La gente de L'Oeil de la Photographie siguen sin recuperarse. Sin embargo, siendo como eran fuente de numerosas recomendaciones, parece que el número de potenciales recomendaciones que he recogido esta semana no ha disminuido gran cosa. O nada en absoluto. Igual tengo que seleccionar un poquito. De momento, os dejo con el tablero en Pinterest de la semana.
En cuanto a las fotografías acompañantes de hoy... blanco y negro en formato medio con película tradicional y algo más. Hace unos días pude comprobar que la misión de Fotógraf@s en Zaragoza para el mes de noviembre era TRENES. Durante años el "trainspotting" fotográfico, especialmente de trenes clásicos e históricos, es algo que practiqué con cierta frecuencia, e incluso tengo una página, Trenes de ayer y de hoy, que lo cierto es que no actualizo desde hace bastante tiempo. Hace seis años. Y el caso es que alguna cosilla nueva podría poner... En fin. Que me siento obligado a participar en esta misión, aunque hace tiempo que no participo en una de ellas. Por ello, el día 1 de noviembre decidí salir a por trenes. Por la mañana, con una luz horrible de niebla y poco contraste, y por la tarde, mejor de luz. En ambas ocasiones me llevé la Pentax K-S1, con dos objetivos de enfoque automático de serie Limited, el 21/3,2 y el 70/2,4. Tengo que usar más este último porque es buenísimo. El angular es más flojito aunque digno. Pero también me llevé cámaras de película tradicional. Tanto por la mañana por la tarde me llevé mi flamante Plaubel Makina 67. Por la mañana también me llevé la Holga... cuyos resultados, cuando se comparan con los de la Makina 67... dan ganas de tirarlos. Bueno... fotografías de ambiente ferroviario. Aunque todavía no me he decidido a subir ninguna foto a la misión.
Quizá una de las cuestiones de las que mas se ha comentado esta semana en el mundo de la fotografía sean las declaraciones del prestigioso fotógrafo Sebastião Salgado durante la recogido de un premio en su país natal, Brasil. En ellas, Salgado asegura que la fotografía habrá muerto dentro de 20 o 30 años... ¿La gente va a dejar de hacer fotos, aunque sean selfis con sus móviles en este periodo de tiempo? ¿Nadie va a querer inmortalizar momentos con aparatos fotográficos? Hay muchos sitios que se han hecho eco de las declaraciones. Yo os pongo los enlaces a Photolari, formado por un par de "locos" que antes trabajaban para la fenecida Quesabesde, y al siempre crítico Rafael Roa.
Si analizamos lo que realmente digo Salgado, pienso que ni él, ni yo, ni casi nadie cree realmente que la gente deje de pulsar el disparador de sus cámaras. Sean tales, sean dispositivos multifuncionales como los teléfonos móviles. A saber cómo serán dentro de 20 o 30 años. Lo que el plantea es el uso de las imágenes que se tomen. Distingue como conceptualmente distintas "imágenes" y "fotografías". Estas últimas, pensadas para ser impresas en papel, son recuerdos, declaraciones conceptuales, sociales o políticas, son construcciones estéticas. Las imágenes serían meros testimonios del aquí y ahora de las personas. Lo cierto es que eso ya está sucediendo ahora. Dejando de lado los fotógrafos profesionales o aficionados, antes la gente tenía cámaras de fotos sencillas para tomar recuerdos de sus viajes o acontecimientos, en esos sencillos álbumes con fotos en papel de tamaño postal. O aun más pequeñas. Sin embargo, ahora la imagen del móvil es un mero componente de la comunicación permanente sobre lo que hacemos en el presente. ¿Quiere esto decir que dentro de 20 o 30 años sólo se tomarán estas y ya nadie querrá hacer las "fotografías" como las piensa el maestro? Pues no sé. Ahora mismo, no sé dónde he dejado mi bola de cristal...
Robert Adams, un fotógrafo de la New Topographics, el paisaje alterado por el hombre, de los que más me gusta. Ya he hablado de él en alguna ocasión, por su riqueza conceptual, su sencillez formal y su compromiso social y medio ambiental. En el tumblelog de VUU Studio nos lo han recordado con algunas de sus fotografías nocturnas.
Otra fotógrafa, en un estilo muy distinto, que siempre me ha interesado, y que es menos conocida de lo que merecería es la húngara refugiada en EE.UU. después de 1956, Sylvia Plachy. Mucho más centrada en la gente, con una visión humanista de las personas y de la sociedad, nos la recuerdan en South x Southeast Photomagazine.
