Como ya he comentado en mi Cuaderno de ruta, un inoportuno inconveniente con la conectividad en mi red doméstica ha hecho que desde el viernes lleve manga por hombro varios "trabajos" que tenía pensado realizar en estos días. Pero bueno... este domingo gris y lluvioso, al menos por la mañana, ha hecho que apeteciera quedarse en casa por la tarde, y aprovecho para ponerme al día con mis recomendaciones fotográficas de casi todos los domingos. En primer lugar, como habitualmente, mi tablero en Pinterest de esta semana.
Las fotografías acompañantes de las recomendaciones de este domingo son de este viernes pasado. Preparando posibilidades para la misión de noviembre de Fotógraf@s en Zaragoza en Flickr, sobre trenes, se me ocurrió coger la Hasselblad 503CX con un par de objetivos, el Sonnar 150/4 y el Distagon 50/4, un tele corto y un gran angular, y acercarme al viaducto de la línea del ferrocarril de alta velocidad en Rodén. No muy lejos de Zaragoza. También quedaba la posibilidad, si había tiempo, de acercarme un momento a las ruinas del pueblo viejo. Película en blanco y negro, Ilford FP4+ expuesta a su sensibilidad nominal de 125 ISO y revelada en Kodak HC-110 dilución B (1:32) durante 8:45 minutos. El formato medio intimida un poco. Y más si estamos hablando de aparatos totalmente mecánicos, con nula cantidad de electrónica, no hay fotómetro, hay que llevarlo externo o estimar la exposición. Pero pueden ser realmente divertidos. Aunque está en inglés, os dejo un enlace a un artículo de I Still Shoot Film, donde nos recomiendan 9 aparatos que se pueden conseguir, en su mayoría de segunda mano, para todos los bolsillos, y que pueden suponer una gran cantidad de diversión fotográfica.
En nuestro país, de lo que más se ha hablado ha sido de la concesión del Premio Nacional de Fotografía 2016 a la fotógrafa Isabel Muñoz (a ver si nos enteramos que las webs basadas en Flash ya no están de moda). Si con cierta frecuencia este premio conlleva una cierta división de opiniones entre la prensa especializada, yo creo que este año habrá más unanimidad en los méritos de esta fotógrafa que a mí particularmente me gusta mucho. Podemos encontrar comentarios al mismo en Photolari (web en la que han recalado un par de simpáticos colaboradores de la fenecida Quesabesde) y Clavoardiendo, entre otros medios. Si no la conocéis... ya estáis tardando.
Para contrastar con el reconocimiento a una artista consagrada, paso a recomendar una entrevista que hacen en Albedo Media, que parece que definitivamente es el nombre que está tomando la antigua DSLR Magazine, a dos fotógrafos emergentes en España. Aunque curiosamente ninguno tiene sus raíces en nuestro país. Dos fotógrafos jóvenes, una chica, Alicia Petrashova, de origen ruso, y un chico, el chileno Ignacio Izquierdo, cuyo trabajo ha sido reconocido recientemente en un festival en La Rioja. Me ha gustado especialmente el trabajo de la primera, sin que esto sea para desmerecer, en absoluto, el del segundo. Ambos prometedores. Aunque metidos en la difícil y mal reconocida senda del fotorreportaje.
Ya he comentado en más de una ocasión que está de moda reconocer grandes fotógrafos anónimos, olvidados o remotos. En Cada día un fotógrafo nos hablan de uno de estos. Se trata de Mike Disfarmer, un fotógrafo de la América profunda, de algún estado del Medio Oeste o las Grandes Praderas, que se dedicó a fotografiar a la gente del lugar, fundamentalmente rancheros y trabajadores agrícolas, que tras su muerte fueron reconocidos como de gran valor fotográfico y artístico. A mi me ha recordado un poco el caso de Virxilio Vieitez, el fotógrafo gallego que recorrió con su cámara las regiones rurales de su región para retratar a sus paisanos. Cuantos habrá de estos, modestos artesanos en su oficio, pero con gran sensibilidad para la realización de sus fotografías que permanecerán anónimos.
