Ha sido una semana rara. La verdad es que he andado con muy poco tiempo entre unas cosas y otras. Trabajo, asuntos domésticos, fotografía como práctica personal,... Por lo tanto, me he encontrado con no muchas recomendaciones seleccionadas para hoy. Aunque creo que interesantes.
En cualquier caso, comenzaré por dejaros mi enlace al tablero de Pinterest correspondiente a esta semana.
En lo que se refiere a las fotografías que acompañan el artículo, he de decir que esta semana la he tenido marcada por la práctica del bodegón o naturaleza muerta. Ayer sábado estuve realizando un taller sobre este género de la fotografía, y de las artes en general, del que os hablaré otro día. Pronto. Espero. Pero hace unos días desempolvé la Hasselblad, la cargué con un carrete de Ilford FP4 Plus y estuve haciendo fotos, algunas de las cuales podréis viendo a lo largo de este artículo.
Esta semana he tenido varias noticias que relacionan el mundo de la fotografía y el cine o la literatura, coincidencia que siempre supone un plus de motivación para mí. L'Oeil de la Photographie nos trae algunos artículos al respecto en su edición del día 23 de septiembre de 2015.
En los años 30, Brassaï, un clásico absoluto, recorrió las calles de París dejándonos documentos absolutamente icónicos y que han marcado la visión que de la capital francesa han tenido las generaciones posteriores de fotógrafos. En 1956, algunas fotografía de Brassaï sirvieron para ilustrar la novela corta de Henry Miller Días tranquilos en Clichy (Quiet Days in Clchy). La novela ha sido llevada en un par de ocasiones al cine.
Pasemos ahora a un par de fotógrafos más actuales, y que dan importancia al color en sus obras.
También en L'Oeil de la Photographie nos hablan de la obra de Hans Feurer, fotógrafo de moda que en algunos de sus trabajos mezcla el desnudo, la pintura corporal, la abstracción y un intenso tratamiento del color, con resultados notables desde mi punto de vista. Un estética más propia en algunas ocasiones de los años 70 y 80, pero que no deja de ser interesante recuperar hoy en día, si no de forma sistemática sí en sus representaciones más conseguidas.
Dejando el mundo de la moda y la belleza, nos vamos a la fotografía documental. En este caso, LensCulture nos transporta al Ártico siberiano, a la ciudad de Norilsk, la más septentrional de las que sobrepasan los 100.000 habitantes en el mundo. Absolutamente gélida, especialmente en los meses de invierno, en los que durante dos meses se sume en la noche ártica, fue construida por prisioneros de un gulag próximo durante el régimen de Stalin. La fotógrafa Elena Chernyshova intenta investigar la adaptación humana al clima extremo, al aislamiento y al desastre ambiental en un lugar único. Pero no dejéis de visitar el resto de sus reportajes de fotografía documental, que combinan el interés humano, social y antropológico, con un gran dominio del color y la composición.
Finalmente, quiero traeros aquí un recurso que he descubierto esta semana, The Red List. Se definen a sí mismos como un sitio diseñado a modo de libro de tendencias, en el que las artes visuales tienden puentes con creativos tanto históricos como contemporáneos en el mundo de las bellas artes, del diseño, del interiorismo, de la moda, o de la arquitectura entre otras disciplinas. tienen gran presencia el cine y, como no, la fotografía. No hay grandes artículos en profundidad, más bien son colecciones o porfolios de fotografías sobre la obra de los muchos artistas representados, con el fin de que sirvan de inspiración a otros artístas. Si uno se da de alta con Facebook, puede ir construyendo su propia lista de intereses. De entrada te proponen una lista de artistas de distintas materias, que tu puedes modificar quitando y añadiendo.
Como estamos en el mundo de la fotografía y las artes visuales, de las propuestas iniciales he dejado varias entre las que destacaré las dedicadas a Larry Clark y Joseph Szabo, ambos fotógrafos que se han acercado al mundo de la adolescencia, y a la emblemática serie televisiva Twin Peaks, cuyos últimos capítulos emitidos, hace ya casi 25 años, estoy viendo estos días, y cuya riqueza visual es uno de sus principales atributos.
Entre las novedades que nos han presentado esta semana tenemos un clásico del mundo de la fotografía de la moda como es Erwin Blumenfeld, y una clásica contemporánea también del mundo de la moda, con un estilo y una visión muy personales, como es la francesa Sarah Moon.
