La vorágine provocada por el estreno de la nueva entrega de la saga Star Wars ha hecho que mi tiempo para dedicar a la fotografía este fin de semana ha quedado muy reducido. Por supuesto, podéis visitar el tablero de Pinterest con las fotografías que me han interesado esta semana.
También me ha dado tiempo a ir revelando y digitalizando algunos carretes que tenía de Kodak Tri-X 400 expuestos con la Voigtländer Perkeo II. Y las fotografías de la entrada de este domingo proceden de alguno de ellos, del Mercado del 13, que estuvo instalado hace unos días en el patio del Museo de Zaragoza con el fin de dar visibilidad al problema de las enfermedades raras. Aunque las fotos no se centran excesivamente en los puestos del mercado.
Como tengo poco rato, iré exponiendo de forma muy esquemática.
Entre los clásicos, en American Photo nos recuerdan en un artículo la obra fundamental de Robert Frank, The Americans. Probablemente una de las obras claves de la fotografía documental del siglo XX.
Rafael Roa nos habla de Brett Weston, hijo de otro fotógrafo emblemático del siglo XX, Edward Weston. Mucho menos conocido que su padre, al llegar a los 80 años realizó un acto sorprendente. Destruyó todos sus negativos, la obra de su vida. Roa opina que tenía un talento narrativo superior al de su padre.
Otras series de fotografías que me han interesado esta semana:
En un momento dado, muchos matrimonios occidentales adoptaron hijos en países asiáticos, especialmente niñas, siendo China uno de los países de origen de estas, que han crecido de acuerdo a los valores y costumbres de sus países de acogida. En Lens de The New York Times nos cuentan como una fotógrafa china, Meng Han, ha visto el devenir de estas niñas adoptadas en Estados Unidos.
Una entrada en el tumblr de Photographs on the Brain, me ha hecho interesarme por la iniciativa de Laura Doggett, que intenta utilizar la fotografía para ayudar a las jóvenes sirias refugiadas, huidas de la guerra, en los países vecino. Ya he conocido una diversidad de iniciativas similares, y siempre me parecen interesantes.
Pursuing Wabi es un blog que eventualmente trae fotografías interesantes, especialmente de viajes. Esta semana publicó una entrada a cargo de Ken Mori sobre una excursión de un día que realizó desde Londres a Bath. Y me ha gustado... Cuando estuve en esta ciudad balnearia no tuve tanta suerte,... llovió.
Finalmente, hace unos meses participé en una mesa redonda organizada por Fotógraf@s en Zaragoza en la que con otras tres personas expusimos nuestros puntos de vista sobre cómo la elección de un determinado tipo de equipo fotográfico condiciona y en qué medida las fotografías que hacemos. Una de las compañeras de mesa fue Beatriz Aísa, que recientemente vio premiada una de sus sorlarigrafías, fotografías realizadas sobre papel sensible en cámaras esteneopeicas de fabricación casera, que son expuestas durante meses, registrando el curso del sol en el cielo. La fotografía, realizada en el valle de Tena, me parece absolutamente excelente.
Hoy ando con poco tiempo, así que no me entretendré mucho en mis comentarios sobre mis recomendaciones fotográficas de esta semana. Eso sí, de entrada, las fotografías incorporadas a mi tablero de Pinterest de esta semana.
Seguiremos diciendo que las fotografías acompañantes son paisajes en el Parque Natural del Moncayo, donde nos escapamos durante unas horas el viernes huyendo de la niebla en el valle del Ebro. No he quedado muy satisfecho con las fotos,... no encontré una luz que me inspirase... O simplemente estuve torpe. Pero aquí os dejo unas muestras.
Empecemos con los clásicos. Siempre se asume que la fotografía en color es relativamente reciente. Pero cada vez aparecen más fotografías realizadas con la técnica del autocromo a principios del siglo XX. Por ejemplo, esta colección de paisajes parisinos que se agenció un rico banquero francés como nos lo cuentan en Be Analogic.
