Como viene siendo habitual desde hace algunas semanas, en primer lugar os dejo mi enlace al tablero de Pinterest con una selección de fotografías que han llamado mi atención en esta semana. Os recuerdo que hay de todos los tipos; bodegones (estos últimos más bien tienen su propio tablero), retratos, documentales, paisajes,... y también algún desnudo. Así que si hay alguien que, incomprensiblemente para mí, se ofende por ese tipo de fotografías, queda avisado. Esta semana también he recibido un mensaje quejándose... como si yo tuviera la culpa de los complejos de los demás.
En cuanto a las fotografías acompañante, sigo utilizando la cámara que recibí de regalo recientemente, la Panasonic Lumix GM5. Estoy contemplando la posibilidad de llevármela como cámara principal a una breve escapada centroeuropea que voy a hacer pronto. Especialmente ahora que tengo baterías de repuesto. Ya veré. Ayer estuve con mi sobrino Diego jugando al tenis en el Centro Deportivo Municipal "La Granja" de Zaragoza, y entre 9:30 y 11:00 de la mañana había una luz suave muy agradable.
Empezamos como siempre desde los fotógrafos más clásicos, incluso si todavía los podemos considerar contemporáneo. Como puede ser la japonesa Miyako Ishiuchi de la que tengo algún libro, y que se ha ganado un artículo en el blog Lens de The New York Times. Ishiuchi lleva décadas documentando y reflexionando sobre la sociedad de la posguerra mundial, y las consecuencias de este conflicto armado para su país. Con estilos muy diversos.
Y una cosa lleva a la otra, y en el blog Otra forma de mirar nos muestran un breve artículo de otro fotógrafo japonés, un poquito mayor que la anterior, pero prácticamente contemporáneos. Se trata de Kikuji Kawada. Hay nos derivan a una entrevista con el fotógrafo en Aperture, que nos da algunas claves del trabajo de este artista. Ambos fotógrafos japoneses han profundizado en el desastre moral que supuso el lanzamiento de las bombas atómicas al final de la guerra mundial.
Son muchos en los artistas, cualquiera que sea la disciplina, que han encontrado su inspiración, su musa, en casa. En su novia, en su amada, en su esposa. En American Suburb X (ASX) nos cuentan los paralelismos en las obras de tres fotógrafos que dedicaron una parte considerable de su trabajo a fotografiar a sus esposas. Ya sea Emmet Gowin con Edith Morris, casados en 1964, bien Lee Friedlander con Maria de Paaoli, se conocieron en 1957, y quizá el más característico, Harry Callahan con su esposa Eleanor, a quien conoció en una cita a ciegas en 1933, y que forma parte uno de los principales motivos de su obra.
Gordon Parks es un fotógrafo conocido sobre todo por su trabajo como documentalista, como reportero gráfico, especialmente en el ámbito del movimiento de los derechos civiles, así como por sus retratos. Pero esta semana L'Oeil de la Photographie nos muestra un aspecto menos conocido del fotógrafo, la fotografía de moda, con algunas fotografías inéditas hasta ahora. Me gustan muy especialmente las fotografías en color, de una elegancia notable.
El pasado lunes y el pasado martes, L'Oeil de la Photographie dedicó un buen número de artículos a un festival de fotografía en Bolonia dedicado a la fotografía industrial. La mayor parte de nosotros no solemos asociar la actividad industrial con la estética y la belleza, y sin embargo no son pocos los que nos la han mostrado, tanto en la imagen fija como en la imagen en movimiento (pienso ahora en la introducción de cada uno de los capítulos de Twin Peaks). Yo echaría un vistazo a las entradas dedicadas a Pierre Gonnord, Hein Gorny, Luca Campigotto, O. Winston Link y Jason Sangik Noh. Diversidad de estilos, diversidad de motivos y diversidad de soluciones estéticas.
"Saber escribir la lista de la compra no nos convierte en escritores"... esta es la contundente afirmación que el fotógrafo Carlos Spottorno nos deja en una entrevista en Quesabesde para dejar claro que por mucho que hoy en día todos vayamos haciendo fotos, eso no nos convierte necesariamente en fotógrafos. Un fotógrafo español, pero muy internacional, muy comprometido y a cuya obra debiéramos acercarnos con frecuencia.