Algunas cuestiones que me gustaría aclarar a propósito del contenido de los tableros en Pinterest y un mensaje privado que he recibido esta semana. En los que se dedican a las recomendaciones semanales hay fotografías de todos los géneros; reportaje, retrato, naturaleza muerta, conceptual, moda,... y también desnudos, que para mí no es un género especial, sino uno más a considerar. Más difícil será encontrar una fotografía gratuitamente violenta, que un desnudo marcadamente erótico. Aunque en esta sociedad hay mucha más tolerancia hacia el violencia que hacia el erotismo, mis valores están del revés y por lo tanto se reflejan en mis elecciones. Eso sí, procuraré siempre que en ningún momento las imágenes sean degradantes para ninguna persona, especialmente mujeres que son las que más han sufrido este tipo de actitudes. Pero a veces puede haber imágenes potencialmente incómodas. En el de esta semana, he seleccionado una fotografía de Larry Clark, de su serie Teenage Lust, una serie compleja y difícil de ver sobre la sexualidad en los adolescentes, ya que hay fotografías en ella mucho más impactantes que la que he incluido en el tablero. Bueno... aunque sospecho que mis modestas audiencias comparten en parte mis valores y no suele haber problemas, avisados quedáis todos.
Las fotografías acompañantes sirven para recordar que en De viaje con Carlosencontraréis mi cuadernos de viaje fotográficos, y que como tenía alguno sin elaborar, estoy ahora con el dedicado a Japón, un viaje del que hace ahora un año, y que espero terminar en los próximos días.
En lo que se refiere a las recomendaciones de esta semana, empezaré por los fotógrafos más clásicos. En realidad el primero de ellos fue un cineasta, Stanley Kubrick, pero que empezó su vida laboral siendo un adolescente trabajando de fotógrafo para la revista Look. Y en Art Photo Collector nos han recordado su trabajo de aquella época.
Me gustan los trenes de antaño. Me gusta la estética de las viejas locomotoras de vapor. Me gusta la fotografía ferroviaria. Por lo tanto, no puedo menos que traer aquí las imágenes de René Groebli, tal y como nos las muestra L'Oeil de la Photographie. No sólo nos muestran trenes, también algunos retrato y desnudos tempranos en la carrera del fotógrafo que me parecen estupendos.
Hace no mucho tuvimos la ocasión de ver una interesante exposición aquí en Zaragoza dedicada a Larry Fink. Este fotógrafo es muy conocido por sus fotografías documentales en el mundo de la música y del glamour, de las fiestas de la gente importante, de Nueva York y Hollywood. Pero las fotografías que nos mostró esta semana L'Oeil de la Photographie son mucho menos glamourosas, aunque al menos tan interesantes, y con su estilo tan característico. Armado de una reflex binocular Mamiya y una Leica M2 se introdujo en los bosques y en los trabajos de los leñadores talando los árboles. A mi me gustaría saber usar el flash como Fink... y muchas más cosas como Fink.
Nos venimos a tiempos más modernos. En Cooph nos han mostrado las fotografías que durante seis años ha realizado Eric Mencher en Guatemala. Especialmente en las orillas del lago Atitlán, donde 100.000 descendientes de los mayas viven en los pueblos y las ciudades que lo rodean. Blanco y negro sobre película tradicional de formato medio cuadrado... a mí me han encantado por su dominio de la luz y las sombras y de la composición. Vosotros mismos.
Pasamos del blanco y negro al color en clave baja, el que practica William Ropp en sus retratos, que nos muestra también L'Oeil de la Photographie, de las gentes que viven en Etiopía, todavía en sociedades tribales y tradicionales. Nos transmiten una sensación de calma y armonía que choca con las noticias de barbarie y hambrunas que con frecuencia nos llegan de aquellas latitudes.
Primero una corrección. Uno de los vídeos de la semana pasada, el dedicado a Nobuyoshi Araki, estaba en su mayor parte hablado en japonés. Sin subtítulos de ninguna clase. He encontrado una versión con subtítulo en castellano que os dejo aquí. Ya advertí, creo, y si no lo hago aquí, que la fotografía de Araki, especialmente algunos desnudos, especialmente los de mujeres atadas con fuertes ligaduras, molestan a algunas personas. Pero a su vez, Araki tiene algunas partes de su obras que conviene conocer, después del vídeo más sobre esto.