Japón es fuente de numerosos y buenos fotógrafos. Que también se caracterizan por adoptar formas y estilos propios, distintos de los de los fotógrafos occidentales, pero que también son muy diversos entre sí. Por lo tanto, proporcionan gran riqueza al mundo de la fotografía en general. En American Suburb X (ASX), siempre del lado de lo más contemporáneo, avanzado, urbano y vanguardista, nos proponen conocer las series Showa de Kazuyoshi Usui. Y lo entrevistan. Showa es el nombre de la era que se corresponde con el emperador habitualmente conocido como Hirohito (Emperador Showa al morir, y abarca desde antes de la Segunda Guerra Mundial y hasta la muerte de este. Por lo tanto, hablamos de un período turbulento y de grandes cambios para el País del Sol Naciente. Con fotografías en color intenso, y en dos series, Showa 88 y Showa 92, el fotógrafo nos introduce en las complejidades profundas de la sociedad resultante de ese complejo periodo histórico.
Mucho más tranquilo y sosegante es el trabajo Cascadia de Cody Cobb. Desde hace un par de meses estamos considerando visitar al año que viene la costa del Pacífico norteamericana. Tal vez la Columbia Británica, tal vez los estados de Washington y Oregon, incluso el norte de California,... no sabemos todavía. Pero sí que sabemos que por allí están la cordillera de las Cascadas (Cascade Range), con sus paisajes espectaculares y sus volcanes. Las fotografías que publicó Another Place Magazine nos han impulsado el deseo. Aparte de haber encargado el librito, son 10 libras más gastos de envío, que han publicado sobre el trabajo de este fotógrafo paisajista.
En los últimos días he encontrado referencias diversas, tanto en la red como en alguna revista, a la fotógrafa Laurie Simmons. La decisión de traerla a estas páginas la determinó el artículo que le dedicaron en American Photo. Fotógrafa de caracter conceptual que utiliza muñecas, maquetas u otros juguetes para reflexionar sobre diversas cuestiones, aunque fundamentalmente se centra en el mundo de la mujer. Son interesantes también los retratos.
En un estilo muy distinto, en Cada día un fotógrafo nos hablan de Stephan Zaubitzer, fotógrafo francés que tiene un estilo muy personal, de composiciones sencillas y si alaracas técnicas, pero con muy buen dominio de la luz. Me ha parecido especialmente interesante su serie arquitectónica sobre salas de cine de todo el mundo, Cinemas.
Un par de recomendaciones de carácter colectivo.
En Yorokubu, donde dentro de su tono aparentemente informal no dan puntada sin hilo, nos proponen "una nueva generación de fotógrafas españolas se abre camino en Berlín". En concreto se refieren a dos fotógrafas de menos de 30 años, Laura F. Izuzquiza y Ana Cayuela, que residen y trabajan en la capital alemana. Un ejemplo más de la fuga de talentos que abandonan esta maltratada España, sin que otros vengan a sustituirlos y a alimentarnos intelectualmente a los que nos tenemos que quedar. Tienen estilos distintos, aunque elementos generaciones comunes que se reflejan en sus respectivos trabajos. Ambas me parecen interesantes de seguir. Os dejo aquí puesto un vídeo de Izuzquiza.
Otra recomendación colectiva, esta masiva, me llega a través del tumblelog de Mira Nedyalkova, que me dirige a los 25 fotógrafos europeos con más talento del momento según Dodho Magazine. Siempre me siento escéptico ante estos listados de los "nosecuantitos" mejores "tal". Pero en cualquier caso, son puntos de partida para explorar la obra de los propuestos y decidir si te gustan y te apetece más de ellos o no. Entre los posibles españoles, solo aparece Alicia Moneva, a la que dedican un artículo, y que es una fotógrafa conceptual que sí merece la pena que sea conocida. Pero no me atrevo a decir que no haya otros igual de "best" o "más best"...
Terminaremos las recomendaciones de esta semana con los porfolios del número 92 de Fraction Magazine, que como siempre se renueva con un número nuevo a principios de mes. El principal problema de esta revista en línea es que creo que arriesga poco y que no acaba de salirse de un estilo muy determinado de fotografía. Por lo que todo lo que publica empieza a dar la sensación de "déjà vu".
Y también me ha parecido interesante el punto de vista de Ben Kilb, fotógrafo alemán que dirige su mirada hacia Oriente Medio, pero no para reflejar los desastres sociales, políticos, bélicos y humanitarios que por allí suceden, sino por las imágenes de paz y tranquilidad en los paréntesis en los que dan tregua a sus habitantes para que se relajen y vivan. Un punto de vista humanizador de unas sociedades tristemente muy deshumanizadas.
