Son las idus de marzo, el día en que fue asesinado Cayo Julio César, gran estadista y militar para unos, tirano y dictador que acabó con la república romana para otros, una gran figura de la historia se mire como se mire. Pero no estamos aquí para hablar de historia o política sino de fotografía. Aunque en no pocas ocasiones la fotografía, inevitablemente, tiene un compromiso político o refleja una situación política o social. Quizá no sea hoy el día en que más se verá esto, pero... es así. Las fotografías acompañantes corresponden al aspecto de las zonas verdes de Zaragoza en estos días de finales de invierno, pero en los que ya es frecuente el ambiente primaveral. Salvo cuando se levanta un frío cierzo como este fin de semana...
En primer lugar, una noticia triste. DHW Fototechnik GmbH, la empresa alemana que actualmente fabrica las míticas Rolleiflex, tanto en su versión réflex binocular como monocular, parece que está sufriendo graves dificultades económica y ha sacado a subasta sus instalaciones para la fabricación de estas cámaras. Salvo que haya un comprador que lo adquiera para asumir esta actividad, es posible que ya no se hagan más cámaras nuevas de este tipo. Es cierto que en estos momentos el mercado para estas cámaras es un nicho reducidísimo. Pero suponen tanto en la historia de la fotografía, especialmente la Rolleiflex binoculares... Recogí la noticia por primera vez del Japan Camera Hunter, aunque son diversos los medios que se han hecho eco de la noticia.
Curiosamente, uno de los artículo más interesantes que he marcado este semana relacionado con la fotografía con película tradicional es una entrevista que en Film is not Dead realizan al fotógrafo Taylor Pool, especializado en retratos en blanco y negro que me parecen muy interesantes, y que realiza su trabajo bien con una Rolleiflex binocular de las que hemos mencionado, bien con una Mamiya RZ67. Creo que es interesante tanto la entrevista como su trabajo.
Otro fotógrafo que tradicionalmente ha trabajado con película en blanco y negro, aunque con formatos más pequeños, es Duane Michals, fotógrafo conceptual del que ya he hablado en más de una ocasión, porque me gusta mucho. En L'Oeil de la Photographie nos recuerdan esta semana que además de su trabajo conceptual, también tiene una importante obra dedicada al retrato, con una aproximación a este género ciertamente poco convencional y muy interesante.
Más retrato. Mejor dicho, autorretrato. Tan de actualidad en estos tiempos bajo la popular denominación de selfi o selfie si conservamos la grafía inglesa, en realidad es un género que se ha usado con éxito a lo largo de la historia de la fotografía para transmitirnos estados de ánimo, ideas o conceptos por parte de los fotógrafos. En Lens Culture podeís ver una interesante serie de Paula Rae Gibson que surgió cuando siendo su hija una bebé de 20 años, a su marido el director de cine Brian Gibson le fue diagnosticado un cáncer incurable. Fue su forma de lidiar con el duelo.
A mí no me gustan las banderas. Se han cometido en la historia de la humanidad y se siguen cometiendo tantas barbaridades en su nombre... Les tengo un paquete atroz. No me gustan. Ni las "mías" ni las de los demás. Pero levantan pasiones. Si os vais a este artículo de PetaPixel, os contarán la historia de la fotografía que Vanessa Hicks, una fotógrafa profesional del tipo BBC (bodas, bautizos y comuniones) y fotografía familiar que previamente fue militar en la armada estadounidense, hizo de un bebe acunado en una bandera de su país y sujetada por las manos del padre del bebé, también un militar. Sinceramente, a mí me da la sensación de que quiere transmitir la protección del bebé por su país, por su padre y por su ejército. Nada escandaloso, unas ideas propias de los sectores más conservadores de una sociedad, pero razonablemente asumibles o respetables en una sociedad plural. Pues bien, publicada en sus redes sociales, han sido esos sectores más conservadores los que se han volcado en diatribas e insultos a la fotógrafa acusándoles de todo tipo de deshonras a la bandera. ¡¡¡¡???? La fotografía de Hicks me parece normal y respetable; el efecto que las banderas y las ideologías que llevan tras de sí me parecen un peligro para la humanidad.
