmente son retratos muy bellos, aunque me pregunto si no caen involuntariamente en cierto folklorismo que les puede restar valor. No sé... Ya digo que es un fenómeno curioso. Difícil tema el de la identidad, cuya reflexión suele levantar más barreras que derribar las ya existentes. A mí me parece peligroso definirse como perteneciente a un grupo, en función de un color de piel, o de un origen fotográfico, cuando lo que realmente nos hace personas distintas, únicas y valiosas tiene más que ver con lo que no se ve y se contiene dentro de la calota craneal.

En un Wyoh, un tumblelog dedicado a la fotografía de desnudo, en todas las variedades que se os pueda ocurrir, aparecía esta semana una fotografía que me resultó familiar de inmediato. La pude contemplar no hace muchas semanas en las exposiciones del Perugia Social Photo Festival en el Museo Civico Palazzo della Penna. Y es del fotógrafo Alec Dawson. Pertenece a su serie Nobody Claps Anymore, y son fotografías escenificadas que nos muestran situaciones sociales y personales relativamente desasosegantes.

Seguimos con el desnudo. En esta ocasión con la obra de la china Fengyuan Ding, que nos es presentada en L'Oeil de la Photographie. El tema del desnudo es complejo. Y sus representaciones y significados muy diversos. Siempre me parece curioso que aunque en mis tableros de Pinterest el desnudo está representado, pero está lejos de ser el motivo más frecuente en mis selecciones semanales, sin embargo las fotografías de desnudo son las que recogen más "me gusta" o son repineadas... Y también son las que me han supuesto alguna crítica que otra, argumentando su "indencencia". Bueno... para todo hay en este mundo. La obra de Fing que nos muestra el artículo mencionado, no he encontrado un sitio personal o profesional de la fotógrafa, aunque estas adoptan diversas formas. Me parecen más interesantes aquellas de composición más sencilla, que no simple, y que relacionan el cuerpo femenino con la naturaleza, o con lo prohibido o peligroso, o con la muerte. Eso sí... fotógrafa fiel a la película tradicional, su blanco y negro es excelente.

La fotografía y el cine está perpetuamente relacionados. Y nuevamente es L'Oeil de la Photographie quien nos lleva a la obra fotográfica de un cineasta, Gus Van Sant, en la que nos ofrece fotografías vinculadas a sus obras cinematográficas, así como otras obras gráficas. Un directo capaz de ofrecernos cosas estupendas y cosas infumables... pero indudablemente dotado para ver y mirar. Nunca Nicole Kidman fue mejor actriz ni estuvo tan guapa e inquietante como cuando la dirigió Gus Van Sant.

Y si hace unas semanas hablaba de una asociación de fotógrafos de plato, hoy traigo el artículo que Hunter Art Magazine ha dedicado a Pipo Fernández, uno de estos sufridos profesionales de la fotografía, pocas veces reconocidos. Os animo a pasar un buen rato cinéfilo y fotófilo con su obra, y con su blog.

Recomendaciones semanales - del 8 al 15 de mayo de 2016

Tras un sábado un poquito agotador, y una noche de sueño escaso e intranquilo, me estoy tomando con calma lo de las recomendaciones fotográficas de hoy. Pero en primer lugar, el tablero de Pinterest de la semana, como es costumbre desde hace un tiempo.

Como veremos más adelante, aunque hay recomendaciones para todos los gustos, me han salido un poco no apta para todos los públicos. Bueno, ya juzgaréis vosotros mismos.

Las fotografía acompañantes siguen siendo de las actividades asociadas al Encuentro "analógico" del que ya os he hablado en varias ocasiones. En esta ocasión, asistimos el jueves a una charla sobre la historia de la fotografía a cargo de Maribel Pascual, que fue profesora de la especialidad de Imagen y sonido en un instituto de enseñanza secundaria de la ciudad. Organizada por Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ), realmente fue muy amena. También ayer sábado por la mañana, tuvimos otra sesión de positivado, con distintas personas que el sábado pasado por la tarde, y que estuvo realmente muy bien. Por algunos resultados y por el excelente ambiente que se respiraba.