Comenté hace unos días mi visita a Fotografiska, durante la escapada que hice a Suecia a mitad del mes de agosto. Y decía en esa entrada que la exposición más interesante y de más nivel, sin menospreciar en absoluto el resto que también eran estupendas, era la del británico Nick Brandt, sobre su último trabajo Inherit the Dust (Heredaras el polvo). Amarga paráfrasis de la promesa divina, "Heredarás la Tierra", que el dios judeocristiano hace en los libros sagrados de estas religiones a distintos personajes que en ellos aparecen y, por extensión, a toda la humanidad creyente. Pero algo debemos estar haciendo mal... o en algo se equivocó la mencionada divinidad... porque estamos dejando la Tierra hecha un erial. Y eso es lo que quiere poner de manifiesto Brandt, mostrándonos los degradados paisajes de su amada África, donde hasta hace no tanto tiempo habitaban los magníficos mamíferos que acompañan las imágenes de esta serie.
Cuando salíamos de ver las exposiciones, realizamos la visita de rigor a la "butik" del centro de fotografía contemporánea de Estocolmo, donde nos guiñó el ojo el libro en el que se expone también de forma muy hermosa es contenido de la exposición. En la tienda en línea no lo venden, pero más o menos costaba en coronas suecas el equivalente a unos 75 €. Y su tamaño es respetable. Desde luego no te puedes meter con él en la cama para hojearlo mientras te entra la modorra del sueño. Así que precio más problemas para encajarlo en el reducido equipaje de cabina que llevábamos... no lo compré por mucho que me lo pidiese el alma.
Fotografías de animales en blanco y negro han hecho famoso a Nick Brandt... acompañaré la entrada de los animalitos nórdicos del parque Skansen de Estocolmo... en blanco y negro. Como la ardilla.
A la vuelta, me asomé a diversas librerías en línea y comprobé que los de los 75 "aurelios" no era broma. Aunque en Amazon.es la cosa se ponía en unos más moderados 62,5 €. Y en estas estábamos cuando vi que se ofrecía también "de segunda mano - como nuevo" por 42 € más unos moderados costes de envío por correo corriente y moliente, del que tarda unos cuantos días o semanas en llegar. ¿Merecería la pena el riesgo de pagar un 60% del precio base... o lo del "como nuevo" sería un eufemismo que iba a lamentar? Mientras me lo pensaba, volví a ver uno de los documentales sobre la exposición (en inglés, lo siento).
Finalmente, me decidí. Y esta me ha llegado el libro. No está "como nuevo". Está nuevo. Venía con el precinto de plástico incluido. Alguien lo compró y luego ni lo abrió y decidió venderlo. Con un tamaño de de 39 x 33,5 cm, y con las fotografías a doble página... incluso a tres páginas, mediante desplegables, las fotografías de Brandt aparecen en todo su esplendor, y con una calidad de impresión impecable. La experiencia de hojearlo es estupenda.
Los alces.
No sólo esto. Además hay textos del escritor y poeta estadounidense Wendell Berry, autor muy comprometido con la defensa de la naturaleza y del medio ambiente. También hay imágenes del "cómo se hizo", mostrando la selección de fotografías de animales que se incluyeron en los paisajes con figuras humanas que constituyen la serie, así como fotografías de los grupos humanos que aparecían en las mismas, y de la terrible condición de pobreza y degradación, acorde con la de los paisajes, en la que se encontraban.
Creo que es un libro altamente recomendable.
Los osos pardos.
Del viaje sí que viajaron de vuelta en la maleta tres libritos de tamaño y precio contenidos, publicados en algunos de los museos de arte moderno que visitamos. Tres libritos que no son de fotografía, aunque esta pueda tener alguna presencia en ellos:
The Dresing Donation, Arken Museum of Modern Art (en inglés), donde se da cuenta de los contenidos más destacados de la donación de arte contemporáneo que forma el núcleo principal de la colección y la exposición permanente de este museo danés.
Guide artistique, Moderna Museet (en francés), que comenta las obras más destacadas de la colección permanente del museo de arte moderno en Estocolmo.
草間彌生 Art Book - Hi, Konnichiwa, Yayoi Kusama (en inglés), pequeño y colorido libro que repasa la obra de la artista japonesa, que era objeto de una interesante exposición retrospectiva en el Moderna Museet de Estocolmo.
