Semana muy entretenida, en la que he tenido que atender a una multiplicidad de compromisos, y que me ha dejado con otros sin atender. Fotográficamente hablando, en estas páginas hubo un par de entradas, aparte de las recomendaciones del fin de semana, que van desde fotografiar con viejas cámaras de fuelle y objetivo retráctil, hasta "cazar" aves con un moderno teleobjetivo y un duplicador de focal.

Fotográficamente, aparte de pasear algún rato con alguna cámara, con resultados aún no revisados, estuve probando las capacidades del macro con mi nueva Panasonic Lumix G9, fotografías que podéis ver hoy ilustrando esta entrada, y fracasamos de nuevo por culpa de las condiciones meteorológicas en un cierto proyecto que debemos realizar en los alrededores de Fuendetodos. Alguna foto hice... nada que ver con los propósitos iniciales.

Las macrofotografías están realizadas con el Panasonic Leica DG Macro-Elmarit 45/2,8 ASPH, y la escala de reproducción está en el 1:1 o sus cercanías.

Hoy empezaremos por lo castizo. Por lo hispano. Especialmente cuando llama la atención de los de fuera. Como es el caso de una de las fotógrafas de moda en España, de la que ya he hablado en varias ocasiones, Cristina de Middel. De Middel es en estos momentos candidata a ser miembro de pleno derecho de Magnum Photos. "Candidata", no "nominada"; "nominee" se traduce como "candidata"... aviso a todos esos periodistas listos que son incapaces de diferencia un "falso amigo" cuando traducen del inglés, y no digamos ya de otros idiomas. Y en Magnum Photos le han dedicado un artículo a "la de Middel", con algunos de sus trabajos más destacados.

No sabía si hablar de este vídeo que apareció en el canal de Eīhwaz hace unos días, dedicado a la fotografía callejera en Barcelona. El caso es que acreditan la música del vídeo, pero no el autor o los autores de las fotografías. Lo cual me parece un olvido lamentable. Bueno. Las fotografías están muy bien. Os dejo puesto el vídeo. He dejado un comentario, para ver si corrigen la omisión.

Finalmente, en Albedo Media nos hablan de un antiguo proyecto de Joan Fontcuberta y Pere Formiguera, que pone de relieve la afición de Fontcuberta a poner en solfa el concepto de realidad a través de su obra fotográfica. No son pocas las series en las que ha dado una patina de realidad a eventos, personas u objetos que son invenciones. Y no son pocos los que se han tragado el engaño. Histórica la metedura de pata de cierto farsante de la radio y la televisión, "especializado" en fenómenos paranormales, ovnis y memeces por el estilo, que con toda seriedad habló del cosmonauta Ivan Istochnikov, una de las invenciones de Fontcuberta.

Una de las cosas que me gusta hacer cuando visito un museo es hacer fotos. Los museos son un lugar excelente para hacer fotografías, no de las obras de arte, sino de la interacción de los visitantes con las mismas. Se crea una atmósfera y una relación especial. Que no pocos fotógrafos han aprovechado. Uno de los que lo ha hecho con maestría es Elliott Erwitt, como nos muestran en el correspondiente artículo de Magnum Photos.

Corea del Norte es uno de los lugares del mundo más inaccesibles y, quizá por ello, uno de los más deseados por los fotógrafos. De vez en cuando encontramos el trabajo de uno de ellos que de una forma u otra, siguiendo canales más oficiales o más clandestinos, nos muestra imágenes de esta distopía hecha realidad. En Lens Culture nos muestran las fotografías que el fotógrafo Filippo Venturi (instagram) ha realizado, situando como protagonistas a los jóvenes del país.

En aCurator nos han mostrado el trabajo de la noruega Anette Asbjørnrød que nos muestra las imágenes ucrónicas de un lugar de vacaciones de verano en la costa durante los rigores meteorológicos del invierno, mostrando paisajes minimalistas y llenos de significado.

Un aspecto extraño tienen también las fotografías de un artículo que aparece en Creative Boom,  realizadas en las modernas ciudades chinas. Fotografías de Yan Wang Preston que nos presenta los árboles que son plantados o trasplantados a las modernas megalópolis de cemento que, por otro lado, tan graves desastres están causando a la ecología del país y del planeta. También esta transplante es una metáfora de la inmigración continua de personas desde sus regiones a estas megalópolis, transplante en el que también acaban fuera de lugar, con frecuencia.

En Lenscratch han estado de concursos. Y nos están mostrando algunos de los trabajos premiados.

