Tras una semana de parón en mis recomendaciones semanales por viaje a Galicia, vuelvo a esta tradicional serie de artículos dominicales para comentar fotógrafos y fotografías que me han llamado la atención en las dos últimas semanas en este caso. Acompaño la entrada con algunas fotografías de una visita reciente a la rosaleda del Parque Grande de Zaragoza, con mi recientemente revisada en taller Pentax K-x armada principalmente con el SMC-A 100/4 Macro de la misma marca. Una combinación que me gusta usar de vez en cuando.

Nos llegó la noticia de la muerte de Rafael Sanz Lobato (1932 - 2015) a través de Guerra y Paz y otras fuentes. Hace apenas un año, disfrutábamos de una gran exposición retrospectiva en Zaragoza sobre su obra. En ella, aunque era su fotografía documental la que dominaba, la que realmente me produjo impacto fueron sus primorosas naturalezas muertas, realizadas con cámara de formato medio y una exquisita técnica de iluminación, sensitometría y laboratorio. Lo recordaremos con mucho cariño y admiración.

Desde Sales de Plata nos llega la noticia de la organización de sus microexposiciones. Pequeña exposiciones de fotógrafos que permanecen fieles a la película tradicional. Siendo en Madrid, sólo podría visitar alguna si coincide con alguno de mis eventuales viajes a la villa y corte. Pero la noticia de las mismas en su blog puede servir para que conozcamos mejor a estos fotógrafos, que nos pueden servir de inspiración. En estos momentos, exponen tres fotografías de 50 x 70 cm de Juan Fandiño realizadas en el barrio Nishinari de Osaka.

Siempre me ha gustado el aspecto cinematográfico de las fotografías de Todd Hido (Tumblr). Y ahora, L'Oeil de la Photographie nos trae una selección de ellas que se concentra en su modelo Khrystyna y en los paisajes nocturnos que dan un ambiente especial a lugares por otra parte banales, barrios residenciales de las ciudades americanas.

De un blog dedicado al camera porn, Tokyo camera style, me llega noticia de la fotógrafa japonesa Mikiko Hara. Hara tiene una técnica particularmente curiosa. Usa una vieja Ikonta 520/16, cámara de antes de la Segunda guerra mundial, a la que se le ha cambiado el objetivo por un Tessar más moderno. Yo tengo una cámara muy similar a esa, la Zeiss Ikon Ikonta 521/16, con el objetivo original, que no me he atrevido a usar con película negativa en color. Pero también tengo la Voigtländer Perkeo II, que tiene una concepción similar, pero con un objetivo similar al Tessar, que sí que produce buen resultado en color. Hara fotografía con su Ikonta modificada sin encuadrar, apuntando a su sujeto desde la altura de la cintura, con el objetivo previa mente enfocado por zonas, usando la escala de profundidad de campo. Sus resultados me parecen interesantes.

La depresión endógena es una de las enfermedades mentales. La tristeza más profunda, un sufrimiento psicológico de tremenda intensidad, sin causa aparente o desencadenante, que incluso lleva a quien la padece a desear la no existencia y a cometer suicidio. También supone un tremendo sufrimiento para las familias que conviven con estos enfermos. En American Photo, revista que parece que desaparece de su forma tradicional, nos cuentan y nos muestran ejemplos de cómo la fotógrafa Maureen Drennan usa la fotografía para lidiar con la depresión de su marido. Una mezcla de retratos y paisajes marinos, que yo he encontrado bastante interesante.

Elene Usdin es una fotógrafa francesa que usa el autorretrato (nada de estúpidos selfis, estamos hablando de fotografías muy pensadas y preparadas), para criticar de forma satírica la forma en que la mujere y el cuerpo de la mujer es considerado como un mero objeto en la sociedad actual. Nos lo cuenta en The British Journal of Photography. Y merece la pena repasar su amplio sitio en internet para conocer algo más de su obra.