Algunos de los trabajos más interesantes de Araki fueron aquellos que dedicó a su mujer, Yoko, que falleció de cáncer en 1991. Un primer libro fue Sentimental Journey, en el que Yoko era la figura principal durante el viaje de novios de la pareja. Un libro lleno de amor y sensibilidad hacia su mujer. Que luego extendió durante su vida en común, y que tuvo colofón el libro Winter Journey, con los últimos de ella. Con posterioridad, se han editado libros que unían ambos viajes.
Hace unos días, en el Facebook de 120 Love, una página dedicada a promocionar la fotografía en formato medio que se mueve sobre todo en Japón, nos proponía el trabajo de Masahisa Fukase, enlazando un artículo de The Guardian. Su trabajo estuvo relacionado fundamentalmente con su esposa, que también se llamaba Yoko, siendo el objeto de su fotografías mientras estuvieron casados. Cuando su esposa le dejó y se divorciaron, su trabajo, fotografiando cuervos, reflejaba el estado de depresión y dolor que le produjo la separación. Sus últimos 20 años de vida permaneció inconsciente tras una caída por unas escaleras en estado de embriaguez que lo dejó en coma. Tremendo, no. Hay quien considera que su trabajo Karasu (Cuervos) es el mejor libro de fotografía publicado en los últimos 25 a 30 años.
Pero vayamos a historias más alegres relacionadas con la fotografía y el matrimonio. Nos hablaban en PetaPixel hace unos días de la boda de Liisa Luts, fotógrafa que vive y trabaja en Tallin, Estonia. Decidió que las fotografías de su boda iban a ser poco convencionales. Las iba a hacer ella misma. Iban a ser un documento profundamente subjetivo de su experiencia, que realizó con una discreta Fujifilm X-T10. Y sinceramente, a mí me me ha convencido mucho su visión. La serie entera se puede ver.
Antes que nada, pondremos el enlace al tablero de Pinterest que recoge las fotografías que me han llamado la atención esta semana por sí mismas, o que pertenecen a grupos de fotografías que las representan. Creo que hay para todos los gustos y de todos los temas y géneros. De todos modos, como el conjunto de recomendaciones que potencialmente podían aparecer en estas páginas era notable, he restringido en la medida de lo posible, y dejo en vuestras manos la visita al tablero en Pinterest para explorar otras posibilidades.
Las fotografías que acompañan las recomendaciones semanales de esta semana proceden de un largo paseo que di ayer sábado por la mañana. Parece que las duras temperaturas del verano ya han remitido en Zaragoza, y aunque todavía están cerca de los 30 ºC en las horas de más calor, las mañanas son muy agradables, y se pueden dar largas caminatas de 2 o 3 horas sin miedo a derretirse. Además, unas nubes poco densas pero muy presentes dieron una luz suave durante toda la mañana, favoreciendo la práctica de la fotografía.
En primer lugar, un obituario. Que me ha llamado la atención que ha aparecido poco en los medios especializados en internet, a pesar de la significación del fallecido, Alberto Schommer (1928 - 2015), fotógrafo especializado en retrato, Premio Nacional de Fotografía 2013. Yo traigo aquí la noticia recogida por Exit-Express. Tengo recuerdos de los retratos de Schommer desde hace muchos años, ya que aquellos enigmáticos retratos de personalidades de la vida pública española realizados en los años 80, en los que aparecía sistemática con los ojos ennegrecidos, me llamaban mucho la atención. Creo que es de los fotógrafos españoles que todo aficionado a la fotografía debe conocer.
Empezando como de costumbre por fotógrafos o fotografías de antaño, recojo un artículo de los blogs de la radio pública estadounidense NPR, hablando del último país de América que abolió la esclavitud. Este dudoso honor corresponde a Brasil, que tardó hasta 1888 para salir de esta barbarie. Pero el hecho de que la esclavitud durase en el gigante sudamericano hasta tan avanzado el siglo XIX ha permitido que se conserven mucho más documentos fotográficos sobre la vida de los esclavos, algunos muy notables.
Actualmente hay mucha gente que viaja. Y prácticamente todos llevan una cámara fotográfica y hacen (o se hacen) fotos. Aunque sólo sea con la del teléfono móvil. Pero a principios del siglo XX, esta práctica, tanto la del viajar como la de hacer fotos, estaba reservada a los aventureros a la burguesía acomodada. En L'Oeil de la Photographie nos hablaron de un señor de Bilbao, Jesús de Echebarría, que perteneció a esta categoría de privilegiados. Y que nos ha dejado algunas fotografías de sus viajes que son realmente interesantes.