Por ejemplo, la reflexión sobre las xenofobias y los rechazos culturales en Estados Unidos. Un país que lleva casi 250 años presumiendo de "democracia liberal", y que todavía no tiene resuelto el tratamiento igualitario ante la ley y equitativo en relación a la justicia social a las minorías étnicas. Jerry Takigawa, nortamericano que por apellido supondréis correctamente un origen nipón, trabaja sobre antiguas fotografías y documentos para poner en crítica el tratamiento de sus ancestros durante la guerra mundial y el racismo y xenofobia puesto de manifiesto, incluso por personalidades políticas de esa "democracia liberal".

Otro trabajo que también se basa en una denuncia. El tratamiento que se realizó a los nativos norteamericanos cuando se les recluyó en reservas, despojándoles de sus territorios y tradicionales medios de vida para repartirlos entre los inmigrantes de origen europeo. Jeffrey Heyne combina creativamente fotografías traídas de las expediciones a la luna con las fotografías que él realiza de los recorridos que los nativos realizaban para ir a sus cazaderos, en imágenes llenos de dobles significados.

En más de una ocasión he manifestado mi admiración por el collage, esa disciplina que tanto creció en el nacimiento del surrealismo, que me gustaría practicar, pero para la que no me siento dotado. Combinando antiguos retratos y postales, John Stezaker, artista apropiacionista, conseguir modificar por completo el significado de las imágenes de las que parte, en una acción destructiva que me parece que emparenta más con el dada que con lo surreal. Lo hemos visto en Hunter Art Magazine.

Y a través de The Online Photographer me entero de que en The Atlantic, prestigiosa revista cuya sección de fotografía sigo, dedican un artículo a una focal fotográfica, el 50 mm. Como dicen en T.O.P., el artículo tiene algún error conceptual. Se pueden hacer muchas disquisiciones, de hecho constantemente las podemos leer y escuchar, de porqué esta focal es la considerada "normal" o "estándar"... Siempre he tenido la sensación de que en su momento no fue más que una conjunción de conveniencias en las que la sencillez y los bajos costos derivados en su fabricación tuvieron mucho que ver. Durante mucho tiempo ha sido mi focal preferida, aunque ahora prefiero moverme en las focales entre los 28 y los 40 mm. Todas estas cifras relativas al formato de fotograma de 24 x 36 mm, porque en otro formatos, esas longitudes focales no valen... hay que hacer las traslaciones de escala correspondientes.

No tengo una gran "producción" propia fotográfica reciente. Tengo algún paisaje en blanco y negro, pero al que quiero dedicar un artículo propio, puesto que además supone un comentario de mi reencuentro con la película Ilford Delta 100, un reencuentro muy feliz, he de decir. Y también estoy esperando los resultados de algunos carretes en color de hace un par de semanas... Y bueno, ayer desempolvé la cámara de cajón, la Agfa Synchro Box, pero todavía no he revelado esos Ilford FP4 Plus expuestos a IE 200. Así que tiraré de archivo para ilustrar las recomendaciones semanales de este domingo, en el que ando modorro puesto que me ayer sábado me acosté tarde. El caso es que en la velada tras la cena, se habló de viajes recientes. Y a colación salió que algunos de nosotros, en distintos momentos del año visitamos la ciudad danesa de Aarhus. O Århus. En concreto una reinterpretación en blanco y negro del amplio paseo que nos dimos por el parque y el bosque de Moesgaard, o Moesgård, hasta la playa del mismo nombre.

Es carnaval. Nunca tengo clara la vigencia de esta fiesta, dado que nadie, o casi nadie, guarda los más o menos absurdos preceptos de la cuaresma cristiana. Pero bueno, si la gente se lo pasa bien... Pero podemos ver también algún ejemplo de como el carnaval tiene su reflejo en la fotografía. No nos iremos a ver las espectaculares garotas de las escuelas de samba cariocas. De acuerdo con la propuesta de Magnum Photos, acompañaremos a la fotógrafa Susan Meiselas (en Magnum Photos) por las modesta barracas de feria con espectáculos de striptease de los fríos y desangelados carnavales de Nueva Inglaterra en los años 70 del siglo XX. Un trabajo lleno de melancolía, pero también de humanidad, que ya es un clásico de la fotografía documental.

Por cierto, en LensCulture nos proponen un libro dedicado a esta fotógrafa, Susan Meiselas, On the Frontline, una antológica de alguna de sus obras más representativas publicadas o no hasta la fecha. Creo que me lo voy a agenciar, porque no tengo ningún libro de Meiselas en la biblioteca, y este tiene muy buena pinta. Siempre he tenido la sensación de que es una de las fotógrafas más honestas que conozco.

