Esta semana, desde el punto de vista de la recogida de marcadores potencialmente interesantes para estar recomendaciones fotográficas que publico la mayor parte de los domingos, ha sido una día más corta. Porque la semana pasada publiqué esta sección en lunes. Un lunes festivo en Zaragoza. Pero eso no quiere decir que no tenga fotógrafos y fotografías interesantes que proponer. De momento, el tablero de Pinterest con las fotografías, diversas, que me han llamado la atención en estos seis días.

Para ilustrar las recomendaciones de esta semana, voy a recordar el artículo que publiqué ayer mismo por la tarde. El pasado fin de semana, en Barcelona y alrededores, utilicé mi Leica M2 con algunos carretes de Kodak Tri-X 400. Os traigo aquí algunas de las fotografías tomadas con este equipo el sábado 31 de octubre en mi desplazamiento de Barcelona a Vilassar de Dalt y durante mi estancia en esta última localidad.

La primera cuestión destacada es que esta semana el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ha fallado el Premio Nacional de Fotografía 2015. Comprobaréis en el enlace anterior que la lista no está actualizada desde 2013. El año pasado la premiada, Colita, rechazó el premio por la nefasta política en materia cultural, especialmente por el bajo nivel de inversión pública en acontecimientos culturales. Estos premios no siempre son acogidos con satisfacción por los entendidos en fotografía, y se han cuestionado en ocasiones el fallo de los mismos. Pero este año, cuando vi que en Quésabesde nos anunciaban que el premiado era Juan Manuel Castro Prieto, supuse que habría satisfacción en el mundillo fotográfico, porque Castro Prieto es bastante respetado, tanto en su actividad como fotógrafo como en su trabajo ampliando y copiando con gran calidad la obra de otros fotógrafos. A mí siempre me ha gustado mucho el trabajo de este fotógrafo desde que lo conozco.

Dicho lo anterior, como de costumbre empiezo por recomendaciones de fotógrafos clásicos. Muchas veces ya fallecidos. Como es el caso de Hamaya Hiroshi, sobre el que encontré en The Red List una recopilación de sus trabajos. Su trabajo, básicamente en blanco y negro, aunque no exclusivamente, y básicamente documental, tiene una calidad estética intimista que me gusta mucho.

Comenté también hace unas semanas que en Viena estuve en una exposición retrospectiva de Joel Meyerowitz, de la cual me traje el catálogo. Allí nos contaban que en sus últimas etapas como fotógrafo, Meyerowitz ha trabajado mucho el género de la naturaleza muerta. En L'Oeil de la Photographie nos muestran esta semana el homenaje del fotógrafo al pintor Giorgio Morandi, fotografiando los objetos que Morandi trasladó a sus naturalezas muertas, y que se encuentran en Casa Morandi en Bolonia. Naturalezas muertas de gran sencillez, pero que te atrapan la vista con gran efectividad.

Quiero aprovechar para recordar que tengo un tablero en Pinterest en el que recopilo naturalezas muertas como centro de interés y fuente de inspiración. Mundo que en fotografía es mucho más diverso de lo que muchos creen.

Y ahora pasemos a la cuestión del gran formato, que es el tema del taller que hice hace poco más de una semana en Vilassar de Dalt. Justamente esta semana en Hasta los megapíxeles nos han recordado que aun existe algún reportero que trabaja con este formato como es el caso de David Burnett con su Speed Graphic. Desde allí nos envía a las páginas de Roads & Kingdoms, donde nos hablan de cómo Burnett cogió su Speed Graphic y se fue a Santiago de Chile donde en 1973 fotografió el golpe de estado, durante el cual llegó a estar internado un tiempo en el Estadio Nacional. Una serie muy interesante, que se complementa con las fotografías de Michael Magers, que documentó el trabajo de Burnett.

Más gran formato. En esta ocasión con una cámara fabricada de forma casera, y con proceso alternativos, procedentes de las técnicas utilizadas en el siglo XIX. Nos lo cuentan en South x Southeast Photomagazine. La pareja formada por Judy Sherrod, matemática y curiosa, y Gayle Stevens, más orientado hacia lo artístico, les llevó a diseñar la cámara y a utilizar procesos como el colodión húmedo o el ferrotipo que exponen y revelan in situ, mostrándonos irreales paisajes en su serie Nocturnes. Las placas son de 20 x 20 pulgadas (aproximadamente 50 x 50 cm).