Tres vídeos, lamentablemente ninguno de ellos en castellano, pero que de todas formas voy a poner aquí para quien pueda estar interesado, porque nos hablan de tres fotógrafos o artistas interesantes. Desde el Met de Nueva York nos hablan de Garry Winogrand, uno de los grandes de la fotografía documental norteamericana.
No apto para todos los públicos es es el vídeo siguiente, casi hora y cuarto de duración, que nos muestras las peculiaridades de un fotógrafo tan especial como Nobuyoshi Araki.
Finalmente, desde el canal de Youtube de la Tate Gallery, nos hablan de las ciudades de los artistas, en esta ocasión del Pekín de Ai Weiwei, artista polifacético chino, también ha usado la fotografía como medio de expresión, y que está sometido a vigilancia y a censura. Nos cuenta cómo la ciudad de ningún modo se puede considerar como un ente hecho a la medida de las personas.
Los años setenta del siglo XX fueron una época compleja en el mundo del arte, la estética y la libertad personal, especialmente la libertad sexual, que culminó con la ola de conservadurismo que trajo Ronald Reagan y el sida. Pero merece la pena echar un vistazo a las expresiones artísticas de aquella época, aunque no siempre sean del gusto contemporáneo. En Feature Shoot nos traen las polaroids de Edo Bertoglio, mostrándonos el glamour y también lo que no es precisamente glamour del punk neoyorquino de aquella época.
Nicholas Nixon es un fotógrafo que se toma sus fotografías y sus proyectos con calma. Su proyecto más famoso, que lleva cuarenta años en desarrollo es el de las hermanas Brown, en el cual, cada año toma una fotografía de su esposa Bebe con sus tres hermanas. Es un proyecto que ha recibido mucha publicidad y atención en los últimos tiempos. Pero tanto el New York Times como Aesthetica Magazine han coincidido esta semana en señalar que el trabajo de Nixon va mucho más allá, y que realmente es muy interesante. Realizado en su mayoría con una cámara técnica de gran formato ( 8 x 10 pulgadas), es fiel a ese trabajo lento y reflexivo. Pero de verdad que tiene cosas tan interesantes o más que la serie de las hermanas Brown.
Voy a traer algo de paisajes. En Feature Shoot nos han mostrado las notables montañas fotografiadas por Charles Emerson en Escocia, Rumania y Jordania. Lejos la mayor parte de las ocasiones del efectismo de los paisajes que circulan y son más populares actualmente por internet, estamos ante auténticos retratos de las montañas, mostrando cada una de ellas su carácter, en composiciones desprovistas de elementos superfluos, y con gran dominio de la luz y el color. A partir de fotografías sobre película tradicional, el proceso de Emerson es realmente complejo hasta alcanzar el resultado deseado, combinando en el mismo fases de métodos tradicionales físicoquímicos con fases de métodos digitales contemporáneos.
Siguiendo las novedades que inicié la semana pasada, en primer lugar os dejo el enlace al tablero de Pinterest donde podréis encontrar ejemplos de las fotografías que me han llamado la atención durante la semana. Algunas de las cuales traen algunas de las recomendaciones que ha continuación comentaré, y otras simplemente han quedado ahí para quien quiera ver y saber más.
Esta semana he tenido una actividad fotográfica personal muy moderada, casi podríamos decir que bastante baja. No he cogido mucho la cámara, y cuando lo he hecho, sin las ideas muy claras. Pero una caminata una tarde de luz suave y temperaturas más fresquitas por los pinares de Venecia en Zaragoza, me dejó algunos paisajes boscosos. No son bosques frondosos ni ricos. Son más bien pinos poco desarrollados, que crecen como pueden... pero es que tenemos pocos bosques en estas latitudes, algo que hecho mucho de menos.
Empecemos por los fotógrafos más clásicos. Una noticia en el tumblr del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) mencionaba las peculiares cualidades de los fotógrafos Grete Stern y Horacio Coppola. Grete Stern fue una fotógrafa alemana que estudió en la Bauhaus, que se vio obligada a exiliarse de Alemania cuando llegaron los nazis al poder, y que tras un estancia en Londres, se casó con el fotógrafo y cineasta argentino Horacio Coppola, con quien se trasladó a Buenos Aires. A partir de ese momento se consideró fotógrafa argentina, llegando a adoptar esta nacionalidad, donde vivió el resto de su vida. Su obra está muy influida por el surrealismo y el piscoanálisis, y tine un carácter muy onírico. Practico mucho el fotomontaje. Desde el momento en que se estableció en Buenos Aires, cultivó otros géneros como el retrato y la fotografía documental, siendo una fotógrafa muy interesante aunque no demasiado conocida por el público.