Comentábamos hace poco que Juan Manuel Castro Prieto es el actual Premio Nacional de Fotografía. En Fotocolectania, nos traen algunos vídeos que nos permitirán conocer algo más de este fotógrafo y copista. Y fotos, claro.
El concepto de cámara fotográfica es mucho más amplio de lo que pensamos. Y la primera cámara fotográfica conceptualmente hablando es simplemente una cámara oscura, y cualquier habitación puede serlo. Siempre y cuando encontremos una forma de registrar el paisaje que la enfrenta. Como hace el fotógrafo cubano Abelardo Morell, según nos cuentan en Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red.
En L'Oeil de la Photographie hacen repaso semanalmente a noticias sobre libros, exposiciones, premios,... lo que sea relacionado con la fotografía. Nos mostraron esta semana los resultados de un premio en China, y me interesó mucho el trabajo de Qian Haifeng titulado The Green Train. Humanidad a espuertas. No encontraréis mucho sobre él en la red... es un electricista que dedica sus vacaciones a practicar su afición fotográfica viajando en este tren.
El mundo de la adolescencia siempre ha atraído a los fotógrafos. Especialmente a los holandeses, parece ser. Esta semana es el turno de Hellen van Meene, y sus peculiares retratos con luz natural, tal y como nos lo cuentan en The New Yorker.
Otro mundo que también atrae a muchos fotógrafos es el del mundo de los gays... en parte por el apoyo que ha mostrado el mundo del arte a sus reivindicaciones, en parte por la vistosidad y la exhuberancia de algunos colectivos gays. En L'Oeil de la Photographie nos muestran los retratos que puede conseguir John Arsenault simplemente acudiendo a un bar de Los Ángeles con su teléfono inteligente.
La semana pasada hablé de un par de ejemplos de fotógrafos que reflexionan sobre los efectos del calentamiento global en el Ártico. Esta semana en Proof de National Geographic encontramos los "paisajes derritiéndose" de Fernando Moleres, bellos a la vez que testimoniales.
Hablando de paisajes, en la red de redes hay uno sobresaturación de paisajes de Islandia... que últimamente me parecen todos iguales. Por eso es de agradecer que la entrada de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red que nos habla del trabajo de Ragnar Axelsson nos recuerde que en el frío país ártico hay también gente, que tiene sus problemas y sus quehaceres. Y en blanco y negro para variar.
Para finalizar,... se celebró ayer el 100º aniversario del nacimiento de Frank Sinatra... ¿Y qué tiene que ver esto con la fotografía? Hombre,... mujer,... fotografías le hicieron un montón... Pero también el debió hacer alguna, porque en algún momento le pillaron con una Leica M3 entre las manos. No si mal gusto no tenía... y tampoco le faltaban los posibles para agenciarse la mejor cámara del momento. Algunos dicen que de la historia.
Algunas incorporaciones se han producido en las últimas semanas a mi biblioteca de libros sobre fotografía o arte en general. Así que voy a dejaros aquí algunas breves reseñas de los mismos, por si alguno estáis interesados. Acompañaré el artículo de algunas fotografías procedentes de mis cámaras tradicionales de película, cargadas en los últimos meses con algún que otro carrete de Kodak Portra 160.
----
End Times - Jill Greenberg
Sinceramente, hubiera considerado poco probable la compra de este libro. Un libro de retratos... un poco particulares. Jill Greenberg, la fotógrafa canadiense que firma las fotografías de este libro alcanzó cierta fama retratando niños pequeños llorando a moco tendido. Y exactamente de eso va este libro... retratos de niños y niñas de corta edad berreando a lágrima viva. Según nos cuentan, el libro está inspirado por un ensayo de Bill Moyers titulado "The News Is Not Good These Days", y supone una reflexión sobre el tipo de mundo que las generaciones actuales estamos dejando a las generaciones futuras. Una reflexión pesimista claro está. Intercalados entre los retratos podemos ver algunas noticias de prensa de las que inducen a este pesimismo.
