Lo que ayer pensaba que era una infección viral totalmente banal, hoy domingo se ha convertido en un algo bastante más pesadito. Así que en todo el día he tenido muchas ganas de ponerme ante el ordenador. Me produce un tremendo dolor de cabeza. De todos modos, voy a hacer una entrada cortita... para que no haya un hueco tonto en mi dinámica de publicación. De momento, el tablero en Pinterest que os muestro hoy es el dedicado al collage, técnica mixta que siempre me ha atraído mucho, aunque nunca se me ha dado bien. En general, por supuesto, me refiero a collages físicos. Hechos con fotos, papel, pegamento y tijeras. Aunque algún caso de "collage digital" he incluido, que por su estética he pensado que no desentonaría. Pero eso no va a ser algo frecuente.
También una advertencia. En el pasado me han llegado de vez en cuando mensajes, casi siempre anónimos, de gente que se quejaba de que en mis tableros de Pinterest encontraban desnudos. Lo primero que me sale es decir, ¿y qué? Pero como ahora, con tableros temáticos, estos se circunscriben a uno de ellos, denominado como tal, avisaré que en este tablero de collages también puede haber, y de hecho hay, desnudos. Y a ver si la gente se va volviendo más normal, oye.
En cuanto a las fotografías acompañantes hoy, estoy haciendo una selección de fotografías macro y de aproximación, fundamentalmente plantas y bichos, de todo el año. Quizá para hacer un librito. No me he decidido todavía. Pero os dejo aquí algunas muestras.
Comentaba la semana pasada que había salido ya el número 94 de Fraction Magazine, fiel a su cita mensual. El que parece que ya no se actualiza es su revista hermana japonesa, que lo hacía trimestralmente. Lo último publicado es de junio. Una pena, porque a mí me parece que habitualmente tenía más nivel que la versión norteamericana.
En esta edición me ha llamado la atención el porfolio de Jasmine Clark, mujer afroamericana que ha vivido su vida próxima al entorno del ejército norteamericano, institución muy conservadora, como todos los ejércitos, donde dominan los hombres, blancos y cristianos.
También me ha parecido muy interesante el trabajo de Marna Clarke, una mujer ya mayor que ha empezado a documentar fotográficamente lo que significa para ella ser una persona que llega a la ancianidad.
En el tumblelog de Art Ruby publicaron una entrada dedicada a Liu Bolin, "El hombre invisible". Con frecuencia he visto definido a este artista chino como fotógrafo. Sinceramente, creo que no. Creo que es un artista que usa la fotografía como medio de reflejar y presentar al público sus performances, en las que pinta su cuerpo y sus ropas de forma que queda camuflado, mimetizado, de forma muy completa y eficaz en su entorno. Entornos que nos hablan de la sociedad actual, especialmente del acelerado desarrollo de las ciudades chinas. Su obra tiene cierto carácter de protesta ante la actitud de la dictadura china de impedir la libertad de los artistas. Nos habla de despersonalización dentro de la supuesta prosperidad y modernización del país. Es un artista al que cada vez le he ido pillando más el tranquillo.
Lo último que que comentaré hoy, de esta entrada mucho más reducida comparada con otros domingos, y que me está costando terminar, es una que nos traía hace unos días la web del Centro de Fotografía y Medios Documentales (CFD) de Barcelona. En ella nos hablaban del trabajo de Claire O'Keefe. Usa también técnicas mixtas, básicamente el collage a partir de fotografías vernáculas, no realizadas por ella misma, y lo que es más llamativo es que el color, y especialmente los colores de la piel son algo muy importante, ya que el desencadenante de la serie Piel, fue el diagnóstico de un melanoma en su brazo izquierdo.
Como veis, el collage y otras formas alternativas de plantear la fotografía han sido muy importantes en esta resumida entrada de hoy, que por fin termino.
En primer lugar, voy a seleccionar para mostraros uno de mis nuevos tableros en Pinterest. Esta semana me he decidido por el dedicado a la fotografía instantánea, las Polaroids, derivados y similares. Tengo pendiente un artículo dedicado a mis últimos escarceos con esta tecnología y medio de expresión fotográfica. Pero sí que he descubierto que las características de este material sensible, el pequeño tamaño de las copias y la fuerte sensación de razonamiento que te impone el precio de cada una de ellas, obliga a pensar de forma diferente que con otro tipo de técnicas fotográficas. Eso es bueno, educa el pensamiento y la creatividad. En fin, de momento el tablero que os presento me servirá para recoger fuentes de inspiración.
Mientras preparo la entrada sobre las cámaras Polaroid y sus resultados, este día de reyes pasado salí también con la vieja Agfa Billy o Agfa Jgestar 8,8, mi cámara más antigua en funcionamiento. Le puse algunos rollos de Ilford XP2 y busqué motivos para ella. Los encontré en la ribera del Ebro a su paso por Zaragoza y en el barrio de las Tenerías, en una mañana muy tranquila, en la que el bullicio estaba en los hogares donde los más pequeños abrían los regalos que los Magos de Oriente habían dejado en sus cuartos de estar y salones. Los poderosos negativos de 85 x 54 mm aproximadamente que produce esta cámara (redondeando 6 x 9 cm, la relación de aspecto es un poco más alargada que el 3:2), digitalizados a 16 bits de profundidad de color hacen que a pesar de las limitaciones de la cámara y su objetivo, dispongamos de abundante información para trabajar con ellos. Por otra parte, esas limitaciones ayudan a dotar de un carácter especial a las fotografías. No obstante, lo normal es que tras digitalizar los negativos haya que trabajarlos para ajustar tonos, contraste y mejorar algunas zonas de la imagen.
