Los principios de noviembre, de unos años a esta parte, empiezan a ponerme melancólico. No es que el otoño me afecte. De hecho es mi estación preferida. Especialmente por su luz, al menos en la latitud en la que yo vivo. Pero antaño era la época en la que empezaban las celebraciones,... cumpleaños, principalmente, que se prolongaban por tres meses. Pero ha habido ya muchas bajas, nos empieza a faltar mucha gente. Toda una generación. Y ya no es lo mismo. En fin, que esta mañana me está costando ponerme a escribir y ya veremos cuando termino de hacerlo si no quiero quedarme apoltronado en casa todo el domingo.
Tengo unas cuantas recomendaciones. No pocas proceden de las tres exposiciones que he visitado esta semana en mi ciudad, Zaragoza. Pero hay alguna cosa más. Las fotografías acompañantes procede del último carrete de Rollei Superpan 200 Pro que hice ya hace un tiempo, expuesto con filtro Hoya IR72 con la Fujifilm GS645S Wide 60, con el fin de utilizar son la radiación procedente del rojo profundo y el infrarrojo cercano para realizar las fotografías. Tenía un par de carretes más para esta temporada. Uno de formato medio y otro de 35 mm. Pero se me está echando el frío... Mientras haya verde y luz de sol abundante no pasa nada, pero no coincide el tiempo adecuado con mi disponibilidad de tiempo. Hoy que podría hacer algún carrete y hace sol,... sopla mucho viento en Zaragoza... bueno. Ya veremos.
Exposiciones de fotografía en Zaragoza que hemos visto esta semana:
Pasando un tanto desapercibida, en el Museo Pablo Gargallo hay una estupenda exposición de Nadav Kander con fotografías pertenecientes a su serie Bodies. 6 women, 1 man, sobre todo. Estudios sobre el cuerpo humano. Cuerpos realistas, nada de modelos anorexias o despampanantes.
En un tono muy diferente, en la sala de exposiciones Cuarto Espacio de la Diputación Provincial de Zaragoza, encontramos paisajes y reportajes etnográficos de Otto Wunderlich un alemán que se afincó en Madrid en 1913, y que realizó varios viajes por Aragón. Fotografías de gran calidad que realizó con placas de gran formato, tanto con cámaras portables como de banco, y que se presentan en excelentes ampliaciones modernas con gran detalle. También hay un espacio para copias de época, que siempre se agradecen por el valor histórico y artístico que conllevan. Me compré el catálogo, que está bastante bien.
Y finalmente, algo más cercano, pero de gran calidad también. En el Centro Cívico Esquinas del Psiquiátrico de Zaragoza ahí al lado donde voy a trabajar todos los días, Cris Aznar nos presentó este viernes, día de la inauguración, una exposición titulada AlterNativa. Muy comprometida socialmente, nos presenta fotografías del sudeste asiático, de los campos de refugiados tibetanos en India, y de las regiones más deprimidas de Senegal, así como de las playas mediterráneas española, donde pone de manifiesto distintas situaciones de injusticia en distintos lugares del mundo. También juega con las ausencias, especialmente en lo que se refiere a su preocupación por la trata de personas, mujeres especialmente. El hecho de que se mezcle lo comprometido de la exposición con la cercanía con la autora a la que veo y aprecio con frecuencia, hacen que sea la exposición que más me ha llegado.
En Magnum Photos apareció esta semana el interesante trabajo del británico David Hurn fotógrafo basado en Cardiff, la capital de País de Gales. Y es a esta nación, una de las componentes del Reino Unido a la que dedica esta serie de fotografías que abarcan cinco décadas de trabajo, demostrando cómo lo que tenemos más cercano puede ser también uno de nuestros principales motivos de trabajo fotográfico, si sabemos ver y entender lo que vemos.
En su diario, Elizabeth Avedon nos presenta el trabajo de la fotógrafa Lizzie Sadin que se ha dedicado a documentar la realidad de la esclavitud moderna entre las mujeres, especialmente con la trata en Nepal, donde son a veces los propios familiares o "amigos" de las jóvenes, adolescentes o prácticamente niñas, las que las venden para distintos tipos de explotación: sexual, trabajo forzado, esclavitud doméstica,...
Y vamos ahora con otros fotógrafos contemporáneos que practican una visión intimista del mundo que les rodea.
En la edición digital de Dazed nos han presentado esta semana el trabajo del fotógrafo británico Sam Hiscox que fija su mirada en el entorno que le rodea. Las personas, los objetos, los árboles, el agua, los lugares,... todos ellos matizados por las variaciones de la luz que reciben en distintos momentos del día, para componer una obra intimista, más destinada a transmitir emociones que información.