Poco paisaje he traído este domingo. Para compensar un poco, os sugiero las fotografías volcánicas de Reuben Wu, una forma distinta de explorar la terrible belleza de los cataclismos telúricos en la corteza terrestre, donde domina el color azul en lugar de los tradicionales rojos y naranjas del fuego y la lava. Nos lo mostraron en COOPH.
Se han puesto de acuerdo muchos medios dedicados a hablarnos de fotografía, por ejemplo PetaPixel en inglés o DSLR Magazine en español, para contarnos la historia de Tsuneko Sasamoto, una fotógrafa japonesa en activo desde que tenía 25 años,... y que acaba de cumplir los 101. Dicen que es la primera mujer reportera gráfica en Japón. Muchas fotos de ella, bien a los 25 años, bien ya en edad madura o anciana, y en todas ellas se ve una mujer de aspecto muy atractivo desde todos los puntos de vista. Pero desgraciadamente nos muestran pocas fotografías realizadas por ella. Una pena...
Un artículo en PetaPixel que marqué para leer, más como anécdota que como otra cosa, me ha hecho reflexionar sobre los prejuicios y los tópicos. En el se habla de como la fotógrafa rumana Mihaela Noroc, en su trabajo The Atlas of Beauty, ha añadido fotografías de mujeres norcoreanas. Muchas de ellas realmente guapas, atractivas. Ciertamente, el trabajo de Noroc está orientado a mostrar la belleza de la mujer independientemente de su origen, nacionalidad, religión, etnica, color de piel, forma de los ojos, etcétera. Pero en el artículo de PetaPixel parece que se sorprendan de que haya mujeres atractivas en la hermética monarquía absoluta comunista asiática. Lo cual es un estúpido prejuicio. También podríamos cuestionar si el trabajo de Noroc realiza un análisis de la belleza de la mujer como un valor universal, o selecciona sus modelos siguiendo patrones de belleza muy enraizados en el mundo occidental. Aunque se apliquen a mujeres con rasgos físicos diversos de los de europeos. Prejuicios, prejuicios, prejuicios,...
Y terminaré con una curiosidad... Un catálogo de productos fotográficos para la temporada "Otoño 1953 - Primavera 1954"... Incluía explicaciones técnicas para un mejor aprovechamiento del material comprado. Formato pequeño (24 x 36 mm; sí, nadie conocía este tamaño de imagen como "formato completo" en aquel momento), formato medio, gran formato, exposímetros, tomavistas, proyectores, trípodes, filtros, aparatos de montaje de películas, ampliadoras, película, muchas película... mucha mecánica y escasa, escasa electrónica. La cámara que más me ha llamado la atención,... la Tower 35. Tower era la marca blanca de Sears, una empresa de venta por catálogo, y era un clon de la Leica III fabricado en Japón con la marca Nikka, y que según nos cuentan venía con una Nikkor f/1,4 (supongo que un 50 mm). Notable para la época.
Para comenzar, como viene siendo últimamente habitual, os dejo el enlace al tablero de Pinterest que recoge algunas de las fotografías, u obras derivadas de la fotografía, que me han llamado la atención esta semana. Algunas forman parte de las recomendaciones que vendrán a continuación, otras no.
Este domingo ha sido distinto por dos cuestiones. La primera es que estas recomendaciones las estoy redactando por la tarde, en lugar de a primera hora de la mañana como es habitual. La segunda es que realmente el verano nos ha dejado y tenemos en Zaragoza un día gris y, a ratos, lluvioso. Quizá por eso he recuperado algunas floridas y luminosas fotografías de este verano. Para dar un poco de luz y de color al día.
Siempre me gusta empezar mis recomendaciones con un clásico. Pero en esta ocasión se trata de un clásico de la fotografía japonesa, siempre interesante. A propósito de una entrada publicada en el tumblr de Selektor Magazine, he creído oportuno revisar la obra de Shōji Ueda, uno de los más importantes del siglo XX en el país del Sol Naciente, y principal representante de surrealismo.
Hay quien considera también un clásico a Miroslav Tichý. Otros lo encuentran un excéntrico. Su obra muchos la encuentran perturbadora. A mi me la ha recordado un artículo de Be Analogic. Tichý fue considerado por algunos como un disidente del sistema prosoviético checoslovaco de posguerra. Para otros fue un vagabundo, un indigente, con problemas de salud mental, que visitó no pocos psiquiátricos y prisiones. Con cámaras que construía con desechos o que recuperaba a partir de aparatos fotográficos estropeados, tomaba fotografías a caballo entre el voyerismo y el fetichismo, generalmente de mujeres, que ampliaba sobre todo tipo de materiales, y de forma siempre imprecisa. Es de los fotógrafos descubiertos tras su muerte. Y sus fotografías me resultan a veces inquietantes. Pero actualmente está muy valorado.
