Este domingo no ando con mucho tiempo para desarrollar mis recomendaciones fotográficas semanales. Muy bien, porque se ha debido a estar atareado con cosas agradables. Salir a hacer fotos en grupo por la mañana, las que acompañan esta entrada son de ese rato, comer de raciones con un tipo que cada vez me cae mejor y le tengo más aprecio mientras charlamos de cosas diversas, terminar de maquetar y empezar a subir el primero de los dos libros de mi viaje a JAPÓN, ver un divertido episodio de DOCTOR WHO,... Estupendo el domingo. Pero vamos a lo que importa. No son muchas, y van a ser un poco telegráficas; pero atentos que están muy bien.
Todavía estoy con la resaca fotográfica de mi viaje a JAPÓN. Y por supuesto me sigue interesando todo lo que tiene que ver con el país del sol naciente. Me han interesado mucho las fotografías de MICHAEL MAGERS sobre las mujeres que antaño se sumergían a pulmón libre en las costas niponas para extraer objetos preciosos y crustáceos para ganarse la vida, y que hoy son cada vez menos.
Impresionantes el trabajo de STEVE MCCURRY sobre las mujeres que trabajan en el servicio de gente adinerada y que son tratadas salvajemente por sus empleadores, como si fueran esclavas. Cuanto hay que avanzar todavía para dignificar la posición de la mujer en el mundo...
Siempre me ha interesado ese género fotográfica que se ha dado en llamar "el paisaje alterado por el hombre", y ahora no menos que antes. Por eso me han atraído mucho las fotografías de JAMES DOBSON en el estuario del TÁMESIS. Sencillas, pero nunca simples. Color, luz y composición impecables.
La francesa SARAH MOON tiene un estilo muy personal, y lleva una larga trayectoria desarrollando su forma de ver en fotografía. La serie que he visto esta semana titulada DEAUVILLE FACE À LA MER, me ha parecido una fotografía de paisaje fenomenal. Cuantas veces la hemos visto dominar los colores de forma exquisita y ahora nos ofrece un blanco y negro que transmite como nada la desolación de las costas turísticas en invierno.
El holandés ERWIN OLAF hace tiempo que viene siendo un referente de la fotografía actual europea, aunque hay quien considera sus perfeccionistas fotografías un poco frías. No obstante, su serie FALL con retratos de adoslescentes, con sus colores dorados pálidos me ha parecido de una técnica exquisita.
Todo el mundo preocupado por las altas resoluciones de las fotografías y la ausencia de ruido y artefactos en las mismas, y FOSI VEGUE nos muestra cómo aprovechar estos defecto a su favor en una desasosegante serie XY XX sobre la relación de las prostitutas con sus clientes. Fotografías con contenido sexual explícito, aviso.
La platinotipia me parece una técnica fotográfica que proporciona unas imágenes de gran belleza. En un artículo bastante interesante, aprendemos como LARRY MCNEIL y WILL WILSON la usan en la actualidad para la exploración del mundo de los nativos americanos en ESTADOS UNIDOS en la actualidad. De verdad, que alguna vez me gustaría encargar una copia al platino aunque sea a partir de un archivo digital.
Las recomendaciones de hoy proceden de las siguientes fuentes:
Un tuit de THE BRITISH JOURNAL OF PHOTOGRAPHIE me informaba el lunes por la tarde del fallecimiento del fotógrafo RENÉ BURRI (1933 - 2014). BURRI estaba considerado ya desde hace tiempo un fotógrafo clásico de la fotografía documental en el siglo XX, con algunas fotografías de esas que con el tiempo son calificadas como icónicas, como representativas de un tiempo o un lugar. Miembro de MAGNUM PHOTOS, además de la calidad documental de su obra, esta arrastraba consigo indudables cualidades estéticas, consecuencia probablemente de su formación inicial en escuelas de diseño y artes aplicadas. Excelente su manejo de la luz, de las sombras y del color.