Beatriz Pascual comentando algunos objetos fotográficos históricos que se trajo a la charla.
Hubo unos cuantos ejemplares de una colección de cámaras y otros objetos históricos de Miguel... no me quedé con más datos de su persona. Si algún lector los sabe, que me dé un toque, por favor.

Vamos con las recomendaciones. La Revolución Cultural fue un periodo turbulento en la China comunista de posguerra, de cuyo inicio mañana 16 de mayo se cumplirán 50 años. Enorme purga de contrarrevolucionarios, de pensadores, o simplemente de gente que caía mal, que acabo con una serie de decisiones políticas y económicas desastrosas para la población china. Hace unos años, tuve la ocasión de visitar aquí en Zaragoza un exposición de Li Zhensheng (nombre escrito al estilo oriental, con el apellido primero), que dejó testimonio escrito del fenómeno social en Harbin y alrededores donde vivía y trabjaba. Creo que es un trabajo que hay que conocer, y que esta semana nos han recordado en Iconic Photos.

Seguimos en Oriente. Creo que ya he comentado en alguna ocasión el trabajo de Shoji Ueda, fotógrafo japonés que sublimó el trauma japonés de la posguerra con un tono poético e intimista. A mí me gusta mucho, y con la excusa de que en American Suburb X han publicado un artículo sobre él esta semana, lo vuelvo a recomendar.

En primer plano, una interesante Kodak Autgraphic y, tras ella, una Nettar muy semejante a mi Ikonta, ambas de Zeiss Ikon.
Una Zorki-4, la "leica" soviética, comparte cuadro con una modesta Lumière francesa.

Y más Japón. También otro autor del que habréis oído hablar en estas páginas, Daido Moriyama. Y que también me gusta por su personal y característica fotografía. También aprovecho la excusa de que en L'Oeil de la Photographie han comentado su último libro publicado, para volver a traerlo a mis recomendaciones.

Y aún más Japón, aunque en esta ocasión de la mano del fotógrafo polaco Pawel Jaszczuk. Ya he dicho que me iba a poner no recomendado para todos los públicos. En American Suburb X nos han hablado de su trabajo Kinky City... siendo esta ciudad de conducta sexualmente unusual Tokio. Aunque visitamos el País del Sol Naciente hace dos años, difícilmente eso nos hace "expertos" en esta compleja sociedad... creo que harían falta muchos años para entenderla. Pero algo que si sorprende porque constantemente encuentras indicios de ellos, es la extraña relación que parecen tener los nipones con la sexualidad. No entraré más allá en ello, pero el trabajo de Jaszczuk adopta el estilo que podemos encontrar en otros fotógrafos auténticamente nipones. Aunque desconcertante en ocasiones, no ha dejado de parecerme interesante.

Kodak intentó competir con Polaroid en la fotografía instantánea, pero le sacudieron en el morro por infringir patentes.
Pequeñas copias estereocópicas, para ver pícaras fotografías en 3D de finales del siglo XIX o principios del siglo XX.

En Clavoardiendo reflexionan sobre la sexualidad, la percepción del género y cómo la sociedad percibe según que elementos. En concreto se centran en la obra de Patricio Cassinoni, fotógrafo argentino que realiza retratos con una iluminación inspirada por los antiguos pintores renacentistas y barrocos, en los que reflexiona sobre la dicotomía entre el vestido y el desnudo, y las tensiones que surgen entre la moda y lo que uno realmente es. Bueno. Dirigiros a los enlaces y valorad vosotros mismos la obra del porteño.

De algunos clásicos, dejándonos llevar por algunas asociaciones de ideas nos hemos ido viniendo a fotógrafos contemporáneos. Pero volvamos por un momento a los clásicos. Incluso si son relativamente modernos. Ya he comentado en las últimas semanas que el mejicano Oscar Colorado nos trae de vez en cuando interesantes galerías y biografías comentadas de buenos fotógrafos. Y esta semana nos ha hablado de un artista contemporáneo precozmente fallecido, una de las figuras más representativas del pop-art, para muchos el artista más importante de la segunda mitad del siglo XX. Nada menos que Andy Warhol. Que también utilizó la fotografía, de formas diversas con base o como medio fundamental de su obra. No os perdáis el artículo que es realmente interesante y completo.