El carabó lapón.
No relacionados con el viaje a Suecia, me he dado cuenta que no he comentado en los últimos tiempos la adquisición de los números 51 y 52 de la colección "100 fotos por la libertad de prensa" que edita Reporteros sin fronteras. Estos dos últimos números han venido con una innovación. Con una maquetación y estilo similar a los anteriores, han aumentado de tamaño, por lo que podemos disfrutar de las 100 fotografías de turno también a mayor tamaño. Sin que haya supuesto un aumento del precio, que sigue por debajo de los 10 €. Siempre he dicho que esta colección es ideal para hacerse con una modesta pero digna y completa biblioteca de libros de fotografía. El número 51 estuvo dedicado nada más y nada menos que a Sebastão Salgado, y el número 52 se titula "On the Road" (En la carretera), he incluye fotografías de cinco ilustres; Martin Parr, Harry Gruyaert, Dennis Stock, Inge Morath y Larry Towell. Este último pensaba que se trataba de una versión resumida de un libro en castellano editado por La Fábrica con el mismo título... pero lo cierto es que la única autora en común entre los dos es Morath. Un libro que tiene una pinta magnífica pero que no me he decidido a comprar porque las obras que contiene aparecen ya en monográficos de algunos de los autores que participan en este volumen,... y me resultaría redundante.
El jabalí (o el cerdo asilvestrado, según lo que ponía).
Otras entradas recientes, que no comentaré con detalle...
Jazz de Bob Willoughby, oferta de libraco por debajo de los diez euros con estupendas fotografías de cantantes de jazz y soul. Imposible resistirse.
Número 123 de la revista Arte y parte, dedicado a László Moholy-Nagy, un artista multidisciplinar, fotógrafo también, que se involucró en la Bauhaus alemana. Para ir leyendo poco a poco.
Finalmente, hace un par de días entró en mi biblioteca un libro del que todavía no he tenido ocasión de empaparme. Ha sido un regalo que me han hecho por un favor que hice. Inmerecido, pero bien recibido, el regalo. Muchas gracias, una vez más. Se trata de Imago de Joan Fontcuberta, editado por La Fábrica y la Comunidad de Madrid. Fontcuberta es un fotógrafo del que vi alguna exposición en los años 90, del que luego oigo hablar mucho, pero sé poco de la obra que está haciendo. Por lo que leo, es un fotógrafo que parece más admirado y valorado en el extranjero, en el British Journal of Photography han publicado algún artículo sobre él y su obra poniéndolo por las nubes, que en España. Donde con frecuencia veo que se le da bastante caña. ¿Justificada o un reflejo más de la tradición cainita de los naturales de las Españas? Espero que la lectura y contemplación de este libro me permita obtener conclusiones propias.
Bueno... a ver si no dejo pasar tanto tiempo entre publicaciones sobre libros... que escribir estas entradas es agotador. Hasta la próxima... y no olvidéis comprar libros de fotografía... que mirando la obra de los mejores es como más se aprende y viene la inspiración.
Cuando hace unos días redacté mi artículo sobre la exposición de Sebastião Salgado en Caixaforum Zaragoza, me di cuenta de que no había comentado en su momento la adquisición del libro Génesis, que se basa en el mismo trabajo que la exposición, y que en general llevaba tiempo sin incluir comentarios a adquisiciones para mi librería en estas páginas. Además hay que considerar que en los últimos tres meses he hecho varias significativas incorporaciones en mi biblioteca de fotografía, todas ellas sin comentario alguno. Así que voy a subsanar esta omisión. Voy allá en el orden en el que creo que he ido adquiriendo los libros.
Man Ray: Despreocupado pero no indiferente - La Fábrica
"Unconcerned but not indiferent" es el epitafio que podemos encontrar en la tumba de Man Ray en el cementerio de Montparnasse de París. Traducida al castellano esta frase como "Despreocupado pero no indiferente", este libro que editó La Fábrica hace ya unos años resuelve una carencia que yo tenía con este fotógrafo, uno de los exponentes principales, sino el mayor, del surrealismo en fotografía; la de tener una obra amplia que recogiese toda su trayectoria, incluidas las disciplinas no fotográficas, como el dibujo y el diseño a los que también se dedicó. Tengo otros libros sobre Man Ray, y algunas de sus obras se repetirán entre ellos, pero de este modo, puedo tener en un único volumen el recorrido global de su obra, independientemente que en otros libros pueda centrarme de modo más específico en algunos de sus aspectos como el retrato o su época más surrealista.