Pasemos ahora al retrato. En un salto de estilo y técnicas muy considerable nos iremos al trabajo de la holandesa Hellen van Meene. Como suele ser frecuente en los artistas de esta nacionalidad, se encuentran influenciados por el dominio de la luz de los pintores de la escuela holandesa del siglo XVII. Los sujetos en esta ocasiones, adolescentes a punto de dar el salto a la edad adulta. La verdad es que estos fotógrafos de los Países Bajos hay ocasiones en las que me resultan un poco fríos. Pero estos retratos de van Meene me han llamado la atención. Nos lo contaron en L'Oeil de la Photographie.

Esto no es un mapa (This is not a Map). Esto nos dicen y esta es la iniciativa de una editorial francesa Poetry Wanted. Una serie de desplegables similares a los mapas de carreteras pero en los que encontramos una colección de fotografías de un autor relacionados con una lugar geográfico. Había oído hablar ya de esta iniciativa, pero esta semana en L'Oeil de la Photographie nos han comentado el "no mapa" de Montalivet de Hervé Szydlowski. Montalivet es una localidad de las Landas que tiene un centro naturista que ha atraído a varios fotógrafos. Por ejemplo, Mona Kuhn y su primer libro Photographs, que comenté y compré hace poco en Viena. La iniciativa me ha parecido interesante, y he encargado un par de "no mapas". Ya os contaré cuando lleguen.

Y seguimos con las recomendaciones de L'Oeil de la Photographie, que con su nuevo formato está muy activo. Y poco a poco, conforme pulen sus defectos empieza a gustarme mucho. Y es que ayer, en su sección de los fines de semana L'Oeil des Lecteurs nos trajeron el interesante trabajo combinando el mundo de la macrofotografía, la naturaleza y la fotografía en infrarrojos, desarrollado por Pascal Girault. Colores irreales, pero de gran elegancia y belleza para un un mundo de pequeños animales que habitualmente reconocemos de otro modo. El caso es que me ha gustado mucho y estoy investigando la posibilidad de convertir mi Canon EOS 40D, una réflex digital que tengo y no uso mucho, a la fotografía infrarroja. Estoy esperando que me manden un presupuesto. Os contaré si la cosa sigue adeante.

Para finalizar, un par de recomendaciones que se repiten con cierta frecuencia. Por un lado, en L'Oeil de la Photographie siguen sacando la serie Je me souviens de Bernard Plossu, serie de fotografías no publicadas hasta el momento en muchas ocasiones en las que Plossu retrata a sus compañeros fotógrafos durante sus encuentros. Solos o con sus personas cercanas.

Y también os aviso aquí, y con esto cierro esta entrada de este domingo, cuando Steve McCurry actualiza su blog, y nos ofrece una nueva colección de coloridas y magníficas fotografías, en esta ocasión titulada The Spirit of Afghanistan, en el que destacan los retratos de los jóvenes y las jóvenes afganos.

En Aragón, el festivo de Todos los Santos, que ha caído en domingo, se ha trasladado al día 2 de noviembre, hoy lunes, por lo que tenemos un día más de fin de semana. Y dado que he estado un par de días fuera en un taller de fotografía con cámara de gran formato del que ya os hablaré, he trasladado a este lunes mis recomendaciones semanales. Como habitualmente, empezaré enlazando con el tablero de Pinterest con las fotografías que me han llamado la atención esta semana.

Si hace ocho días acompañaba las recomendaciones de la semana pasada con algunas pruebas de bodegones, en esta traigo las fotografías que realicé con la Hasselblad, de esa serie que dimos en titular de forma un poco jocosa "Risotto de funghi porcini con postre de granada".

En primer lugar, comentar que una de las páginas en internet de donde obtengo una buena proporción de noticias y recomendaciones para estas entradas del fin de semana, L'Oeil de la Photographie (en inglés), ha experimentado cambios en sus funcionalidades y en su presentación. Supongo que será cuestión de acostumbrarse, pero tengo la sensación de que la versión menos sofisticada anterior era más sencilla de utilizar. En cualquier caso, la línea de contenidos es similar, y seguiré suscrito a ella. Recibo todos los días un mensaje de correo electróncio con los artículos del día.

Suelo empezar con fotógrafos clásicos, y en esta ocasión le haré con Josef Koudelka, que por cierto está exponiendo una retrospectiva en la Fundación Mapfre de Madrid. Conviene recordar de vez en cuando el interesante trabajo del fotógrafo checo, pero en esta ocasión el portal de fotografía NNfotógrafos plantea un artículo didáctico sobre las cosas que nos enseña la fotografía de Koudelka si queremos afrontar la fotografía documental.