Un par de interesantes artículos y series de fotografías asociadas con la Primera Guerra Mundial, cuyo centenario seguimos conmemorando ahora que entraremos en el aniversario redondo de su segundo año de conflicto.
El primero de ellos, en Lens Culture, nos habla de las ciudades subterráneas que surgieron bajo las trincheras, y que el fotógrafo Jeff Gusky, con un interesante blanco y negro, nos ha traído a la memoria de forma excelente. No conocía yo algunos aspectos de la vida en el frente que nos muestra esta serie sobre los mundos escondidos de la guerra, y me parecen entre conmovedores y aterradores. Gusky no es fotógrafo profesional, es médico, pero con un interés indudable en la historia y en el uso de la fotografía para preservar la memoria histórica.
El segundo de ellos, también en Lens Culture, es la serie Shot at Dawn (Fusilado al amanecer) de la fotógrafa Chloe Dewe Mathews. Esta fotógrafa ha buscado en la actualidad aquellos lugares en los que fueron ejecutados soldados que participaron en la Primera Guerra Mundial por sus propios compañeros de armas, condenados por cargos del tipo "deserción" o "cobardía". En muchos casos, fueron soldados perdidos en el campo de batalla que fueron acusados de desertores, o que se encontraban en una situación de traumatismo psicológico como consecuencia de los bombardeos o del horror de las batallas. Las fotografías están tomadas a la hora del día, generalmente el amanecer, a la que fueron asesinados (ejecutados dirán algunos), y en la fecha más próxima posible al aniversario del asesinato. Otra forma de utilizar la fotografía para conservar la memoria histórica del horror de la guerra.
Ambas series contribuyen a fomentar mi escasa simpatía por las "banderas" que he comentado antes... desde luego.
Cambiemos completamente de tercio. En Proof de National Geographic me encontré esta semana un artículo con imágenes de animales con unas fotografías que me parecieron de una serenidad y de una belleza poco habitual en el ámbito de la fotografía animal. Las fotografías son de Simen Johan, y no son fotografías de naturaleza ya que están preparadas y manipuladas para obtener el resultado deseado. Lo cual conviene ser avisado, aunque el aspecto de las mismas ya permiten suponer el hecho.
Siguiendo con el tema de la naturaleza, en MOSSfull (el tumblr de MOSSless magazine) aparecieron una serie de fotografías de Jane Goodall, la zoóloga inglesa que tanto ha hecho en su vida profesional y personal por aumentar nuestra comprensión sobre la naturaleza de nuestros primos vivos más cercanos en la evolución, los chimpancés. Es una científica a la que admiro mucho, y de la que nos cuentan en un artículo de The New York Times, del que proceden las fotografías realizadas por Michael Christopher Brown, que a sus 80 años sigue al pie del cañón en su misión personal de preservar y salvar a esta especie animal de las agresiones de sus primos más salvajes, los humanos.
Esta semana, salvo unas fotografías de unas orquídeas tomadas en mi lugar de trabajo, ya comentaré algo de ellas, no he trabajado en el tema del bodegón y naturaleza muerta. Pero sí que he recogido algún marcador para explorar el tema e intentar encontrar inspiración. Así por ejemplo, en el blog de Elizabeth Avedon nos habla de las macrofotografías en blanco y negro de Anna Agoston. En un tono distinto, en L'Oeil de la Photographie nos muestran las fotografías florales del holandés Lendeert Blok, un pionero de la fotografía en color, que utilizaba la téncia del autocromo para sus naturalezas muertas florales. Entre lo documental y el hallazgo estético.
En primer lugar, feliz día a todas las mujeres trabajen "oficialmente" o no. La inmensa mayoría trabajan de una forma u otra aunque no siempre se vea reconocido ni social ni laboral ni económicamente su trabajo.