Harry Callahan, el fotógrafo, no el heterodoxo policía cinematográfico, ya ha aparecido alguna que otra vez en estas páginas. En esta ocasión lo recuerdo de la mano de L'Oeil de la Photographie, que nos recuerda que a finales de los años 50 se vino a Europa con su inseparable mujer y musa y su hija, reflejando su obra esta estancia. Cualquier excusa me parece buena para recordar a este excelente fotógrafo.
En Magnum Photos Arts and Culture nos recuerdan el encuentro entre tres artistas notables del siglo XX. El dadaista Marcel Duchamp se reúne con el surrealista Man Ray en presencia del fotógrafo por excelencia, Henri Cartier-Bresson, que inmortaliza el encuentro de los otros dos. Me pregunto de qué hablarían, cómo sería la conversación,... Gente muy especial. Bueno... en principio que básicamente jugaban al ajedrez. Pues bien.
En The British Journal of Photography, la más antigua revista de fotografía del mundo, creo, nos proponen conocer los retratos de David "Dave" Heath, tomados al final de los años 50 en Washington Square. Este amplio jardín neoyorquino, donde nace la famosa Quinta Avenida, siempre goza de un ambiente muy animado y cosmopolita, entre otras cosas por la presencia cercana de alguna de las universidades neoyorquinas y otras zonas de inquietud cultural y artística. Parece que en aquel momento ya sucedía tal cosa, y Heath estaba allí para retratar a las gentes que allí se reunían. Ted Forbes en The Art of Photography le dedicó hace unos meses uno de sus programas que os dejo aquí puesto.
En L'Oeil de la Photographie nos recuerdan que Mona Kuhn, una de mis fotógrafas favoritas, de la que tengo casi todos sus libros publicados, vuelve con un nuevo trabajo, que yo ya tenía marcado en Amazon para encargarlo cuando esté publicado dentro de unos días. Parece que la fotógrafa brasileña afincada en California vuelve a sus amigos del sur de Francia, pero en esta ocasión con un nuevo punto de vista, aunque insistiendo con sus temas. Desde que vi expuesto su trabajo hace ya unos cuantos años en la feria de fotografía MadridFoto, he venido siguiendo a esta fotógrafa.
Se despide Barack Obama de la Casa Blanca, desde mi punto de vista sin que haya dejado un gran legado. Un político que siempre me pareció más una operación de mercadotecnia que un líder con profundidad de ideas y capacidad de hacer. Pero ya sabemos que otros vendrán que bueno te harán,... y ya sabemos lo que viene. Le echaremos de menos... demasiado. El caso es que dentro de su condición de presidente muy mediático ha sido muy importante la presencia constante a su alrededor del fotógrafo Pete Souza, que ha sido empleado en la Casa Blanca durante este tiempo. A lo que hay que sumar como digo una política de amplia difusión de imágenes. A mí hay muchas fotos de Souza que me parecen muy notables. Claro es que ha debido hacer, literalmente, millones de ellas. Nos lo contaron en Photolari.
Terminaré con un par de recomendaciones de carácter más técnico. Para los aficionados a la fotografía con película de haluros de plata, con o sin colorantes cromogénicos, es decir, tanto en blanco y negro como en color, en la web de Japan Camera Hunter nos hablan de la necesidad de probar los distintos tipos de película. Esta web está llevada por Bellamy Hunter, que desde Tokio es uno de los mayores impulsores de la nueva popularidad de la fotografía con película tradicional. Y tiene un montón de artículo interesantes, en inglés. En este artículo nos presenta un resumen de las cualidades del material sensible más interesante en el mercado.
Y hay un tema que yo tengo pendiente. La fotografía instantánea. Y eso que tengo una cámara Polaroid para película instantánea de tipo 600. De la que ya no se fabrica. O hay que morir al palo del Impossible Project, que hacen un producto caro e inconsistente. Yo lo he probado alguna vez y no me ha convencido. O hay que gastar mucho para aprender a manejarlo, y ya digo que no es precisamente barato. La alternativa son las Instax de Fujifilm, tanto en su formato Mini, notablemente más pequeño que los cuadrados de Polaroid, o en su formato Wide, de un tamaño similar a las Polaroid pero rectangulares. El caso es que cuando veo las copias que ofrecen, aunque son más consistentes y baratas que las Impossible, no me acaban de convencer. En varios sitios he leído que las cámaras de Fuji para esta película tienen objetivos bastante mediocres. Lo cual vendría justificado por la baja resolución nativa de estas películas. El caso es que en Lomography nos muestran como un artesano de Hong Kong llamado Albertino ha modificado las cámaras de Fujifilm poniéndoles los objetivos de cierta calidad de cámaras de formato medio o formato grande de hace un tiempo. Las copias escaneadas muestran una mayor calidad en la nitidez de las imágenes, además de que la posibilidad de modificar el diafragma y el enfoque permite jugar con la profundidad de campo y la estética de la foto. Una pena que Fuji no ofrezca un producto razonable con estas condiciones. Que no tendría porqué ser muy caro. A mí me interesaría un modelo Wide con un buen objetivo. Y más si ofrecen la versión en blanco y negro de la película instantánea que de momento sólo está en versión Mini.