Vuelta al estudio en un sábado por la mañana.
Una mezcla de "expertos" y novatos en la ampliación tradicional fotográfica.

Mary Ellen Mark, otra fotógrafa que podemos considerar un clásico del siglo XX en la fotografía. Aunque fundamentalmente dedicada al mundo de la fotografía documental, también ha picoteado en otros géneros, incluido, claro está, el retrato. Esta semana, The New York Times nos ha recordado su serie de retratos con una cámara fotográfica que es un monstruo en sí misma. Se trata de la Polaroid 20x24 Land Camera, que usaba película instantánea del tipo Polaroid PolaPan 20x24, que ya no se fabrica. Por que nos aclaremos todos; los 20x24 no son dimensiones en sistema métrico decimal, no son centímetro. Son pulgadas. Es decir, estamos hablando de una cámara capaz de obtener copias directas de aproximadamente 50 x 60 cm. Con la inmensa calidad que esto implica. Hay muy poquitas de estas cámaras en el mundo, se usa en régimen de alquiler, y no es especialmente portátil. Pesa 107 kilogramos.

Me ha parecido muy curiosa, y me estoy viniendo totalmente a la fotografía contemporánea, la serie titulada Darlene & Me, de la noruega Anja Niemi. Inspirada por el descubrimiento de una maleta de 1959  que perteneció a una asesora de belleza llamada Darlene. A partir de ahí, la serie nos muestra autorretratos múltiples de la propia autora caracterizada como Darlene/ella misma aconsejada por Darlene, en unas escenificaciones realmente interesantes. Nos lo han contado en COOPH.

La delicada operación de enfocar la ampliadora con la lupa bajo la lámpara encendida.
Evaluando los negativos que se han de ampliar.

Finalmente me ha llamado la atención el trabajo del fotógrafo Brice Portolano, como nos lo cuentan en Flavorwire. Este fotógrafo se ha ido a Finlandia, al norte del Cículo Polar Ártico, donde una joven llamada Tinja vive prácticamente en soledad, a 300 kilómetros de la ciudad más próxima, criando perros, y viviendo de la naturaleza. Bellísimos paisajes, pero un durísimo clima, para un estilo de vida que según nos cuentan empieza a resultar atractivo para gentes que se cansan del estilo de vida urbanita actual. Este reportaje forma parte de un proyecto más amplio, No Signal (por los lugares donde no hay señal para usar el teléfono móvil), sobre personas que desean volver a una vida en pleno contacto con la naturaleza.

Descubriendo desde la aparición de la imagen en el revelador que el control del contraste en la copia es un arte en sí mismo.
Iniciándose en el arte del uso de reservas y quemados locales al ampliar la copia.

Recomendaciones semanales - del 1 al 8 de mayo de 2016

Mañana lluviosa que parece que va a impedir que salga con un grupo de buenas gentes a hacer unas fotografías en uno de los barrios de Zaragoza. Bueno, así me puedo plantear la redacción de estas recomendaciones con más tranquilidad. En primer lugar, como de costumbre, el tablero de Pinterest con las fotografías que me han llamado la atención en internet en estos últimos siete días.

En segundo lugar, las fotografías acompañantes corresponden a la sesión de positivado que realizamos ayer de los negativos del II Encuentro "analógico" del que ya os he hablado en un par de ocasiones, o tres. En un momento dado, me di cuenta que hacía casi quince años que no ampliaba copias fotográficas en un cuarto oscuro con una ampliadora y con la húmeda liturgia de hacer pasar el papel fotográfico por los distintos baños que convertirán la imagen virtual en imagen real. Cuantos errores de principiante realizas cuando te desentrenas. Pero fotos obtuvimos. Porque sigo pensando que más allá de lo conveniente que sea la fotografía digital, las imágenes fotográficas tienen que acabar ampliadas en un papel, y la relación física e íntima que te otorgan los procesos fotoquímicos es más satisfactoria que los digitales. Y que la nitidez no lo es todo, que hay otros sentimientos de realización menos fáciles de explicar al obtener la imagen final.