Otro clásico que nos han recordado esta semana ha sido el británico Cecil Beaton, a partir de un artículo en The New Yorker. Beaton fue fundamentalmente retratista, aunque eventualmente hizo a otros palos, como la fotografía documental durante la Segunda Guerra Mundial. Pero en el artículo nos recuerdan fundamentalmente su faceta como retratista de los famosos del mundo del arte y la cultura, con sus buenas dosis de glamour.
No hace mucho hablaba sobre un libro con las fotografías norteamericanas de Bernard Plossu. Y en Selektor Magazine nos vuelven a recordar esta etapa del fotógrafo francés con una estupenda selección de fotografías muy representantivas del estilo y sensibilidad de Plossu. Siento debilidad por este fotógrafo, así que cualquier excusa me sirve para traerlo a estas páginas.
Un estilo de fotografía que ahora no se ve con frecuencia es la del japonés Watanabe Katsumi en los años 60 y 70. En American Suburb X (ASX) nos recuerdan su trabajo documental en los bajos fondos tokiotas, un mundo de noche con prostitutas, travestidos, espectáculos nocturnos y los gángsters de la yakuza. Una fotografía muy directa, que muestra una realidad que se presupone bastante más difícil que sus sonrientes personajes hacen suponer. No es fácil encontrar referencias en profundidad a este fotógrafo, de todos modos.
De nuestros vecinos franceses han venido noticias relacionadas sobre todo con el festival de fotoperiodismo Visa pour l'Image que se celebra anualmente en Perpiñán. Muy en crisis permanente este sector que sin embargo ha mostrado lo potente que pueden llegar a ser sus resultados con la fotografía del pequeño Aylan Kurdi ahogado en una playa turca de la joven fotógrafa de esa nacionalidad Nilüfer Demir. De todos modos, de los diversos reportajes que se han publicado en L'Oeil de la Photographie estos días, he optado por traer uno de los menos escabrosos, pero de gran belleza formal y conceptual que nos viene de la mano del español Juan Manuel Castro Prieto, y que nos lleva a recorrer las tierras de Perú y a conocer a sus gentes.
Dos artículos han aparecido esta semana con el fotógrafo Todd Hido (tumblr) como protagonista total o parcial. Uno en Lightbox de Time y otro en Aesthetica Magazine. En ambos se trata un tema muy similar, la validez de las técnicas fotográficas con película tradicional a la hora de presentar un cuerpo de obra profesional, significativo y con una posición dentro del mundo del arte fotográfico.
Han aparecido algunas noticias interesantes sobre fotógrafos que reflexionan con sus imágenes sobre el concepto de identidad. Muy interesante me parece el trabajo de Stacey Tyrell, en el que se plantea las consecuencias personales, culturales e identitarias, de ser una persona con ancestros procedentes tanto de los africanos que fueron llevados al Caribe como de las personas de las islas Británicas que también forman de su ascendencia. Los autorretratos de sí misma en poses, con atuendos o maquillajes y peinados que la sitúan entre los tópicos de la cultura europea dominante, con los distintos roles que las mujeres de esta ascendencia suelen tener, contrasta con su clasificación habitual como persona de raza afroamericana. Una colección de sus fotografía y un comentario a este trabajo nos llega via Lenscratch.
Del habitualmente banal tumblr de la Lomographic Society nos llegan de vez en cuando propuestas muy interesantes. Incluyo entrevista en el blog de los lomógrafos. En esta ocasión de la fotógrafa turca, aunque basada en Berlín, Eylül Aslan. Procedente de una cultura muy consevadora en materia de moral con las mujeres, sus fotografías son realmente provocadoras y cargadas de sexualidad, confrontando las convenciones identitarias de las mujeres de su origen turco.
Sobre reflexiones identitarias traemos también a Eyakem Gulilat, en esta ocasión un fotógrafo masculino, aclarémoslo porque estos nombres poco conocidos nos pueden llevar a confusiones. Este fotógrafo es de origen etiope, y también sobre una obra a base de autorretratos nos proporciona una reflexión sobre sus conflictos de identidad. Actualmente está radicado en Tulsa, Oklahoma. Y su trabajo nos lo han mostrado también en Lenscratch.