El mundo del arte moderno y contemporáneo, también la fotografía, ha estado de luto esta semana por el fallecimiento de John Berger (1926 - 2017). Aunque pintor él mismo, su fama le vino más de su carácter de crítico y teórico del arte, dejando una abundante obra que nos ayuda a comprender mejor las características del arte moderno y contemporáneo, especialmente. Su ensayo Ways of Seeing (Modos de ver), que forma parte de mi biblioteca, es probablemente su obra más famosa y divulgada, y probablemente de obligada lectura para todos los interesados por estos temas, y acompañó a una serie de televisión de la BBC que siempre me ha apetecido ver. La noticia de su fallecimiento nos llegó por múltiples vías, pero yo me quedo con la amplia nota que publicó Librería Cálamo en su facebook.
La otra "gran noticia" de la semana me ha parecido más anecdótica. También ha aparecido en multitud de lugares... Kodak, que fulminó hace unos años la producción de sus líneas de película diapositiva en color, tanto la mítica Kodachrome como la más popular Ektachrome, como sus derivados la Elite Chrome, ha anunciado que va a distribuir a través de su derivada Kodak Alaris de nuevo la película diapositiva Ektachrome. No han faltado los saltos de alegría, y la aclamación de este material sensible como película "mítica" por parte de los aficionados. Me siento más frío yo en este momento. En primer lugar, porque hoy en día no le encuentro ventaja alguna a trabajar con este material frente a los excelentes negativos en color de los que dispone la propia Kodak y otras marcas. En segundo lugar, porque hubo un montón de películas distintas a lo largo de décadas bajo la marca Ektachrome, con diferencias entre ellas. A veces considerables. Es decir, más que una película, era una marca para designar a las diapositivas que se revelaban con el proceso E-6 y precursores. No tenía el carácter distintivo y especial de las Kodachrome. Habrá que ver qué producto proponen. Alguna vez utilicé yo las Ektachrome y las Elite Chrome. Estas últimas eran las mismas películas que las anteriores pero con distinto punto de maduración para su uso por aficionados en lugar de profesionales. Lo cierto es que cuando tuve cierta capacidad de discernir las características de las películas... me pasé a las Fujichrome. Especialmente las Provia. Que de momento no se han dejado de usar. En tercer lugar, porque hace un año por estas fechas Kodak anunció a bombo y platillo la salida al mercado de un nuevo sistema de filmación en Super 8... y aun no está disponible. Así que contengamos el entusiasmo y veamos como evoluciona el asunto.
Vayamos con las Polaroid y otros materiales de fotografía instantáneo. Muchas veces considerados un medio popular y lúdico, lo cierto es que a lo largo de la historia ha habido una cierta variedad de materiales con distintas características. Y los artistas las han aprovechado. Tanto si eran primariamente fotógrafos como si no. Entre las páginas de la New York Film Academy encontramos un artículo de hace algo más de dos años, en el que hace un repaso a artistas de prestigio que usaron el medio: Ansel Adams, Andy Warhol, David Hockney, Walker Evans, André Kertész, Robert Mapplethorpe, Dash Snow, Helmut Newton, David Levinthal,... Desde los pequeños formatos populares hasta los magníficos grandes formatos, asequibles a pocos. Un artículo muy recomendable para los interesados en la técnica. Y hay más artistas que no son recogidos en el artículo.
Por ejemplo, en L'Oeil de la Photographie, esta semana han hablado de la obra de Jacques Borgetto con material instantáneo, específicamente de sus paisajes japoneses. Un ejemplo de utilización artístico de los materiales actuales de Impossible Project dentro de la fotografía artística.
Esta semana, Oscar Colorado nos ha hablado de una de las series de fotografía documental más importantes del siglo XX, desvelándonos muchos secretos sobre la misma. Se trata de la serie Country Doctor de W. Eugene Smith. Smith es un fotógrafo que me gusta muchísimo, especialmente desde que pude contemplar su obra en la Lonja de Zaragoza, hace ya siete años. Creo que es mejor que leáis vosotros mismos el extenso artículo que Colorado ha redactado. En cualquier caso, W. Eugene Smith es uno de los fotógrafos de referencia en la historia de la fotografía, y hay que conocerlo. Es obligatorio para los amantes de la fotografía.