Son muchos los fotógrafos que se inspiran en el claroscuro, en la iluminación que reflejaban los pintores del renacimiento y del barroco a la hora de presentar sus trabajos. La escuela flamenca de pintura es una de las fuentes de inspiración más mencionadas cuando se habla del retrato. Pero lo que sorprende es que retratos robados en el metro de Londres puedan tener esa inspiración y esa apariencia. Pero así no los muestran en Lensculture, donde nos han hablado del trabajo de Matt Crabtree Fotografías realizadas discretamente con el teléfono móvil, y procesadas para obtener esa luz de la que hablábamos. No todas están igual de conseguidas, pero bastantes.
Esta semana me suscribí a la cuenta de Instagram del British Journal of Photography. Todas las publicaciones vinculadas a esta veterana revista, la más antigua sobre fotografía en el mundo ya que se viene publicando desde 1854 nada menos. Estoy suscrito a la edición electrónica de la revista, que hojeo tranquilamente en mi tableta electrónica, y me sorprende hasta que punto una revista tan antigua mantiene sin embargo un contacto firme con la fotografía más contemporánea, lejos de agarrarse a los tradicionalismos de otros medios de antaño, especialmente si viene de un país tan lleno de tradicionalismos como el Reino Unido. En estos días, ha estado publicando fotografías del fotógrafo Colin Pantall (Instagram), especialmente de su trabajo All Quiet on the Home Front, que trata sobre la hija del fotógrafo y su lugar en el paisaje. Muy interesante, y siguiendo los temas intimistas que mencionaba anteriormente.
Finalmente, en la revista Der Greif han perfilado y mostrado el trabajo de una joven fotógrafa nortemericana, todavía en su veintena. Se trata de Rachel Jump, que también vuelve su cámara hacia sí misma y su corta historia personal. En esta ocasión utiliza el blanco y negro para establecer una distancia y sublimar los conflictos familiares con los que ha tenido que lidiar en su vida.
Han pasado dos semanas desde mis últimas recomendaciones semanales. Mi animado fin de semana pasado, lleno de actividades relacionadas con la fotografía, me impidió tener tiempo suficiente para redactar las correspondientes a la semana pasada. El caso es que ha habido muchas noticias y propuestas interesantes estas dos semanas, por lo que he tenido que hacer una fuerte purga, para llegar a un número, que sin ser pequeño, es más asumible. Aunque para que no se haga demasiado larga la entrada, intentaré redactar de forma ágil.
En el apartado de las fotografías que tradicionalmente acompañan mis recomendaciones semanales, mostraré una serie procedente de un paseo al atardecer en el entorno del puente de la Almozara y la avenida de Ranillas de Zaragoza. En parte paisaje urbano, en parte fotografía de arquitectura, realizadas las fotografías con la Hasselblad 503CX y el fiel Carl Zeiss Planar 80/2,8 T*, sigo encantado con el comportamiento que muestra la Bergger Pancro 400, película en blanco y negro de nacionalidad francesa que se puso a la venta como nuevo desarrollo a principios de año. Para quien quiera el dato técnico, expuesta a su sensibilidad nominal de ISO 400, y revelada en Rodinal 1+25 durante 8 minutos a 20 ºC. Como de costumbre, llamo "rodinal" a todo aquel revelador con la misma fórmula que el antiguo Rodinal de Agfa, o lo suficientemente próxima para usarlo en exactamente las mismas condiciones. Que es el caso, porque en realidad he usado el ADOX APH09, que tiene la fórmula de Rodinal hasta mitad del siglo XX.
Indudablemente, por cercanía, la noticia más notable en estos últimos días fue el fallo del Premio Nacional de Fotografía 2017 (a fecha de 29 de octubre de 2017, el enlace funciona mal), que en este año ha recaído en una mujer por segundo año consecutivo. La premiada es Cristina de Middel; la de Middel, como titula su página web. Muy joven en términos relativos con respecto a otros premiados en convocatorias previas, relativamente joven en términos más absolutos, su presencia en el medio fotográfico ha aumentado a gran velocidad en los últimos años, aunque lleva bastantes trabajando. A mí me interesa bastante, aunque hay trabajos suyos que me gustan más que otros. Quizá la identificaron como un referente importante antes fuera de nuestras fronteras, es una fotógrafa a la que hay que conocer. La noticia ha aparecido en muchos medios nacionales, de los cuales he seleccionado Clavoardiendo Magazine y Photolari.