Semana de actividad fotográfica moderada tirando a baja. En la que quizá lo más destacable fue la película Life (2015), en la que el director y fotógrafo Anton Corbijn nos cuenta como pudo ser el encuentro entre el fotógrafo Dennis Stock y el actor James Dean en 1955, cuando ambos eran promesas no realizadas todavía en sus respectivas profesiones. No dejéis de leer la reseña en mi colección de películas con tema fotográfico, CineFoto.
Por supuesto, tengo el tablero de Pinterest de esta semana que, sin embargo, viene bien nutrido, con fotografías de todo tipo, desde fotógrafos consagrados, hasta aficionados anónimos.
Las fotografías acompañantes de hoy proceden de los actos de protesta y reivindicación que en los últimos días se han venido desarrollando contra la violencia de género. En concreto se trata de una representación simbólica con zapatos teñidos de rojo en la plaza de España de Zaragoza.
Del fotógrafo Harry Callahan ya os he hablado en más de una ocasión, especialmente a propósito de una exposición que pude ver hace un par de años en Madrid. Siempre interesante, un artículo con algunas de sus fotografías en el tumblr de VUU me ha parecido una excusa tan buena como otra cualquiera para recordar a este fotógrafo clásico. Como siempre digo, no confundir este Harry Callahan con el sucio Harry de las películas de Clint.
Método de trabajo de Callahan:
Salir cada mañana a pasear por la ciudad con la cámara.
Dedicar cada tarde a realizar pruebas impresas de los mejores clichés de esa mañana.
Con suerte, obtener seis fotografías significativas ¡AL AÑO!
Otro clásico que muchas veces ha sido una figura controvertida es Helmut Newton. Dedicado la mayor parte de su vida a fotografiar mujeres, en muchas ocasiones desnudas o en actitudes fuertemente sexualizadas, ha sido acusado de todo tipo de perversiones tanto por los sectores más conservadores de la sociedad como por el feminismo progresista que lo acusó de misógino, sexista, e incluso de fascista. Él, un judio que huyó de Berlín, su ciudad natal por las persecuciones nazis. En Líneas sobre arte encontramos un interesante artículo sobre su obra a propósito de un comentario de la fotografía "Autorretrato con esposa y modelos (1981)".
Claude Nori es un fotógrafo francés cuya obra se caracteriza por ser un canto a la juventud, al amor y a la sensualidad. Un autor muy mediterráneo cuyas obras más conocidas tiene que ver con sus vacaciones en la costa del Adriático en Italia. En algún lugar que no consigo recordar encontré el vídeo que a continuación os dejo, filmado por el propio fotógrafo, y que es una muestra del tipo de ambiente en el que le gustaba trabajar.
Pasemos a hablar un poquito de paisajes. Tengo cierta predilección por los paisajes en blanco y negro con largas exposiciones. Especialmente con formato cuadrado, que da una serenidad y una armonía a los paisajes muy especial. En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos proponen la obra de Lu Yanpeng, que añade a sus obras la estética y la sensibilidad propia de extremo oriente. Muy atractivos paisajes.
En el tumblr de SuperMassiveBlackHole Magazine nos proponen la obra de Conor Clarke, y su premiada serie Scenic Potential. Impresionantes paisajes montañosos en un blanco y negro de sutiles gradaciones de grises... que no son más que los acúmulos de arena o tierra de los lugares en construcción en los alrededores de Berlín. Me parece una reflexión impresionante sobre el ver, el mirar, y lo que creemos ver. Otra forma de ver o interpretar el paisaje. No dejéis de dar un repaso al resto de su obra.