El mundo de la fotografía japonesa es mucho más variado de lo que algunas veces parece tal y como lo reflejan los medios. Pero es indudable que tiene características distintivas respecto a los paradigmas de la fotografía occidental. Uno de ellos es la peculiar relación que parecen mantener con la sexualidad, y no es raro encontrar en la fotografía japonesa erótica imágenes que pueden resultar a veces desconcertantes, otras ejemplos de ciertos fetichismos no siempre fáciles de comprender, y en otras ocasiones cayendo, al menos aparentemente, en el más puro kitsch. En Cultura Inquiera nos muestran el trabajo de Yoshihiro Tatsuki, que puede ser un ejemplo más, no carente de interés y de reflexión, de esto que digo.

Totalmente distinta es la fotografía de otro fotógrafo japonés, Hiroshi Sugimoto. Especialemente en lo que se refiere al minimalismo de sus paisajes marinos en blanco y negro, muchas veces tomados con largas exposiciones, con su característico horizonte en el medio del fotograma, marcando una asimetría de tonos entre el cielo y el mar. Nos lo muestran en American Suburb X. Por cierto, me he traído de Barcelona un libro de Sugimoto, del que hablaré otro día.

Hay una serie de blogs por el mundo de la fotografía que están patrocinados o realizados por las propias marcas de material fotográfico, a mayor gloria de sus productos. Sus artículos los traigo a estas páginas con parsimonia porque, aunque no carecen de interés, el triunfalismo hacia sus productos a veces me parece inadecuado. Pero Hasselblad ha publicado un artículo dedicado al fotógrafo de moda Rodney Smith. Fiel al modelo 501 de la marca creo que Rodney es un maestro de la exigente composición, y algunas de sus fotografías serán reconocidas probablemente por el aficionado.

Cuando hablamos de bodegón o naturaleza muerta el pensamiento con frecuencia se nos va hacia los estándares que la pintura clásica ha establecido para el género, que muchas veces se reflejan en la fotografía, aunque esta tiene mecanismos propios y específicos para tratar el tema que la deberían hacer más libre. Y podemos encontrar variantes tan estupendas como las que nos muestra Lenscratch de la fotógrafa canadiense Jennilee Marigomen, especialmente aquellas que juegan con las formas, los colores y la abstracción. Encontrar la inspiración en los objetos cotidianos para crear algo totalmente distinto. Aunque la fotógrafa tiene más trabajo que mostrar aparte de este.

De vez en cuando oímos hablar de fotógrafos ciegos. Sí. Eso parece algo increíble. Pero el concepto de ceguera es menos binario de lo que a veces piensa la gente. En muchas ocasiones no tiene porqué ser una cosa de todo o nada. Veo o no veo. Como nos cuentan en L'Oeil de la Photographie, en su edición de fin de semana dedicada a los lectores, es el caso de la escritora norteamericana Tammy Ruggles, cuya discapacidad le lleva a estar clasificada como legalmente ciega. Pero todavía es capaz de distinguir la luz y las formas generales. Contornos borrosos de las cosas. Eso es en lo que se basan sus composiciones. Como ella dice, la cámara se encarga de reflejar lo que no ve. Mientras hay luz, hay fotografía.

También de esta sección del fin de semana dedicada a los lectores de L'Oeil de la Photographie nos llega el trabajo de Beb Reynol, con un más que notable reportaje de la minería del carbón en Afganistan, país marcado por la guerra, la pobreza y la ausencia de medios.

Por hoy, nada más. Tengo pendientes al menos dos artículos con las actividades de este fin de semana. Uno sobre el taller de fotografía con cámaras de gran formato, y otro con libros que compré en Barcelona, libros que si no los ves o los palpas no los compras.

Espero ir publicándolos a lo largo de la semana. Si el tiempo (cronológico) lo permite.

Esta vez traigo recomendaciones de un ciclo de dos semanas, ya que el domingo pasado, al estar recién llegado de viaje, no redacté el artículo correspondiente de esta serie. Eso no quiere decir que traiga el doble de recomendaciones. Los días de viaje no reviso mis fuentes de información sobre fotografía en internet, así que la cosa queda en las magnitudes habituales. No así en lo que se refiere a la recolección de fotografías que me han llamado la atención y que podéis ver en el correspondiente tablero de Pinterest. Hay bastantes. De alguna forma, no han dejado de llegar durante estas dos semanas imágenes potentes.