Tras la tempestad llega la calma.
Chema Madoz: 2008 - 2014, Las reglas del juego - La Fábrica con la Comunidad de Madrid
Volumen publicado recientemente con motivo de la gran exposición que se ha celebrado durante estos meses atrás en la sala de exposiciones que la Comunidad de Madrid tiene en la calle Alcalá 31. Siempre me apetece mucho poder contemplar en directo la obra de Chema Madoz, pero siempre supuse que era muy posible que esto no pudiese ser. Por ello, cuando apareció publicado este libro, que ejerce como catálogo de la exposición, y que incluye los trabajos más recientes de uno de los fotógrafos más originales, característicos, elegantes, técnicamente impecables y personales que hay en España, no pude menos que adquirirlo. Tengo la sensación de que sus obras más recientes no están al mismo nivel que algunas de sus obras más conocidas de antaño. Pero eso no quiere decir que no sigan siendo fotografías de primer nivel, que hay que conocer y admirar. Sigue siendo uno de los grandes de este país. Auténtico escultor de los objetos cotidianos a la vez que fotógrafo, sus obras tridimensionales sin embargo sólo sobreviven en forma de imágenes fotográficas, lo que las hace doblemente valiosas.
Bernard Plossu: So Long . Vivre l'Ouest Americain 1970 -1985 - Fonds régional d'art contemporaine Haute-Normandie
Pequeño libro del que me enteré por casualidad, y que también se editó hace unos años como consecuencia de una exposición dedicada a los años americanos de Bernard Plossu, fotógrafo francés en los años 70 y 80. Acorde a las preferencias del autor que suele renegar de las grandes ampliaciones, prefiriendo muchas veces para sus obras el popular tamaño postal, el libro no es muy grande, y recoge una amplia selección de las fotografías que tomó en el oeste americano en una época en la que estableció por allí su residencia. Su estilo característico, casi casual o despreocupado pero esconde notables virtudes estéticas, sus sempiternos 50 mm y su habitual (que no exclusivo) blanco y negro, nos hace sentirnos para quienes hemos seguido sus obras en terreno conocido. Pero no por ello disfrutamos menos de su fresca mirada a ese lugar lleno de mitos populares que es el oeste americano, muchas veces no tanto un lugar en los mapas como en el imaginario colectivo e individual.
Pequeña serie de fotografías desde el balcón de casa.
100 photos by Jean Marie Périer for Press Freedom - Reporters without borders
Nuevo número de los que periódicamente publica para financiar sus proyectos la organización no gubernamental Reporteros sin fronteras. Siempre he dicho que coleccionar estos números, que apenas nos cuestan 10 euros cada uno, es una forma excelente de hacerse una biblioteca de fotografía a coste asequible, y además ayudando a una buena causa.
Los contenidos de los mismos unas veces son más serios y otras menos. En esta ocasión disfrutaremos del alegre mundo de los músicos populares de los años 60 y 70 tal y como los vio el francés Jean Marie Périer, algún músico norteamericano, no faltan los ingleses, pero sobre todo músicos franceses de un época desenfadada y alegre. No pocas fotografías dedicadas a las chicas yé-yé del país vecino, todas guapas y estupendas, muy a la moda de entonces, y entre las que destaca desde la portada la guapísima Françoise Hardy, su musa y algo más, muchas de ellas publicadas en la revista musical francesa Salut les copains.
Fotografías por lo tanto muy vinculadas al mundo de la moda y la belleza, y al mundo editorial, muy refrescantes y apropiadas a la época de calores del verano. Y como digo, por una buena causa.
Sebastião Salgado: Otras Américas - La Fábrica
Aunque en estos momentos, como comenté hace unos días, Salgado está de actualidad por la difusión por diversos medios de su último gran trabajo, Génesis, echar la vista atrás a sus anteriores proyectos es algo que siempre merece la pena. Y recientemente, supongo que aprovechando el tirón que últimamente tiene el fotógrafo, La Fábrica ha reeditado un libro cuya primera edición data de hace 30 años casi, su primera gran obra. Se trata de Otras américas, y recoge la relación que el fotógrafo mantuvo con campesinos de Méjico, Bolivia, Brasil y otros lugares durante los años 70 y principios de los años 80.