Weegee (Arthur Fellig) es en estos momentos uno de los fotógrafos de antaño más populares que hay. Este descarado reportero le cae simpático a muchos medios y a mucha gente. En Timeline nos muestran un interesante trabajo de este osado fotógrafo. Usando película infrarroja y armado de un flash de lámparas filtrado, a principios de los años 40 del siglo XX se dedicó a fotografiar a los espectadores de los cines de Manhattan en la oscuridad sin que estos se enterasen. No. No todas las fotos son de parejas montándoselo. Aunque algunas, sí.
Weegee no tomó la fotografía de la que voy a hablar ahora, aunque lo hubiera hecho a su estilo. Lo hizo un estudiante de fotografía, Robert Wiles. En 1947. Se titula El suicidio de Evelyn McHale, y es una de las fotografías más estremecedoras que conozco. Un 1 de mayo, Evelyn se arrojó al vacío desde la planta 83 del Empire State Building. Todo el mundo la consideraba una mujer joven feliz, a punto de contraer matrimonio. La cuestión es que dentro de lo estremecedora y triste que es la situación, la fotografía es bella. Y como nos dicen en el artículo de Albedo Media donde la he conocido, nos parece casi una "bella durmiente" esperando a ser despertada. Que poderosa puede llegar a ser la fotografía.
Una de las herramientas más poderosas para expresarse en fotografía es mostrar y controlar los contrastes. Contrastes que pueden ser físicos, de la luz y sus propiedades, o socio políticos o culturales, y ahí está la habilidad del fotógrafo para concebir y presentar sus creaciones. En Magnum Photos nos han presentado una serie con contrastes. Harry Gruyaert es un fotógrafo francés que ha realizado notables reportajes sobre temas diversos. Nos presentan en este artículo los contrastes en dos de sus series, la de Las Vegas en 1982 y la de Moscú a finales de los años 80, a punto de derrumbarse la Unión Soviética. Dos mundos prácticamente opuestos. Aunque quizá ambos sean igualmente alienantes.
Cambiaremos ahora de entorno. Y viajaremos al extremo oriente asiático, a Japón. Primero, y gracias a Lomography, que poco a poco va mejorando sus contenidos en su página web, conoceremos los minimalistas e introspectivos paisajes de Masao Yamamoto. Procedente del mundo de las bellas artes, sus fotografías tienen un carácter pictorialista, pero sin renunciar a su esencia fotográfica basada en procesos fotoquímicos tradicionales.
Y ya que estamos en el extremo oriente asiático, nos movemos un poquito y nos situamos en las numerosas islas del sur de la península de Corea, donde el fotógrafo Michael Kenna trabajó durante varios años. Kenna es uno de mis fotógrafos paisajistas favoritos, y sus fotografías realizadas con una Hasselblad para película de formato medio, cuadradas, sobrias, elegantes, me parecen muy inspiradoras. Aunque luego sea incapaz de poner en disposición de emularlas. Os dejaré un vídeo de media hora de duración sobre este trabajo, en inglés, lo siento, que muestra la forma de trabajar del fotógrafo... y que es un tipo simpático.
Los fotógrafos de la Farm Security Administration como Walker Evans o Dorothea Lange fueron precursores que mostraron cómo la fotografía documental podía llevar al mismo tiempo un mensaje y unas virtudes estéticas notables. Inspirado por ellos, el lituano Tadas Kazakevičius nos muestra los problemas y el declive de las áreas rurales de su país, llevando a fenómenos migratorios a las ciudades y fuera del país, y a la desaparición de modos de vida, que él intenta documentar. Lo podemos ver en FK magazine.
Otro vídeo. Esta vez propuesto por el canal de Youtube Eīhwaz, y que nos muestra el trabajo de la fotógrafa Anni Leppälä. Un trabajo muy introspectivo también que nos lleva a los bosques y las orillas de los lagos de su país, como al interior de las casas y las cabañas, donde tenemos sensación de transitoriedad y de situaciones o hechos efímeros.
Seguimos muy introspectivos. En esta ocasión con el trabajo del fotógrafo de origen japonés pero radicado en Estados Unidos Osamu James Nakagawa. Nos muestran en LensCulture la unión de dos de sus series que se comunican, hablándonos del ciclo vital. Aquella que el fotógrafo realizó en relación con la muerte de su padre, y la que realizó en relación con la gestación y el nacimiento de su hija. Un trabajo muy coherente.
Y también procedente de LensCulture, me ha llamado la atención la serie de Aleksey Kondratyev, sobre los pescadores en el hielo kazajos sobre el río Ishim. La sencillez conceptual, el minimalismo estético, la transmisión de un clima físico y humano, llaman necesariamente la atención. O por lo menos a mí.