Esta semana ha venido muy nutrida de posibles recomendaciones fotográficas así que intentaré ser selectivo y sintético para no aburrir demasiado. Las fotografías acompañantes corresponde a mis últimos ejercicios iluminando naturalezas muertas, con distintas soluciones para controlar el contraste de la escena, tanto con luz natural como con el uso de flash.
En primer lugar volveremos a visitar la obra del director de cine y también fotógrafo Wim Wenders. Especialmente sus excelente paisaje, sean en formato de panorámica o no que se trae de sus viajes por todo el mundo. Nos lo recordaron en Lens Culture.
En el blog de Photographs on the Brain encuentro una pequeña pero interesante muestra de la serie The Swimmers de Attilio Fiumarella. Además, cuando abro su página me encuentro con una bella naturaleza muerta tomada con luz natural. Se dedica con maestría tanto a la fotografía documental como a la de arquitectura. Su sitio web es para quedarse un buen rato.
Curioso ejercicio el que nos propone Xu Yong, que opina que los negativos de las fotografías pueden producir más impacto que las propias fotografías. Como nos muestran en Lens Culture, con fotografías tomadas en la plaza de Tiananmén en 1989, utilizamos el teléfono móvil o la tableta para poder ver la auténtica fotografía. Como decía, curioso. Y las fotografías, documentales, no dejan de tener interés.
Serie de fotografías tomadas con luz natural procedente de ventana orientada al norte y pequeña cartulina blanca como reflector en el lado opuesto. Hasselblad 503CX con Sonnar 150/4 y película Kodak Tri-X 400.
Una fotografía publicada en el excelente blog de Mark Peter Drolet, me lleva a conocer la obra de Dominic Hawgood. Con fotografías tanto en blanco y negro como en color, muy minimalistas en sus elementos, pero con una iluminación y una composición muy cuidadas, se mueve entre lo conceptual y lo documental de forma muy interesante.
Mark Peter Drolet suele publicar las entradas de su blog en tandas con una temática común. Y hace unos días publicó tres fotografías seguidas de la actriz Chloë Sevigny, de Mark Peckmezian, de Ryan McGinley y de Nicolas Wagner, una de las más interesantes de las dos últimas décadas aunque no haya recibido tanta atención como otras, y que claramente es adorada por la cámara. El tema está en que justo estos días, aprovechando el día de fiesta entre semana en Zaragoza, había seleccionado para volver a ver la película Kids del también fotógrafo Larry Clark, una controvertida película sobre la sexualidad de los adolescentes, tema que el fotógrafo ya había tratado con anterioridad en series tan duras como Teenage Lust o Tulsa, con una crudeza que había suscitado no poca incomodidad. En esa película, Sevigny hace su debut en el cine interpretando a una adolescente que tras dos relaciones sexuales con un mismo joven se encuentra con un resultado VIH positivo en un análisis que se realiza cuando acompaña a una amiga suya, mucho más promiscua a un centro de prevención de enfermedades de transmisión sexual. La película es muy desesperazandora... no apta para todos los públicos. Clark no hace concesiones al buenrollismo habitual en el cine actual...
Otra serie curiosa que nos trae Mark Peter Drolet, también hace unos días. A partir de una conocida fotografía de Jacques-Henri Lartigue, en la que vemos un vehículo desaparecer por un lateral de la fotografía, nos muestra sendas fotografías de Gabor Szilasi y de Marylise Vigneau, que repiten el tema, lo reinterpretan y lo recontextualizan. Me encantan estos diálogos entre las obras de los fotógrafos, incluso si entre ellas hay décadas de separación en su concepción y realización.
Serie de fotografías tomadas con luz de flash lateral a medio metro del objeto, con un pequeño accesorio difusor, y pequeña cartulina blanca como reflector en el lado opuesto. Canon EOS 5D Mark II con EF 70-210/3,5-4,5 USM y flash Speedlite 90EX (no participa en la exposición) como controlador a distancia del Speedlite 420EX, fuente de luz principal.