Smith fotografió en Japón las consecuencias de la tragedia de la bahía de Minamata por la ingestión de pescado contaminado por mercurio y otros metales pesados. Pero de Japón nos llegan otras recomendaciones de carácter fotográfico no tan dramáticas. Un bello desnudo publicado en The Infinite Fragmente Datawaves of Oxane me llevó a repasar la obra del fotógrafo y poeta japonés Kansuke Yamamoto. Adscrito a la corriente del surrealismo, lo cierto es que su obra tiene un tono delicado y poético, al mismo tiempo que esa estética diferencial que en ocasiones caracteriza a los fotógrafos orientales. Os propongo un repaso en Tumblr a la obra del fotógrafo nipón, del cual tengo un libro.
Estamos en plena temporada de premios cinematográficos, y son muchas las publicaciones en las que se hacen repasos a las películas de 2016 y a los protagonistas de las mismas. En estas estamos cuando un artículo en British Journal of Photography online me muestra un bello retrato en blanco y negro de Emma Stone, una de las actrices de moda más capaces de la actualidad. El retrato de Stone forma parte de una serie de fotografías de Jack Davison para The New York Times en el que se celebra visualmente a los mejores intérpretes del año. Y lo hacen a través de un homenaje al aspecto de las películas de cine negro de la época clásica. Están muy bien.
Pasemos ahora al paisaje. Los bosques siempre me han fascinado como sujeto del paisaje. Será porque vivo en una tierra donde, por su aridez, escasean. Las densas fotografías de aspecto panorámico de Michael Lange en su serie Wald (bosque en alemán) creo que no es la primera vez que me llaman la atención. En cualquier caso, creo que recogen perfectamente lo que el imaginario colectivo ha concebido sobre lo misterioso, peligroso y a su vez lo bello, de lugares fuentes de riqueza, de maravilla, pero también de miedos y pesadillas. Nos lo han contado en L'Oeil de la Photographie.
La fotografía nocturna dicen que está de moda. Los paisajes que cambian cuando el sol se esconde y las estrellas salen. Cierto es que el mundo de la fotografía digital nos sepulta en imágenes de gran belleza, pero que se convierten en un momento dado en clichés. Las vias lácteas, las estrellas en su giro circumpolar, las auroras boreales, más raramente australes. Imágenes que hasta hace unos años, cuando había que manejar la imprevisibilidad de la película tradicional en tiempos de exposición tan largo, nos asombraban, ahora nos anestesian a pesar de su incontestable atractivo. Pero hay fotógrafos que cuando la noche cae no salen de la ciudad para sacar a pasear sus cámaras fotográficas. Es en los entornos urbanos y periurbanos donde consiguen encontrar paisajes significativos, donde además podemos dialogar con la presencia o los efectos del ser humano. En esta semana me he encontrado con dos fotógrafos que nos muestran su obra de este modo.
En el blog On Art and Esthetics nos han presentado la obra de John Vias, que nos llega desde California. Paisajes nocturnos urbanos, melancólico, con o sin presencia humana, pero donde esta siempre está presente de una forma u otra. Colores sutiles pero ricos y composiciones sencillas que no simples. Muchos de los ingredientes que hacen que me guste una fotografía.
En Feature Shoot nos presentan los paisajes nocturnos de Josh Sinn, que desde Baltimore se inspira en la música, el soul y el blues, para buscar los ambientes que el prefiere. Una paleta de colores no muy distinta del anterior, pero con un tono más melancólico. Estamos en el frío invierno de la coste este de los EE.UU. frente a la tibio clima californiano.
Hemos hablado en distintos puntos de este artículo, denso en este frío fin de semana, de distintos procesos fotográficos que andan por el mundo desde hace décadas. Y dedicaremos un par de párrafos a alguno más.
L'Oeil de la Photographie nos presenta un artículo dedicado a la obra del suizo Steeve Iuncker. Fotógrafo que permanece fiel a la fotografía argéntica en gran formato, con su cámara de 4 x 5 pulgadas. Pero lo que da un carácter especial a sus fotografías es el tono de los colores que procura el procedimiento de copia en color al carbón que inventó Théodore Henri Fresson a finales del siglo XIX y que todavía es trabajado por algún laboratorio en Francia. Tonos muy especiales.
Y aunque no me he sentido nunca muy cualificado para practicarlo, siempre me ha maravillado lo que se puede conseguir con el Collage. Dos artículos nos presentan obra fotográfica basada en esta técnica mixta. En L'Oeil de la Photographie, la obra de Paul Cava, que me ha gustado tanto que he pedido un ejemplar del libro Children of Adam, que viene acompañado de poemas de Walt Whitman. Y también en las páginas de L'Oeil de la Photographie, la obra de Penny Slinger, artista surrealista de los años 60 y 70 del siglo XX que impulsó el movimiento feminista en aquellos años culturalmente convulsos.
Hoy me ha quedado un artículo de recomendaciones muy denso. Y creo que de mucho nivel y variedad. Los comentarios sobre el nº 94 de Fraction Magazine, que ya salió hace unos días, los dejaré para el domingo que viene. Prácticamente no me queda tiempo para verlo con detalle en esta mañana de domingo.