En esta última semana, desde el punto de vista televisivo, he estado muy atraído por la estética de cine negro de alguna de las series que más me han gustado. En Lens de The New York Times nos ofrecen un conjunto de fotografías de Jason Langer que son capaces de extraer esa estética de cine negro en la ciudad de Nueva York a propósito de una visita a la Gran Manzana. Fotógrafo clásico, apegado a la película tradicional, y con una envidiable visión. Nuevamente, no olvidéis echar un vistazo al resto de su obra, a veces sensual, a veces misteriosa, a veces, con esas inquietantes marionetas o maniquíes, aterradora.
También paisajes, muchas veces con figura, aunque también reportaje documental en las calles de las ciudades, las fotografías de Bernard Descamps, en blanco y negro, rigurosamente cuadradas, probablemente también fiel a la película tradicional, también me han atraído y me han hecho detenerme en su obra. En cualquier caso, un fotógrafo que recorre el mundo con su personal visión. Nos lo propusieron en L'Oeil de la Photographie.
Terminaré con otro vídeo. Uno cortito, de menos de un minuto de duración, en el que se resume la magia de la fotografía en el cuarto oscuro, una sensación que los fotógrafos más jóvenes, digitales, han perdido. Quizá para siempre. No sé.
Como viene siendo habitual desde hace algunas semanas, en primer lugar os dejo mi enlace al tablero de Pinterest con una selección de fotografías que han llamado mi atención en esta semana. Os recuerdo que hay de todos los tipos; bodegones (estos últimos más bien tienen su propio tablero), retratos, documentales, paisajes,... y también algún desnudo. Así que si hay alguien que, incomprensiblemente para mí, se ofende por ese tipo de fotografías, queda avisado. Esta semana también he recibido un mensaje quejándose... como si yo tuviera la culpa de los complejos de los demás.
En cuanto a las fotografías acompañante, sigo utilizando la cámara que recibí de regalo recientemente, la Panasonic Lumix GM5. Estoy contemplando la posibilidad de llevármela como cámara principal a una breve escapada centroeuropea que voy a hacer pronto. Especialmente ahora que tengo baterías de repuesto. Ya veré. Ayer estuve con mi sobrino Diego jugando al tenis en el Centro Deportivo Municipal "La Granja" de Zaragoza, y entre 9:30 y 11:00 de la mañana había una luz suave muy agradable.
Empezamos como siempre desde los fotógrafos más clásicos, incluso si todavía los podemos considerar contemporáneo. Como puede ser la japonesa Miyako Ishiuchi de la que tengo algún libro, y que se ha ganado un artículo en el blog Lens de The New York Times. Ishiuchi lleva décadas documentando y reflexionando sobre la sociedad de la posguerra mundial, y las consecuencias de este conflicto armado para su país. Con estilos muy diversos.
Y una cosa lleva a la otra, y en el blog Otra forma de mirar nos muestran un breve artículo de otro fotógrafo japonés, un poquito mayor que la anterior, pero prácticamente contemporáneos. Se trata de Kikuji Kawada. Hay nos derivan a una entrevista con el fotógrafo en Aperture, que nos da algunas claves del trabajo de este artista. Ambos fotógrafos japoneses han profundizado en el desastre moral que supuso el lanzamiento de las bombas atómicas al final de la guerra mundial.
Son muchos en los artistas, cualquiera que sea la disciplina, que han encontrado su inspiración, su musa, en casa. En su novia, en su amada, en su esposa. En American Suburb X (ASX) nos cuentan los paralelismos en las obras de tres fotógrafos que dedicaron una parte considerable de su trabajo a fotografiar a sus esposas. Ya sea Emmet Gowin con Edith Morris, casados en 1964, bien Lee Friedlander con Maria de Paaoli, se conocieron en 1957, y quizá el más característico, Harry Callahan con su esposa Eleanor, a quien conoció en una cita a ciegas en 1933, y que forma parte uno de los principales motivos de su obra.
Gordon Parks es un fotógrafo conocido sobre todo por su trabajo como documentalista, como reportero gráfico, especialmente en el ámbito del movimiento de los derechos civiles, así como por sus retratos. Pero esta semana L'Oeil de la Photographie nos muestra un aspecto menos conocido del fotógrafo, la fotografía de moda, con algunas fotografías inéditas hasta ahora. Me gustan muy especialmente las fotografías en color, de una elegancia notable.