El blog de Mark Peter Drolet también es fuente habitual de inspiración para el tema de la naturaleza muerta, que ya sabréis que me interesa, como podemos ver en las fotografías de Anaïs Boudot y Thomas Hauser (página web del autor).
Y hablando de naturalezas muertas, esta denominación es más que adecuada para las inquietantes fotografías de Eran Gilat, tal y como nos las muestran en L'Oeil de la Photographie. Extraña pero fascinante muestra de órganos o animales muertos acompañados de instrumental clínico propio de cirujanos y otros métodos de exploración médica.
Finalizaremos comentando el número 72 de Fraction Magazine, recientemente publicado. Lo más destacado que acompaña a este número es la colectiva reunida a partir de los archivos de la revista en línea bajo el tema Mujeres sobre mujeres (Women o Women). Especialmente adecuado para este 8 de marzo, día internacional de la mujer, en el que se nos muestra la visión de las mujeres fotógrafas sobre otras mujeres. Creo que es una excelente colección que merece la pena ser visitada.
Serie de fotografías tomadas con luz de flash en posición casi cenital sobre el objeto, disparado a través de una paraguas translúcido. Canon EOS 5D Mark II con EF 24-105/4 IS USM o EF 50/1,4 USM y flash Speedlite 90EX (no participa en la exposición) como controlador a distancia del Speedlite 420EX, fuente de luz principal.
Esta semana ha estado muy nutrida de informaciones y de recomendaciones fotográficas. De tal modo, que he tenido que "recortar" y "desechar" algunas que normalmente me hubieran parecido interesantes de comentar simplemente por no hacer esta entrada excesivamente larga y prolija. Así que me centraré en algunos hechos notables, en algunas recopilaciones de fotógrafos interesantes, en unos cuantos hallazgos que me han interesado y en una crítica al mundo del comercio de la fotografía como arte. Las fotografías acompañantes proceden de mis lentos pero progresivos ejercicios para aprender el mundo de la naturaleza muerta y la iluminación de la misma. Esta semana adquirí un pequeño kit para iluminar en casa con los flashes tradicionales. Un trípode, un portaflash, una sombrilla translúcida y un conjunto de reflectores. Algo sencillo para empezar. Las fotografías están tratadas con el software Perfect Effects 9 Premium, que está temporalmente disponible gratis en el enlace anterior. A cada una de ellas le he aplicado un preajuste diferente, en color e incluso una en blanco y negro, simulando distintas situaciones y tipos de película tradicional en algún caso.
En primer lugar, un recuerdo para el actor y director Leonard Nimoy (1931 - 2015), recientemente fallecido a la edad de 83 años. Aunque mundialmente conocido por su personaje Spock en la serie Star Trek, Nimoy también fue un fotógrafo a tiempo parcial, que publicó diversos libros sobre fotografía, algunos de ellos bastante interesantes. Creo que el artículo que le dedicó Petapixel es un buen lugar para interesarse por su obra.
En los últimos tiempos están de moda las maletas con negativos o fotografías de fotógrafos conocidos o desconocidos que son encontradas y dadas a conocer a la comunidad de aficionados y amantes de la fotografía. L'Oeil de la Photographie nos trae esta semana las fotografías perdidas de la alemana Lore Krüger (traducción del alemán al español en Google Translate), que fueron encontradas en 2012, tres años tras la muerte de la fotógrafa. Las fotografías fueron tomadas entre los 1934 y 1944, una época difícil ya que la fotógrafo era judía y hubo de escapar de sus compatriotas alemanes antisemitas.