Terminaré comentando que desde hace unos días me he suscrito al blog Richard Pickup Photography, un fotógrafo que trabaja sobretodo con película en blanco y negro y que me parece que tiene cosas muy interesantes que decir a la hora de inspirar el trabajo de los aficionados más modestos, a quienes a veces la obra de los grandes nos intimida y nos hace dudar de nuestras capacidades. Tiene una serie de 10 consejos para ser un mejor fotógrafo que me han parecido muy interesantes. Normalmente este tipo de consejos y series no me dicen gran cosa, me parecen muy estereotipados, pero la forma en que las presenta Pickup me ha parecido interesante y por eso os lo dejo aquí. Y además me parece que tienen que ver con los motivos por los cuales de vez en cuando salgo a fotografiar con una simple cámara de hace casi 90 años, como la que me ha ayudado a hacer las fotografías que ilustran el artículo de hoy. Y aunque sean fotografías modestas, me procuran cierta satisfacción.
Los de la "interanualidad" del título de la entrada es una pequeña coña que se me ha ocurrido sobre la marcha para ver si me pongo un poco de gasolina mental. Porque la verdad es que he terminado el año 2016 y empezado el 2017 en "modo modorro". Supongo que las pesadas nieblas y el frío que se han desplomado sobre Zaragoza en estas fiestas de fin de año, y llevamos ya unos cuantos días, afectan el ánimo de cualquiera. Pero esta semana también ha habido cosas interesantes sobre el mundo de la fotografía que merece la pena que comentemos. Pasaremos por alto las infinitas recopilaciones de "lo mejor del año" eso sí.
Como tablero de Pinterest os traigo el que he denominado La persona en su entorno. Fotografías en las que la persorna, el ser humano, toma una especial preminencia pero no son retratos formales. O si lo son, lo son en el entorno de actividad de la persona. Es el tablero que más ha crecido desde que dejé de lado la estrategia de tableros semanales y pasé a los temáticos.
En cuanto a las fotografías acompañantes para la entrada de hoy, tenía varias cosas... pero optaré por las tomadas con la Hasselblad 503CX y el Carl Zeiss Planar 50 mm f/2,8 T* sobre Ilford XP2 Super uno de estos días de niebla en los que estuve probando la Polaroid con una lente de aproximación. De eso, hablaré otro día.
En cuanto a las recomendaciones de esta semana interanual... Pues lo más destacado que se me ocurre es el enorme y estupendo trabajo realizado por Oscar Colorado de Oscarenfotos.com sobre la corriente denominada Subjektive Fotografie (Fotografía subjetiva). Además del artículo enlazado anteriormente, largo artículo en el que se exponen los antecedentes sobre la fotografía en Alemania en los años de entreguerras, así como las principales características y logros del movimiento tanto en la Alemania de postguerra, donde nació, como en otros países del mundo, hay también una serie de artículos y galerías de fotografías que ilustran abundantemente las características de este estilo fotográfico. Que paso a mencionar y enlazar:
Sorprende ver cómo de unos países totalmente derrotados física y moralmente, surgiera tal creatividad y tal empuje.
En función de épocas y lugares, hay creadores, en este caso fotógrafos, que tienen muchas menos posibilidades de ver su trabajo contemplado. Y eso es algo que sucedió claramente en los Estados Unidos durante décadas y décadas con respecto a los fotógrafos afroamericanos. En un régimen oficioso de "apartheid", con pocas excepciones estos profesionales sólo podían alcanzar a difundir su trabajo entre sus comunidades. Y uno de ellos como nos han mostrado en Hyperallergic fue John W. Mosley, que como podréis comprobar tenía habilidades documentales para ser incluido entre los magníficos fotógrafos que en las décadas centrales del siglo XX abundaron en el gigante americano. Aun hoy en día sigue habiendo quejas por la escasa exposición de los artistas de etnia distinta a las de origen europeo. No lo busquéis en la Wikipedia, que no está.
Para muchos, la fotografía es una nueva forma de "voyeurismo". Y por ello, en las páginas del International Center of Photography nos hablan en el ámbito de una de sus recientes exposiciones de uno de los trabajos del fotógrafo Merry Alpern, "Dirty Windows". Fotografías en blanco y negro de aspecto "sucio", como las ventanas a través de la que observa, las de un local de espectáculos para adultos. También rozando lo que es éticamente admisible dentro de la labor documental de la fotografía.
En Cada día un fotógrafo nos han presentado esta semana un par de fotógrafos que me han interesado.
En primer lugar el japonés Dairou Koga, fotógrafo con el especial gusto estético de los nipones, que combina su actividad profesional actual desde hace unos pocos años, la fotografía, con la que fue durante año, la de librero. El comentario en el artículo es breve, pero realmente al abrir su página web fue cuando me gustó realmente sus paisajes, tanto naturales, como urbanos, como alterados por el hombre. Creo entender contemplando sus fotografías que si no siempre, con frecuencia se mantiene fiel a la fotografía con película tradicional. O quizá sea debido a la evolución en el tiempo.