Hace un tiempo, un año o así, visualicé un vídeo en el que presentaba él mismo seis de sus fotografías más significativas. Siento decir que está en inglés y no he encontrado ninguna versión con subtítulos. Pero en cualquier caso lo voy a poner, y porque por lo menos la fotografía es un lenguaje universal y podremos disfrutar de esta pequeña selección que resume el trabajo del fotógrafo suizo.
Nuevamente nos acercamos a los lugares que la UNESCO ha calificado como PATRIMONIO CULTURAL DE LA HUMANIDAD. Ya nos hemos acercado en artículos anteriores a dos de los lugares en JAPÓN que reciben esta calificación y que tuve la ocasión de visitar en mi viaje reciente al país oriental. Me refiero a la isla de MIYAJIMA con el santuario de ITSUKISHIMA y al entorno del MONTE FUJI. Ambos combinaban patrimonio cultural y natural. Ambos eran lugares de gran belleza paisajística y de gran significación histórica. Al que acudimos hoy tiene características totalmente distintas. Se trata del MEMORIAL DE LA PAZ DE HIROSHIMA (CÚPULA DE GENBAKU), popularmente conocida como la CÚPULA DE LA BOMBA ATÓMICA.
Cúpula de la Bomba Atómica - Hiroshima
Como podemos apreciar, en esta ocasión no se trata de un lugar de especial belleza. De hecho se trata de una ruina. Una ruina de un edificio que todavía no tiene 100 años. De hecho, el edificio original se inauguró en 1915 para un exposición comercial y era de concepción europea. Y se construyó a conciencia. Muy resistente.
Este edificio se encontraba a 160 metros de la vertical del lugar donde explotó la primera bomba atómica que se utilizó contra un objetivo enemigo en una guerra. Previamente se había efectuado una explosión de prueba en el desierto de NUEVO MÉJICO (ESTADOS UNIDOS), pero HIROSHIMA tuvo el dudoso honor de ser el primer objetivo "militar" (la inmensa mayoría de los 150.000 muertos que ocasionó desde que explotó hasta final de 1945 fueron civiles, de ahí las comillas) en un bombardeo atómico. La bomba explotó sobre el centro de la ciudad a una altura de entre 500 y 600 metros, con el fin de aumentar los efectos destructores de la misma. A pesar de todo, cuando la nube de polvo y humo se disipó, sobresalía en el desolado, aplanado y calcinado paisaje las ruinas de este edificio, con el esqueleto de su característica cúpula destacando sobre el resto.
Cúpula de la Bomba Atómica - Hiroshima
La conservación de estas ruinas no careció de controversia. Algunos de los habitantes de la ciudad preferían su desaparición. Al fin y al cabo, aunque una estructura característica, carece de cualidades estéticas especiales. Y acarreaba consigo dolorosos recuerdos para los supervivientes de la catástrofe. Sin embargo, otros eran partidarios de su conservación como recuerdo de la misma, como memorial y reclamo para conseguir una paz permanente entre los pueblos. Deseo que hasta el momento no ha sido especialmente escuchado por las élites gobernantes del planeta.
Finalmente, en el entorno de la cúpula fue desarrollándose el llamado PARQUE DE LA PAZ DE HIROSHIMA, configurado por una gran zona ajardinada y distintos elementos y museos que sirven de recordatorio a la catástrofe.
Museo de la Paz - Hiroshima
Parque de la Paz - Hiroshima
Monumento conmemorativo de las víctimas de la bomba - Hiroshima
Altar en la bóveda de la bomba atómica - Hiroshima
Por lo tanto, finalmente se decidió por la conservación de la cúpula, que se ha convertido realmente con el tiempo en un símbolo característico de la ciudad, tanto como recuerdo del cruel bombardeo como de la resistencia a desaparecer.
Se conserva tal y como quedó, salvo los trabajos realizados para apuntalar sus paredes y estructuras, con el fin de garantizar que su aspecto sea lo más parecido posible a como quedó tras aquel 6 de agosto de 1945. Y hoy en día es parada obligada para los visitantes de la ciudad.
Bóveda de la Bomba Atómica - Hiroshima
Al fin y al cabo, no es difícil llegar a la misma. Una vez en la estación de ferrocarril de HIROSHIMA, allí mismo podremos tomar alguna de las líneas de tranvía, convenientemente publicitadas, que nos llevarán directamente hasta la parada de GENBAKU DOME-MAE, a pocos metros del monumento y del PARQUE DE LA PAZ, a orillas del río OTA.