No se ha hablado mucho de la cuestión. Pero el año pasado fue el 80º aniversario del comienzo de la Segunda Guerra Sinojaponesa. La visión eurocéntrica u occidental de la historia, con el especial dominio del mundo anglosajón, hace que se considere que la Segunda Guerra Mundial comenzase un 1 de septiembre de 1939, un 7 de diciembre de 1941 para los estadounidenses. Pero diversas regiones del mundo ya estaban en guerra contra los fascismos desde años antes. Desde julio de 1936 en España, desde agosto de 1937 en China... por poner algunos ejemplos. En Photography of China nos lo recuerda con un vídeo con imágenes de Shanghái en la época.

Por cierto, recientemente se ha publicado en China el último libro de Haruki Murakami, que nos habla de lo que sucedió en Nanjin durante aquella horrible guerra. Y en un momento en que un gobierno conservador del País del Sol Naciente amenaza con el revisionismo de la historia, minimizando o negando las atrocidades niponas en territorio chino, Murakami escribe con sinceridad y sin tapujos. En España tendremos que esperar hasta otoño para disponer de una traducción al castellano. Hace casi un año que salió la versión original en japonés.

En Clavoardiendo entrevistan a Joan Fontcuberta. Fontcuberta es uno de los fotógrafos españoles con más reconocimiento internacional, habiendo ganado numerosos galardones que lo demuestran. No solamente es fotógrafo, un fotógrafo que muchas veces es deliberadamente provocador, sino que también ha escrito libros como teórico de la fotografía, como persona que reflexiona sobre la naturaleza de la misma. Con los cuales podrás estar más o menos de acuerdo, pero ahí están. Curiosamente, en los medios más o menos especializados de nuestro país, es criticado con bastante frecuencia. Diríase que algunos le tienen "paquete". Parece que no comparten su sentido del humor. O tal vez se aplique aquello de "nadie es profeta en su tierra". O es un ejemplo más del cainismo ibérico. A mí, sus obras unas veces me gustan más y otras menos, pero le tengo respeto. Y me alegro de la entrevista tranquila e interesante que aquí os propongo.

Nobuyoshi Araki es sin duda el fotógrafo japonés más conocido, y con frecuencia lo traigo a estas páginas. Es muy controvertido por la forma en que aborda la sexualidad y el modo en que a veces aparecen las mujeres en su prolífica obra. En Dazed publican un artículo sobre la obra más erótica de Araki, y la entroncan con la tradición de los grabados Shunga. Representaciones pornográficas, a veces muy extravagantes, que aun estando prohibidas durante siglos, abundan, y en su autoría participaron gente tan importante como Katsushika Hokusai. Creo que las reflexiones son interesantes. Y determinados trabajos muestran que siente un respeto por las mujeres probablemente mayor de lo que muchos que lo censuran tienen. Siempre he admirado los trabajos relacionados con su malograda esposa, fallecida a una edad temprana, y que son una tremenda declaración de amor y de duelo.

España tiene su cara oscura. Esa España profunda que muchas veces se asocia a las zonas rurales, donde persisten costumbres atávicas, a veces brutales, que cada vez nos asombran más. Siempre he creído que son más propias de la incultura que del hecho rural. Conozco demasiada buena gente que vive en los pueblos como para pensar de otra forma. Pero es cierto que ahí hay todavía un resquicio de la España más bruta y sin sentido. Probablemente sea así en todos los países en mayor o menor medida; sea algo humano y no exclusivamente ibérico. En Yorokobu nos propone un recorrido por los duros y descarnados pueblos del Mestrazgo de Castellón y Teruel, comarca de gran belleza, pero donde un tierra poble, el clima duro y el aislamiento ha condicionado el carácter y las costumbres de las gentes. El fotógrafo es Jesús Monterde que, si no le he entendido mal, es un nativo de la zona, del pueblo castellonense de Benassal. Fotografías ásperas, duras, directas en ocasiones, metafóricas en otras.

En mi Cuaderno de ruta os hablaba hace unos días del Atlas de las Islas Remotas de la alemana Judith Schalansky. Un libro que me gustó mucho. Una de las islas de las que habla es la isla de Pingelap, un atolón perdido en algún lugar del Oceano Pacífico con menos de 300 habitantes permanentes. Y en la que hay una elevada proporción de personas con acromatopsia, una forma de ceguera al color, transmitida genéticamente. En LensCulture me he encontrado esta semana con un artículo que habla del trabajo que ha realizado la fotógrafa belga radicada en Amsterdam Sanne De Wilde al respecto. Tirando de la alteración del color en la fotografía digital en el ámbito del infrarrojo o de la fotografía monocroma.