Una fotografía de Noelle Swan Gilbert que apareció en el blog de Marc Peter Drolet, me lleva a repasar la serie The Edge of Innocence y otras series de la fotógrafa que se centran sobre todo en el mundo de la infancia y la adolescencia. Frecuentemente en el ámbito de su propia familia. Particularmente emotiva la serie dedicada a sus sobrinos, cuyo padre asesinó a su mujer, madre de los niños y hermana de la fotógrafa. Se centra en los niños y en la nostalgia; no se regodea en los morboso del caso.

También una bellísima y colorida naturaleza muerta vista en el blog de Marc Peter Drolet, me incita a conocer el trabajo de Drew Kelly. Pertenece a la serie Tenakee Time, en la que el fotógrafo se encuentra con personas que viven en Alaska fuera de los núcleos de población, a su aire, huyendo de los convencionalismos sociales. Pero tiene otras series muy interesantes, tanto de reportaje documental, como de paisajes. Incluso fotografía arquitectónica. Mucho para expolorar.

Lensblr es una iniciativa de agrupar fotógrafos, profesionales o aficionados, que presentan su trabajo en Tumblr, y en la medida de lo posible y de la calidad de su trabajo adquirir mayor visibilidad en la red. Yo apunté mi Tumblr De viaje con Carlos, y eventualmente alguna de mis modestas fotografías de viaje ha sido escogida para ser mostrada en el blog global de la iniciativa. En las últimas semanas han adoptado un nuevo proyecto que es The Lensblr Gallery, en el que cada semana presentan 10 obras de un fotógrafo seleccionado. Hace una semana, presentaron una muy interesante, pertenciente a Hawkeye39, un fotógrafo americano que vive en japón y recorre las calles de las ciudades con su moto y una cámara de fotos. Y que hace muy buenas fotos, eventualmente. Obsérvese este retrato robado en las calles, no sé si de Tokio.

Aunque por mis viajes de trabajo y otros líos he hecho un paréntesis en mis progresos hacia la naturaleza muerta y el bodegón, sigo recopilando información y ejemplos que me puedan servir de inspiración. Esta semana, desde aPhotoEditor, recojo las fotografías de setas y hongos de Stephen Kent Johnson, que me han gustado tanto por su composición como por su luz y color. Recorriendo su página web, vemos que tiene mucho más que ofrecer, tanto en el campo de la naturaleza muerta, como de la fotografía de interiores, como las aventuras de su cosmonauta en su trabajo más personal y menos comercial.

Este artículo fue originalmente redactado como colaboración con el blog de FOTÓGRAF@S EN ZARAGOZA (FEZ), cuya visita os recomiendo, claro está.

Como comentaba hace unos días, la actualidad sobre exposiciones fotográficas en Zaragoza de alto nivel está que arde. Y para quien tenga habitualmente poco tiempo, no es fácil dar abasto, si queremos dedicarle un tiempo razonable a cada una de ellas. Pero he conseguido darles una vuelta a las más importantes desde mi punto de vista, y dejar escrito mi comentario antes de salir unos días de vacaciones. No muchos. En seguida estoy de vuelta.

Sin duda, uno de los espacios expositivos más importantes de la ciudad es la Lonja. Magnífico edificio civil del renacimiento aragonés, típico ejemplo de lo que debió ser una cierta época de oro para la capital del antiguo reino de Aragón. Y en este espacio llegan con frecuencia las exposiciones más destacadas. Y no falta anualmente alguna buena exposición fotográfica que no hay que perderse. Este año con la colaboración del Ayuntamiento de Zaragoza y el certamen PhotoEspaña nos traen una retrospectiva del veterano fotógrafo español Rafael Sanz Lobato.

En la exposición podemos distinguir tres etapas, una muy amplia, en la que podemos considerar un fotógrafo amateur que recorre el país, especialmente Castilla, interesado por los ritos y costumbres más ancestrales. Estamos ante fotografías que quizá no tiene una gran perfección técnica, pero que disfrutan de la fuerza de lo auténtico, de la actitud curioso, que no duda en introducirse en el acontecimiento, y que nos transmite perfectamente sus vivencias.