El segundo de los fotógrafos que me ha interesado, ha sido el croata David Jakelic. Este fotógrafo de las orillas del Adriático, hace de su entorno habitual en la costa dálmata el sujeto principal de su actividad fotográfica, bien sean sus paisajes, sus ciudades o sus gentes, o una combinació nde los tres. Fotografías serenas, con un muy buen dominio de la luz mediterránea y de la composición, como nos dicen en el artículo sabe combinar o contraponer lo antiguo y tradicional con lo moderno y actual.
David Airob es un fotoperiodista español actual que lleva ya una buena parte de su carrera a cuestas. En algún lugar que no recuerdo vi recomendado el documental La caja de cerillas, realizado por el propio Airob, y que viene muy bien para conocer su evolución y sus motivaciones. Y que os dejo enlazado aquí, aunque no sé si se verá.
En otro orden de cosas, en Lenscratch nos recomiendan el trabajo Parallax de Michael Dunev, que a pesar de tal nombre es nacido en Madrid y residente en una población de la provincia de Gerona. Trabajo que resumen cuarenta años de vida fotográfica y que se centran especialmente en el paisaje y en su relación con el ser humano. No lo conocía, y me ha parecido muy interesante.
Y finalmente dos artículos recomendados para la reflexión.
En Vantage se preguntan "¿Por qué las fotografías no paran la guerra?". Y esa es una fotografía que también me he hecho yo muchas veces. Cuando surgen las listas de "fotografías más influyentes de la historia" y las contemplo, especialmente aquellas en las que el tiempo pasado ha sido suficiente para tener realmente esa perspectiva histórica, me pregunto si realmente fueron fotografías que cambiaron algo, mucho o poco, el devenir de la humanidad. Obviamente, lo que hace que el autor se haga esta pregunta está muy relacionado con la catástrofe de Siria y de los refugiados, y cómo, ha pesar de las estremecedoras fotografías que nos van llegando, nadie parece sentirse conmovido a tomar iniciativa alguna para parar la barbarie.
Finalmente, en el blog de Thomas Hammoudi se nos plantea otra pregunta "¿Cuándo la fotografía se introduce en lo íntimo?", refiriéndose a lo íntimo como la vida propia del fotógrafo y de sus allegados y cercanos, la vida privada, la que tradicionalmente se desarrollaba de puertas adentro de nuestros hogares, físico o psicológicos. Pero estamos en un momento en el que parece que la exposición pública de lo privado está a la orden del día a través de las imágenes, ¿fotografías?, que cualquiera puede colgar de la red social de moda en ese momento. Pero, ¿son imágenes, ¿fotografías?, de la vida privada real de la persona, o no? ¿O son otra cosa, una propaganda para contarle al mundo lo "felices" que somos? En cualquier caso, en la historia de la fotografía encontramos ejemplos de fotógrafos que se han introducido y han hecho objeto de su obra lo que les es privado o íntimo. Y les da un repaso. No os lo podéis perder.
Iba a decir que las de hoy, día de Navidad, lo cual quiere decir día de modorra total, son las últimas recomendaciones fotográficas semanales del año. En un sentido estricto, es así, puesto que el próximo domingo es 1 de enero de 2017. Pero también hay que considerar que esta semana que viene transcurre fundamentalmente en el ya anciano 2016... así que en realidad, mis últimas recomendaciones del año, vendrán a principio del siguiente. Bueno... todo esto es en realidad una tontada, pero ya digo que el día de Navidad, para mí, suele equivaler al día de la modorra suprema. Para empezar os dejaré uno de los tableros en Pinterest que he ido creando en estas últimas semanales. Serán retratos o autorretratos de fotógrafos, unos más conocidos, otros menos, con o sin su herramienta de trabajo, la cámara fotográfica. Cuando digo fotógrafos me refiero a fotógrafos que efectivamente se dedica a ello, no meras personas que se retratan o se autorretratan con cámaras fotográficas. No, fotógrafos de verdad.
Las fotografías que acompañan la entrada de hoy son de ayer mismo, día de Nochebuena. Había hecho mis deberes en los días anteriores, compras diversas y esas cosas asociadas con estos días, así que esa mañana la pude dedicar a mi mismo y a mis cosas. Y salí a ellas armado con la Leica ME. Y le puse el Summicron 50/2 retráctil. Recuerdo la historia de este objetivo. Este Summicron es como los objetivos de Leica deberían ser, como los concibió su creador Oskar Barnack, compactos, ligeros, retráctiles, para ir ligero por el mundo, al mismo tiempo que con buena calidad de imagen. Este Summicron fue el primero de este nombre, en los años 50 del siglo XX, y también tuvo una versión no retráctil. Pero tiene dos defectos. La lente frontal está hecha de un material muy blando y se raya con facilidad, y como otros objetivos de la época, los lubricantes del objetivo se van evaporando, y esos vapores se depositan en las lentes del objetivo, creando una sensación de neblina en las imágenes.