Para finalizar, de la mano de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, os traigo la recomendación de la fotógrafa australiana Prue Stent. El artículo habla del "surrealismo" de las imágenes... aunque yo no las veo así. Creo que es más bien una reflexión sobre la estética y el cuerpo de la feminidad a partir de performances de la propia autora y otras mujeres cercanas a ellas que quedan reflejadas en las fotografías que las documentan de forma magistral. Y lo que es más, consigue que el rosa y sus derivados dejen de ser unos colores absolutamente estomagantes, tal y como se utilizan habitualmente en nuestra sociedad.

La semana pasada esta sección dominical dedicada a mis recomendaciones fotográficas se dedicó a las exposiciones de PHotoEspaña. Por lo tanto, para este último domingo de julio, tengo acumulados enlaces de prácticamente toda la segunda quincena de julio. Espero poder irlos exponiendo sin que se haga muy pesado.

En cuanto a las fotografías acompañantes,... pues he tenido visita foránea este fin de semana. De esas que cuando llegan el viernes se te calienta el corazón, y que cuando se van el domingo, te queda una vacío muy dentro. Pero que se le va a hacer, mejor disfrutar durante un par de días que nunca. El caso es que ayer salimos por la tarde a encontrarnos con alguien que veranea en la provincia de Huesca. Y nos acercamos al castillo de Loarre. No entramos. Eran más de las siete y media cuando llegamos. Fue un paseo. Mi cámara digital fracasó estrepitosamente... porque olvidé ponerle tarjeta. Menos mal que eché a la bolsa la Pentax MX con un carrete de negativos en color y la Polaroid Image System con un cartucho de Impossible Project en blanco y negro. Os dejo algunas fotografías de este último, y os recuerdo que mi cuenta de Instagram está dedicada en exclusiva a la fotografía instantánea.

Empecemos primero por lo más antiguo cronológicamente, que no tiene porque serlo socialmente. Alice Austen fue una fotógrafa que vivió a caballo entre los siglos XIX y XX, y que a los 18 años ya dominaba el oficio aunque nunca fue una profesional porque no era concebible en esa época que una mujer se dedicase profesionalmente a la fotografía. Sin embargo, sus fotografías eran mucho más frescas, espontáneas y modernas que los de sus contemporáneos. Existe la sospecha de su naturaleza homosexual, derivado del contenido de muchas de sus fotografías con mujeres que muestran afecto entre sí, realizan actividades que rompen las normas de la época o se disfrazan de hombres. Pero dadas las restricciones de esa época, es difícil de decir, o si las etiquetas simples actuales valen para definirlas. En cualquier caso, lo hemos visto y leído en Artsy y nos ha interesado.

Durante este verano, en Magnum Photos están saliendo reportajes de fotógrafos que emprenden viajes importantes y los reflejan en sus fotografías. En estas dos últimas semanas hemos podido conocer el viaje por carretera a Nueva Orleans del francoiraní Abbas cuando tenía 24 años y que resultó en su primer ensayo fotográfico, y el viaje de Dennis Stock a California en 1968, año especialmente revuelto en la historia del siglo XX. Ambos están muy bien, me gusta mucho este género de la road photography, y alguna vez he pensado en practicarlo yo un poco. Coger unas vacaciones el coche y recorrer un territorio, parando de vez en cuando a fotografiar algo que me parezca significativo o representativo. El problema es que no me gusta mucho conducir. ¿Quizá practicar la railroad photography? Eso estaría bien, aunque hoy en día los trenes van demasiado rápidos...

El mejicano Oscar Colorado nos ha realizado varias propuestas interesantes en las dos últimas semanas. Series fotográficas comentadas en profundidad y biografías de fotógrafos siempre interesantes. Recomiendo mucho seguir el blog de este profesor universitario de fotografía.

Si el pasado domingo hablaba de la obra de Antoine D'Agata en la que se sitúa a sí mismo y su atribulada vida en el centro de su obra fotográfica, no podemos olvidar que probablemente la fotógrafa más destacada en este aspecto es Nan Goldin con su seminal serie La Balada de la Dependencia Sexual, que supuso un antes y un después de cómo afrontar el reportaje fotográfico en los años 80.

Otra fotógrafa destacada en su campo es la francesa Sarah Moon (Marielle Warin), y su etérea fotografía que abraza un pictorialismo conntemporáneo para una forma distinta de afrontar la fotografía de moda. No siendo este un género que me atraiga especialmente, hay varios motivos para ello en los que no entraré ahora, y no siendo el pictorialismo mi estilo fotográfico favorito tampoco, la obra de Moon siempre me ha parecido muy interesante. Ya sabéis, la nitidez es un concepto burgués... dijo Cartier-Bresson.

Por último, ha presentado la galería dedicada a Takuma Nakahira, un fotógrafo japonés de los que asumieron las propuestas visuales de la revista Provoke. Are, bure, boke,... grano, barrido y desenfoque. Y un fuerte contraste, para una fotografía muy enganchada a la realidad social y política del país en los años 60. Un fotógrafo muy crítico y muy comprometido políticamente.