El libro está publicado en 2013 por TF Editores, y su calidad de edición es correcta tirando a notable. Su precio original es de 35 euros, pero lo encontré en una tienda de conveniencia en Zaragoza de saldo a menos de 10 euros... y de ahí que me animase a comprarlo. La verdad es que cuanto más lo hojeo, más me convenzo de que ha sido una buena compra. Por ese precio...
----
100 Photos for Press Freedom Nº 50 - Robert Capa
Suelo recomendar con frecuencia los libros de esta serie publicada por la organización no gubernamental Reporteros sin Fronteras. Por 10 euros de vez en cuando se puede uno ir montando una biblioteca de libros de fotografía interesante, quizá no con la mejor calidad de edición, pero qué vas a pedir por ese precio, y además ayudar a una buena causa.
En esta ocasión, tenemos una amplia selección, de 100 fotografías claro, del reportero gráfico por excelencia, Robert Capa. Tanto en blanco y negro como en color. Las fotografías en color del fotógrafo húngaro se han puesto de moda recientemente desde que se expusieron en Nueva York hace no mucho, seguidas de un periplo por diversas ciudades del mundo. En cualquier caso, no hace falta decir que las imágenes merecen la pena. Sinceramente, ya tenía libros de este autor, de más calidad en su conjunto. Pero no me he podido resistir a dejar un hueco en la colección.
----
C PHOTO 10 - Don't Call Me A Photographer
Ha llegado a su final la segunda serie de la colección C PHOTO. Esta iniciativa de la editorial IvoryPress ha consistido en dos ciclos de 10 volúmenes cada uno, a dos volúmenes al año. Es decir, 10 años publicando libros que han recogido algunas interesantes propuestas de la fotografía contemporánea. Yo tengo los tres últimos del primer ciclo, y los diez del segundo. Parece ser que no va a haber más.
El último de los 20 volúmenes recoge una serie de ensayos de artistas que rechazan el apelativo de fotógrafos a pesar de utilizar este medio para expresarse. Es por lo tanto un volumen más para leer que para mirar. Aunque no faltan las fotografías, una recopilación significativa de obras de estos artistas que han ido apareciendo en los 19 volúmenes precedentes. Ha digerir con tiempo y tranquilidad.
----
¿Qué estas mirando? - Will Gompertz
Este libro, subtitulado "150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos" ha recibido notable atención en los últimos años. Alejándose de los tradicionales tratados, manuales, guías, enciclopedias, diccionarios de arte, etcétera... el autor intenta acercar de un modo informal pero riguroso al lector al porqué del arte moderno y contemporáneo. Will Gompertz (Twitter, BBC) es un editor de la BBC especializado en arte, que también trabajó en su momento para la Tate, institución británica de carácter público, que recoge importantes colecciones de arte británico y arte moderno y contemporáneo, con cuatro museos, dos en Londres, otro en Liverpool y otro en Cornualles.
Me llevará también un tiempo terminar de leer el libro, aunque sus primeros capítulos me están resultando muy amenos, asequibles y entretenidos. El arte moderno y contemporáneo es mal comprendido por la inmensa mayoría del público. Muchas veces, muchas personas sienten incluso que les están tomando el pelo con el arte conceptual o con determinadas instalaciones. Sin embargo, Gompertz intenta trazar un camino para mostrar como se llega a estas formas artísticas, independientemente de la valoración de si son "buenas o malas" ("el tiempo lo dirá" afirma). Un camino que gráficamente se muestra en un desplegable a modo de mapa del metro de una ciudad importante, y que empieza cronológicamente en los impresionistas.
En los últimos diez años me he ido interesando progresivamente por estos 150 últimos años de la historia del arte. Tres factores han influido en ello. El primero es mi afición a la fotografía, considerada de forma amplia, también como forma de expresión artística. Y por su origen y evolución, la fotografía forma parte se quiera o no del arte moderno y contemporáneo. Para entender el lenguaje de la fotografía hay que tener también alguna idea del lenguaje del arte moderno en general. El segundo es porque en mis viajes he ido a parar en varias ocasiones a museos de arte moderno y contemporáneo, los cuales, sin entender muchas veces lo que estaba viendo, me parecen más divertidos que los tradicionales. El tercero es porque un porcentaje no desdeñable de estos viajes los he realizado con una persona absolutamente rendida al arte moderno y contemporáneo, que ha acabado por contagiarme una parte de esa afición.