Moviéndonos de nuevo a aquella época convulsa, turbulenta, dinámica, que fue el período de entreguerras, siempre me ha gustado mucho el movimiento del surrealismo en fotografía, incluso si no siempre he compartido algunas de sus premisas ideológicas. Estéticamente me parece fascinante; su admiración por el psicoanálisis freudiano, no tanto. No conocía yo dentro de este movimiento a la fotógrafa neoyorquina Florence Henri, que nos fue presentada en las paginas de fotografía de The New Yorker. Una fotógrafa de la que también me gustaría conocer más.
Harry Callahan es uno de mis favoritos. Y ya he hablado de él antes, si no aquí en el Cuaderno de ruta. Hoy lo recuerdo a propósito del porfolio con algunas de sus fotografías que nos presentan en American Suburb X (ASX). Por favor, no confundir con el personaje cinematográfico también conocido como Harry el Sucio... nada que ver.
Francesca Woodman es otra de esas fotógrafas que parece que el reconocimiento de su trabajo se haya visto favorecido por su temprana muerte a los 22 años tras suicidarse. Siendo conocida sobretodo por sus autorretratos, muchos de ellos desnuda, con bastante influencia del surrealismo, en L'Oeil de la Photographie nos recuerdan que también fotografío a otras mujeres, modelos que mostraban su inquietante visión a la hora de acercarse a lo que podríamos denominar fotografía de moda. Esta parte de su obra es menos conocida. Pero a lo mejor tan interesante o más que la otra.
Todo el fenómeno comercial en torno a la lomografía me joroba un poco. Tiene una vertiente positiva y otra negativa. La positiva es que está colaborando en gran medida a mantener viva la fotografía con película tradicional, con la que se pueden realizar obras distintivas e interesantes, como se ha demostrado durante décadas, pero que parece ahora se ha olvidado. Pero por otro lado, los empresarios estos me parecen que tienen un morro tremendo ya que venden cámaras de ínfima calidad a precios claramente excesivos. No es que no tenga en su catálogo algún chisme interesante... es que tiene muchos que no lo son. Pero bueno, así son las modas. En cualquier caso, siglo el blog que la Lomographic Society mantiene en Tumblr. La mayor parte de los artículos no me parecen nada del otro mundo; colorines chillones y composiciones a la guingorria. Pero de vez en cuando te dan alguna agradable sorpresa. Por ejemplo esta semana semana me han interesado dos artículos. El primero (más amplio aquí y aquí y aquí) sobre los interesantes y muy cinematográficos retratos y desnudos en blanco y negro de Brittany Markert. El segundo (más amplio aquí) tiene un estilo de reportaje muy interesante, y refleja la visión del fotógrafo Armin Amirian de la convulsa sociedad de su país.
Se ha llenado internet en las últimas semanas de las fotografías de Nueva York cubierto de nieve y con sus calles solitarias por el frío que hace que sus habitantes se refugien en sus casas. Yo escojo para representar esta tendencia la fotografía que nos trae Mark Peter Drolet, perteneciente a la serie Let it Snow de Christophe Jacrot. Especializado en paisaje urbano, este fotógrafo no duda en sacar sus cámaras cuando la meteorología es más adversa, con excelentes resultados.
Y ahora una serie de listas de fotógrafos interesantes:
En Quésabesde han elaborado una lista de 10 maestros del blanco y negro. Se basan en que son fotógrafos contemporáneos que trabajan fundamentalmente con ese tipo de fotografía (salvo uno que ha fallecido ya). No sé si es la lista que haría yo, pero eso da igual. Lo que importa es que podemos explorar la obra de todos estos buenos fotógrafos, de todo el mundo, y decidir cuales nos gustan más. Porque gustarnos en mayor o menor medida, nos gustarán todos.
Es muy difícil seguir los fotógrafos interesantes de todo el mundo. Y el lugar donde ha nacido el fotógrafo o donde ha emigrado y es conocido es muy importante para su reconocimiento. Pues bien, podemos paliar el desconocimiento de algunos buenos fotógrafos si repasamos la lista como la que ha publicado Time con nueve fotógrafos argentinos que conviene seguir. Alguno había aparecido en estas páginas. Otros están por descubrir.