El pasado lunes y el pasado martes, L'Oeil de la Photographie dedicó un buen número de artículos a un festival de fotografía en Bolonia dedicado a la fotografía industrial. La mayor parte de nosotros no solemos asociar la actividad industrial con la estética y la belleza, y sin embargo no son pocos los que nos la han mostrado, tanto en la imagen fija como en la imagen en movimiento (pienso ahora en la introducción de cada uno de los capítulos de Twin Peaks). Yo echaría un vistazo a las entradas dedicadas a Pierre Gonnord, Hein Gorny, Luca Campigotto, O. Winston Link y Jason Sangik Noh. Diversidad de estilos, diversidad de motivos y diversidad de soluciones estéticas.
"Saber escribir la lista de la compra no nos convierte en escritores"... esta es la contundente afirmación que el fotógrafo Carlos Spottorno nos deja en una entrevista en Quesabesde para dejar claro que por mucho que hoy en día todos vayamos haciendo fotos, eso no nos convierte necesariamente en fotógrafos. Un fotógrafo español, pero muy internacional, muy comprometido y a cuya obra debiéramos acercarnos con frecuencia.
Poco paisaje he traído este domingo. Para compensar un poco, os sugiero las fotografías volcánicas de Reuben Wu, una forma distinta de explorar la terrible belleza de los cataclismos telúricos en la corteza terrestre, donde domina el color azul en lugar de los tradicionales rojos y naranjas del fuego y la lava. Nos lo mostraron en COOPH.
Se han puesto de acuerdo muchos medios dedicados a hablarnos de fotografía, por ejemplo PetaPixel en inglés o DSLR Magazine en español, para contarnos la historia de Tsuneko Sasamoto, una fotógrafa japonesa en activo desde que tenía 25 años,... y que acaba de cumplir los 101. Dicen que es la primera mujer reportera gráfica en Japón. Muchas fotos de ella, bien a los 25 años, bien ya en edad madura o anciana, y en todas ellas se ve una mujer de aspecto muy atractivo desde todos los puntos de vista. Pero desgraciadamente nos muestran pocas fotografías realizadas por ella. Una pena...
Un artículo en PetaPixel que marqué para leer, más como anécdota que como otra cosa, me ha hecho reflexionar sobre los prejuicios y los tópicos. En el se habla de como la fotógrafa rumana Mihaela Noroc, en su trabajo The Atlas of Beauty, ha añadido fotografías de mujeres norcoreanas. Muchas de ellas realmente guapas, atractivas. Ciertamente, el trabajo de Noroc está orientado a mostrar la belleza de la mujer independientemente de su origen, nacionalidad, religión, etnica, color de piel, forma de los ojos, etcétera. Pero en el artículo de PetaPixel parece que se sorprendan de que haya mujeres atractivas en la hermética monarquía absoluta comunista asiática. Lo cual es un estúpido prejuicio. También podríamos cuestionar si el trabajo de Noroc realiza un análisis de la belleza de la mujer como un valor universal, o selecciona sus modelos siguiendo patrones de belleza muy enraizados en el mundo occidental. Aunque se apliquen a mujeres con rasgos físicos diversos de los de europeos. Prejuicios, prejuicios, prejuicios,...
Y terminaré con una curiosidad... Un catálogo de productos fotográficos para la temporada "Otoño 1953 - Primavera 1954"... Incluía explicaciones técnicas para un mejor aprovechamiento del material comprado. Formato pequeño (24 x 36 mm; sí, nadie conocía este tamaño de imagen como "formato completo" en aquel momento), formato medio, gran formato, exposímetros, tomavistas, proyectores, trípodes, filtros, aparatos de montaje de películas, ampliadoras, película, muchas película... mucha mecánica y escasa, escasa electrónica. La cámara que más me ha llamado la atención,... la Tower 35. Tower era la marca blanca de Sears, una empresa de venta por catálogo, y era un clon de la Leica III fabricado en Japón con la marca Nikka, y que según nos cuentan venía con una Nikkor f/1,4 (supongo que un 50 mm). Notable para la época.