Una publicación en Facebook del grupo 120 Love, dedicado a promocionar la fotografía en formato medio con película tradicional, me sirve de excusa para recuperar en estas páginas la obra del sudafricano Pieter Hugo, en este caso con las peculiares mascotas que se pueden encontrar en su país de origen. Independientemente del tema de las fotografías, siempre me admira la elegancia componiendo de este fotógrafo y su sabia utilización del color.
Siguiendo en el terreno de la fotografía documental, en Lens Culture han publicado Passengers of Light, un proyecto del iraní Majid Farahani, un reportaje sobre las gentes que peregrinan a los campos de batalla de la durísima guerra que en los años 80 enfrentó a Irak e Irán. También fotografía muy elegante, en esta ocasión en color, que recoge los sentimientos de los peregrinos con una luz impresionante.
Dedicaré ahora un par de recomendaciones a la fotografía comprometida con el medio ambiente. La primera nos llega desde el tumblr de Valerie Chiang. Se trata del proyecto Fluffy Clouds de Jürgen Nefzger. En este proyecto, el fotógrafo alemán recorre el paisaje de diversos países europeos fuertemente dependientes energéticamente de las centrales nucleares. Con sus fotografías integra el paisajes natural y social de esos países con la presencia mudo pero inevitable de las centrales nucleares, indispensables aparentemente para la suficiencia energética, pero percibidas muchas veces como un símbolo, para unos positivo, para otros ominosamente negativo.
Y en Lens Culture recogemos otros proyecto que nos muestra el impacto negativo del desarrollo de la tecnología nuclear sobre el paisaje y las sociedades. El polaco Michał Sierakowski recorre la región de los Sudetes, en su momento una de las regiones minera más explotadas de Europa en los tiempos en los que Alemania dominó la región. Allí los soviético buscaron intensivamente el mineral de uranio, lo cual provocó graves afecciones en el medio ambiente y en la población.
Uno de los motivos de interés para algunos fotógrafos son sus propios compañeros de profesión, otros fotógrafos. En Rubixephoto nos hablan de la fotógrafa Estela de Castro y de su proyecto Fotógrafos, conjunto de retratos que intentan captar el alma de una notable colección de profesionales de la fotografía españoles, de los cuales conocemos muchas veces su obra, pero a los que no siempre ponemos cara.
Y ya que estamos con los fotógrafos españoles, quizá sea una buena idea ver el siguiente vídeo, una entrevista realizada a Javier Vallhonrat. Al principio se hace un poquito pesado, porque parece hecho principalmente para la promoción de unos talleres de fotografía. Pero conforme van pasando los minutos, te olvidas de ese hecho y te quedas con lo que nos dice y cuenta Vallhonrat. Creo que merece la pena. No recuerdo dónde encontré esta recomendación.
Otro vídeo que me ha impresionado bastante es el que está dedicado a la técnica de Michael Flomen, en esta ocasión está en inglés, advierto. Este fotógrafo crea sus obras sin aparato fotográfico, en la noche. El resultado son unas fotografías entre el registro de la naturaleza y la abstracción. Bastante interesantes. Nos lo contaron en Focale Alternative, en francés. Frente al medio metraje del vídeo de Valhonrat, este no llega a tres minutos de duración.
Ha salido hace unos días el número 79 de Fraction Magazine, revista de fotografía en línea, en el que hay diversos porfolios todos ellos interesantes. Pero yo me quedo con el titulado Nadachi del fotógrafo Seiya Bowen. En esta serie, el fotógrafo revisita los lugares de su infancia en Japón, donde el progreso está acabando con los estilos de vida tradicionales, produce importantes afectaciones del paisaje, al mismo tiempo que va vaciando de gente joven las zonas rurales y pesqueras, donde queda la gente mayor. Problemas que me suenan en mi entorno más de lo que me gustaría.
Para finalizar, dos recomendaciones que no tienen que ver con un fotógrafo en concreto.
La primera nos viene a través del blog oficial de Flickr y es que el archivo del Programa Apollo ha subido a Flickr más de 8.400 imágenes de alta resolución de las misiones de la NASA a la luna. Un verdadero tesoro que ahora podemos compartir toda la humanidad. Muchas de ellas realizadas con las Hasselblad modificadas que llevaron los astronautas norteamericanos al espacio en aquellas misiones.