Por lo tanto, ya sabéis. Tanto si os interesa el tema, como si queréis desenmarañar ese misterio de porqué a "eso" le llaman arte, como si simplemente queréis sacudiros las telarañas de las neuronas, una compra y una lectura recomendables.
Segunda semana de dedicación a la fotografía entre moderada y baja. Ni he hecho muchas fotos, algunas sí de carácter principalmente documental, ni he retenido muchas recomendaciones para el fin de semana. Por supuesto, tengo mi tablero de Pinterest con fotografías que me han llamado la atención durante estos días mientras recorría internet.
Y desde luego entre la selección de enlaces que viene a continuación los hay muy interesantes. Así que a ello. Estos días estoy de vacaciones. En la medida de lo posible quería hacer fotos, y mi primer día de libertad, aunque tuve que dedicar bastante tiempo a asuntos domésticos, me di un paseo con una Pentax digital y algunos objetivos de la marca de los antiguos, de los de enfoque manual, para aprovechar el buen día. Os dejo aquí algunas fotografías. Lamentablemente, después de ese día, el tiempo no está acompañando tanto. Y la semana se pasará enseguida, ya veréis.
Empezando como de costumbre por los clásicos. Y un clásico entre los clásicos de la fotografía norteamericana, y mundial, es Walker Evans, especialmente reverenciado en los museos de arte moderno en los Estados Unidos, MoMA al frente. Para que no nos olvidemos de él, ha aparecido esta semana en un artículo de L'Oeil de la Photographie.
Bastante más moderno, todavía en activo, pero desde muchos puntos de vista pudiéndose considerar un clásico también, tenemos a Larry Clark. Clark es un fotógrafo controvertida porque sus series de los años 70 muestran, a veces de forma muy explícita, la vida sexual de los adolescentes (Teenage Lust) o el consumo de drogas entre estos (Tulsa). Con posterioridad se ha dedicado más al cine, manteniendo el interés en los mismos temas, con suerte diversa. En American Suburb X le hacen una entrevista en la que se explica perfectamente, y nos permite conocer mejor el porqué de su aproximación a temas tan difíciles. El motivo de la entrevista es el vigésimo aniversario de su película Kids, donde surgieron nombres actualmente conocidos en el mundo del cine o la televisión como Chloë Sevigny o Rosario Dawson, en papeles muy difíciles y comprometidos. Siempre he tenido la sensación de que la intención del director es que el título de la película se escribiese KIDS y no Kids. Viéndola se entiende el porqué de esta apreciación.
Ya que hemos rozado el mundo del cine y la televisión, el otro día estaba leyendo cosas sobre Alexa Davalos, la protagonista de la excelente serie de televisión The Man in the High Castle. Bien, pues en estas me entero que la guapa actriz es hija del fotógrafo Jeff Dunas. Y me puse a ver que tal... porque me sonaba pero sin recordar nada en concreto. Probablemente resulten conocidas algunas de sus fotografías sobre celebridades del mundo del cine o de la música. Sin embargo, a mí me resultan más interesantes las fotografías de carácter documental, bien sea en blanco y negro o en color. No está de más pasarse un rato por su sitio en internet.
Un fotógrafo, también norteamericano, que ha aparecido en alguna que otra ocasión en estas páginas es David Burnett. En un momento dado, un primo de su esposa le retó. Sí, está muy bien eso de hacer estupendas fotografías de acontecimientos por todo el mundo. Pero ¿qué tal lo de mirar a la ciudad dónde uno vive, a sus problemas, a los de sus vecinos, a lo cotidiano? Así que Burnett se puso en contacto con Photographers for Hope (Facebook, por si todavía no está en marcha la página principal), y se pusieron a la tarea. Esta organización busca impulsar el cambio social a lo largo y ancho del mundo mediante la fotografía. Además de Burnet, en el proyecto de Newburgh, han participado Benjamin Moldenhauer, Sarah Bones, Patricia Goldschmid, Katarina Premfors, Anna Wang, Joe Oppedisano, Jack Marash y Matteo Cardin. Y todo estos nos lo contaron en Lens - The New York Times.