Me gusta desde hace ya un tiempo el trabajo de la fotógrafa británica Olivia Arthur. Y si ya en ocasiones había encontrado motivos para ello, su presencia el año pasado en la exposición homenaje a Inge Morath en la que recorría el Danubio acompañada de otras fotógrafas ganadoras del premio que lleva el nombre de la fotógrafa austriaca organizado por Magnum Photos. En las páginas de esta agencia ha aparecido estos días un artículo dedica a Little Mogadishu, sobre la vida de las mujeres emprendedoras en la comunidad somalí en Estados Unidos. Tienen mucha alma las fotos de Olivia Arthur, si perder su visión precisa de la realidad.

A Joan Fontcuberta hay quienes lo aman y hay quienes lo odian. Estamos en un país muy cainita. Unido al hecho de que fuera de nuestras fronteras mantiene cierto prestigio, me hace sospechar un poco de los que lo odian. Pero es cierto que de vez en cuando toma caminos arriesgados. A través de Facebook llegué a un artículo de El nacional.cat, que hablaba del reportaje sobre las vedettes del Molino realizado por un olvidado fotógrafo de los años sesenta y setenta, Ximo Berenguer. Ahora sabemos que se trata de fotos tempranas en la carrera de Fontcuberta, y que el tal Ximo Berenguer es un invento suyo. Una provocación para poner en solfa a los medios de comunicación actuales en la era de la posverdad. Es decir en la hora en la que muchos sueltan sus mentiras y nadie las pone en duda. A mí sí me convence el planteamiento, aunque no faltan como he dicho las voces críticas o dubitativas contra el fotógrafo catalán con crudeza. Pero realmente es necesario luchar duramente contra las falsedades de la época y contra la connivencia que los medios de comunicación tradicionales muestran. Y que conste que arriesgo a las iras de alguien por enlazar un artículo publicado en un medio catalán proindependentista, lo cual quiere decir que también sucumbe con frecuencia diaria en el engaño de la posverdad.

Pero pasemos a cuestiones más ligeras. Chris Lowell (Instagram) es un actor frecuente en las series de televisión norteamericanas al que últimamente hemos podido ver en GLOW, cuya primera temporada comenté recientemente en mi Cuaderno de Ruta. Pues bien, hay que añadirlo a la nómina de gentes del mundo de la interpretación a las que gusta hacer sus pinitos con la cámara de fotos. Nos lo han contado en Lomography Magazine. Armado con una Hasselblad 503CX o una Leica M7, y película Kodak Tri-X 400, hace unas fotografías que no están nada mal. Incluso nos ha ofrecido unas fotografías tras las bambalinas de GLOW. Y están bastante bien, incluso en color. O en blanco y negro.

También en el Lomography Magazine nos sorprendieron con unas curiosas fotografías de Miles Aldridge en las cuales los personajes de Game of Thrones cambiaban de época y de ambientación, trasladándonos más a las décadas de la posguerra mundial con la fuerte saturación de la Ektar 100 usada con una Rolleiflex 6001. Originalmente aparecieron en Time.com, y aunque tienden ligeramente al kitsch, como buena parte del trabajo de Aldridge, no me disgustan nada.

Hace unas semanas os hablaba de cómo recuperamos el contenido de un carrete de 50 años de antigüedad encontrado en un Kodak Duaflex II. Pues bien, en PetaPixel nos cuentan una historia parecida de cómo alguien se encuentra un rollo de Kodachrome en el interior de una Zeiss Ikon 520/2, yo tengo una cámara muy similar. El fotógrafo que las recuperó, Martijn van Oers nos cuenta superficialmente que recuperar los fotogramas fue un proceso que requirió "conocimiento, sincronización, paciencia y exactitud"... pero no nos dice cómo lo hizo. Desde nuestra experiencia, exige ciertas habilidades, pero al alcance de cualquiera que no sea un absoluto chapucero. Sí que hace falta cierto conocimiento, pero las otras tres virtudes son relativas. Desde luego exactitud o precisión, no. Vamos, que se da su propio autobombo.

En esta mañana de domingo, me encuentro con una buena noticia y una mala noticia. La buena noticia es que desde hace un par de días tenemos nuevo álbum de Madeleine Peyroux, titulado Secular Hymns, y que por lo tanto llevo un rato ya disfrutando de la voz de la nortemericana de nombre con resonancias tan francesas. Todavía no tengo una opinión definida sobre el nuevo trabajo de la "georgiana", pero de momento aquí estoy tan feliz. La mala noticia es que por motivos que desconozco me he puesto morado de reservar artículos sobre fotografía para repasar hoy domingo, y estoy un poquito sobrepasado. Voy a tener que hacer una primera escabechina antes de centrarme en los que me parecen más interesantes. Pero no sé si podré sacar el artículo por la mañana, o tendrá que esperar a la tarde. Ya se verá. De momento, os pongo el tablero de Pinterest de la semana.