La segunda es una curiosidad. Nos la cuentan en PetaPixel. Alguien se ha dedicado a recuperar y escanear viejos folletos de Disneyland. Y uno de ellos es el Kodak Camera Tour of Disneyland, el "recorrido de Disneyland con una cámara Kodak". En una época, los años 50 del siglo XX, en la que era raro que las cámaras que usaban los turistas dispusiesen de ningún tipo de dispositivo para medir la luz y calcular la exposición adecuada para la toma, Kodak proporcionaba a los visitantes de Disneyland sencillas tablas para cada atracción del parque de atracción. Tanto para las zonas a la luz del sol como a la sombra. E incluso en interiores o por la noche. Con las combinaciones más adecuadas de diafragma y velocidad de obturación según el tipo de película utilizada; Kodachrome (película inversible o diapositivas), Kodacolor (negativos en color), Ektachrome (película inversible o diapositivas) o película para tomavistas Kodachrome (película inversible). En algún caso, me ha parecido también ver la Tri-X (película negativa en blanco y negro) Además de las tablas, imágenes de muestra, casi todas realizadas con película diapositiva Kodachrome o Ektachrome, ligeramente subexpuestas para mayor saturación del color. Me encantan estas cosas.
Ha sido una semana rara. La verdad es que he andado con muy poco tiempo entre unas cosas y otras. Trabajo, asuntos domésticos, fotografía como práctica personal,... Por lo tanto, me he encontrado con no muchas recomendaciones seleccionadas para hoy. Aunque creo que interesantes.
En cualquier caso, comenzaré por dejaros mi enlace al tablero de Pinterest correspondiente a esta semana.
En lo que se refiere a las fotografías que acompañan el artículo, he de decir que esta semana la he tenido marcada por la práctica del bodegón o naturaleza muerta. Ayer sábado estuve realizando un taller sobre este género de la fotografía, y de las artes en general, del que os hablaré otro día. Pronto. Espero. Pero hace unos días desempolvé la Hasselblad, la cargué con un carrete de Ilford FP4 Plus y estuve haciendo fotos, algunas de las cuales podréis viendo a lo largo de este artículo.
Esta semana he tenido varias noticias que relacionan el mundo de la fotografía y el cine o la literatura, coincidencia que siempre supone un plus de motivación para mí. L'Oeil de la Photographie nos trae algunos artículos al respecto en su edición del día 23 de septiembre de 2015.
En los años 30, Brassaï, un clásico absoluto, recorrió las calles de París dejándonos documentos absolutamente icónicos y que han marcado la visión que de la capital francesa han tenido las generaciones posteriores de fotógrafos. En 1956, algunas fotografía de Brassaï sirvieron para ilustrar la novela corta de Henry Miller Días tranquilos en Clichy (Quiet Days in Clchy). La novela ha sido llevada en un par de ocasiones al cine.
Pasemos ahora a un par de fotógrafos más actuales, y que dan importancia al color en sus obras.
También en L'Oeil de la Photographie nos hablan de la obra de Hans Feurer, fotógrafo de moda que en algunos de sus trabajos mezcla el desnudo, la pintura corporal, la abstracción y un intenso tratamiento del color, con resultados notables desde mi punto de vista. Un estética más propia en algunas ocasiones de los años 70 y 80, pero que no deja de ser interesante recuperar hoy en día, si no de forma sistemática sí en sus representaciones más conseguidas.
Dejando el mundo de la moda y la belleza, nos vamos a la fotografía documental. En este caso, LensCulture nos transporta al Ártico siberiano, a la ciudad de Norilsk, la más septentrional de las que sobrepasan los 100.000 habitantes en el mundo. Absolutamente gélida, especialmente en los meses de invierno, en los que durante dos meses se sume en la noche ártica, fue construida por prisioneros de un gulag próximo durante el régimen de Stalin. La fotógrafa Elena Chernyshova intenta investigar la adaptación humana al clima extremo, al aislamiento y al desastre ambiental en un lugar único. Pero no dejéis de visitar el resto de sus reportajes de fotografía documental, que combinan el interés humano, social y antropológico, con un gran dominio del color y la composición.