Las fotografías acompañantes de hoy corresponden a una modesta sesión de bodegón que hice ayer en casa. Son las pruebas de luz realizadas con una pequeña cámara digital, la Panasonic Lumix GM5 calzada con el Panasonic Leica Macro-Elmarit 45/2,8 ASPH, mientras que sobre el trípode se encontraban las Hasselblad 503 CX con pelicula Kodak Tri-X para negativos en blanco y negro o la Pentax MX con película Kodak Portra 160 para negativos en color. Ya iremos viendo como quedan estas. Una amiga que estuvo presente en las algunas de las fases de la sesión sugirió como nombre de la serie "Risotto de funghi porcini con postre de granada".

Mientras estuve de vacaciones fue noticia en el mundo de la fotografía el fallecimiento de Hilla Becher. Yo he recogido especialmente la noticia tal y como la publicaron en BeAnalogic, por la amplia muestra de fotografías de la autora que nos muestran. Hilla, con su marido Bernd Becher, fueron las almas de la enseñanza de la fotografía en la Kunstakademie Düsseldorf, y de lo que se ha venido en llamar la Escuela de Dúseldorf de fotografía. Son herederos de posguerra de la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), que surgió especialmente en la segunda década del siglo XX. Sus fotografías se caracterizaron por su precisión y por su cuidado técnico. Sus motivos más frecuentes fueron de naturaleza arquitectónica, y especialmente rescataron visualmente la arqueología industrial en Alemania, especialmente en las zonas más industrializadas en el occidente del país. No sólo influyeron en los fotógrafos de su país; también se aprecia su influencia en la New Topographics norteamericana. Yo tuve la ocasión de visitar una exposición colectiva dedicada a la Escuela de Dúseldorf en el Museo de Arte Moderno de París en 2008. Me parece que el trabajo de estos alemanes es técnicamente impresionante. Conceptualmente interesante, a veces. Y en líneas generales, me aburre un poco. Sus correspondientes americanos me parece que tienen más alma e interés.

El recuerdo a Hilla Becher me hace pensar en las mujeres fotógrafas, que no siempre alcanzan el mismo reconocimiento que sus colegas masculinos, aunque bajo ningún concepto son inferiores técnica o conceptualmente. Por ello me viene bien como recordatorio un artículo de The Guardian dedicado a las mujeres fotógrafas olvidadas. Y realmente, algunas de ellas eran desconocidas para mí. Otras no.

Y también es casualidad que en estos días, en Aesthetica Magazine, nos hayan hablado de Candida Höfer, otra mujer fotógrafa, miembro de la Escuela de Dússeldorf, que es conocida por sus meticulosas y técnicamente perfectas imágenes de interiores en color, por ejemplo, si cogemos sus últimos trabajos, de los grandes museos y palacios de San Petersburgo, u otras ciudades del mundo. Otro ejemplo de esa forma de reproducir con precisión clínica la realidad que se percibe a través de la fotografía.

Antes he hablado de un artículo en el que nos hablaban de una serie de mujeres fotógrafas, y en el que se incluían retratos o autorretratos de algunas de ellas. Bernard Plossu, como nos cuentan en L'Oeil de la photographie, también fotografía a sus amigos fotógrafos. Solos o con otras gentes del mundo del arte y la cultura. Curiosos algunos de los retratos.

En Cada día un fotógrafo/fotógrafos en la red nos proponen conocer a Li Zhensheng (en chino, lo siento), fotoperiodista chino conocido especialmente por sus fotografías de la Revolución Cultural China, como reportero acreditado de un diario de provincias. Yo recuerdo muy vivamente la obra de Li (este es el apellido, hay que recordar que en China el apellido va delante y el nombre de pila detrás; una forma de identificar cuando hay duda, es que el que tiene más de una sílaba suele ser el apellido). Hace unos años se realizó una exposición sobre su obra en la sala de exposiciones de la Casa de los Morlanes de Zaragoza, y me impresionó notablemente.

Y no ha sido el único fotógrafo chino que nos han traído desde Cada día un fotógrafo/fotógrafos en la red. También nos hablan de de Mi Zhou, o Zhou Mi, escrito a la occidental, ya que este fotógrafo se encuentra radicado en San Francisco. Es un fotógrafo documentalista, que ha recorrido diversas partes del mundo, y cuyos retratos en blanco y negro, tomados durante sus reportajes, me parece que tienen una gran fuerza.

Dedicaré ahora algunos párrafos a los paisajes. Por ejemplo, Elizabeth Avedon nos trae al fotógrafo italiano Domingo Milella, cuyos paisajes integran con frecuencia restos arqueológicos u otros recuerdos del pasado. Paisajes de colores suaves, con saturaciones moderadas, que nos transmiten reflexión y serenidad. Y la melancolía de esos pasados perdidos.