Las dos fotografías sobre papel de 10 x 12 pulgadas, aproximadamente, 25 x 30 cm (un poquito más).

En cuanto a las recomendaciones fotográficas, como de costumbre empezamos retratrayéndonos hacia atrás en el tiempo, y nos vamos a los retratos psicológicos de Marcel Sternberger tal y como nos los muestran en American Photo. Frente al glamour de las fotografías de famosos en la época, nos encontramos con retratos mucho más directos e introspectivos. Es curioso que frente al uso de cámaras de medio y gran formato que dominaban el retrato en los años 30 y 40 del siglo XX, Sternberger se pusiera a los mandos de una pequeña Leica, adecuada para viajar ligero a la hora de realizar reportajes, pero sin la capacidad de registrar información que tenían las anteriores. A mí me han parecido muy interesantes. He encontrado poca información sobre este fotógrafo en la red.

Otro fotógrafo de quien tampoco conozco gran cosa, y que también podría calificarse entre los clásicos es Ian Berry, a quien Cartier-Bresson invitó a unirse a Magnum en 1962. Nos lo cuentan y nos muestran algunas fotografías en Camerafilia, donde comprobamos que tenía ese estilo de fotografía documental que podemos asociar a otros fotógrafos británicos de la época y que a mí me gusta bastante. Todavía se encuentra en activo.

Aunque algunos de los presentes teníamos alguna experiencia en la ampliación de fotografías, también había quien se acercaba por primera vez y tenía que avanzar calmado en todos sus pasos.

Un cuento de Julio Cortázar, que tuve ocasión de leer en su momento, inspiró una de las película sobre fotografía más interesantes que conozco, película que por otra parte es importante en la historia del cine por sí misma, independientemente de su relación con la fotografía. Pero es menos conocido que realizó un libro de viajes y fotografías con su mujer Carol DunlopLos autonautas de la cosmopista (o Un viaje atemporal París-Marsella). Después de leer el artículo que le han dedicado a este libro en Clavo Ardiendo, me han entrado muchas ganas de leer este libro. Dunlop murió pocos meses después. También fue el último libro que escribió Cortázar, que murió al año siguiente de publicarse el libro.

Otro clásico de la fotografía documental, Bruce Davidson. En este caso, fotógrafo documental de la más pura escuela norteamericana, aunque no le faltan influencias de los fotógrafos británicos y franceses, desde mi modesto punto de vista. Nos recuerdan en L'Oeil de la Photographie que se acaba de publicar una biografía ilustrada que puede ser interesante.

Tras realizar las hojas de contactos y seleccionar los mejores negativos, estos se colocan con cuidado en los portas.

Cindy Sherman es una de las fotógrafas más cotizadas en la actualidad, y una de las pocas que es mencionada sistemáticamente en los tratados de arte moderno y contemporáneo, que suelen relegar a la fotografía a un segundo plano. A mi, personalmente, me produce reacciones contrapuestas. Creo que su serie Untitled Film Stills es realmente muy interesante y supone una propuesta fundamental en la historia de la fotografía contemporánea, pero luego esta fotógrafa conceptual ha insistido con frecuencia en variaciones más o menos elaboradas sobre los mismos conceptos que no siempre me han convencido. En Flavorwire nos dan la oportunidad de comprobar cómo desarrolla estos conceptos en la actualidad, donde se ha alejado de las sencillas cámaras y pequeños negativos en blanco y negro, para adentrarse en el uso de la copia de gran formato digital sobre metal. No hay que defraudar a los coleccionistas, que prefieren grandes obras de más de un metro de largo que las pequeñas ampliaciones sobre papel en blanco y negro... uy, ya me ha salido el lado crítico.