Y nos llega un anuncio de parte de Oscar Colorado, que ha sido una importante fuente de información para esta sección semanal de recomendaciones fotográficas. Colorado va a estar más próximo físicamente, se traslada de Méjico a Madrid para trabajar en su tesis doctoral, pero más lejano intelectualmente, ya que por problemas de disponibilidad de tiempo va a poner su magnífico blog en stand by. En fin. Un pena para mí, pero que le vaya bien a él.
Teniendo en cuenta que hace tres semanas que no publico esta sección dominical en estas páginas, lo de "recomendaciones semanales" del título me suena raro. Por otra parte, dado que de esas tres semanas, casi dos de ellas he estado fuera, de viaje, en Corea del Sur, pues sí podemos considerar que el número de días activos para recopilar recomendaciones ha sido, efectivamente, aproximadamente una semana. Y las ha habido, o las he buscado.
Acompaño la entrada con fotografías mías. En esta ocasión corresponde a un carrete de Bergger Pancro 400 que expuse con la Fujifilm GS645S Wide 60 antes de ir de viaje. Los de Fujifilm se podrían ir cambiando el nombre. Parece que en 2018 nos van a dar el disgusto de finiquitar con la que puede ser la mejor película en blanco y negro de sensibilidad media-baja que existe, la Fujifilm Neopan 100 Acros. Desde luego, mi favorita. Hace tiempo que los nipones han renunciado a su compromiso con la película tradicional, salvo que sea en forma de consumibles de uso inmediato como son las cámaras y las películas de la serie Instax. Una pena. En cualquier caso, aquí estamos con una película francesa, la Pancro 400, que se ha instalado en mis preferencias a la chita callando. Salió al mercado a principios de año,... y me gusta. En las fotografías de hoy, sin embargo, por no disponer casi de tiempo cuando las revelé, utilicé un revelado desatendido en Rodinal a 1:100 durante una hora a 20 ºC que ha dejado efectos secundarios no deseados. Se aprecia algo de arrastre de bromo en algunas fotografías. Así que ya que con esta película tengo que evitar esta práctica de revelado.
En el boletín de noticia de Cultura Fotográfica de hace unas semanas me llegó una recomendación de las de siempre. De las que son válidas en todo momento y que seguro que ya ha aparecido en estas páginas. Se trata de la aportación del norteamericano William Eggleston a la fotografía artística elevando a este nivel la fotografía en color. Quizá no fue el primero. Quizá otros gusten más, y eso que Egglesto es buenísimo. Pero indudablemente fue quien impulsó el color a las galerías de arte y los museos de arte moderno como nadie lo había hecho previamente, cuando todavía se pensaba que la fotografía en color era para los aficionados y la fotografía familiar y la fotografía "seria" era en blanco y negro. Cuán equivocados están. Y cuán más difícil es el color a la hora de crear...
Durante mi viaje a Milán hace unos meses, tuve ocasión de ver fotografías del italiano Ugo Mulas en mi visita al Museo del Novecento, correspondientes a su libro "New York New York". Hace un par de semanas fue Oscar Colorado quien en una de sus pedagógicas "galerías+mini bio" nos hablaba del italiano y nos mostraba una amplia selección de imágenes que nos permite conocer y comprender la valía de este fotógrafo que se codeo con lo más granado de la escena artística de los años 60 del siglo XX.
He estado de viaje en Corea del Sur. Salí de viaje el domingo el 1 de octubre para llegar al país asiático al día siguiente, donde he permanecido hasta el 12 a las 0:55 de la mañana. Visitando Seul, Suwon, Incheon, Busan y Gyeongju. Por ello, cuando unos pocos días antes del viaje apareció en Feature Shoot este artículo sobre cómo fue antaño el pequeño país peninsular, me hizo mucha ilusión. En él se habla y se muestra el trabajo del fotógrafo coreano Han Youngsoo. Según las costumbres asiáticas, el apellido va delante del nombre. Con una estética sencilla pero eficaz, Han documentó la vida cotidiana de los coreanos tras la devastadora guerra que padecieron a los años 50. El país pasó de la pobreza a ser la cuarta economía asiática en las décadas que siguieron. Pero quedan restos de lo que fue antes de ese tremendo cambio, que sin duda ha producido desajustes en la sociedad coreana. Y el testimonio fotográfico de este fotógrafo nos permite establecer puentes entre el pasado y el presente.