Un lugar que hay que visitar no por su belleza, sino por la necesaria reflexión histórica. Por el esfuerzo que hay que hacer entre todos para que semejantes desmanes no se repitan.
Me salté la semana pasada esta sección. Estaba realmente atareado con otras cosas y con mi cabeza muy lejos de este sitio. Y algo así ha sucedido durante toda la semana. Pero poco a poco voy recuperando algunas rutinas. Y aunque tenía bastante marcadores recogidos durante las dos últimas semanas, he ido eliminando, me he puesto selectivo, y las recomendaciones de esta semana se reducirán a ocho o nueve, pero creo que muy interesantes. Acompañaré la entrada de algunas imágenes de TOKIO con ambiente nocturno. Y muy contradictorio.
Shinjuku - Tokio
WARHOL es sin duda alguna un nombre muy importante en el arte contemporáneo. Y no siempre se le da el valor que tiene su aportación a la fotografía que, básicamente, fue la de sacarla de los senderos más trillados para integrarla en igualdad de condiciones con otras artes contemporáneas como la pintura y la ilustración. Y viene bien recordarlo de vez en cuando.
Hoy en día, los paparazzi, esos fotógrafos de prensa que están siempre dispuestos a pillar las mejores instantáneas del famoseo, y si son escandalosas, mejor, son odiados y amados a parte iguales. Pero tenemos que recordar que debemos el nombre de este apelativo a un personaje de LA DOLCE VITA de FELLINI, el fotógrafo PAPARAZZO. PAPARAZZO está basado en un fotógrafo real, ELIO SORCI, que nos mostró en los años 50 y 60 la decadente alta sociedad romana.
Shinjuku - Tokio
Quien siga estas páginas o mi CUADERNO DE RUTA con frecuencia sabrá que hace unas semanas estuve en JAPÓN, un país en el que lo que más me sorprendieron fueron ciertos contrastes y algunas aparentes contradicciones profundas. El fotógrafo ISSEI SUDA fue un fotógrafo de posguerra que, especialmente en los años 70 del siglo XX, documentó las transformaciones de la sociedad japonesa en lo más cotidiano.
Me ha aparecido repetidamente en los últimos tiempos y en diversos medios la obra de SOHEI NISHINO. Especialmente por la espectacularidad de sus potentes DIORAMA CITY MAPS. Grandes obras fotográficas que representan un mapa visual de las grandes ciudades del mundo con fotografías en blanco y negro que forman un inmenso collage y que nos dan una visión, absolutamente subjetiva, de la ciudad. Un trabajo largo, intenso y minucioso, que lleva muchas, muchas horas de trabajo. Me gustaría poder ver uno de estos dioramas en vivo para poder apreciar su exacta dimensión. Aunque el resultado final es montado con medios digitales, las tomas originales se hacen con negativo tradicional de blanco y negro para película de 35 mm.
Hay muchas formas de presentar la fotografía de desnudo, pero cada vez es más difícil ver una representación original de la misma. Las coloridas fotografías de RYAN MCGINLEY, con desnudos tanto femeninos como masculinos, me han llamado especialmente la atención por eso. Y también por su dinamismo y su alegría.
Akihabara - Tokio
En un lado casi opuesto encontramos el trabajo de REBECCA MOSEMAN en su serie SENSUAL EFLLORESCENCE. Combinación de flores y plantas con las formas de los desnudos femeninos, en un blanco y negro ensoñador, pero de gran nivel técnico y con un dominio de la luz envidiable.
Finalmente, ya hemos comentado en alguna ocasión en estas páginas el trabajo de CRISTINA DE MIDDEL, una fotógrafa española que está de moda, y con razón no por capricho. Su trabajo es realmente interesante, pero también es interesante lo que nos tenga que contar, y podemos leer en esta entrevista.