Finalmente, quiero traeros aquí un recurso que he descubierto esta semana, The Red List. Se definen a sí mismos como un sitio diseñado a modo de libro de tendencias, en el que las artes visuales tienden puentes con creativos tanto históricos como contemporáneos en el mundo de las bellas artes, del diseño, del interiorismo, de la moda, o de la arquitectura entre otras disciplinas. tienen gran presencia el cine y, como no, la fotografía. No hay grandes artículos en profundidad, más bien son colecciones o porfolios de fotografías sobre la obra de los muchos artistas representados, con el fin de que sirvan de inspiración a otros artístas. Si uno se da de alta con Facebook, puede ir construyendo su propia lista de intereses. De entrada te proponen una lista de artistas de distintas materias, que tu puedes modificar quitando y añadiendo.
Como estamos en el mundo de la fotografía y las artes visuales, de las propuestas iniciales he dejado varias entre las que destacaré las dedicadas a Larry Clark y Joseph Szabo, ambos fotógrafos que se han acercado al mundo de la adolescencia, y a la emblemática serie televisiva Twin Peaks, cuyos últimos capítulos emitidos, hace ya casi 25 años, estoy viendo estos días, y cuya riqueza visual es uno de sus principales atributos.
Entre las novedades que nos han presentado esta semana tenemos un clásico del mundo de la fotografía de la moda como es Erwin Blumenfeld, y una clásica contemporánea también del mundo de la moda, con un estilo y una visión muy personales, como es la francesa Sarah Moon.
Algunas cuestiones que me gustaría aclarar a propósito del contenido de los tableros en Pinterest y un mensaje privado que he recibido esta semana. En los que se dedican a las recomendaciones semanales hay fotografías de todos los géneros; reportaje, retrato, naturaleza muerta, conceptual, moda,... y también desnudos, que para mí no es un género especial, sino uno más a considerar. Más difícil será encontrar una fotografía gratuitamente violenta, que un desnudo marcadamente erótico. Aunque en esta sociedad hay mucha más tolerancia hacia el violencia que hacia el erotismo, mis valores están del revés y por lo tanto se reflejan en mis elecciones. Eso sí, procuraré siempre que en ningún momento las imágenes sean degradantes para ninguna persona, especialmente mujeres que son las que más han sufrido este tipo de actitudes. Pero a veces puede haber imágenes potencialmente incómodas. En el de esta semana, he seleccionado una fotografía de Larry Clark, de su serie Teenage Lust, una serie compleja y difícil de ver sobre la sexualidad en los adolescentes, ya que hay fotografías en ella mucho más impactantes que la que he incluido en el tablero. Bueno... aunque sospecho que mis modestas audiencias comparten en parte mis valores y no suele haber problemas, avisados quedáis todos.
Las fotografías acompañantes sirven para recordar que en De viaje con Carlosencontraréis mi cuadernos de viaje fotográficos, y que como tenía alguno sin elaborar, estoy ahora con el dedicado a Japón, un viaje del que hace ahora un año, y que espero terminar en los próximos días.
En lo que se refiere a las recomendaciones de esta semana, empezaré por los fotógrafos más clásicos. En realidad el primero de ellos fue un cineasta, Stanley Kubrick, pero que empezó su vida laboral siendo un adolescente trabajando de fotógrafo para la revista Look. Y en Art Photo Collector nos han recordado su trabajo de aquella época.
Me gustan los trenes de antaño. Me gusta la estética de las viejas locomotoras de vapor. Me gusta la fotografía ferroviaria. Por lo tanto, no puedo menos que traer aquí las imágenes de René Groebli, tal y como nos las muestra L'Oeil de la Photographie. No sólo nos muestran trenes, también algunos retrato y desnudos tempranos en la carrera del fotógrafo que me parecen estupendos.
Hace no mucho tuvimos la ocasión de ver una interesante exposición aquí en Zaragoza dedicada a Larry Fink. Este fotógrafo es muy conocido por sus fotografías documentales en el mundo de la música y del glamour, de las fiestas de la gente importante, de Nueva York y Hollywood. Pero las fotografías que nos mostró esta semana L'Oeil de la Photographie son mucho menos glamourosas, aunque al menos tan interesantes, y con su estilo tan característico. Armado de una reflex binocular Mamiya y una Leica M2 se introdujo en los bosques y en los trabajos de los leñadores talando los árboles. A mi me gustaría saber usar el flash como Fink... y muchas más cosas como Fink.