Dicho lo cual, en estos días que han pasado desde que regresé a casa el día 12, he buscado algunas referencias sobre fotógrafos contemporáneos coreanos, y no me han faltado referencias. Tengo la intención de dedicar tiempo esta semana que viene a revisarlas, os las enlazaré a continuación, y quizá el domingo que viene sea un monográfico de fotografía contemporánea coreana. Del sur, claro. Quizá.
Por último, en estos primeros días de octubre ha salido publicado el número 103 de Fraction Magazine. Que curiosamente también está dedicado a fotógrafos orientales. Es curioso, Fraction Magazine tenía una edición japonesa muy interesante, desde mi punto de vista más que la americana, pero que no publica nada nuevo desde junio de 2016. Una pena. Bueno, os comento lo que más me ha interesado de este número "asiático".
The East Was Red, de la china Sheila Zhao. Fotografías antiguas chinas de la época de la Revolución cultural modificadas para eliminar los elementos propagandísticos del régimen, que sin embargo es obvio que están ahí. Visitad su página web, que tiene otras cosas muy interesantes.
Limbo, del filipino Kenji Mercado. Fotografía expresionista en blanco y negro, que muestra una época vital de indecisión y frustración. Entre el paisaje y la experiencia cotidiana.
Saori, del japonés Taro Karibe. La vida de relación en pareja desde hace seis años de un hombre de 61 años con "Saori", una "love doll", una muñeca que reproduce a tamaño real las características de una mujer, con fines de autosatisfacción sexual, pero que lleva a dar un paso más allá en este hombre solitario. Este reportaje me ha parecido tremendo, desde múltiples puntos de vista.
Como desde hace una semana estoy en mi periodo de vacaciones laborales reglamentarias, dispongo de más tiempo para dedicar a la afición fotográfica. Lo que incluye, por supuesto, hace fotos de diversas formas, y bajo distintos estímulos. Probar carrete de origen extraño en los que el resultado final no deja de estar sometido al elemento sorpresa. Seguir con mis series de fotografías en blanco y negro en el espectro del infrarrojo. Comprobar las capacidades de un filtro de color naranja, de origen soviético, mal identificado en sus características, como potencialmente adecuado para corregir la dominante de color de un carrete de negativos en color equilibrados para la luz de tungsteno cuando se exponen a la luz de día. Cosas diversas, de las que os iré hablando las próximas semanas. Salvo aquellas que dedique dentro de mis vacaciones a conocer un poco de mundo.
En cualquier caso, también he tenido una buena cosecha de recomendaciones fotográficas. Y las voy a ilustrar con fotografías de entorno urbano realizadas estás últimas semanas. Casi todas ellas procedentes de cámaras Canon EOS, digitales o para película tradicional, con el pequeño pero eficaz EF 40/2,8 STM o con el veterano y también eficaz EF 70-210/3,5-4,5. Bueno, vamos a ello.
Muchos medios, yo os dejo el enlace al artículo de PetaPixel, se han hecho eco esta semana de la muerte del fotógrafo Pete Turner, ya a una avanzada edad. Algunos medios lo consideran como uno de los 20 fotógrafos más influyentes de todos los tiempos,... especialmente aquellos que tienen una visión en la que el "mundo" limita al norte con Canadá, al sur con Méjico y a este y oeste con sendos océanos. En cualquier caso, fue uno de los grandes impulsores y maestros de la fotografía en color, disciplina que me atrae especialmente como he dicho en más de una ocasión, razón por la que me parece interesante recordarlo y conocer su obra, colores manipulados e intensamente saturados. Os pongo también un vídeo, en inglés, donde se nos habla sobre obra.
Hace unos días os hablaba del certamen Portrait of Britain y sus ganadores. En la página del British Journal of Photography nos hablan también del trabajo de una fotógrafa que me gusta bastante, Laura Pannack, que ya ha aparecido en alguna ocasión en estas páginas, y que también tiene un puesto destacado en este tipo de certamen. Aunque nos informan que el retrato está realizado con una Nikon, cola de los patrocinios, lo cierto es que me consta que Pannack, para sus trabajos más personales, suele salir a pasear con una Hasselblad y un 80 mm buscando extraños que le llamen la atención para retratarlos en su medio. Os busco un vídeo sobre el tema (en inglés, también, lo siento).