En cuanto a las fotografías acompañantes, si ayer os presentaba la salida a la comarca del Matarraña con Fotógraf@s en Zaragoza, con una selección de fotografías en color, hoy seleccionaré algunas para convertirlas a blanco y negro. A ver que tal.

En primer lugar decir que en Proyecto FC (Fotografía Creativa) destacaban que el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2016 había ido a parar al fotógrafo James Nachtwey. Citando una entrada de Periodismo en vena, en la que podemos ver algunas de las fotografías más destacadas del fotógrafo, siempre me ha impresionado mucho los machetazos de la guerra civil en Ruanda, a mí me parece que los siempre caprichosos jurados de este tipo de premios han estado acertados en esta ocasión, premiando a uno de los testigos de excepción de lo que no funciona bien en el mundo en las últimas cuatro décadas.

Si estuviésemos en Berlín, como nos cuentan en L'Oeil de la Photographie, podríamos acercarnos a contemplar una exposición de Berenice Abbott, una de las fotógrafas que más hizo por definir un lenguaje propio para la fotografía, distinto de otras artes visuales, en las primeras décadas del siglo XX. Un personaje fundamental en la historia de la fotografía, sobre el cual hay que volver de vez en cuando.

La fotografía de moda no suele ser lo mío, no es el género que más me atrae. Sin embargo hay fotógrafos de moda que son referencia en la historia de la fotografía por derecho propio. Como nos proponen en SMBH Mag, uno de ellos es Herb Ritts. Probablemente, porque con sus planteamientos trasciende en numerosas ocasiones el género en el que han elaborado su prestigio. En este caso, debemos agradecerle por sus retratos y desnudos, llenos de elegancia conceptual y estética.

Uno de los fotógrafos españoles más discretos, pero que atesora una gran calidad, es Juan Manuel Castro Prieto. Nos hablan de él en Clavoardiendo a propósito de la presentación de su trabajo Cespedosa. Castro Prieto muchas veces es más recordado por ser uno de los mejores positivadores que se pueden encontrar, ampliando las fotografías en blanco y negro de algunos de los grandes del panorama fotográfico nacional. Pero también tiene muchas cosas que decir por sí mismo, y en esta ocasión tira de memorias para profundizar en su raíces en un pueblo de la provincia de Salamanca. De pasar por Madrid con tiempo suficiente en las próximas semanas convendría acercarse a ver este trabajo.

Como siempre, hemos ido más o menos de más atrás a más adelante en el tiempo. Más o menos. Ahora ya nos introducimos plenamente en propuestas contemporáneas. Como la de Dina Litovsky recorriendo la noche del Meatpacking District de Manhattan, donde se concentra una buena parte del ambiente nocturno de la ciudad, especialmente entre los más jovenes. Una reflexión sobre los actuales ritos de integración social y seducción en un entorno urbano, especialmente centrado en las códigos de conducta de las chicas, quizá más sometidas a presión que los varones. Viendo las fotografías, a veces me sorprendo cómo los enormes esfuerzos de personalización en el arreglo personal lleva a los adolescentes más mayores y los adultos más jóvenes a parecer todos iguales. Nos lo contaban en Feature Shoot.

En varios sitios, yo he elegido el artículo de Clavoardiendo, ha aparecido el trabajo de Pachi Santiago, Copyng Claudia, en el que el artista ha ido reproduciendo en su persona algunas de las fotografías e imágenes más conocidas y representativas de la modelo alemana Claudia Schiffer. A medio camino entre el apropiacionismo, el homenaje, la fotografía, el collage y el arte conceptual, nos proporciona una potente reflexión sobre el concepto de imagen personal, y sobre lo que es la personalidad propia y la inventada.

Sigo desde hace tiempo a Susan Burnstine como redactora en la revista inglesa Black and White Photography Magazine. Pero ella es fotógrafa en sí misma, fundamentalmente en blanco y negro, con una gran peculiaridad. Sus fotografías parten de su realización con cámaras de baja calidad, tipo Holga o similares, o de cámaras fabricadas por ella misma, con el fin de obtener imágenes muy expresivas aunque sacrifiquen la calidad intrínseca de la imagen, que no la estética o conceptual. Especialmente dedicada al paisaje urbano, sus fotografías son fácilmente reconocibles. Nos la han recordado en Lenscratch, a propósito de la publicación de su último libro.