El autorretrato, los selfis, están de moda. Pero en realidad, pocos son los fotógrafos que no han sentido la tentación de convertirse en objeto de su propia obra en algún momento. Estos sin entrar en muchos fotógrafos contemporáneos, y especialmente fotógrafas contemporáneas, que basan su obra en el autorretrato. Antes hemos mencionado a Francesca Woodman. En Quesabesde nos traen 10 interesantes autorretratos de maestros de la fotografía. Poco que ver con los selfis habituales.
Y para finalizar, cierta polémica sobre el mercado de la fotografía artística. Hace unos meses se comentó mucho el nuevo récord de precio pagado por una obra fotográfica en una venta privada, que correspondió a los 6,5 millones de dólares que se pagó por la fotografía Phantom de Peter Lik. A muchos extrañó puesto que aunque fuese una fotografía correcta técnicamente, no dejaba de ser una fotografía de un lugar muy visitado y muy fotografiado, sin que pareciese aportar mucho. El propio fotógrafo se hacía autobombo del asunto. Varios medios se hacen eco ahora de un artículo de The New York Times que expone a la luz pública el modelo de negocio de Lik, e incluso se plantea si la mencionada venta no sería una maniobra amañada para aumentar el valor de su obra en general. En cualquier caso, el fotógrafo australiano afincado en EE.UU. está haciendo mucho dinero en la industria que se ha montado él mismo, con una cuidado marketing, para vender su obra. Incluso si el reconocimiento de la misma entre los más entendidos es bajo, y les resulta incomprensible el dinero pagado por el mencionado "fantasma". A mí siempre me ha resultado otorgar valor monetario a las obras artísticas. Supongo que no hay que hablar de su "valor" sino de lo que alguien está dispuesto a pagar por ellas. Que es algo muy distinto. A mí, la obra de Lik cada vez me parece más la de vender pósters bonitos a precio de oro. De hecho, he descubierto un artículo de ArtNet News publicado en diciembre que ya ponía en duda la veracidad de la venta de la fotografía de Lik por esos 6,5 millones de dólares. Una cosa os diré, cualquiera de los fotógrafos vivos o muertos mencionados con anterioridad en este artículo me interesan muchísimo más que Lik.
Esta semana realmente he tenido muy poco tiempo para recoger propuestas en la web sobre fotógrafos y sus obras. Así que resultarán en un artículo de recomendaciones breve. Además lo adelanto un día, porque mañana llega la más famosa de las fiestas del cine y, probablemente, dedique una entrada en mi Cuaderno de ruta al evento. Las fotografías de hoy, tomadas al vuelo después de un "viaje" al centro de salud por una tontada más...
Algunas fotografías de Paolo Ventura pude contemplar en una exposición que visité hace unos meses en el Centro de Historias de Zaragoza. Un articulo en Photo Booth de The New Yorker me ha vuelto a recordar a este interesante fotógrafo italiano. Así que sería bueno que se mueven entre lo documental, lo conceptual, lo real y lo imaginado. Siempre con una composición, una iluminación y unos colores exquisitos. Por si alguno no se da cuenta, algunas de sus series son fotografías sobre dioramas o sobre decorados preparados para la fotografía. Así que es doblemente artista.
Desde el siempre interesante blog de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos hablan del trabajo de Sarah Jones. Parece que esta fotógrafa británica no tiene una página web propia, pero en el artículo del blog mencionado hay varios enlaces para seguir su obra. Toda ella me ha parecido interesante, pero como ya he dicho en alguna ocasión que, cuando las gripes, el trabajo y otra piojinas que me asaltan desde hace dos semanas me lo permitan, quiero ir iniciándome en serio en la naturaleza muerta, y tal vez la obra de Jones también sea inspiradora desde ese punto de vista.