Las fotografías de Salgado en aquellos momentos carecía del primor tecnológico de sus obras más recientes. Las actuales, producto de un complejo procesado que comienza con la toma digital de la imagen y que termina con la ampliación tradicional sobre medios fotoquímicos a partir de internegativos de gran formato, tienen una calidad suntuosa; son un lujo. Aquellas imágenes de los años 70 tienen sin embargo esa imperfección propia del negativo en blanco y negro, con su grano marcado, con la necesidad a veces de enfocar al vuelo. Sin embargo, estas "deficiencias" tecnológicas no implican deficiencias técnicas o conceptuales. Como técnica fotográfica encontramos ya a un fotógrafo muy maduro, que controla muy bien y la composición. Conceptualmente, nos transmite la empatía, y la simpatía, que el fotógrafo siente hacia el campesino latinoamericano, siempre modesto pero cordial, a quien sus fotografías son capaces de dar voz aun sin palabras. Un libro muy disfrutable. Desde diversos aspectos, a mí me parece más interesante que su moderno Génesis, aunque no sea más que por que la presencia humana, eventual en el trabajo actual, es constante y primordial en aquel de hace 30 o 40 años.
En una tarde de verano, tras una fuerte tormenta.
Respirando sal... - Cuaderno de fotografías de Alberto García-Alix para Tranquilito You Know (Formentera)
Esto me pareció una curiosidad más que otra cosa, y como no costaba mucho... Se trata de un conjunto de fotografías que García-Alix para la gente o con la gente de Tranquilito You Know (Formentera), una firma de moda desenfadada que se mueve en el entorno de la isla balear. Un diseño para este cuaderno, desde luego no se le puede llamar libro, también desenfadado, con una calidad de impresión voluntariamente limitada, que enmarca una modesta colección de las típicas fotografías cuadradas en blanco y negro de formato medio del fotógrafo. Ya digo, como curiosidad vale... Me la encontré en la librería Laie del Caixaforum de Zaragoza y me la llevé a casa.
Nicolás Muller: Obras Maestras - La Fábrica
Hace un tiempo que ya está publicado este libro de la colección Obras Maestras de la editorial La Fábrica. Son libros de gran formato, de impecable presentación e impresión que recogen en retrospectiva el conjunto de la obra de algunos de los más importantes fotógrafos españoles. O en España.
Con motivo de la exposición dedicada a Nicolás Muller, fotógrafo nacido en Hungría pero naturalizado español, que se está celebrando en estos momentos en la Lonja de Zaragoza, han traído este volumen de la colección Obras Maestras como catálogo de la exposición, que siendo retrospectiva y amplia, se corresponde con bastante precisión. Además, la exposición se enmarca en el festival PhotoEspaña 2015, uno de cuyos organizadores es La Fábrica, que también es la editorial del libro. Todo se queda en casa.
En cualquier caso, los libros de esta colección son dignos de figurar en cualquier librería de cualquier aficionado a la fotografía, tanto para la signficación como por la calidad de los fotógrafos a los que se dedican. Sin dudarlo.
Under 35: Laia Abril, Alberto Lizaralde, Javier Marquerie Thomas, Oscar Monzón, Jordi Ruiz Cirera - Ivory Press
El último de los libros,... o quizá debiera decir publicaciones en este caso, se trata de una publicación colectiva de fotógrafos relativamente jóvenes españoles, publicada muy recientemente, acompañando también a una exposición de las encuadradas en PhotoEspaña 2015 en Madrid. Me recuerda mucho al espíritu de un número de The British Journal of Photography publicado hace aproximadamente un año, bajo el lema "The Spanish are Coming!" (grito de guerra utilizado en Inglaterra durante la incursión de la Armada Invencible) que hacía alusión a esta generación de fotógrafos, nacidos en España, alejados frecuentemente de los medios de financiación oficiales, que muchas veces han completado su formación o están desarrollando su trabajo en el extranjero, y que aportan una visión más fresca, novedosa, contemporánea a la fotografía española. En formato de tapas blandas, edición muy desenfadada, que sacrifica un poco la calidad de impresión a la economía de medios y a una imagen de contemporaneidad, es una forma de familiarizarse con la obra de cinco fotógrafos: Laia Abril, Alberto Lizaralde, Javier Marquerie Thomas, Oscar Monzón y Jordi Ruiz Cirera.
A principios de noviembre del año pasado, 2014, dediqué un artículo en estas páginas a una interesante película documental dedicada al fotógrafo brasileño Sebastião Salgado. Película de obligatoria visualización para todo aficionado a la fotografía, y muy recomendable para el público en general. Por aquel entonces compré también el libro del último gran proyecto de Salgado, Génesis, un libro que no puedo recordar los motivos pero no llegué a comentar por aquí. Es un libro de gran formato, rotundo, de 24 x 35 cms, más de 500 páginas, muchas fotografías en blanco y negro con un buen nivel de impresión, superior a la media de la editorial, Taschen.