Surgieron durante la guerra fría una serie de ciudades en la Unión Soviética, fundamentalmente en la inmensidad siberiana, que no existían oficialmente. Las direcciones de sus empresas, negocios o habitantes eran códigos postales de otras ciudades más o menos cercanas, aunque estas ciudades "inexistentes" se encontraban muy aisladas. En ellas se llevaban a cabo proyectos de investigación o militares de alto secreto, que hacían que fueran muy cuidadas por el régimen, por lo que sus habitantes no vivían mal. Más de 20 años después de la caída de la Unión Soviética, aunque ya no sean un secreto, algunas de ellas mantienen su estatus de excepcionalidad. El fotógrafo Sergey Novikov, como nos cuentan en FK Magazine, ha realizado un trabajo de investigación para poner en imágenes la realidad de estas ciudades cerradas.

Finalmente, una serie de artículo en los que se reflexiona sobre la naturaleza de la fotografía. El primero de ellos un documental de RTVE que hace tres años nos hablaba de Joan Fontcuberta, que además de fotógrafo es teórico de la misma. A ver si lo puedo poner aquí enlazado para que lo podáis ver.

Joan Fontcuberta-La Postfotografía

Si no aparece, el enlace es este.

Tino Soriano, también fotógrafo especializado en viajes, nos ha hecho una reflexión sobre la transformación de la fotografía en una especie de fast food visual. Al mismo tiempo que desvirtúa el medio, que ve sufrir agresiones como la que ya comentamos la semana pasada en Facebook.

Y con menos dramatismo, para terminar relajadamente, en su blog Visual Science Lab, Kirk Turk nos habla de que no necesariamente las fotografías técnicamente imperfectas lo son realmente desde el punto de vista del interés fotografíco, sea documental o estético. La perfección técnica en fotografía no es necesariamente una exigencia fuera determinadas aplicaciones comerciales muy definidas. Aunque son muchos los fotógrafos aficionados o profesionales que dan una excesiva revelancia a las mediciones "científicas" a la hora de valorar los nuevos chismes fotográficos, sin pensar que es más importante su capacidad de adaptarse a la tarea que nos llevemos entre manos.

Comenté hace unos días mi visita a Fotografiska, durante la escapada que hice a Suecia a mitad del mes de agosto. Y decía en esa entrada que la exposición más interesante y de más nivel, sin menospreciar en absoluto el resto que también eran estupendas, era la del británico Nick Brandt, sobre su último trabajo Inherit the Dust (Heredaras el polvo). Amarga paráfrasis de la promesa divina, "Heredarás la Tierra", que el dios judeocristiano hace en los libros sagrados de estas religiones a distintos personajes que en ellos aparecen y, por extensión, a toda la humanidad creyente. Pero algo debemos estar haciendo mal... o en algo se equivocó la mencionada divinidad... porque estamos dejando la Tierra hecha un erial. Y eso es lo que quiere poner de manifiesto Brandt, mostrándonos los degradados paisajes de su amada África, donde hasta hace no tanto tiempo habitaban los magníficos mamíferos que acompañan las imágenes de esta serie.

Cuando salíamos de ver las exposiciones, realizamos la visita de rigor a la "butik" del centro de fotografía contemporánea de Estocolmo, donde nos guiñó el ojo el libro en el que se expone también de forma muy hermosa es contenido de la exposición. En la tienda en línea no lo venden, pero más o menos costaba en coronas suecas el equivalente a unos 75 €. Y su tamaño es respetable. Desde luego no te puedes meter con él en la cama para hojearlo mientras te entra la modorra del sueño. Así que precio más problemas para encajarlo en el reducido equipaje de cabina que llevábamos... no lo compré por mucho que me lo pidiese el alma.

A la vuelta, me asomé a diversas librerías en línea y comprobé que los de los 75 "aurelios" no era broma. Aunque en Amazon.es la cosa se ponía en unos más moderados 62,5 €. Y en estas estábamos cuando vi que se ofrecía también "de segunda mano - como nuevo" por 42 € más unos moderados costes de envío por correo corriente y moliente, del que tarda unos cuantos días o semanas en llegar. ¿Merecería la pena el riesgo de pagar un 60% del precio base... o lo del "como nuevo" sería un eufemismo que iba a lamentar? Mientras me lo pensaba, volví a ver uno de los documentales sobre la exposición (en inglés, lo siento).

Finalmente, me decidí. Y esta me ha llegado el libro. No está "como nuevo". Está nuevo. Venía con el precinto de plástico incluido. Alguien lo compró y luego ni lo abrió y decidió venderlo. Con un tamaño de de 39 x 33,5 cm, y con las fotografías a doble página... incluso a tres páginas, mediante desplegables, las fotografías de Brandt aparecen en todo su esplendor, y con una calidad de impresión impecable. La experiencia de hojearlo es estupenda.