Enrique Silguero en The HUB nos trae los paisajes de gran formato de Richard Misrach, uno del los precursores coloristas, y sus paisajes me parece que encajan bien en lo que decía al principio cuando hablaba de Hilla Becher. Este norteamericano nos proporciona imágenes precisas, técnicamente impecables, perfectamente descriptivas, pero con más alma que la de los fotógrafos alemanes. A mí me gusta mucho además cómo juega con las escalas, situando al ser humano en su pequeñez ante las dimensiones del mundo que habitamos.

Uniendo el paisaje con la denuncia, tenemos el artículo de L'Oeil de la photographie sobre el trabajo Memento de Péter Kollányi, dedicado a la catástrofe ambiental que supuso el desastre de la fábrica de aluminio de Ajka en Hungría, que liberó una cantidad ingente de "barro rojo" que inundó los campos de los pueblos cercanos.

Como la fotografía de arquitectura ha estado presente también en esta edición de las recomendaciones semanales, traeré también la entrevista que en The Phoblographer hacen al fotógrafo James Attree, especializado en fotografía de arquitectura con cámaras de gran formato. Tiene algunas imágenes realmente interesantes. No necesariamente en el artículo mencionado están sus mejores obras. Visitad la página web del fotógrafo.

Dejemos de lado un poco la fotografía más seria, y entremos en el terreno de lo humorístico o más anecdótico, sin perder por ello la calidad a la hora de ejecutar la obra fotográfica. Así, por ejemplo, también en The Phoblographer nos muestran la obra de Nathan Wirth, que incluye en sus paisajes cuidadosamente ejecutados en blanco y negro, figuras de la ficción fantástica, cinematográfica o literaria, haciendo uso de técnicas de posproducción digital. A mí me han parecido estupendas. Y es divertido reconocer las referencias cinematográficas de cada imagen.

Y en Feature Shoot nos muestran la imaginativa obra de Rich McCor, quien, jugando con la perspectiva, la profundidad de campo, a veces muy extendida, otras convenientemente reducida, y unos recortes en cartulina negra, convierte monumentos y paisajes bien conocidos en algo totalmente distinto, a veces fantástico, a veces totalmente ordinario. Muy divertido y muy bien ejecutado.

Por último, yo había oído hablar de la tarjeta Shirley (Shirley Card). Esta es una tarjeta tradicional de Kodak usada como referencia de colores, en la que durante muchos años se mostraba una sonriente señorita de piel blanca. La chica fue cambiando con el tiempo. Se supone que la primera de las chicas, en los años 40 o 50, cuando la fotografía en color se empezó a popularizar y se publicó la primera de las Shirley Cards, la modelo se llamaba Shirley. Pues bien, en Hasta los megapixeles nos cuenta como durante años las películas en color de Kodak estaban calibradas para una correcta reproducción de la piel caucásica. Las personas de piel oscura, con estas películas, mostraban una alarmante falta de detalle, que apenas se podía resolver con una sobrexposición de la imagen, ya que en ese caso sufrían el resto de los tonos. Parece que el tema se resolvió... por las quejas de los fabricantes de muebles y chocolates... En fin... En las últimas Shirley Cards que publicó Kodak, a partir de los años 90 del siglo XX, ya aparecían varias chicas de diverso color de piel. Aun hoy en día, con las tecnologías digitales, suele haber controversias sobre cómo se reproducen en prensa los tonos de las pieles oscuras. Y hoy en día el rango dinámico de las cámaras, o la latitud de exposición de las películas, no justifica estas desviaciones.

Como viene siendo habitual desde hace algunas semanas, en primer lugar os dejo mi enlace al tablero de Pinterest con una selección de fotografías que han llamado mi atención en esta semana. Os recuerdo que hay de todos los tipos; bodegones (estos últimos más bien tienen su propio tablero), retratos, documentales, paisajes,... y también algún desnudo. Así que si hay alguien que, incomprensiblemente para mí, se ofende por ese tipo de fotografías, queda avisado. Esta semana también he recibido un mensaje quejándose... como si yo tuviera la culpa de los complejos de los demás.

En cuanto a las fotografías acompañante, sigo utilizando la cámara que recibí de regalo recientemente, la Panasonic Lumix GM5. Estoy contemplando la posibilidad de llevármela como cámara principal a una breve escapada centroeuropea que voy a hacer pronto. Especialmente ahora que tengo baterías de repuesto. Ya veré. Ayer estuve con mi sobrino Diego jugando al tenis en el Centro Deportivo Municipal "La Granja" de Zaragoza, y entre 9:30 y 11:00 de la mañana había una luz suave muy agradable.