Caixaforum no es excesivamente amistosa con los fotógrafos que visitan sus salas...
En el documental se nos explica un poco el origen de este proyecto. Tras una vida dedicada al reportaje en lugares difíciles, con conflictos difíciles, con gentes difíciles, con gentes que sufren, Salgado entró en una crisis personal de la que surgió gracias a que volvió su mirada a la naturaleza, a sus difíciles equilibrios. En primer lugar al lugar que lo vio nacer y crecer, luego a su país, Brasil, y finalmente al planeta que nos alberga a todos. Y a partir de ahí se lanzó a una búsqueda de los lugares primigenios, aquellos en los que la naturaleza está menos afectada por el ser humano, aquellos en los que el ser humano se presenta todavía en sus estadios de desarrollo cultural básico, los cazadores-recolectores, los agricultores incipientes que todavía podemos encontrar en algunos lugares de la Amazonia, África o las selvas de Papúa-Nueva Guinea.
Y así nos ha presentado este legado, este conjunto de imágenes que configuran una fotografía global de las tierras vírgenes del planeta, de lo que queda original de él. Sea los hielos de la Antártida, sean las pluviselvas ecuatoriales, los violentos volcanes del extremo oriental siberiano, o el gran norte americano.
... ciertamente permite la fotografía en sus terrazas y en sus áreas comunes,...
Una parte de esta obra se está presentando en algunas ciudades españolas de la mano de la Obra Social de la Caixa, exponiéndose en los Caixaforums repartidos por la geografía española. En estos momentos, la exposición ha llegado a Zaragoza, donde permanecerá hasta mediados de octubre de este año, 2015. La exposición, como el documental sobre el que he empezado hablando en este artículo, es "obligatoria" para todos los aficionados a la fotografía y altamente recomendable para el público en general. Copias de gran formato, de alta calidad en blanco y negro, que nos muestran una serie de escenarios naturales todavía vivos, todavía en su estado original. Quién sabe por cuanto tiempo, en un planeta en el que los cambios debidos a las alteraciones del clima se está produciendo con una rapidez que está sorprendiendo incluso a los más pesimistas.
Recordar también que uno puede llevarse a casa para siempre estas fotografías y más en forma de libro, un libro que aunque cuesta lo suyo en términos absolutos, casi 50 euros, no es excesivamente caro en términos relativos dada su magnitud y la cuidada calidad con la que se presenta y está impreso, respetando mucho la calidad de las fotografías presentadas. Animaos, que no os arrepentiréis.
... pero es muy restrictiva en las salas de exposiciones, donde además los empleados tienen una actitud muy celosa de persecución hacia quien sospechan lleva una cámara encima, llegando a hacer la visita incómoda aunque no te hayas planteado "delinquir" tomando alguna foto de la exposición.
Habitualmente, mis comentarios sobre los estrenos cinematográficos que veo en las salas de cine aparecen en mi CUADERNO DE RUTA, blog dedicado a mis actividades de tiempo libre con carácter general; no específico, como estas páginas dedicadas a la fotografía principalmente, y otras artes visuales. Pero en esta ocasión voy a hacer una excepción, porque THE SALT OF THE EARTH (2014) es una película documental dedicada a uno de los fotógrafos documentales más importantes e influyentes de las tres últimas décadas. Se trata del brasileño SEBASTIÃO SALGADO. Las fotografías que acompañan la entrada, en riguroso blanco y negro como no podía ser de otra forma, de mi mucho más modestos y aburguesados viajes; en JAPÓN.
Conocí la obra de SALGADO hace ya unos 25 años, más o menos. En aquellos momentos estaba en pleno auge la presentación de su trabajo WORKERS, dedicado a los trabajadores de todo el mundo, especialmente a aquellos que tenían unas condiciones de trabajo más penosas. Y ya eran bien conocidas las imágenes de los mineros en SERRA PELADA o los desguazadores de barcos en INDIA. También contemplábamos las fotografías de las hambrunas que asolaron el SAHEL en los años 70. Su estética, su blanco y negro, era muy característica, y en el imaginario colectivo de los aficionados a la fotografía mantenía su imagen romántica de fotógrafo con su LEICA al hombro y unos pocos objetivos de focales no muy largas, que se plantaba en el lugar, se integraba y se lo curraba. Yo sólo le veía un problema. Sus fotografías, en ocasiones, eran estéticamente tan potentes que su belleza podía enmascarar la dura realidad que nos mostraban. Esto se daba especialmente en algunas de sus fotografías del SAHEL. Todavía me lo parece hoy en día.