No sólo esto. Además hay textos del escritor y poeta estadounidense Wendell Berry, autor muy comprometido con la defensa de la naturaleza y del medio ambiente. También hay imágenes del "cómo se hizo", mostrando la selección de fotografías de animales que se incluyeron en los paisajes con figuras humanas que constituyen la serie, así como fotografías de los grupos humanos que aparecían en las mismas, y de la terrible condición de pobreza y degradación, acorde con la de los paisajes, en la que se encontraban.

Creo que es un libro altamente recomendable.

Del viaje sí que viajaron de vuelta en la maleta tres libritos de tamaño y precio contenidos, publicados en algunos de los museos de arte moderno que visitamos. Tres libritos que no son de fotografía, aunque esta pueda tener alguna presencia en ellos:

The Dresing Donation, Arken Museum of Modern Art (en inglés), donde se da cuenta de los contenidos más destacados de la donación de arte contemporáneo que forma el núcleo principal de la colección y la exposición permanente de este museo danés.

Guide artistique, Moderna Museet (en francés), que comenta las obras más destacadas de la colección permanente del museo de arte moderno en Estocolmo.

草間彌生 Art Book - Hi, Konnichiwa, Yayoi Kusama (en inglés), pequeño y colorido libro que repasa la obra de la artista japonesa, que era objeto de una interesante exposición retrospectiva en el Moderna Museet de Estocolmo.

No relacionados con el viaje a Suecia, me he dado cuenta que no he comentado en los últimos tiempos la adquisición de los números 51 y 52 de la colección "100 fotos por la libertad de prensa" que edita Reporteros sin fronteras. Estos dos últimos números han venido con una innovación. Con una maquetación y estilo similar a los anteriores, han aumentado de tamaño, por lo que podemos disfrutar de las 100 fotografías de turno también a mayor tamaño. Sin que haya supuesto un aumento del precio, que sigue por debajo de los 10 €. Siempre he dicho que esta colección es ideal para hacerse con una modesta pero digna y completa biblioteca de libros de fotografía. El número 51 estuvo dedicado nada más y nada menos que a Sebastão Salgado, y el número 52 se titula "On the Road" (En la carretera), he incluye fotografías de cinco ilustres; Martin Parr, Harry Gruyaert, Dennis Stock, Inge Morath y Larry Towell. Este último pensaba que se trataba de una versión resumida de un libro en castellano editado por La Fábrica con el mismo título... pero lo cierto es que la única autora en común entre los dos es Morath. Un libro que tiene una pinta magnífica pero que no me he decidido a comprar porque las obras que contiene aparecen ya en monográficos de algunos de los autores que participan en este volumen,... y me resultaría redundante.

Otras entradas recientes, que no comentaré con detalle...

Jazz de Bob Willoughby, oferta de libraco por debajo de los diez euros con estupendas fotografías de cantantes de jazz y soul. Imposible resistirse.

Chema Conesa, Obras Maestras, volumen de la prestigiosa serie de La Fábrica, que sirve como catálogo a la exposición que todavía se puede ver en La Lonja de Zaragoza.

Número 123 de la revista Arte y parte, dedicado a László Moholy-Nagy, un artista multidisciplinar, fotógrafo también, que se involucró en la Bauhaus alemana. Para ir leyendo poco a poco.

Finalmente, hace un par de días entró en mi biblioteca un libro del que todavía no he tenido ocasión de empaparme. Ha sido un regalo que me han hecho por un favor que hice. Inmerecido, pero bien recibido, el regalo. Muchas gracias, una vez más. Se trata de Imago de Joan Fontcuberta, editado por La Fábrica y la Comunidad de Madrid. Fontcuberta es un fotógrafo del que vi alguna exposición en los años 90, del que luego oigo hablar mucho, pero sé poco de la obra que está haciendo. Por lo que leo, es un fotógrafo que parece más admirado y valorado en el extranjero, en el British Journal of Photography han publicado algún artículo sobre él y su obra poniéndolo por las nubes, que en España. Donde con frecuencia veo que se le da bastante caña. ¿Justificada o un reflejo más de la tradición cainita de los naturales de las Españas? Espero que la lectura y contemplación de este libro me permita obtener conclusiones propias.

Bueno... a ver si no dejo pasar tanto tiempo entre publicaciones sobre libros... que escribir estas entradas es agotador. Hasta la próxima... y no olvidéis comprar libros de fotografía... que mirando la obra de los mejores es como más se aprende y viene la inspiración.