No sé muy bien qué ha pasado esta semana, pero no tengo muchas recomendaciones marcadas. Bueno. Sí que lo sé. Que no he parado de hacer un montón de cosas que tenía que hacer, y no le he dedicado tiempo a la fotografía. Y es que desde hace dos días estoy formalmente de vacaciones durante dos semanas. Lo cual quiere decir que estoy a punto de salir de viaje, y esta sección de recomendaciones quedará vacante durante, calculo yo, al menos dos domingos.
Sí que me dio el viernes por la tarde para actualizar el firmware de la Panasonic Lumix G9. Viene con una serie de mejoras varias que no voy a detallar. Pero una cosa que me ha llamado la atención es que viene con un nuevo perfil en blanco y negro que parecía interesante. Estos perfiles prefabricados son interesantes en dos situaciones. En vídeo, cuando no te interesa perder tiempo luego en la gradación del color, luminosidad y contraste. En fotografía, para compartir de forma inmediata, sin tiempo de procesar el archivo raw. Generas un JPEG acompañante con el perfil que te interese, expones de forma adecuada para un resultado inmediato conveniente, y a compartir sin perder tiempo en procesados en el móvil o en la tableta. La versión definitiva ya saldrá más adelante del raw. Y el nuevo perfil en blanco y negro me parecía interesante y lo estuve probando ayer, mientras visitábamos una exposición del pintor Rebullida en la Lonja de Zaragoza, y luego mientras paseábamos antes de refugiarnos a cenar algo durante la tormenta vespertina que cayó sobre la ciudad. Fotografías no procesadas, salvo el marco, directas de cámara.
Un fenómeno muy americano durante la posguerra mundial fue el de las pin-up. Señoritas de muy buen ver, en fotografía o ilustración, de formas muy neumáticas, muy curvilíneas, con ropa escasa, que se popularizaron en una sociedad paradójicamente muy conservadora. La pin-up por excelencia fue Bettie Page. Y probablemente las mejores fotografías de Page las hizo Bunny Yeager, fotógrafa que fue modelo y pin up antes de fotógrafa. Quizá por eso entendió a Bettie mejor que nadie. Lo vi en AnOther Magazine.
Es curioso que generalmente descubro más fotógrafos emergentes españoles en las páginas del British Journal of Photography que de los medios especializados nacionales. Estos parece que apuestan sobre seguro, sin riesgos, y suelen hablar de los fotógrafos consagrados, o incluso en los ya extintos, antes que mojarse sobre los emergentes. Los dos últimos que nos descubre el BJP son una pareja de lorquinos, JD Valiente y Sole Satana, con un curioso e interesante trabajo sobre los fiambres y la cultura de la chacinería... algo tan español, y al mismo tiempo tan universal.
Desde hace un tiempo voy siguiendo un sitio web dedicado a la fotografía contemporánea en China, Photography of China. Ya he traído a estas páginas varias recomendaciones en los últimos meses. Esta gente tiene también un canal en Youtube que es interesante seguir. Y en este canal presentan una serie denominada "Shortcut", la mayoría de sus vídeos, con entrevistas rápidas a fotógrafos chinos, o de otras nacionalidades pero que trabajan en China. Esta semana han presentado dos. Uno dedicado a la pareja chinoneerlandesa formada por Ning Kai y Sabrina Scarpa, y otro dedicado al fotógrafo chino Ou Zhihang. El trabajo de este último, que implica también la performance, me ha parecido especialmente interesante. Os dejo los vídeos.
En Oldskull estuve leyendo y viendo el reportaje de la noruega Andrea Gjestvang sobre las secuelas en los supervivientes de los atentados del verano de 2011 en Noruega. Un suceso que afectó notablemente a la sociedad de ese pacífico país, y que puso de manifiesto que nadie está libre del resurgimiento de la intolerancia violenta fascista. Me da igual que sea de forma organizada que por la ida de olla de un individuo en particular. Es una enfermedad que parece residir con demasiada frecuencia en la mente del ser humano. Los retratos que nos ofrece la fotógrafa noruega son estupendos, llenos de empatía y entorno.