Pierre Gonnord es un fotógrafo francés, pero que tenemos instalado por España desde hace un tiempo. Dedicado fundamentalmente al retrato, con una estilo fácilmente identificable, inspirado en la pintura barroca del Siglo de Oro español, nos cuentan en ClavoArdiendo que en los últimos tiempos ha empeado a diversificar su obra y empieza a incluir paisajes entre sus obras. Paisajes sobrios, intimistas, detrás de los cuales también hay personas que han decidido alejarse del mundanal ruido urbano. Está en exposición en Madrid. No sé si podrá ser, pero me gustaría acercarme por la capital un día de estos, y junto con alguna otra exposición, me gustaría visitar esta obra. No sé si podrá ser.
Cristina de Middel es también, como he comentado muchas veces en estas páginas, una de las fotógrafas de moda en España, y reconocidas internacionalmente. Pero también tiene un pasado de batallar para hacerse un duro hueco en el mundo de la fotografía. Hace cinco años era poco conocida todavía, pero ya se realizaban audiovisuales sobre su obra que merecen la pena verse. Por ejemplo, de la época en la que China y los chinos le fascinaban por motivos diversos. Os dejo un vídeo. No recuerdo donde encontré esta recomendación.
Uno de los platos fuertes de PhotoEspaña 2017 fue el Café Lehmnitz de Anders Petersen, obra de hace ya unas décadas que se centraba en los seres humanos de todo tipo que se daban cita en uno de los cafés de Sankt Pauli en la ciudad de Hamburgo. En Yorokobu nos han traido esta semana la obra del fotógrafo Klaus Pichler, en los Branntweiner (de la palabra brandy), bares de mala muerte de la ciudad de Viena, donde sólo se permiten bebidas de alta graduación, y que frecuentan personas en exclusión social o en riesgo de exclusión social. Claramente emparentada con la obra de Petersen, pero otra visión más actual, más enraizada en el problema del alcoholismo, y de personas que no dejan de ser restos de naufragios humanos.
Últimamente traigo pocas recomendación de L'Oeil de la Photographie. Y con razón. La politica de esta página ha cambiado, y las noticias están a disposición de todo el mundo unos días, para luego pasar a un archivo al que sólo se puede acceder pagando una cuota. Modelo de negocio orientado a dar servicio a los profesionales del mundo de la fotografía, tiene menos sentido para quienes somos simples aficionados. Para quienes este modelo no tiene sentido. Podemos recibir abiertamente recomendaciones que luego pueden conllevar un consumo de obra fotográfica a través del pago de entradas a una exposición, la compra de un libro y, los mas afortunados y entendidos, la compra de obra. Está claro cuál es el punto donde hacemos el desembolso. Por lo tanto se traigo alguna recomendación procedente de ese sitio, no la enlazaré... porque muchos de vosotros, en unos días, no podréis acceder al enlace. Como sucederá con el comentario sobre la obra de Memymom, seudónimo que esconde la obra de una fotógrafa, Marilène Coolens, en colaboración con su hija, Lysa De Boeck, que pasó de ser su modelo infantil o adolescente en sus fotografías escenificadas, a ser ella misma también fotógrafa y creativa en las mismas. Interesará especialmente a quienes gusten de fotografías escenificadas que nos hablan de una historia o un fragmento de una historia que quien contempla la diapositiva tendrá que completar. Por cierto, el seudónimo viene de la frase inglesa "me and my mom", "yo y mi mamá".
En Lensculture nos han presentado el trabajo de Sophie Klafter. Esta fotógrafa sufre una enfermedad rara de carácter congénito, que si bien no pone en riesgo su vida, si que la condiciona. Empezó realizando una notable serie de autorretratos con sólo 18 años, y poco a poco ha ido profundizando en el tema de la relación con el cuerpo fotografiando a otras personas con discapacidades físicas. Una obra honesta y respetuosa, que no se recrea en el sufrimiento, sino en la humanidad de los que sufren estas discapacidades.
Cambiando de tercio, en Creative Boom nos traen un artículo con fotografías de Rob Evans en colaboración con el director artístico Chris Roberts que ha través de sus viajes van encontrando y documentando la actividad de aquellas personas que están involucradas en la producción de alimento para sus semejantes, pero de forma comprometida, generando calidad y cercanía con el medio y los productos que ofrece.
Curiosa me ha parecido la propuesta de Damon Sauer y Julie Anand tal y como nos la han presentado en Lenscratch. Estos dos artistas colaborativos que residen en Arizona han trabajado fotografiando en los desiertos y llanuras de su país, buscando las marcas en el suelo que en su momento servían para calibrar las capacidades de los satélites artificiales, muchos de ellos con misiones de satélites espías. Sobre la bóveda celeste en estas fotografías, sobreimprimen las trayectorias de los satélites que sobrevuelan estos lugares, creando una única imagen de notable simbolismo. A mí me ha gustado el concepto que encontramos detrás del proyecto.