Otro artículo en Photo Booth de The New Yorker me da a conocer al a fotógrafa Loli Kantor. Dos son las áreas de trabajo que veo en su página web, el mundo del espectáculo y las bambalinas, aunque no precisamente en su nivel más glamuroso, y la presencia/ausencia de los judíos en Europa, con repaso de algunos tristes escenarios de las matanzas realizadas por los alemanes en los años 40. Sus composiciones y su visión me parece muy elegante y muy serena, tanto cuando trabaja en color como en blanco y negro. Y sus temas, interesantes.
Siempre digo que me gusta mucho la obra de los precursores de la fotografía en color o de aquellos fotógrafos que contribuyeron a situarla a nivel artístico al mismo nivel que el blanco y negro. Art Kane está entre ellos aunque yo tenía poco conocimiento sobre su obra. L'Oeil de la Photographie nos trajo este jueves un monógráfico con varios porfolios de la obra de Kane comentados por otros artistas. No me sorprende que las fotografía que aparecen en el artículo comentado por Duane Michals sean de las que más me han interesado.
No puedo recordar donde encontré la primera referencia a la japonesa Fumiko Imano, pero esta fotógrafa conceptual que suele ser la principal protagonista de sus imágenes, en las que con frecuencia aparece más de una vez, me ha parecido de lo más interesante. Sus fotografías, como muchas veces sucede con los fotógrafos japoneses dejan de lado aspectos técnicos para mostrarse muchas veces como instantáneas que puede haber tomado cualquiera con su cámara trotera. Pero por supuesto sabe lo que se hace, el porqué de una determinada estética, y el mensaje que quiere transmitir. También podéis seguir sus noticias en su blog.
Redacto estas recomendaciones fotográficas que os traigo habitualmente los domingos sumido en una profunda tristeza musical, al comprobar que la otrora brillante vocalista de jazz Diana Krall ha profundizado en su huída de lo que realmente hacía bien, para convertirse en una vulgar cantante de estándares del cancionero anglosajón, algo más modernos en esta ocasión, carente por completo de personalidad. Dicho lo cual, me introduciré en las recomendaciones fotográficas, que para acompañar los tiempos, además de comentar ciertos famosos premios, tendrán que ver con el sexo y el erotismo en la fotografía. De algún modo. Las fotografías acompañantes son de una visita que hice ayer al IAACC Pablo Serrano, aunque sin novedades que no haya comentado previamente en el apartado expositivo.
Con notable puntualidad nos contaban desde distintos medios, entre ellos QUESABESDE, la noticia del fallo de los premios WORLD PRESS PHOTO 2015. Este año con una fotografía muy intimista sobre las relaciones de dos homosexuales en Rusia, país que se ha manifestado de una homofobia feroz, entre otros ataques más o menos continuados del gigante euroasiático a los derechos humanos y la paz. Pero por supuesto, hay diversas categorías y premiados para todos los gustos. Pero quizá lo que más sorprendió fue un dato que trataron especialmente bien en el BRITISH JOURNAL OF PHOTOGRAPHY. Conocido es que en los últimos años ha habido diversos escándalos en premios fotográficos orientados al periodismo y reportaje motivados por el exceso de tratamiento y retoque de las imágenes, que cuestionan la validez o la veracidad de las mismas. Por ello, había nuevas normas para evitar esta situación. Lo curioso es que de las algo más de 90 fotografías que pasaron el corte final, que fueron las que fueron contrastadas con sus archivos digitales originales para comprobar el cumplimiento de la norma, un 20% fueron descalificadas por este motivo. ¿Es que pensaban que no lo iban a comprobar realmente? Por otra parte, algunos se defienden argumentando que los programas de edición de imagen son el nuevo cuarto oscuro y que la intervención en las imágenes estaba justificada. Puede que tengan razón o no. Pero si te apuntas a un concurso, será para seguir sus normas ¿no? Si no de qué te quejas si te descalifican... Personalmente creo en fotografía documental y de reportaje periodístico hay límites en el retoque que nunca se debería cruzar.