El paisaje minimalista en blanco y negro, compuesto sobre un formato cuadrado, me gusta mucho. Da mucho juego y es muy elegante. Y eso lo comprobamos una vez más en la obra de Nathan Wirth, y nos lo enseñan en Cros Connect Magazine, una página dedicada al arte contemporáneo y con cierta tendencia a preferir el mundo del diseño y la ilustración, que eventualmente nos trae la obra de algún que otro fotógrafo.
Y unos breves para terminar:
En la edición dedicada a las fotografías de los lectores, L'Oeil de la Photographie nos trae el trabajo etnográfico de Martin Gros sobre la tribu de los Korowais, en Papúa. Me ha gustado.
En primer lugar, una novedad. Podréis encontrar algunas de las fotografías que me han llamado la atención esta semana en el siguiente tablero de Pinterest. Voy a intentar mantener esta forma de ilustrar mis hallazgos de cada semana en el tiempo. Creo que puede estar bien.
La idea detrás de esta iniciativa es da a conocer como funciona mi mente en esto de la fotografía. Yo tengo recogidas una serie de fuentes de información sobre lo que hay de nuevo, o no tan nuevo en el mundo de la fotografía, que tengo agregadas en Feedly, en Tumblr y en algún otro sitio. Por ejemplo, recientemente he añadido a mi panel de Feedly las novedades que se publican en Whattaroll Magazine, un revista virtual que se dedica a mostrar el trabajo de fotógrafos que trabajan con película tradicional. Eventualmente, el trabajo, alguna o varias fotografías, de alguno de ellos me llamará la atención, por lo que marcaré el artículo correspondiente en Pocket, y las fotografías que me hayan llamado más la atención, o alguna especialmente representativa, las incluiré en el tablero semanal de Pinterest. Luego, en estos artículos que redacto cada domingo, podré hablar de todos o sólo de algunos de los temas o fotógrafos recogidos. Pero en el tablero de Pinterest, se podrán consultar todos.
En segundo lugar, las fotografías de esta semana corresponden al último carrete que me quedaba por revelar y digitalizar de los que me llevé a Suiza hace un par de semanas. Ya comenté que estuve probando un Summicron 5 cm 1:2 retractil de Leica, que no acabó dando el resultado apetecido. Importante pérdida de contraste y sensación "flou" en torno a las altas luces. Como vi que iba a hacer corto con los dos Kodak Tri-X que me llevé, compré un par de carretes más en Lucerna. No tenían Tri-X, así que cogí Ilford HP5+. Lo cierto es que esta película de Ilford tiene la ventaja de una mayor estabilidad dimensional, por lo que es más cómoda de manejar en el portanegativos del escáner. Pero no me acaba de gustar el resultado que tengo. Y si a eso añades que el bajo contraste hace que al mejorarlo digitalmente el grano sobresalga demasiado para lo que eran mis intenciones,... pero bueno os dejo algunos ejemplo.
Están de moda los blogs de "fashionistas", palabro que se han inventado para aquellos que deciden darnos la vara pontificando sobre en qué consiste vestir a la moda. Si levantas una piedra aparecen 20. El caso es que de vez en cuando hay alguno que otro que destaca por las fotografías que toman por la calle o en otros entornos de personas que simbolizan sus ideas de ir a la moda. Y algunos no están mal. Pero esto que ahora nos parece tan moderno, igual no lo estando. Por ejemplo, veamos esta serie que aparece en Mashable de fotografías sobre la moda de la gente bien parisina que acudía a las carreras de caballos en el hipódromo de Longchamp de París de la segunda década del siglo XX. No me negaréis que tienen su encanto.
Una fotógrafa que está en auge, de la que se habla mucho, es la norteamericana Lynsey Addario. Y más que se puede hablar si es verdad que Spielberg quiere hacer una película sobre ella con Jennifer Lawrence, que a sus 25 añitos es la actriz mejor pagada del mundo. Pero aquí lo que nos importa es el trabajo de los fotógrafos, sus obras. Y en Lightbox de Time nos muestran un reportaje de Addario sobre las minas de diamantes de la República Democrática del Congo, una de las regiones del mundo más atribuladas por los conflictos bélicos. No ha dejado de recordarme el icónico reportaje de Sebastião Salgado de las minas de oro de Serra Peleda. Dos aproximaciones diversas a un tema muy similar.