Esta semana ha estado muy nutrida de informaciones y de recomendaciones fotográficas. De tal modo, que he tenido que "recortar" y "desechar" algunas que normalmente me hubieran parecido interesantes de comentar simplemente por no hacer esta entrada excesivamente larga y prolija. Así que me centraré en algunos hechos notables, en algunas recopilaciones de fotógrafos interesantes, en unos cuantos hallazgos que me han interesado y en una crítica al mundo del comercio de la fotografía como arte. Las fotografías acompañantes proceden de mis lentos pero progresivos ejercicios para aprender el mundo de la naturaleza muerta y la iluminación de la misma. Esta semana adquirí un pequeño kit para iluminar en casa con los flashes tradicionales. Un trípode, un portaflash, una sombrilla translúcida y un conjunto de reflectores. Algo sencillo para empezar. Las fotografías están tratadas con el software Perfect Effects 9 Premium, que está temporalmente disponible gratis en el enlace anterior. A cada una de ellas le he aplicado un preajuste diferente, en color e incluso una en blanco y negro, simulando distintas situaciones y tipos de película tradicional en algún caso.
En primer lugar, un recuerdo para el actor y director Leonard Nimoy (1931 - 2015), recientemente fallecido a la edad de 83 años. Aunque mundialmente conocido por su personaje Spock en la serie Star Trek, Nimoy también fue un fotógrafo a tiempo parcial, que publicó diversos libros sobre fotografía, algunos de ellos bastante interesantes. Creo que el artículo que le dedicó Petapixel es un buen lugar para interesarse por su obra.
En los últimos tiempos están de moda las maletas con negativos o fotografías de fotógrafos conocidos o desconocidos que son encontradas y dadas a conocer a la comunidad de aficionados y amantes de la fotografía. L'Oeil de la Photographie nos trae esta semana las fotografías perdidas de la alemana Lore Krüger (traducción del alemán al español en Google Translate), que fueron encontradas en 2012, tres años tras la muerte de la fotógrafa. Las fotografías fueron tomadas entre los 1934 y 1944, una época difícil ya que la fotógrafo era judía y hubo de escapar de sus compatriotas alemanes antisemitas.
Moviéndonos de nuevo a aquella época convulsa, turbulenta, dinámica, que fue el período de entreguerras, siempre me ha gustado mucho el movimiento del surrealismo en fotografía, incluso si no siempre he compartido algunas de sus premisas ideológicas. Estéticamente me parece fascinante; su admiración por el psicoanálisis freudiano, no tanto. No conocía yo dentro de este movimiento a la fotógrafa neoyorquina Florence Henri, que nos fue presentada en las paginas de fotografía de The New Yorker. Una fotógrafa de la que también me gustaría conocer más.
Harry Callahan es uno de mis favoritos. Y ya he hablado de él antes, si no aquí en el Cuaderno de ruta. Hoy lo recuerdo a propósito del porfolio con algunas de sus fotografías que nos presentan en American Suburb X (ASX). Por favor, no confundir con el personaje cinematográfico también conocido como Harry el Sucio... nada que ver.
Francesca Woodman es otra de esas fotógrafas que parece que el reconocimiento de su trabajo se haya visto favorecido por su temprana muerte a los 22 años tras suicidarse. Siendo conocida sobretodo por sus autorretratos, muchos de ellos desnuda, con bastante influencia del surrealismo, en L'Oeil de la Photographie nos recuerdan que también fotografío a otras mujeres, modelos que mostraban su inquietante visión a la hora de acercarse a lo que podríamos denominar fotografía de moda. Esta parte de su obra es menos conocida. Pero a lo mejor tan interesante o más que la otra.
Todo el fenómeno comercial en torno a la lomografía me joroba un poco. Tiene una vertiente positiva y otra negativa. La positiva es que está colaborando en gran medida a mantener viva la fotografía con película tradicional, con la que se pueden realizar obras distintivas e interesantes, como se ha demostrado durante décadas, pero que parece ahora se ha olvidado. Pero por otro lado, los empresarios estos me parecen que tienen un morro tremendo ya que venden cámaras de ínfima calidad a precios claramente excesivos. No es que no tenga en su catálogo algún chisme interesante... es que tiene muchos que no lo son. Pero bueno, así son las modas. En cualquier caso, siglo el blog que la Lomographic Society mantiene en Tumblr. La mayor parte de los artículos no me parecen nada del otro mundo; colorines chillones y composiciones a la guingorria. Pero de vez en cuando te dan alguna agradable sorpresa. Por ejemplo esta semana semana me han interesado dos artículos. El primero (más amplio aquí y aquí y aquí) sobre los interesantes y muy cinematográficos retratos y desnudos en blanco y negro de Brittany Markert. El segundo (más amplio aquí) tiene un estilo de reportaje muy interesante, y refleja la visión del fotógrafo Armin Amirian de la convulsa sociedad de su país.