En la exposición podemos distinguir tres etapas, una muy amplia, en la que podemos considerar un fotógrafo amateur que recorre el país, especialmente Castilla, interesado por los ritos y costumbres más ancestrales. Estamos ante fotografías que quizá no tiene una gran perfección técnica, pero que disfrutan de la fuerza de lo auténtico, de la actitud curioso, que no duda en introducirse en el acontecimiento, y que nos transmite perfectamente sus vivencias.

Evidentemente, una exposición que no hay que perderse.

La segunda exposición pasará seguramente mucho más desapercibida, aunque también está asociada al certamen PhotoEspaña. Se trata de la exposición de Luis Gordillo en la Galería de Carolina Rojo (facebook). Gordillo es un pintor español, una de las figuras punteras del arte contemporáneo de nuestro país, cuya obra se expone en museos de todo el mundo. Pero en esta ocasión estamos ante un conjunto de obras que tienen como base la fotografía. Entendámonos, no estamos ante un fotógrafo, sino ante un artista que utiliza la fotografía como base para su obra. Bien en formato puro, bien en técnicas mixtas con la pintura o el dibujo. Sus fotografías son tomadas de su entorno inmediato, y son modificada, ampliadas varias veces, repetidas, o modificadas. A veces de objetos banales obtiene fotografías repetidas, muy similares pero distintas. Juega mucho pues con la repetición.

Quien se acerque a esta exposición, que yo considero muy interesante, ha de hacerlo con otros ojos. No con los habituales que llevamos encima los aficionados a la fotografía. Y tenemos que dejarnos llevar por la obra y no por nuestros prejuicios. Si no lo hacemos así, es muy posible que no disfrutemos de la obra que contemplamos.

Cuando la visité, estuve solo en la sala junto con una de las empleadas de la galería, que se acercó amablemente a interesarse sobre mi opinión. Estuvimos hablando un rato, muy a gusto. Sobre la exposición y sobre otras cuestiones sobre el arte contemporáneo. Ella era historiadora del arte, así que me sacaba mucha ventaja en el tema. En cualquier caso tan a gusto estuve, que se me olvidó preguntarle si me dejaría tomar alguna fotografía del interior de la sala de exposiciones.

Otra de las exposiciones interesantes que se han presentado en las últimas semanas en Zaragoza ha sido una retrospectiva que celebra el aniversario de la Agencia EFE, el 75º creo, ya que se creo en 1939, al acabar la guerra civil, como instrumento del régimen dictatorial para controlar el flujo de noticias en el país, aunque esto es un dato que no se suele destacar en sus reseñas históricas. No es cierto sin embargo que EFE venga de Franco, sino porque se fundó sobre la fusión de varias agencias previas cuyos nombres empezaban todos por la letra f (Fabra, Faro y Febus). Un ejemplo de su intencionalidad propagandística es la manipulación de la fotografía de Hitler y Franco que sí se muestra en la exposición. Le echan la culpa a Photoshop de cosas que llevan haciéndose desde que la fotografía es fotografía.

En cualquier caso, independientemente de su origen, es una de las mayores agencias de noticias del mundo, y la mayor para el idioma castellano. Pero es una agencia de noticias más que una agencia de fotografía. Y eso se nota en la orientación de la exposición, que tiende más a una propaganda del “nosotros estuvimos allí” que a la calidad de las fotografías mostradas. Es más un repaso de la historia contemporánea española que una muestra de la calidad fotográfica de los profesionales que han trabajado en plantilla como independientes para la agencia. Indudablemente, interesa por su curiosidad y por el efecto nostálgico y conmemorativo de acontecimientos, pero a mí me dejó un poco insatisfecho como aficionado a la fotografía.