En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos han anunciado que andan muy apretados de tiempo, y que van a alternar las reseñas nuevas de fotógrafos con las que publicaron hace unos años. Realmente, puede estar bien recuperar o dar segundos vistazos a fotógrafos ya conocidos. De los que han mostrado esta semana yo me quedo con la japonesa Kimiko Yoshida. Con el autorretrato conceptual como punto de partida, con el que viaja por todo el mundo, transformándose en mujeres de todo tipo de culturas. Nos ofrece un trabajo que está a caballo entre la fotografía, la performance y otras artes contemporáneas. Me parece muy interesante, y su página web da para perderse mucho rato.

Andábamos escasos de marginadores, y había que encuadrar un poco a ojo o con ayuda de hojas del tamaño adecuado.

Les Krims es otro fotógrafo que no es fácil. También moviéndose en el terreno de lo conceptual, sus fotografías con frecuentes desnudos, e incluso con escenas sexuales relativamente explícitas, suponen afiladas y profundas críticas a la sociedad occidental y específicamente a la norteamericana. A medio camino entre la parodia y el drama su visión no es especialmente esperanzadora, puesto que nos habla más de hipocresías que de evoluciones positivas.Nos lo han contado en Hunter Art Magazine.

Yo creo que ya he hablado en alguna ocasión del trabajo de Mihaela Noroc. O sus fotografías aparecen con frecuencia en mis tableros de Pinterest. Esta semana han mostrado su trabajo en Feature Shoot. Noroc es una fotógrafa romana que lleva varios años viajando por el mundo con su cámara de fotos reflejando la belleza femenina sin prejuicios raciales. Con frecuencia, en los medios hay un sesgo eurocéntrico a la hora de definir los canones de belleza en las personas. Incluso cuando se trata de personas con rasgos propios de otras latitudes, generalmente se aceptan como bellas aquellas que se acercan más a las formas caucásicas. El trabajo de Noroc, The Atlas of Beauty, trata de romper esta visión. Realmente, sus retratos son técnicamente excelentes dado que los toma al vuelo. Pero sigo pensando que, aunque se esfuerza, y hay una notable variedad de rostros femeninos, todavía hay un sesgo sobre a lo que los europeos nos parece una mujer bella aun en otras latitudes del mundo. Pero bueno, merece la pena bucear en sus archivos para dar con aquellos ejemplos donde afortunadamente se rompe este sesgo y tenemos la auténtica sensación de estar ante bellezas originales y distintas. Bien por la diversidad.

Importante el cuidadose enfoque de la imagen, para conseguir la mayor nitidez posible.

Un poco de concienciación social. En Lenscratch nos proponen conocer el trabajo de Jennifer Little, una fotógrafa que se ha ido a Owens Lake, un lago seco que encontramos en California, y que se encuentra seco debido al trasvase masivo de agua para consumo humano hacia Los Ángeles. La consecuencia ha sido la desecación del lugar, y el acúmulo de sustancias en forma de polvo que es transportado por el viento, y que es la principal fuente de contaminación de partículas carcinogénicas en Estados Unidos. La sobreexplotación de los acuíferos, tanto de aguas superficiales como profundas, siempre da lugar a consecuencias indeseadas, de las que los políticos más populistas que prometen todo tipo de trasvases y regadíos masivos no se dan por enterados, constituyendo amenazas ambientales de primer nivel. Los políticos, digo. Curiosamente, las fotografías de Little no carecen de belleza paisajística.

Y os dejo para terminar dos recomendaciones que no he tenido tiempo de revisar a fondo. Por un lado la página del colectivo Nophoto, un colectivo de fotógrafos que nace en España hace ya más de diez años con el fin de impulsar proyectos individuales o colectivos no convencionales. A ver si le puedo dedicar un poco de tiempo y extraigo alguna recomendación personal concreta. Por otro lado, en A Photo Editor nos cuentan que ha salido el cuarto número de Photographer's Quarterly, que también promete revisar las obras de algunos fotógrafos destacados, unos más conocidos que otros. Lo dicho,... si encuentro algo de tiempo, lo reviso, y os propongo alguna recomendación personal.

Luego ya viene la "magia" de ver aparecer la imagen en la bandeja del revelador... "magia" que no es magia, sino ciencia combinada con arte, la mejor clase de "magia".