Y ahora vayamos un poco al tema ambiental. Porque ya hemos visto en otras ocasiones que la fotografía puede ser un arma de denuncia y testimonio de las consecuencias de los desastres ambientales por causa de la acción del ser humano. Una de las zonas del mundo donde más está llamando la atención el calentamiento climático es el Ártico. En L'Oeil de la Photographie nos muestran el bello trabajo de Sebastian Copeland, The Vanishing North. El norte que se desvanece. Notables paisajes árticos en blanco y negro y color para denunciar estas afectaciones.
Menos vistosos pero quizá más significativos son los dípticos de la serie The Spring Thaw (el deshielo de primavera) de Katie Orlinsky, que nos muestran el anormalmente rápido e intenso deshielo que se a producido este año en el norte de Alaska, que además ha coincidido con el hecho de que el invierno 2014-2015 ha sido el más templado de los registrados hasta la fecha. Más allá de la anécdota puntual, lo cierto es que la afección de los ecosistemas por el retraso del invierno, el adelanto de la primavera, los fuegos forestales y las tormentas intensas ha sido muy grande. Nos lo han contado en The Prime Collective.
Y vamos ahora con la denuncia dentro del mundo de la fotografía. Cuando algunos fotógrafos denuncian lo que hacen otros fotógrafos.
Ha sido muy reflejado en los medios interesados las declaraciones del veterano y conocido fotógrafo de prensa Don McCullin que ha afirmado que el dominio de la tecnología digital en el medio fotográfico ha llevado a que la fotografía documental sea "una mentira", que ya no es digna de confianza. Veterano del Vietnam, cuya Nikon F le salvó la vida al para un bala que le iba destinada, sus fotografías son conocidas y muy duras y gráficas. Prácticamente siempre en blanco y negro, recorrió numerosos conflictos. Sus declaraciones son duras. Sin embargo, se podría argumentar que lo que es falso no es la tecnología, sino las personas que la usan. Y eso vale tanto ahora con lo digital, como con la película tradicional. Lo que pasa es que ahora es más fácil y más rápido. Nos lo han contado, entre otros, en Bokeh de DigitalRev.
Y ha sido anunciado y mostrado al público el calendario Pirelli de 2016. Calendario exclusivo que regala la empresa de neumáticos a unos cuantos VIP's, tradicionalmente contenía fotografías de bellas mujeres desnudas parcial o totalmente. Aunque ha habido una tendencia en los últimos años a alejarse de ese tipo de calendario. Este año no es una excepción, ya que la responsable del calendario de 2016, Annie Leibovitz, decidió retratar mujeres de todas las edades y condición famosas por sus logros y no por sus belleza física. Loable. Lo irónico del caso es que la mayoría de los sitios donde he visto la noticia, la han ilustrado con una de las fotografías de la serie en la que aparece la actriz Amy Schumer casi totalmente desnuda. Han aclarado algunos medios que esa fotografía era una ironía a los formatos de décadas pasadas. Lo hemos visto, entre otros muchos sitios, en The Guardian.
Semana de actividad fotográfica moderada tirando a baja. En la que quizá lo más destacable fue la película Life (2015), en la que el director y fotógrafo Anton Corbijn nos cuenta como pudo ser el encuentro entre el fotógrafo Dennis Stock y el actor James Dean en 1955, cuando ambos eran promesas no realizadas todavía en sus respectivas profesiones. No dejéis de leer la reseña en mi colección de películas con tema fotográfico, CineFoto.
Por supuesto, tengo el tablero de Pinterest de esta semana que, sin embargo, viene bien nutrido, con fotografías de todo tipo, desde fotógrafos consagrados, hasta aficionados anónimos.
Las fotografías acompañantes de hoy proceden de los actos de protesta y reivindicación que en los últimos días se han venido desarrollando contra la violencia de género. En concreto se trata de una representación simbólica con zapatos teñidos de rojo en la plaza de España de Zaragoza.