Empezamos como siempre desde los fotógrafos más clásicos, incluso si todavía los podemos considerar contemporáneo. Como puede ser la japonesa Miyako Ishiuchi de la que tengo algún libro, y que se ha ganado un artículo en el blog Lens de The New York Times. Ishiuchi lleva décadas documentando y reflexionando sobre la sociedad de la posguerra mundial, y las consecuencias de este conflicto armado para su país. Con estilos muy diversos.

Y una cosa lleva a la otra, y en el blog Otra forma de mirar nos muestran un breve artículo de otro fotógrafo japonés, un poquito mayor que la anterior, pero prácticamente contemporáneos. Se trata de Kikuji Kawada. Hay nos derivan a una entrevista con el fotógrafo en Aperture, que nos da algunas claves del trabajo de este artista. Ambos fotógrafos japoneses han profundizado en el desastre moral que supuso el lanzamiento de las bombas atómicas al final de la guerra mundial.

Son muchos en los artistas, cualquiera que sea la disciplina, que han encontrado su inspiración, su musa, en casa. En su novia, en su amada, en su esposa. En American Suburb X (ASX) nos cuentan los paralelismos en las obras de tres fotógrafos que dedicaron una parte considerable de su trabajo a fotografiar a sus esposas. Ya sea Emmet Gowin con Edith Morris, casados en 1964, bien Lee Friedlander con Maria de Paaoli, se conocieron en 1957, y quizá el más característico, Harry Callahan con su esposa Eleanor, a quien conoció en una cita a ciegas en 1933, y que forma parte uno de los principales motivos de su obra.

Gordon Parks es un fotógrafo conocido sobre todo por su trabajo como documentalista, como reportero gráfico, especialmente en el ámbito del movimiento de los derechos civiles, así como por sus retratos. Pero esta semana L'Oeil de la Photographie nos muestra un aspecto menos conocido del fotógrafo, la fotografía de moda, con algunas fotografías inéditas hasta ahora. Me gustan muy especialmente las fotografías en color, de una elegancia notable.

El pasado lunes y el pasado martes, L'Oeil de la Photographie dedicó un buen número de artículos a un festival de fotografía en Bolonia dedicado a la fotografía industrial. La mayor parte de nosotros no solemos asociar la actividad industrial con la estética y la belleza, y sin embargo no son pocos los que nos la han mostrado, tanto en la imagen fija como en la imagen en movimiento (pienso ahora en la introducción de cada uno de los capítulos de Twin Peaks). Yo echaría un vistazo a las entradas dedicadas a Pierre Gonnord, Hein Gorny, Luca Campigotto, O. Winston Link y Jason Sangik Noh. Diversidad de estilos, diversidad de motivos y diversidad de soluciones estéticas.

"Saber escribir la lista de la compra no nos convierte en escritores"... esta es la contundente afirmación que el fotógrafo Carlos Spottorno nos deja en una entrevista en Quesabesde para dejar claro que por mucho que hoy en día todos vayamos haciendo fotos, eso no nos convierte necesariamente en fotógrafos. Un fotógrafo español, pero muy internacional, muy comprometido y a cuya obra debiéramos acercarnos con frecuencia.

Poco paisaje he traído este domingo. Para compensar un poco, os sugiero las fotografías volcánicas de Reuben Wu, una forma distinta de explorar la terrible belleza de los cataclismos telúricos en la corteza terrestre, donde domina el color azul en lugar de los tradicionales rojos y naranjas del fuego y la lava. Nos lo mostraron en COOPH.

Se han puesto de acuerdo muchos medios dedicados a hablarnos de fotografía, por ejemplo PetaPixel en inglés o DSLR Magazine en español, para contarnos la historia de Tsuneko Sasamoto, una fotógrafa japonesa en activo desde que tenía 25 años,... y que acaba de cumplir los 101. Dicen que es la primera mujer reportera gráfica en Japón. Muchas fotos de ella, bien a los 25 años, bien ya en edad madura o anciana, y en todas ellas se ve una mujer de aspecto muy atractivo desde todos los puntos de vista. Pero desgraciadamente nos muestran pocas fotografías realizadas por ella. Una pena...