Las recomendaciones de esta semana nos llegan desde los siguientes sitios:
Ayer viernes estuve en MADRID, con el objetivo de pasar un rato con gente que veo poco, por desgracia. Pero como de costumbre en estos casos, también aprovecho para ir a alguna exposición y hacer alguna compra de libros u objetos que en ZARAGOZA no ves, y que prefiero ver y tocar antes de comprar, por lo que en estos casos evito internet.
En cualquier caso, tres exposiciones relacionadas con la fotografía y una con las artes visuales consideradas de forma global cayeron a lo largo del día.
Madrid, una ciudad que pareció estar en auge continuo durante unos años, y que hoy me resulta un poquito estancada...
Mi principal interés estaba en la exposición retrospectiva del fotógrafo y teórico de la fotografía STEPHEN SHORE que la FUNDACIÓN MAPFRE presenta desde hace un tiempo en su sala de exposiciones BÁRBARA DE BRAGANZA.
Conocí a STEPHEN SHORE primero como teórico de la fotografía que como fotógrafo propiamente dicho. Hace ya un tiempo que compré un libro en inglés, THE NATURE OF PHOTOGRAPHS, actualmente traducido al castellano como LECCIÓN DE FOTOGRAFÍA, y en la que SHORE, usando fotografías propias así como de otros destacados fotógrafos contemporáneos nos explica como leer, interpretar y comprender una imagen fotográfica. Creo que es uno de los libros que hay que tener, si te interesa la fotografía como arte.
En lo que se refiere a sus cualidades, en un principio sus fotografías no me impresionaron especialmente. Su serie más conocida, UNCOMMON PLACES, explora fundamentalmente el paisaje urbano y suburbano de los estados unidos, y nos muestra fotografías de lugares poco llamativos. Banales se podría pensar. Exige cierta formación y conocimiento del lenguaje fotográfico comprender la exquisita técnica y cuidado que descansa en la composición de cada fotografía, así como la cuidadosa elección de la luz bajo la cual está realizada cada una de ellas. Hoy en día considero que es un fotógrafo muy inspirador. Y la exposición, poder contemplar estas obras al tamaño y con el formato en el que fueron concebidas, así como otras series del autor, ha sido un auténtico placer.
Antes de entrar a las exposiciones de la Fundación Mapfre me entretuve en la cercana feria del libro de antiguo y de ocasión.
En la cercana sala de exposiciones RECOLETOS, también de la FUNDACIÓN MAPFRE, se celebra simultáneamente una mucho más concurrida y popular exposición sobre SOROLLA Y ESTADOS UNIDOS. JOAQUÍN SOROLLA, uno de los pintores más significativos de nuestro país en el momento del salto de siglo entre el XIX y el XX tuvo sus relaciones, con mecenas y amistad con otros pintores, en el país americano. Se ha hablado en muchas ocasiones de la influencia de la pintura en la fotografía. Pero también se puede hablar de lo contrario. Y en las pinturas de SOROLLA se aprecian composiciones que parecen más propias del medio fotográfico. Pero hay algo más importante. En un momento en el que la fotografía en color apenas empezaba y para la mayor parte de la gente parecía un sueño, el pintor valenciano, con sus pinceles, mostraba al mundo cómo sería el aspecto de la fotografía en color cuando esta se desarrollase, especialmente en sus luminosos paisajes a la orilla del mar.
Mientras caminábamos de un lado a otro conversando pasamos por la librería de la cuesta de San Ginés, siempre tan cuca.
Finalmente, antes de coger el tren, pasamos por el MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA, donde permanece una de las exposiciones vinculadas al programa de PHOTOESPAÑA de este verano, FOTOS & LIBROS, ESPAÑA 1905 - 1977. Desde la curiosidad etnográfica de los pictorialistas de principios del siglo XX hasta los tiempos de la transición pasando por la triste guerra civil, y la posguerra. Casi sabe a poco. Los ejemplos de libros y obras fotográficas presentadas son ciertamente representativos, pero da la impresión de hay otros que se han quedado en el tintero.
Los libros que más me apetecía de la exposición del Reina Sofía eran los de la colección Palabra e Imagen de Lumen, que hoy en día intenta resucitar y renovar La Fábrica.