La película documental que traigo aquí hoy es un trabajo a dos manos; dirigida por WIM WENDERS y JULIANO RIBEIRA SALGADO, hijo del fotógrafo. La he visto en versión original, como hago siempre que es posible. Pero también es posible encontrarla en la cartelera española en versión doblada bajo el título literalmente traducido de LA SAL DE LA TIERRA. Parece que en un momento dado el hijo del fotógrafo, que creció con múltiples ausencias de su padre por su trabajo, sintió la necesidad de conocer más de cerca al hombre que partía durante tanto tiempo en búsqueda de esas imágenes que luego se volvían célebres. Así se enroló como ayudante y camarógrafo en el equipo de gente de su padre, ya en su último proyecto recientemente presentado, GÉNESIS. Para terminar y dar una forma definitiva al filme contaron en un momento dado con el director alemán. Se notan claramente en el documental los segmentos dirigidos por uno y otro, pero no chirría. Se complementan.
En el documental, tras un prólogo de presentación del fotógrafo, con comentarios sobre su obra entre los mineros de SERRA PELADA o imágenes de su estancia entre los aborígenes de PAPÚA NUEVA GUINEA, somos acompañados por el recorrido biográfico de SALGADO, tanto personal y familiar como profesional. Comenzamos cuando es un adolescente y terminamos en la actualidad. En ambos casos, en el mismo lugar, la que fue hacienda de pastos de su padre y que hoy es un parque nacional de pluvisilva atlántica, recuperado por el INSTITUTO TERRA. Pero entre medio tenemos el importante trabajo del fotógrafo, realizado en muchas ocasiones en condiciones de tremendo dramatismo y sufrimiento humano. El documental nos lleva precisamente por una pendiente descendente en el trabajo del fotógrafo, en el que cada vez se enfrenta a situaciones que muestran la violencia y crueldad que parece innatas a la especie humana, y que causan un pesimismo vital casi inevitable. El tramo final, con una orientación que marca la opción por el ecologismo del fotógrafo, busca dar una visión final más optimista basada en los trabajos de recuperación de la mencionada pluvisilva y en el último trabajo del fotógrafo, GÉNESIS.
La película es claramente apologética. Pocas críticas se emiten al fotógrafo. Si existen puntos débiles en su vida o en su obra, en su carácter, no se muestran. Desde este punto de vista que nadie se llame a engaño, hay una intención clara de homenaje y publicidad del fotógrafo, su persona y su obra. El idealista que abandonó una prometedora y lucrativa carrera como economista por un duro trabajo de fotógrafo, con el encargo autoimpuesto de ser testigo de algunos de los aspectos más duros de la realidad humana. Pero hemos de decir que mantiene el interés. Que hay miga suficiente en las vivencias de SALGADO para que el documental tenga sustancia y nos transmita inquietudes y valores.
Para aquellos aficionados a la fotografía más tecnófilos, poco se habla en el documental sobre las características técnicas del trabajo del fotógrafo. Sabemos que su obra está prácticamente orientada en su totalidad al blanco y negro. En sus primero tiempos, vemos que su equipo a principios de los años 70 del siglo XX era las típicas NIKON F que triunfaban entre los fotorreporteros. Sé por otras referencias que con posterioridad se manejó con frecuencia con las discretas y ligeras LEICA de telémetro. Y lo vemos constantemente armado en la última década con cámara réflex digitales CANON EOS. No se cuenta en el documental, pero en estos momento el proceso técnico de las fotografías de GÉNESIS, salvo algunas iniciales tomadas directamente sobre película en blanco y negro en formato medio, es de toma digital en color con paso posterior a un internegativo en blanco y negro de formato medio, y ampliación fotoquímica tradicional del mismo en papel baritado de alta calidad. Si no me dejo algo por el camino.
Resumiendo, un interesante documental que casi podríamos considerar "obligado" para todos los aficionados a la fotografía, y especialmente a la fotografía documental. Por supuesto, también gustará a los aficionados a la historia contemporánea, puesto que SALGADO ha sido testigo de algunos hechos importante de la misma. Pero creo que con carácter general, y a pesar de la escasa cultura en nuestro país de acudir a este tipo de películas, puede gusta e interesar al público general. Espero que así sea.