Un artículo en PetaPixel que marqué para leer, más como anécdota que como otra cosa, me ha hecho reflexionar sobre los prejuicios y los tópicos. En el se habla de como la fotógrafa rumana Mihaela Noroc, en su trabajo The Atlas of Beauty, ha añadido fotografías de mujeres norcoreanas. Muchas de ellas realmente guapas, atractivas. Ciertamente, el trabajo de Noroc está orientado a mostrar la belleza de la mujer independientemente de su origen, nacionalidad, religión, etnica, color de piel, forma de los ojos, etcétera. Pero en el artículo de PetaPixel parece que se sorprendan de que haya mujeres atractivas en la hermética monarquía absoluta comunista asiática. Lo cual es un estúpido prejuicio. También podríamos cuestionar si el trabajo de Noroc realiza un análisis de la belleza de la mujer como un valor universal, o selecciona sus modelos siguiendo patrones de belleza muy enraizados en el mundo occidental. Aunque se apliquen a mujeres con rasgos físicos diversos de los de europeos. Prejuicios, prejuicios, prejuicios,...

Y terminaré con una curiosidad... Un catálogo de productos fotográficos para la temporada "Otoño 1953 - Primavera 1954"... Incluía explicaciones técnicas para un mejor aprovechamiento del material comprado. Formato pequeño (24 x 36 mm; sí, nadie conocía este tamaño de imagen como "formato completo" en aquel momento), formato medio, gran formato, exposímetros, tomavistas, proyectores, trípodes, filtros, aparatos de montaje de películas, ampliadoras, película, muchas película... mucha mecánica y escasa, escasa electrónica. La cámara que más me ha llamado la atención,... la Tower 35. Tower era la marca blanca de Sears, una empresa de venta por catálogo, y era un clon de la Leica III fabricado en Japón con la marca Nikka, y que según nos cuentan venía con una Nikkor f/1,4 (supongo que un 50 mm). Notable para la época.

Para comenzar, como viene siendo últimamente habitual, os dejo el enlace al tablero de Pinterest que recoge algunas de las fotografías, u obras derivadas de la fotografía, que me han llamado la atención esta semana. Algunas forman parte de las recomendaciones que vendrán a continuación, otras no.

Este domingo ha sido distinto por dos cuestiones. La primera es que estas recomendaciones las estoy redactando por la tarde, en lugar de a primera hora de la mañana como es habitual. La segunda es que realmente el verano nos ha dejado y tenemos en Zaragoza un día gris y, a ratos, lluvioso. Quizá por eso he recuperado algunas floridas y luminosas fotografías de este verano. Para dar un poco de luz y de color al día.

Siempre me gusta empezar mis recomendaciones con un clásico. Pero en esta ocasión se trata de un clásico de la fotografía japonesa, siempre interesante. A propósito de una entrada publicada en el tumblr de Selektor Magazine, he creído oportuno revisar la obra de Shōji Ueda, uno de los más importantes del siglo XX en el país del Sol Naciente, y principal representante de surrealismo.

Hay quien considera también un clásico a Miroslav Tichý. Otros lo encuentran un excéntrico. Su obra muchos la encuentran perturbadora. A mi me la ha recordado un artículo de Be Analogic. Tichý fue considerado por algunos como un disidente del sistema prosoviético checoslovaco de posguerra. Para otros fue un vagabundo, un indigente, con problemas de salud mental, que visitó no pocos psiquiátricos y prisiones. Con cámaras que construía con desechos o que recuperaba a partir de aparatos fotográficos estropeados, tomaba fotografías a caballo entre el voyerismo y el fetichismo, generalmente de mujeres, que ampliaba sobre todo tipo de materiales, y de forma siempre imprecisa. Es de los fotógrafos descubiertos tras su muerte. Y sus fotografías me resultan a veces inquietantes. Pero actualmente está muy valorado.

Una publicación en Facebook del grupo 120 Love, dedicado a promocionar la fotografía en formato medio con película tradicional, me sirve de excusa para recuperar en estas páginas la obra del sudafricano Pieter Hugo, en este caso con las peculiares mascotas que se pueden encontrar en su país de origen. Independientemente del tema de las fotografías, siempre me admira la elegancia componiendo de este fotógrafo y su sabia utilización del color.

Hacía tiempo que no traía aquí uno de los fotógrafos recomendados por Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red. No sé por qué. Supongo que porque en los últimos tiempos no me habían llamado la atención. Pero esta semana si lo ha hecho el rumano Iulian Ignat, cuyo estilo documental, preferentemente en blanco y negro me parece bastante elegante.

Siguiendo en el terreno de la fotografía documental, en Lens Culture han publicado Passengers of Light, un proyecto del iraní Majid Farahani, un reportaje sobre las gentes que peregrinan a los campos de batalla de la durísima guerra que en los años 80 enfrentó a Irak e Irán. También fotografía muy elegante, en esta ocasión en color, que recoge los sentimientos de los peregrinos con una luz impresionante.