El ejemplar que yo tengo está en un excelente estado de conservación, no está rayado, pero sí tiene el problema de la neblina. Cuando me lo ofrecieron, conociendo los problemas que presentaba el modelo, con seis décadas de antigüedad, dije que lo compraría pero tras la oportuna prueba. Me lo dejaron para mi viaje a Lucerna y Zúrich en agosto del año pasado, 2015, y pude comprobar que tenía el problema. No me interesó comprarlo. Una pena porque por el precio propuesto, hubiese una excelente adquisición. El objetivo era puntero en su época. Hoy, seis décadas después, hay muchos 50 mm que están a su nivel, de muchas marcas, pero sigue siendo un buen objetivo. Evidentemente con el problema de la neblina, su capacidad de resolución óptica disminuye. El caso es que en vísperas de la Navidad pasada, la de 2015, su dueño me lo volvió a ofrecer... gratis. Y entonces sí lo acepté. Lo uso poco, cuando las condiciones de luz permiten explotar sus defectos como una virtud. Luz suave, calima o niebla ligera en el ambiente, sol muy bajo... aporta a las imágenes una estética que, si no se abusa de ella, no está mal. Y ayer era un día de esos.
De todas formas, con el frío que hacía tampoco estuve de lo más inspirado, pero me traje algunas fotos del paseo que os voy a ir presentando en esta entrada. Pero vamos a las recomendaciones de hoy.
La primera cámara popular pensada para el público general fue la Kodak nº 1. Y con ella nació el eslogan más famoso de Eastman Kodak:
"You press the button, we do the rest."
"Usted pulsa el botón, nosotros hacemos el resto"
Fue el inicio de una filosofía que hizo que durante décadas, el gigante de la fotografía hoy venido a menos, fabricase fundamentalmente cámaras de gama baja para el común de la gente. Que no querían ser fotógrafos, pero querían generar sus recuerdos visuales. Y esta era una forma económica de hacerlo. Y que a Eastman Kodak le permitía vender abundante película y papel fotográficos, su principal fuente de ingresos. Cuando llegó la tecnología digital, no supieron hacer evolucionar el modelo de negocio, y hoy son una pálida sombra de lo que fueron. El cualquier caso es que aquella Kodak nº 1 tenía una peculiaridad. Las fotografías que devolvía Eastman Kodak eran circulares, como es realmente la proyección de la imagen del objetivo fotográfico. En Lomography Magazine nos recuerdan el encanto de aquellas copias con la imagen redonda. Se puede encontrar en Flickr Commons bajo dominio público.
Dos estupendos fotógrafos que conviene recordar.
En el apartado Theory and Practice de Magnum Photos han publicado un artículo dedicado al centésimo aniversario del nacimiento del fotógrafo Werner Bischof. Algunos fotógrafos ilustres han elegido algunas de sus fotografías, magnífica la del santuario Meiji de Tokio, y las comparan con las realizadas por ellos que denotan la inspiración de Bischof. Merece mucho la pena el artículo. Y la fotografía del malogrado fotógrafo suizo, que falleció prematuramente a consecuencia de un accidente de tráfico, también.
En Albedo Media (DSLR Magazine) han recordado la vida y obra de Rodney Smith, fotógrafo norteamericano de estilo muy personal, muy influido por el surrealismo, del que creo que ya os he hablado en alguna ocasión. Sus fotografías de moda, realmente tienen otro aire, muy imaginativo, y pueden ser fuente de inspiración para quienes quieran salirse de caminos trillados en el arte del retrato y la representación de la belleza.
Otro fotógrafo que, aunque vivito y coleando todavía, se ha convertido en un clásico, es el ucraniano Boris Mikhailov, que tuvo una especial habilidad para reflejar en sus fotografías la vida cotidiana de la extinta Unión Soviética, lo cual, como él mismo fotógrafo dice en el vídeo que os pongo a continuación y que ha publicado esta semana el canal de Youtube de la Tate, era un acto político en sí mismo en cada disparo del obturador de la cámara. Especialmente cuando se refiere a su famosa "Serie Roja", que lo era no por su ideología política sino por la dominancia de este coloren las fotografías.
En PhotoEspaña pudimos ver algunas de sus fotografías. Y es un fotógrafo cuyo conocimiento es obligatorio para todo aficionado.
Pasemos ahora a algunos fotógrafos contemporáneos, empezando por Donato di Camillo a quien nos presentan en Yorokubu. Di Camillo es un fotógrafo que comenzó su carrera, mejor dicho hizo sus primeras fotos, a los 43 años tras una estancia en prisión. Y a partir de ahí nos ofrece su visión de las gentes menos glamurosas de la ciudad de Nueva York. Y lo hace bien.
Me han interesado los retratos de carácter conceptual de la fotógrafa Lubna Abdelaziz, joven autodidacta egipcia, que profesionalmente se dedica al diseño gráfico. Normalmente, su estilo de fotografía no consigue atraerme mucho, pero los contenidos y las mujeres que aparecen en sus fotografías me parecen conceptualmente superiores a los de otros fotógrafos y fotógrafas jóvenes actuales que usan, o abusan, de una estética similar. Nos lo contaron, y nos mostraron sus fotografías, en On Art and Esthetics.