Este fin de semana ha estado marcado en todo el mundo por el estreno de una película que venía con la etiqueta de "erótica" y "atrevida". Pocos realmente nos creíamos lo del "atrevimiento" visto el derrotero altamente conservador que sigue el cine comercial norteamericano. Y las impresiones que nos llegan, no la he visto ni la tengo en agenda, indican que no es para tanto. No la he visto digo; se basa en una novela que no he leído salvo el capítulo de muestra que ofrecía la editorial en formato electrónico, y que me dejó espantado por su escasísima calidad literaria, y por la memez de sus planteamientos. Para quienes "crecimos" en la literatura erótica de la mano de TUSQUETS EDITORES y su colección LA SONRISA VERTICAL, de verdad que tiene la pinta de ser una total y absoluta bobada... pero que vende como churros. Bien... pues vamos a ver que nos trae el mundo de la fotografía esta semana en el plano de los eróticofestivo.
En primer lugar, en lo erótico hay que tener en cuenta que es importante lo insinuante, lo pícaro. Algo que me inspiró una fotografía vista en el blog de ADORE NOIR realizada por CHERYL NICOLAI. Si nos metemos en su página web y nos dirigimos a las secciones BOUDOIR, BACKSTAGE o DRESSING ROOM, nos encontraremos con una fotógrafa que se expresa preferentemente en blanco y negro y que aborda situaciones erótica y pícaras con bastante alegría y elegancia al mismo tiempo.
Pero la película de moda pretende hablar de emociones fuertes... de las relaciones de dominación, de la asociación de dolor y placer, creo... Así que hay que irse a algo más intenso. Y creo que el japonés ARAKI es un ejemplo adecuado. Aviso que sus fotografías pueden ser bastante explícitas, para aquellos que se puedan sentir ofendidos por ciertos tipos de desnudo o actitudes. En AMERICAN SUBURB X nos traen una colección de polaroids que nos hablan de la afición del fotógrafo a las cuerdas.
Los fotógrafos FORMENTO+FORMENTO también han explorado esa relación con el fechismo de la cultura japonesa, tal y como nos cuentan en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE, en su serie JAPAN DIARIES. Fotografías cuidadosamente escenificadas, que nos transportan al rico mundo de la imaginería nipona, y parece extraídas de algunos de los más interesantes y desasosegantes filmes del país del sol naciente.
¿Y qué me decís de la fotografía de MARK PECKMEZIAN que publicó hace unos días en su blog MARC PETER DROLET? Entre el erotismo, la inocencia, el misterio... y con una delicadeza de los tonos en blanco y negro...
En CULTURA INQUIETA nos trasladamos a una forma muy distinta de concebir el desnudo y lo erótico. Se trata de los retratos de JO SCHWAB, desnudos muy sencillos en su concepción, muy directos, muy confrontados al espectador. Y lejos de la selección de cuerpos danone frecuentes en la fotografía de desnudo y más si tiene un componente erótico, aquí nos vamos a cuerpos variados, diversos, que no responden a un único estándar o canon de belleza establecida. Imágenes muy asertivas, muy seguras de sí mismas en su diversidad. Riguroso blanco y negro.
Y unos retratos de desnudo muy especiales son los que nos propone TREVOR CHRISTENSEN, de acuerdo al artículo que nos ofrece FEATURE SHOOT. Y es que en esta ocasión quien se desnuda no son los modelos ante el fotógrafo, sino al contrario. El fotógrafo quien trabaja completamente desnudo frente a sus modelos, sean amigos o familiares suyos, sean extraños que aceptan a tan curioso experimento. La base del mismo es que la persona retratada de alguna forma expone sus vulnerabilidades ante el fotógrafo. En esta ocasión, mediante ese desnudo que no se ve en la fotografía, este se pone al mismo nivel de vulnerabilidad. Desnudo que no se ve, pero que se refleja en las expresiones y en los gestos de los retratados. A veces con incomodidad, otras con diversión o picardía, a veces con curiosidad, sorpresa o incredulidad.