Nos venimos a tiempos más modernos. En Cooph nos han mostrado las fotografías que durante seis años ha realizado Eric Mencher en Guatemala. Especialmente en las orillas del lago Atitlán, donde 100.000 descendientes de los mayas viven en los pueblos y las ciudades que lo rodean. Blanco y negro sobre película tradicional de formato medio cuadrado... a mí me han encantado por su dominio de la luz y las sombras y de la composición. Vosotros mismos.
Pasamos del blanco y negro al color en clave baja, el que practica William Ropp en sus retratos, que nos muestra también L'Oeil de la Photographie, de las gentes que viven en Etiopía, todavía en sociedades tribales y tradicionales. Nos transmiten una sensación de calma y armonía que choca con las noticias de barbarie y hambrunas que con frecuencia nos llegan de aquellas latitudes.
Primero una corrección. Uno de los vídeos de la semana pasada, el dedicado a Nobuyoshi Araki, estaba en su mayor parte hablado en japonés. Sin subtítulos de ninguna clase. He encontrado una versión con subtítulo en castellano que os dejo aquí. Ya advertí, creo, y si no lo hago aquí, que la fotografía de Araki, especialmente algunos desnudos, especialmente los de mujeres atadas con fuertes ligaduras, molestan a algunas personas. Pero a su vez, Araki tiene algunas partes de su obras que conviene conocer, después del vídeo más sobre esto.
Algunos de los trabajos más interesantes de Araki fueron aquellos que dedicó a su mujer, Yoko, que falleció de cáncer en 1991. Un primer libro fue Sentimental Journey, en el que Yoko era la figura principal durante el viaje de novios de la pareja. Un libro lleno de amor y sensibilidad hacia su mujer. Que luego extendió durante su vida en común, y que tuvo colofón el libro Winter Journey, con los últimos de ella. Con posterioridad, se han editado libros que unían ambos viajes.
Hace unos días, en el Facebook de 120 Love, una página dedicada a promocionar la fotografía en formato medio que se mueve sobre todo en Japón, nos proponía el trabajo de Masahisa Fukase, enlazando un artículo de The Guardian. Su trabajo estuvo relacionado fundamentalmente con su esposa, que también se llamaba Yoko, siendo el objeto de su fotografías mientras estuvieron casados. Cuando su esposa le dejó y se divorciaron, su trabajo, fotografiando cuervos, reflejaba el estado de depresión y dolor que le produjo la separación. Sus últimos 20 años de vida permaneció inconsciente tras una caída por unas escaleras en estado de embriaguez que lo dejó en coma. Tremendo, no. Hay quien considera que su trabajo Karasu (Cuervos) es el mejor libro de fotografía publicado en los últimos 25 a 30 años.
Pero vayamos a historias más alegres relacionadas con la fotografía y el matrimonio. Nos hablaban en PetaPixel hace unos días de la boda de Liisa Luts, fotógrafa que vive y trabaja en Tallin, Estonia. Decidió que las fotografías de su boda iban a ser poco convencionales. Las iba a hacer ella misma. Iban a ser un documento profundamente subjetivo de su experiencia, que realizó con una discreta Fujifilm X-T10. Y sinceramente, a mí me me ha convencido mucho su visión. La serie entera se puede ver.
Antes que nada, pondremos el enlace al tablero de Pinterest que recoge las fotografías que me han llamado la atención esta semana por sí mismas, o que pertenecen a grupos de fotografías que las representan. Creo que hay para todos los gustos y de todos los temas y géneros. De todos modos, como el conjunto de recomendaciones que potencialmente podían aparecer en estas páginas era notable, he restringido en la medida de lo posible, y dejo en vuestras manos la visita al tablero en Pinterest para explorar otras posibilidades.
Las fotografías que acompañan las recomendaciones semanales de esta semana proceden de un largo paseo que di ayer sábado por la mañana. Parece que las duras temperaturas del verano ya han remitido en Zaragoza, y aunque todavía están cerca de los 30 ºC en las horas de más calor, las mañanas son muy agradables, y se pueden dar largas caminatas de 2 o 3 horas sin miedo a derretirse. Además, unas nubes poco densas pero muy presentes dieron una luz suave durante toda la mañana, favoreciendo la práctica de la fotografía.