Se ha llenado internet en las últimas semanas de las fotografías de Nueva York cubierto de nieve y con sus calles solitarias por el frío que hace que sus habitantes se refugien en sus casas. Yo escojo para representar esta tendencia la fotografía que nos trae Mark Peter Drolet, perteneciente a la serie Let it Snow de Christophe Jacrot. Especializado en paisaje urbano, este fotógrafo no duda en sacar sus cámaras cuando la meteorología es más adversa, con excelentes resultados.
Y ahora una serie de listas de fotógrafos interesantes:
En Quésabesde han elaborado una lista de 10 maestros del blanco y negro. Se basan en que son fotógrafos contemporáneos que trabajan fundamentalmente con ese tipo de fotografía (salvo uno que ha fallecido ya). No sé si es la lista que haría yo, pero eso da igual. Lo que importa es que podemos explorar la obra de todos estos buenos fotógrafos, de todo el mundo, y decidir cuales nos gustan más. Porque gustarnos en mayor o menor medida, nos gustarán todos.
Es muy difícil seguir los fotógrafos interesantes de todo el mundo. Y el lugar donde ha nacido el fotógrafo o donde ha emigrado y es conocido es muy importante para su reconocimiento. Pues bien, podemos paliar el desconocimiento de algunos buenos fotógrafos si repasamos la lista como la que ha publicado Time con nueve fotógrafos argentinos que conviene seguir. Alguno había aparecido en estas páginas. Otros están por descubrir.
El autorretrato, los selfis, están de moda. Pero en realidad, pocos son los fotógrafos que no han sentido la tentación de convertirse en objeto de su propia obra en algún momento. Estos sin entrar en muchos fotógrafos contemporáneos, y especialmente fotógrafas contemporáneas, que basan su obra en el autorretrato. Antes hemos mencionado a Francesca Woodman. En Quesabesde nos traen 10 interesantes autorretratos de maestros de la fotografía. Poco que ver con los selfis habituales.
Y para finalizar, cierta polémica sobre el mercado de la fotografía artística. Hace unos meses se comentó mucho el nuevo récord de precio pagado por una obra fotográfica en una venta privada, que correspondió a los 6,5 millones de dólares que se pagó por la fotografía Phantom de Peter Lik. A muchos extrañó puesto que aunque fuese una fotografía correcta técnicamente, no dejaba de ser una fotografía de un lugar muy visitado y muy fotografiado, sin que pareciese aportar mucho. El propio fotógrafo se hacía autobombo del asunto. Varios medios se hacen eco ahora de un artículo de The New York Times que expone a la luz pública el modelo de negocio de Lik, e incluso se plantea si la mencionada venta no sería una maniobra amañada para aumentar el valor de su obra en general. En cualquier caso, el fotógrafo australiano afincado en EE.UU. está haciendo mucho dinero en la industria que se ha montado él mismo, con una cuidado marketing, para vender su obra. Incluso si el reconocimiento de la misma entre los más entendidos es bajo, y les resulta incomprensible el dinero pagado por el mencionado "fantasma". A mí siempre me ha resultado otorgar valor monetario a las obras artísticas. Supongo que no hay que hablar de su "valor" sino de lo que alguien está dispuesto a pagar por ellas. Que es algo muy distinto. A mí, la obra de Lik cada vez me parece más la de vender pósters bonitos a precio de oro. De hecho, he descubierto un artículo de ArtNet News publicado en diciembre que ya ponía en duda la veracidad de la venta de la fotografía de Lik por esos 6,5 millones de dólares. Una cosa os diré, cualquiera de los fotógrafos vivos o muertos mencionados con anterioridad en este artículo me interesan muchísimo más que Lik.