De vez en cuando hay que dejar de hablar de fotógrafos consagrados y dedicarnos a los talentos emergentes. En British Journal of Photography nos hablan de la premiada serie de Felix von der Osten sobre los nativos americanos que viven en la reserva india de Fort Belknap. Un acercamiento y una estética serenos, crepusculares, para un tema con importantes derivaciones sociales.
Me ha llamado mucho la atención la serie Julia Wannabe que nos han mostrado en Lensculture de la fotógrafa polaca Anna Grzelewska. En este trabajo, sitúa como objeto de su atención a su propia hija, una preadolescente que está empezando a experimentar los cambios que la llevarán a convertirse en una joven y en una mujer. Progresivamente. El caso es que desde una técnica, una estética y un dominio del color y de la composición notables, la serie no ha dejado de dejarme cierta sensación de incomodidad. He tenido la sensación de que la madre invadía en exceso el espacio íntimo de su hija. Pero bueno... que cada opine a la vista de los resultados.
No son infrecuentes en los medios anglosajones, de todo el mundo, los fotógrafos que prestan su atención a las gentes que abandonan los estilos de vida modernos para buscar estilos alternativos que sienten como más integrados en la naturaleza. Es una especie de nuevo hippismo, que viene aderezado con unas dosis más o menos altas de ecologismo mejor o peor entendido. Suelen dar lugar a reportajes en general de aspecto melancólico, sereno, en los que se combina con mejor o peor fortuna el pintoresquismo de los tipos retratados con los paisaje en los que viven. Este tipo de reportajes, que en un momento dado tienen sus punto de cliché en el que todos se parecen mucho entre sí, a veces me parecen más conseguidos y otras menos. De hecho, en mis recomendaciones semanales aparecen con mucha parsimonia. Pero en esta ocasión me ha apetecido traer un artículo sobre un trabajo de este tipo que ha aparecido en Feature Shoot. El fotógrafo es el belga Kevin Faingnaert; las gentes en las que se fija son los que se han instalado en la agreste comarca del Bierzo, en Matanevero. Estas gentes tratan de vivir con menos consumismo en los abandonados pueblos de estas comarcas. Las fotos no están mal, y hay algún retrato que está muy bien. Lo que me llama la atención es cómo esta gente lejos de recuperar los modos tradicionales de la época son absolutamente similares a los que vemos de ese mundo anglosajón del que hablaba al principio del párrafo. Porque nos dicen que están en el Bierzo... pero lo mismo podrían estar en las Castkills, los Ozarks, los montes de Gales, los páramos británicos... o qué se yo.
Para algunos "aguerridos" "street photographers" parece que han cumplido un hito cuando fotografían vagabundos y gente sin techo por las calles. Lo cual, a mí, cada vez me produce más pudor si reflexiono en las circunstancias de exclusión social en las que viven estas gentes. Pero en PetaPixel nos cuentan una experiencia mucho más interesante. Parte de una iniciativa de Cafe Art que consistió en ofrecer 100 cámaras desechables de película tradicional a otros tantas personas sin hogar. Recuperaron 80 de ellas, con más de 2500 fotografías reveladas. Y por supuesto, ha habido hallazgos muy interesantes en la visión de estas personas. Esta me parece una forma de acercarse a los sin techo mucho más positiva fotográficamente hablando, dejando que sean ellos los que se expresen. La cultura y el arte al servicio de la reinserción de los excluidos y personas socialmente vulnerables.
Fotografía y cinematografía son dos técnicas y dos artes emparentadas, pero que cada una tiene su propio lenguaje. Cuando los que se inician en fotografía comienzan a interesarse más en profundizar en ella, las "reglas" de la composición se repiten machaconamente en multitud de sitios. La "regla de los tercios" y la gestión del espacio negativo. pero en Vox Culture nos muestran cómo podemos aprender de la cinematografía de una de las últimas series de televisión estrenada y que está levantando mucho interés. Se trata de Mr. Robot, y los encuadres son tremendamente atrevidos. Especialmente para expresar la sensación de vulnerabilidad de los personajes. Yo estoy encantado. La dirección corresponde a una diversidad de realizadores. Entre los directores de fotografía encontramos a Tod Campbell y Tim Ives... Están haciendo un trabajo magnífico.