Y terminaré con un homenaje a la Sonda Cassini, que recientemente, el 15 de septiembre, terminó su misión, no sé si decir estrellándose o sepultándose en las capas superiores de la atmósfera del planeta Saturno, el más vistoso de nuestro sistema solar, por la espectacularidad del sistema de anillos que lo rodean. Ha sido más de una década de exploración del sistema saturnino durante la cual nos ha enviado algunas de las más bellas fotografías que un artefacto humano ha tomado en el espacio exterior. Lo cual casi cabe decir al unos de los más bellos y espectaculares paisajes de la historia de la fotografía. Yo he alucinado con la belleza de muchas de estas fotografías, inimaginables para la mayor parte de la población hasta que empezaron a llegar y a hacerse públicas gracias a la política de la NASA de poner sus imágenes en el dominio público, como hacen las agencias gubernamentales norteamericanas, financiadas con fondos públicos.
Se están preparando diversos vídeos, algunos de altísima resolución para resumir y celebrar la ya terminada misión. Terminada en cuanto que la sonda ya no existe ni remite información. Pero hay enormes cantidades de esta que alimentarán proyectos científicos durante un tiempo todavía. En cualquier caso, yo os pongo una de ellas. Que muestra bien a las claras que la "estrella de la muerte" del Imperio Galáctico está aparcada y en órbita alrededor del dios romano del tiempo. Así, confidencialmente, se trata del satélite natural Japeto...
Ayer domingo no me dio la vida para escribir mis habituales recomendaciones fotográficas de casi todos los domingos. He tenido un fin de semana raro, ocupado, aunque entretenido y agradable, habiendo de atender a diversos compromisos, que si no eran simultáneos, poco les faltaban. Compromisos es mucho decir, puesto que todos eran opciones de tiempo libre que podría haber elegido no hacer. Pero una vez que las eliges, se convierten en un compromiso. Uno de ellos fue el recorrido que realicé con un relativamente nutrido grupo de fotógrafos y aficionados a la fotografía por el barrio de Valdefierro de Zaragoza, para recorrer las obras de la edición de 2017 del Festival de Arte Urbano Asalto. De ahí proceden las fotografías que muestro en esta entrada.
Estas proceden de la pequeña Panasonic Lumix GM5, cámara digital que me llevé con el fin de obtener unas cuantas fotos de uso inmediato. Pero dentro de unos días empezarán a aparecer en mi cuenta de Instagram las Impossible Project en color que realice, u os contaré de los dos carretes de Fujifilm Superia XTra 400 que realicé con la Canon EOS 650. Sí, Impossible; todavía no he adquirido ni he llegado a la situación de utilizar una de las nuevas Polaroid Originals.
Siguiendo siempre un criterio más o menos cronológico, aunque sin que sea excesivamente preciso, empiezo hablando esta semana de la obra de Alfred Stieglitz, uno de los fotógrafos y teóricos de la fotografía que ha dado la historia de este medio de expresión en el siglo XX. Abanderó el abandono del pictorialismo y la búsqueda de modos de expresión propios para la fotografía, así como la entrada de la misma en los museos. En Lomography Magazine nos hablan de las diversas facetas de Stieglitz como fotógrafo y, en especial, de su faceta de fotógrafo surrealista. O al menos muy influenciado por esta corriente artística.
Stieglitz quien realizó la fotografía a La fuente, el famoso urinario puesto del revés de Marcel Duchamp, que epató al mundo del arte moderno en la segunda década del siglo XX. Paul Outerbridge fue otro importante fotógrafo que también vivió y se desarrolló como artista en ese entorno, relacionándose también con Duchamp y otros miembros de las vanguardias. También asumió la tarea de utilizar objetos cotidianos para expresar sus visiones estéticas, nos nutrió de unos retratos innovadores, y fue un pionero de la fotografía en color. Como punto de entrada para conocer su obra, os sugiero el artículo que hace unos días publico AnOther Magazine.
Y siguiendo con las primeras décadas del siglo, en ese ambiente surgió una bella modelo nacida en el estado de Nueva York, pero que tras su paso por el París de las vanguardias acabó convertida en una interesante fotógrafa. Hablo por supuesto de Lee Miller. En Lomography Magazine nos han hablado esta semana de su vertiente como fotógrafa de moda, que no dejó de practicar durante los días de la Segunda Guerra Mundial en los que permaneció en Londres. Antes de integrarse en una unidad militar hacia el final de la guerra y realizar alguna de sus fotografías más significativas en los últimos días del conflicto mundial en la Europa continental.