Me suena que la fotógrafa inglesa Harley Weir (Tumblr) ya ha sido comentada en estas páginas. Bueno. Da igual. En Albedo Media (DSLR Magazine) le han dedicado un artículo esta semana situándola como una de las fotógrafas del mundo de la moda más interesantes de la actualidad, especialmente teniendo en cuenta que es una mujer joven que no ha cumplido aún los 30 años. A mí, que no soy especialmente aficionado a la fotografía del mundo de la moda, me parece que las fotografía de Weir transmiten algo más que la superficialidad y los conceptos trillados que habitualmente percibo en ese mundo.
En Clavo Ardiendo nos descubren a una fotógrafa japonesa, que ya lleva un tiempo trabajándose esto de la fotografía, pero que probablemente no sea excesvamente conocida. Se trata de Emi Anrakuji. Puede que también haya salido por aquí previamente, porque su historia me suena, pero es que me interesa. Tras sufrir un tumor cerebral, el arte, y la fotografía en concreto, le permitieron ir saliendo adelante en su recuperación. Su trabajo es autorreferente, utilizando su cuerpo como sujeto de sus fotografías. Algunas de ellas tienen un carácter fantasmal, oscuro, mientras que otras tienen un cierto erotismo clandestino, que la fotógrafo parece negar. Incluye entrevista el artículo.
En numerosas ocasiones en manifestado mi preferencia por el paisaje en blanco y negro, ejecutado con sencillez, preferentemente en formato cuadrado. Pocos elementos, líneas claras y sencillas, eventuales exposiciones largas, contrastes marcados. Uno de los fotógrafos más elegantes en este estilo paisajístico, que nos limpia las ideas del abuso actual del paisaje digital con procesados excesivamente agresivos, es Hengki Koentjoro, y su campo de actuación, Indonesia. Nos lo mostraron en Feature Shoot.
Magnum Photos ha tomado una iniciativa que me parece muy interesante. Ha editado un manual titulado Europa: An Illustrated Introduction to Europe for Migrants and Refugees (Europa: Una introducción ilustrada a Europa para inmigrantes y refugiados). Busca ser una guía para ayudar a esos recién llegados al viejo continente a comprender mejor el lugar al que llegan. Pero también, gracias al texto y a las fotografías de los asociados de Magnum Photos, es una reflexión sobre este fenómeno que tan profundas consecuencias puede tener para la sociedad europea y para el mundo en general. Y el caso es que se puede descargar gratuitamente para que cualquiera lo pueda leer y hojear, en formato electrónico. En inglés, árabe, farsi y francés. Está en formato ePub. También se puede encontrar en PDF en varios lenguajes al mismo tiempo. O podemos ver las fotografías del libro.
Y quiero terminar comentando una nueva fuente de información que he añadido esta semana para adquirir mis habituales recomendaciones sobre fotografía semanales. Se trata de Boooooom, y es un sitio en internet dedicado a la difusión de diversas disciplinas del arte contemporáneo, la fotografía entre ellas. Y lo voy a seguir. Os dejo a continuación los útlimos fotógrafos a los que han dirigido su foco.
Llegamos casi al final de año, y con una novedad anticipada ya en semanas pasadas. Ya no voy a elaborar más los tableros de Pinterest de la semana. Se me estaban acumulando muchos, más de sesenta, sin que sean prácticos una vez pasada la semana en que se recopilan. Por lo tanto, ahora tendré tableros temáticos, y todas las semanas os recomendaré uno. Desde que abrí la cuenta en Pinterest, y porque era una motivación que yo sentía entonces, abrí uno dedicado al bodegón y la naturaleza muerta, y ese es el que os dejo hoy como recomendación, porque es el más nutrido de los que tengo. Pero poco a poco habrá otros interesantes. Podéis visitar mi página en Pinterest para irlos viendo desde este mismo momento.
En cuanto a las fotografías de hoy, hace unas semanas os mostraba algunas fotografías digitalizadas a partir de copias en papel de unas vacaciones en París en el "acueducto" de la "inmaculada constitución" de diciembre de 1996. Entre ayer y hoy he estado revisando los negativos. A la espera de digitalizar alguno a alta resolución con la cámara y el objetivo macro, he hecho una digitalización previa con el escáner Epson Perfection Photo V600, para ir más rápido... o mejor dicho, para poder hacer otras cosas mientras se escaneaban. Forzando un poco la máquina, los he digitalizado a 2400 ppp, en el límite de lo razonable con este aparato (que está entre 1600 y 2400 píxeles por pulgada, siendo la mejor opción en calidad la de 1800 ppp, pero con unos archivos muy pequeños para formato pequeño de 24 x 36 mm). Con los 2400 ppp, se obtienen unos archivos de 6 megapíxeles, aunque es dudoso que la resolución del detalle fino sea mejor que con los 1800 ppp. Con esta resolución nos tenemos que conformar con 4 megapíxeles.