Dedicaré ahora un par de recomendaciones a la fotografía comprometida con el medio ambiente. La primera  nos llega desde el tumblr de Valerie Chiang. Se trata del proyecto Fluffy Clouds de Jürgen Nefzger. En este proyecto, el fotógrafo alemán recorre el paisaje de diversos países europeos fuertemente dependientes energéticamente de las centrales nucleares. Con sus fotografías integra el paisajes natural y social de esos países con la presencia mudo pero inevitable de las centrales nucleares, indispensables aparentemente para la suficiencia energética, pero percibidas muchas veces como un símbolo, para unos positivo, para otros ominosamente negativo.

Y en Lens Culture recogemos otros proyecto que nos muestra el impacto negativo del desarrollo de la tecnología nuclear sobre el paisaje y las sociedades. El polaco Michał Sierakowski recorre la región de los Sudetes, en su momento una de las regiones minera más explotadas de Europa en los tiempos en los que Alemania dominó la región. Allí los soviético buscaron intensivamente el mineral de uranio, lo cual provocó graves afecciones en el medio ambiente y en la población.

Uno de los motivos de interés para algunos fotógrafos son sus propios compañeros de profesión, otros fotógrafos. En Rubixephoto nos hablan de la fotógrafa Estela de Castro y de su proyecto Fotógrafos, conjunto de retratos que intentan captar el alma de una notable colección de profesionales de la fotografía españoles, de los cuales conocemos muchas veces su obra, pero a los que no siempre ponemos cara.

Y ya que estamos con los fotógrafos españoles, quizá sea una buena idea ver el siguiente vídeo, una entrevista realizada a Javier Vallhonrat. Al principio se hace un poquito pesado, porque parece hecho principalmente para la promoción de unos talleres de fotografía. Pero conforme van pasando los minutos, te olvidas de ese hecho y te quedas con lo que nos dice y cuenta Vallhonrat. Creo que merece la pena. No recuerdo dónde encontré esta recomendación.

Otro vídeo que me ha impresionado bastante es el que está dedicado a la técnica de Michael Flomen, en esta ocasión está en inglés, advierto. Este fotógrafo crea sus obras sin aparato fotográfico, en la noche. El resultado son unas fotografías entre el registro de la naturaleza y la abstracción. Bastante interesantes. Nos lo contaron en Focale Alternative, en francés. Frente al medio metraje del vídeo de Valhonrat, este no llega a tres minutos de duración.

Ha salido hace unos días el número 79 de Fraction Magazine, revista de fotografía en línea, en el que hay diversos porfolios todos ellos interesantes. Pero yo me quedo con el titulado Nadachi del fotógrafo Seiya Bowen. En esta serie, el fotógrafo revisita los lugares de su infancia en Japón, donde el progreso está acabando con los estilos de vida tradicionales, produce importantes afectaciones del paisaje, al mismo tiempo que va vaciando de gente joven las zonas rurales y pesqueras, donde queda la gente mayor. Problemas que me suenan en mi entorno más de lo que me gustaría.

Para finalizar, dos recomendaciones que no tienen que ver con un fotógrafo en concreto.

La primera nos viene a través del blog oficial de Flickr y es que el archivo del Programa Apollo ha subido a Flickr más de 8.400 imágenes de alta resolución de las misiones de la NASA a la luna. Un verdadero tesoro que ahora podemos compartir toda la humanidad. Muchas de ellas realizadas con las Hasselblad modificadas que llevaron los astronautas norteamericanos al espacio en aquellas misiones.

La segunda es una curiosidad. Nos la cuentan en PetaPixel. Alguien se ha dedicado a recuperar y escanear viejos folletos de Disneyland. Y uno de ellos es el Kodak Camera Tour of Disneyland, el "recorrido de Disneyland con una cámara Kodak". En una época, los años 50 del siglo XX, en la que era raro que las cámaras que usaban los turistas dispusiesen de ningún tipo de dispositivo para medir la luz y calcular la exposición adecuada para la toma, Kodak proporcionaba a los visitantes de Disneyland sencillas tablas para cada atracción del parque de atracción. Tanto para las zonas a la luz del sol como a la sombra. E incluso en interiores o por la noche. Con las combinaciones más adecuadas de diafragma y velocidad de obturación según el tipo de película utilizada; Kodachrome (película inversible o diapositivas), Kodacolor (negativos en color), Ektachrome (película inversible o diapositivas) o película para tomavistas Kodachrome (película inversible). En algún caso, me ha parecido también ver la Tri-X (película negativa en blanco y negro) Además de las tablas, imágenes de muestra, casi todas realizadas con película diapositiva Kodachrome o Ektachrome, ligeramente subexpuestas para mayor saturación del color. Me encantan estas cosas.