Y por último, ya tenemos inaugurado el Caixaforum de Zaragoza. Los primeros diez días se van a poder visitar las exposiciones gratis, pero luego habrá que pagar 4 euros por verlas. Hay descuentos o entradas gratis si eres cliente de la entidad bancaria de cuya obra social surge esta iniciativa, pero de momento por lo menos parece no prever abonos, o clubes de amigos, que por una cantidad anual permitan un acceso libre en cualquier momento. Eso estaría bien.

Incluye tienda de regalos y libros gestionada por la Librería Laie. He de decir que es el triple de grande y el triple de cuca y mona que la del de Madrid, pero sólo es la cuarta parte de interesante porque el fondo de libros que tienen a la venta es muy inferior a los de las tiendas de la capital o de Barcelona. Una pena. Yo me hubiera cogido un libro de Gregory Crewdson, pero los 130 euros que cuesta hicieron que me entrara la risa y que no encontrara el suelto en el monedero. No sé si me entendéis.

Hay dos exposiciones inaugurales. Una de pintura y escultura contemporánea, y otra dedicada a las artes visuales, vídeo y fotografía. Ambas colectivas y con autores contemporáneos. Son difícil de contemplar con tranquilidad, porque la afluencia de visitantes curiosos en los días de gratuidad hace difícil a determinadas horas navegar entre las obras de arte. Pero creo que es una buena recomendación acercarse a contemplarlas. Fotografía de tono conceptual, más que buscando valores estéticos o documentales. Aviso.

Una nueva edición de mis dominicales recomendaciones semanales. En esta ocasión, con fotografías de un visita que hicimos ayer al yacimiento arqueológico de LOS BAÑALES (álbum completo), un lugar que ya conocía, pero al que acompañé a unos amigos que tenían curiosidad. Las fotografías están tomadas con una cámara digital. Espero dentro de unos días, o semanas según el tiempo de que disponga, mostraros las obtenidas con la FUJIFILM GS645S WIDE 60, cámara de formato medio que he tenido en mantenimiento estas semanas atrás, resolviendo algunos problemas con ella.

Un tema fotográfico que aparece con poca frecuencia en mis recomendaciones semanales es la naturaleza muerta. Quizá porque pocas veces encuentro algo realmente novedoso, impactante o distinto. Recientemente, en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE nos ofrecían simultáneamente dos trabajos entre los cuales se encuentran evidentes relaciones. Principalmente el contraste entre la vida y la muerte. Por un lado está el trabajo de un clásico como es KARL BLOSSFELDT y sus formas de arte en la naturaleza, estructuras vegetales que nos hablan de lo efímero de de la vida. Por otro lado, más reciente, está el trabajo de HENDRIK FAURE y sus naturalezas muertas sobre animales disecados, esqueletos, cráneos... Una vez más lo efímero del vivir.

Muy importante es en nuestros días la fotografía de moda, en la que tanto fotógrafos como modelos de renombre se convierten en celebridades por encima de su objetivo, la promoción de los estilos indumentarios y de las grandes firmas que los contratan. Muy discutidos en ocasiones por el abuso de la alteración de la imagen mediante el moderno software para imagen digital. Por eso, no viene mal de vez en cuando revisar el trabajo de clásicos de la fotografía de moda. En L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE encontramos el trabajo de HERMANN LANDSHOFF y su recorrido en la fotografía de moda durante cuarenta años, en la parte central del siglo XX. Incluye también algún retrato de personajes célebres del mundo del arte y la cultura. Yo no conocía a este fotógrafo, pero me ha parecido muy elegante y más moderno de lo que parece.

Hay algunos sitios que tienen como razón de ser recomendar fotógrafos. O es algo que hacen regularmente. En CADA DÍA UN FOTÓGRAFO / FOTÓGRAFOS EN LA RED, de los varios que han recomendado esta semana me ha resultado notable MIKE BRODIE, conocido como THE POLAROID KIDD, que se ha recorrido buena parte de los Estados Unidos subido a bordo de trenes de mercancías, documentando un estilo de vida y un país. RAFAEL ROA también nos recomienda de vez en cuando algún fotógrafo, siempre con un tono crítico y un comentario de conocedor reflexivo que enriquecen. En esta ocasión nos ha hablado de RAFAEL SANZ LOBATO, premio nacional de fotografía en 2011.