Visto en retrospectiva, a 20 años de distancia, aunque fue un viaje divertido del que guardo algún que otro recuerdo entrañable, la planificación fotográfica fue lamentable. Predominio de películas de 100 ISO, que con la niebla y carencia de luz obligaban a disparar con las aberturas máximas de los objetivos, que no son las mejores para vistas generales. Hice más fotografías en blanco y negro que en color, y si bien es cierto que tengo algunas razonablemente interesantes, la cosa podría haber sido mejor. Usé negativos Agfapan APX 100 y Kodak T-MAX 400, probablemente revelados con Agfa Rodinal. Ningún problema con los APX100, pero a los T-MAX 400 le sientan regular estos reveladores tradicionales, y hubiera sido mejor usar un revelador más moderno o dedicado. En cualquier caso, en la medida en que los negativos tienen buena densidad y tienen las sombras respetadas, los resultados son razonables.
Empezaremos las recomendaciones de la semana con las fotografías del británico Felice Beato, tal y como nos cuentan en ClavoArdiendo Magazine. Coincidiendo con la apertura de Japón al exterior en la era Meiji, también hubo un aumento del interés de Occidente por el País del Sol Naciente, especialmente por sus manifestaciones artísticas y culturales. Hubo un cierto movimiento de "orientalismo", que influyó en pintores modernos a partir del impresionismo. Beato abrió en 1863 un estudio fotográfico en Yokohama, ciudad que se encuentra en la misma bahía de Tokio, y allí permaneción durante 21 años. Su colección de fotografías de la época, muchas de las cuales fueron coloreadas por artistas contratados por el fotógrafo son un documento notable de una época y de una sociedad.
Otra historia relacionada con la fotografía y Japón que nos llega desde PetaPixel... este vídeo en Vimeo.
Se trata del testimonio de Russell Gackenbach, que viajando en un bombardero, "Necessary Evil", que acompañaba al "Enola Gay", capturó con su cámara privada un par de instantáneas de los primeros momentos de la explosión de la primera atómica detonada en una acción de guerra, sobre Hiroshima. Un hecho sobre el que pensado estos días viendo una serie de televisión sobre la que os hablaré dentro de unos días.
En compañía de mi hermana, con quien coincidí esos días, que estaba de "au pair" en París, en los jardines del Luxembourg.
Desconozco, no recuerdo vamos, de donde me llegó el conocimiento del fotógrafo valenciano Daniel Belenguer. Este es un fotógrafo valenciano que me parece interesante in sí mismo, y cuyo portfolio, con un tono fundamentalmente documental y etnográfico, merece la pena ser revisado. Pero es que además, publica un blog, Spain Images, que me ha parecido interesante como fuente de información. Entre los artículos que publica en el mismo están aquellos agrupados bajo la categoría Balas de plata, en los que habla de fotógrafos más que notables, y entiendo que lo hace sobre la base de que son fotógrafos todavía fieles en su totalidad o en parte a los haluros de plata, y de ahí el nombre de la serie. Me he suscrito, y no será de extrañar que traiga alguna recomendación de lo que Daniel proponga. Porque os hagáis una idea, en los últimos tiempos ha hablado de gente tan interesante como Adriana Lestido, Robert Adams, o Trent Parke.
Siguiendo con las tecnologías tradicionales, en L'Oeil de la Photographie, en su edición de los fines de semanas dedicada a las fotografías de los lectores, han publicado el trabajo de Mindaugas Gabrenas, fotógrafo aficionado lituano, que trabaja con cámaras que van desde las Hasselblad hasta las fabricadas caseramente por él mismo, con todas las "imperfecciones" que eso confiere a las imágenes. Aunque como muchos fotógrafos que optan por soluciones similares hace mucho blanco y negro, también se ha atrevido con el color, mucho más difícil de controlar con este tipo de aparatos. Y desde mi punto de vista, con éxito.
Y también es difícil la fotografía estenopeica en color. En Onfilm.photo han dedicado un artículo reciente a Nils Karlson (Flickr buscar entre los álbumes los dedicados a la fotografía estenopeica o "pinhole", porque también usa otras cámaras de medio formato para película tradicional). Este fotógrafo hace fotografía estenopeica pero sobre negativo. Y ha buscado la mejor tecnología posible ya que busca conseguir imágenes lo más precisas y nítidas posibles pero sin que quede lugar a dudas de que se trata de fotografía estenopeica. Lo cual lleva a la necesidad de conseguir estenopos lo más fino posibles, con números f muy altos, y muy regulares en sus contornos. Podéis juzgar a través de sus fotografías. A mí me gustaría conseguir algo parecido, pero con las que tengo, que tienen una número f de aproximadamente f/135, para negativos entre 6 x 6 cm y 6 x 12 cm, no consigo nunca el nivel de nitidez que me gustaría conseguir. Probablemnte tendría que conseguir un estenopo que me diera un f/256 o f/512.
Termino con un repaso a las fotografías de National Geographic, pero no a las que sus fotógrafos toman por todo el mundo, sino aquellas que son realizada dentro del país que vio nacer a esta sociedad, los Estados Unidos. Lo que me gustan de estas colecciones de fotografías, es que muchas de las fotos en color realizadas en los años 40, 50, o 60 usaron material sensible Kodachrome, que da unos colores tan característicos a las imágenes. Unos colores que, aunque se puedan simular hasta cierto punto con procesos digitales, no he visto fielmente reproducidos más que con el extinto material original. Nos hablaron de ello en L'Oeil de la Photographie.