Del fotógrafo Harry Callahan ya os he hablado en más de una ocasión, especialmente a propósito de una exposición que pude ver hace un par de años en Madrid. Siempre interesante, un artículo con algunas de sus fotografías en el tumblr de VUU me ha parecido una excusa tan buena como otra cualquiera para recordar a este fotógrafo clásico. Como siempre digo, no confundir este Harry Callahan con el sucio Harry de las películas de Clint.
Método de trabajo de Callahan:
Salir cada mañana a pasear por la ciudad con la cámara.
Dedicar cada tarde a realizar pruebas impresas de los mejores clichés de esa mañana.
Con suerte, obtener seis fotografías significativas ¡AL AÑO!
Otro clásico que muchas veces ha sido una figura controvertida es Helmut Newton. Dedicado la mayor parte de su vida a fotografiar mujeres, en muchas ocasiones desnudas o en actitudes fuertemente sexualizadas, ha sido acusado de todo tipo de perversiones tanto por los sectores más conservadores de la sociedad como por el feminismo progresista que lo acusó de misógino, sexista, e incluso de fascista. Él, un judio que huyó de Berlín, su ciudad natal por las persecuciones nazis. En Líneas sobre arte encontramos un interesante artículo sobre su obra a propósito de un comentario de la fotografía "Autorretrato con esposa y modelos (1981)".
Claude Nori es un fotógrafo francés cuya obra se caracteriza por ser un canto a la juventud, al amor y a la sensualidad. Un autor muy mediterráneo cuyas obras más conocidas tiene que ver con sus vacaciones en la costa del Adriático en Italia. En algún lugar que no consigo recordar encontré el vídeo que a continuación os dejo, filmado por el propio fotógrafo, y que es una muestra del tipo de ambiente en el que le gustaba trabajar.
Pasemos a hablar un poquito de paisajes. Tengo cierta predilección por los paisajes en blanco y negro con largas exposiciones. Especialmente con formato cuadrado, que da una serenidad y una armonía a los paisajes muy especial. En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos proponen la obra de Lu Yanpeng, que añade a sus obras la estética y la sensibilidad propia de extremo oriente. Muy atractivos paisajes.
En el tumblr de SuperMassiveBlackHole Magazine nos proponen la obra de Conor Clarke, y su premiada serie Scenic Potential. Impresionantes paisajes montañosos en un blanco y negro de sutiles gradaciones de grises... que no son más que los acúmulos de arena o tierra de los lugares en construcción en los alrededores de Berlín. Me parece una reflexión impresionante sobre el ver, el mirar, y lo que creemos ver. Otra forma de ver o interpretar el paisaje. No dejéis de dar un repaso al resto de su obra.
En esta última semana, desde el punto de vista televisivo, he estado muy atraído por la estética de cine negro de alguna de las series que más me han gustado. En Lens de The New York Times nos ofrecen un conjunto de fotografías de Jason Langer que son capaces de extraer esa estética de cine negro en la ciudad de Nueva York a propósito de una visita a la Gran Manzana. Fotógrafo clásico, apegado a la película tradicional, y con una envidiable visión. Nuevamente, no olvidéis echar un vistazo al resto de su obra, a veces sensual, a veces misteriosa, a veces, con esas inquietantes marionetas o maniquíes, aterradora.
También paisajes, muchas veces con figura, aunque también reportaje documental en las calles de las ciudades, las fotografías de Bernard Descamps, en blanco y negro, rigurosamente cuadradas, probablemente también fiel a la película tradicional, también me han atraído y me han hecho detenerme en su obra. En cualquier caso, un fotógrafo que recorre el mundo con su personal visión. Nos lo propusieron en L'Oeil de la Photographie.
Terminaré con otro vídeo. Uno cortito, de menos de un minuto de duración, en el que se resume la magia de la fotografía en el cuarto oscuro, una sensación que los fotógrafos más jóvenes, digitales, han perdido. Quizá para siempre. No sé.