Vayamos con las entrevistas a fotógrafos, que nos invitan a conocer sus obras. En THE TALKS entrevistan a ANTON CORBIJN, que ha destacado tanto por sus fotografías, especialmente siguiendo a músicos famosos de pop y rock, como por su actividad de director de cine. Espero que esta entrevista os anime a conocer su obra.

Una de mis fotógrafas favoritas contemporáneas es la brasileña MONA KUHN. Y una entrevista sobre sus últimos trabajos podemos leer en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE. También podemos encontrar algunos ejemplos de sus últimas series, PRIVATE y ACIDO DORADO, que tal vez en algún momento podamos encontrar publicadas en alguno de los estupendos libros que recogen su obra. Parece que de PRIVATE se va a publicar un libro esta primavera, que recogerá 74 de sus fotografías. Esperaremos.

En la página web de la OPEN EYE GALLERY nos anuncian un documental sobre la fotógrafa siciliana LETIZIA BATTAGLIA, mujer que con 37 años y 3 hijas a cuestas se convirtió en periodista, y empezó a acompañar sus reportajes con las fotografías que ella misma tomaba, al principio con una sencilla PENTAX K1000, después con cámaras de más abolengo. El objeto de su mirada ha sido principalmente las consecuencias para la población y la sociedad siciliana de las actividades de la MAFIA.

BEN OLIVARES nos cuenta durante que, durante cuatro años, el fotógrafo JAMES MOLLISON se ha dedicado a su serie WHERE CHILDREN SLEEP, un trabajo que documenta las condiciones de vida, muy diversas, de 200 niños de todo el mundo y nivel socioeconómico, presentándonos la imagen de sus dormitorios. O simplemente del lugar donde duermen, ya que no siempre podemos hablar de la existencia de un dormitorio, ni siquiera de una cama. Y acompañados del retrato de los menores. Da que pensar.

Según nos cuentan en LENS de THE NEW YORK TIMES, el fotógrafo FRÉDÉRIC BRENNER ha dedicado su obra a investigar las características de su propia identidad. Nacido en Francia, hijo de judíos de distinto origen, ha viajado por todo el mundo para intentar descubrir qué es eso que se denomina judaísmo.

Vayamos un poco a la fotografía de "baja fidelidad", LO-FI que dicen los modernos para referirse a aquellos trabajos realizados con equipos sencillos, baratos, de calidad mediocre o sencillamente mala, o en condiciones en las que lo importante no es la nitidez y perfecta reproducción del objeto fotografiado, sino la expresión de un sentimiento o la espontaneidad de un momento. Por ejemplo, la ferrarense PAOLA SAETTI basa la expresividad de sus fotografías documentales en las calles en las imágenes borrosas debido al movimiento de las personas y los vehículos de las misma. Nos lo cuentan en THE INSPIRED EYE.

Y si los fotógrafos de NATIONAL GEOGRAPHIC los imaginamos como gente que toma imágenes coloridas, nítidas y casi perfectas de los rincones del mundo que documentan, en PROOF nos muestran los instagramas de Q. SAKAMAKI, en los que predomina el blanco y negro y la limitada nitidez que muchas veces se asocia con las fotografías obtenidas con el teléfono móvil. Aunque a mí me parece que sus fotografías se insertan muy bien en la tradición de la fotografía documental de muchos de sus compatriotas.

No me gusta mucho la política editorial del HUFFINGTON POST, ya que tiende a infravalorar el trabajo de las personas que se curran las noticias o las fotografías o lo que sea. No pagan. Negocio redondo. Pero en un artículo reciente han propuesto el descubrimiento de 10 fotógrafos contemporáneos que buscan empujar los límites del medio fotográfico con nuevas propuestas. Cuando tenga tiempo iré investigando la obra de estos 10 artistas. Mientras, si seguís el enlace los podéis descubrir vosotros mismos.