En primer lugar, un obituario. Que me ha llamado la atención que ha aparecido poco en los medios especializados en internet, a pesar de la significación del fallecido, Alberto Schommer (1928 - 2015), fotógrafo especializado en retrato, Premio Nacional de Fotografía 2013. Yo traigo aquí la noticia recogida por Exit-Express. Tengo recuerdos de los retratos de Schommer desde hace muchos años, ya que aquellos enigmáticos retratos de personalidades de la vida pública española realizados en los años 80, en los que aparecía sistemática con los ojos ennegrecidos, me llamaban mucho la atención. Creo que es de los fotógrafos españoles que todo aficionado a la fotografía debe conocer.
Empezando como de costumbre por fotógrafos o fotografías de antaño, recojo un artículo de los blogs de la radio pública estadounidense NPR, hablando del último país de América que abolió la esclavitud. Este dudoso honor corresponde a Brasil, que tardó hasta 1888 para salir de esta barbarie. Pero el hecho de que la esclavitud durase en el gigante sudamericano hasta tan avanzado el siglo XIX ha permitido que se conserven mucho más documentos fotográficos sobre la vida de los esclavos, algunos muy notables.
Actualmente hay mucha gente que viaja. Y prácticamente todos llevan una cámara fotográfica y hacen (o se hacen) fotos. Aunque sólo sea con la del teléfono móvil. Pero a principios del siglo XX, esta práctica, tanto la del viajar como la de hacer fotos, estaba reservada a los aventureros a la burguesía acomodada. En L'Oeil de la Photographie nos hablaron de un señor de Bilbao, Jesús de Echebarría, que perteneció a esta categoría de privilegiados. Y que nos ha dejado algunas fotografías de sus viajes que son realmente interesantes.
Tres vídeos, lamentablemente ninguno de ellos en castellano, pero que de todas formas voy a poner aquí para quien pueda estar interesado, porque nos hablan de tres fotógrafos o artistas interesantes. Desde el Met de Nueva York nos hablan de Garry Winogrand, uno de los grandes de la fotografía documental norteamericana.
No apto para todos los públicos es es el vídeo siguiente, casi hora y cuarto de duración, que nos muestras las peculiaridades de un fotógrafo tan especial como Nobuyoshi Araki.
Finalmente, desde el canal de Youtube de la Tate Gallery, nos hablan de las ciudades de los artistas, en esta ocasión del Pekín de Ai Weiwei, artista polifacético chino, también ha usado la fotografía como medio de expresión, y que está sometido a vigilancia y a censura. Nos cuenta cómo la ciudad de ningún modo se puede considerar como un ente hecho a la medida de las personas.
Los años setenta del siglo XX fueron una época compleja en el mundo del arte, la estética y la libertad personal, especialmente la libertad sexual, que culminó con la ola de conservadurismo que trajo Ronald Reagan y el sida. Pero merece la pena echar un vistazo a las expresiones artísticas de aquella época, aunque no siempre sean del gusto contemporáneo. En Feature Shoot nos traen las polaroids de Edo Bertoglio, mostrándonos el glamour y también lo que no es precisamente glamour del punk neoyorquino de aquella época.
Nicholas Nixon es un fotógrafo que se toma sus fotografías y sus proyectos con calma. Su proyecto más famoso, que lleva cuarenta años en desarrollo es el de las hermanas Brown, en el cual, cada año toma una fotografía de su esposa Bebe con sus tres hermanas. Es un proyecto que ha recibido mucha publicidad y atención en los últimos tiempos. Pero tanto el New York Times como Aesthetica Magazine han coincidido esta semana en señalar que el trabajo de Nixon va mucho más allá, y que realmente es muy interesante. Realizado en su mayoría con una cámara técnica de gran formato ( 8 x 10 pulgadas), es fiel a ese trabajo lento y reflexivo. Pero de verdad que tiene cosas tan interesantes o más que la serie de las hermanas Brown.
Voy a traer algo de paisajes. En Feature Shoot nos han mostrado las notables montañas fotografiadas por Charles Emerson en Escocia, Rumania y Jordania. Lejos la mayor parte de las ocasiones del efectismo de los paisajes que circulan y son más populares actualmente por internet, estamos ante auténticos retratos de las montañas, mostrando cada una de ellas su carácter, en composiciones desprovistas de elementos superfluos, y con gran dominio de la luz y el color. A partir de fotografías sobre película tradicional, el proceso de Emerson es realmente complejo hasta alcanzar el resultado deseado, combinando en el mismo fases de métodos tradicionales físicoquímicos con fases de métodos digitales contemporáneos.