Y si antes he hablado de Outerbridge como pionero de la fotografía en color, en varias ocasiones he comentado en estas páginas la labor de Saul Leiter como impulsor de este tipo de fotografía, elevándola a un nivel artístico y expresivo notable. Para quien se quiera iniciar en la fotografía de Leiter, no puedo dejar de recomendar el artículo publicado recientemente por Oscar Colorado en sus páginas.
Damos un salto de unas décadas en el tiempo. Y nos encontramos con dos de los fotógrafos más personales de las últimas décadas del siglo XX, la norteamericana Nan Goldin y el japonés Nobuyoshi Araki. Ambos colaboraron unos años en la década de los años 90, durante los cuales Goldin pasó tiempo en Asia. Y de ahí surgió un trabajo conjunto Tokyo Love: Spring 1994, que reunió el trabajo de ambos. Debe ser bastante difícil de encontrar y de admirar. Nos han hablado de él en AnOther Magazine.
Nicholas Nixon también es un fotógrafo actual, pero que viene trabajando desde las últimas décadas del siglo XX, que he mencionado y comentado en diversas ocasiones en estas páginas. En ClavoArdiendo nos informan, como en otros medios nacionales, que está exponiendo en Madrid una amplia retrospectiva de su trabajo, con varias de sus más importantes y prolongadas series representadas. Sinceramente, espero tener la oportunidad de acercarme a visitar esta exposición. No sé ni cuando ni como, pero...
El British Journal of Photography viene realizando periódicamente la convocatoria Portrait of Britain, en la que se busca recoger una colección de retratos que representen a la sociedad británica de hoy en día. Una sociedad ciertamente compleja, como sabrá cualquiera que siga la actualidad sociopolítica del Reino Unido. La ganadora del certamen de este año ha sido la fotógrafa Sophie Harris-Taylor, con una fotografía de un grupo de hermanas. Pero ciertamente Harris-Taylor es una retratista notable que conviene conocer más allá del premio mencionado.
En el blog de Public Art Fund pudimos ver esta semana durante los recordatorios del aniversario del 11 de septiembre una fotografía de Agnes Denes sobre los campos de trigo en Manhattan. Este fue uno de los trabajos que más me han llamado la atención dentro del arte moderno conceptual. La plantación en las proximidades de Battery Park de un campo de trigo, que rompía conceptual y estéticamente con lo que conocemos y es el Bajo Manhattan. No puedo recordar con precisión donde conocí esta obra... en la visita a algún museo de arte moderno, pero que en estos momentos no consigo recordar, y me da pereza buscar. En cualquier caso, me ha parecido interesante como combinación de la fotografía con otras formas de expresión.
En Booooooom me ha llamado esta semana la minimalista obra de Theo Tagholm, un fotógrafo contemporáneo que juega con los juegos de geometrías y de detalles, incluso con la abstracción en los objetos más anodinos y cotidianos de las calles o lugares emblemáticos de las ciudades actuales.
En Cada día un fotógrafo nos han presentado la obra de Luther Gerlach, fotógrafo también contemporáneo, pero que basa su actividad en el uso prácticamente exclusivo de procesos fotográficos históricos desde hace tres décadas, especialmente aquellos utilizados en los primeras décadas de existencia de la técnica fotográfica. Os dejo un vídeo que nos habla un poco de su trabajo.
Hace unos días os hablé de un conjunto de fotógrafas japonesas que fueron recomendadas en LensCulture, de las que luego hice una selección personal de las que más me habían llamado la atención, y hoy voy a hablar de una de ellas en concreto. Se trata de Yukari Chikura (facebook), y aunque en el mencionado medio la trate como un talento emergente, lo cierto es que aunque joven, tiene ya un extenso cuerpo de obra con reportajes diversos y de gran calidad conceptual y estética. Sean las tradiciones de una fría región nipona, sean las condiciones de vida en las más tristes zonas de los genocidios en Camboya de hace unas décadas, sean los paisajes más conceptuales que la atan a su familia. Me gusta mucho esta fotógrafa.
Terminaremos hablando del collage, una técnica fotográfica que en los últimos años se realiza más de forma digital que a partir de las tradicionales tijeras y pegamento de antaño. Una técnica que siempre me ha atraído mucho, que se uso ampliamente durante la época de las vanguardias artísticas, que alguna vez he intentado con resultados muy pobres, lamentablemente,... y de la que podemos saber más a partir del artículo que le han dedicado en AnOther Magazine, y con el que me despido esta semana.