Aesthetica Magazine es una interesante revista de arte contemporáneo que presenta con frecuencia trabajos de fotógrafos actuales. Lo que pasa que hay que disfrutarla en formato de papel, y no es fácil. Pero en la última semana nos ha ofrecido con la salida de su número 83 una serie de trabajos muy interesantes, que resumo a continuación.
Serie colaborativa de Michelle Cho y June Kim, donde trabajan las ideas de cotidianidad en un entorno inspirado por determinadas formas arquitectónicas.
Variedad de recomendaciones esta semana, en la que destacarán algunos paisajes y también algunas tendencias actuales a la hora de analizar las relaciones humanas o las sociedades actuales. Con cierto tono crítico sobre todo. También veremos algunos fotógrafos españoles y las recomendaciones que llegan desde mi panel en Tumblr. Las fotografías que acompañan la entrada de hoy proceden de lo que yo llamo los "carretes perdidos". En concreto este es un Ilford Delta 100 que cargué en la Leica CL con el Carl Zeiss Planar 50 mm 1:2 ZM en uno de los talleres de retrato de esta primavera, y que he ido exponiendo desde entonces, sin mucho propósito la verdad. Pero por ejemplo ayer me encontré un carrete de Kodak Portra 160 en la Leica M2, que no tengo ni idea de qué hay. Sospecho que nada, pero no me acuerdo... En fin. A las recomendaciones.
Como siempre, empiezo por los clásicos o los antiguos. En general, seguir los blogs y similares de la Lomographic Society tiene mucho de pérdida de tiempo. El empeño que muestran en defender una cantidad inconmensurable de fotografías de colores chillones, falsos, desenfocadas y sin mucho contenido real es notable. Pero de vez en cuando tiran de clásicos y antiguos, pretendiendo ser herederos de aquellos. Nos olvidamos que aquellos intentaban obtener lo mejor de sus limitados equipos, mientras que los "lomógrafos" se apuntan a la cutredad, al descontrol y al azar,... menos algunos que curiosamente obtienen resultado interesantes. En cualquier caso, en esta semanas nos han mostrado unos autocromos realizados en la segunda década del siglo XX por el fotógrafo Hugo Viewegar en Edmonton, Canadá. Como me gustan estos precursores de la fotografía en color. Los podemos encontrar en el Flickr de los Archivos Provinciales de Alberta, en el álbum denominado Autochromes. Mientras sigan, de vez en cuando, enseñándonos algunos ejemplos de estos, seguiremos siguiendo los blogs y similares lomográficos.
Se ha comentado la enésima potencia de veces la influencia mutua entre la fotografía y la pintura, y no digamos si el pintor en cuestión es Edward Hopper. Yo tengo un estupendo libro que nos habla de la influencia de Hopper en la fotografía. Esta semana, en The Luminous Landscape, hemos podido ver y leer una artículo de Rodger Kingston en el que nos muestra y comenta cómo a lo largo de los años ha ido acumulando un cuerpo de obra que de forma no sistemática pero indudable muestra el carácter y la influencia del pintor en sus fotografías. A mí me parece que las fotografías están muy bien, y las reflexiones me parecen muy interesantes.
En American Suburb X reproducen una conferencia que el alemán Wolfgang Tillmans impartió hace unos años. Tillmans es uno de esos fotógrafos alemanes que tanto se valoran hoy en día, especialmente en las subastas de arte, pero que a mí me convencen sólo a medias. En cualquier caso, nos muestra una forma distinta de observar y fotografiar el mundo que merece la pena conocer. Aunque luego como yo decidas que hay otras que te interesan más.
No es infrecuente que haya medios que se sorprendan y comenten cómo emergen cada vez más fotógrafos chinos. A ver... si la población de la República Popular China es el 20% de la mundial, lo raro es que no aparezcan más... El caso es que es cierto que cada vez reciben más atención de los medios. Aunque en ocasiones hay una sensación de monotonía en los temas y las estéticas. Esta semana, sin embargo, en el blog Bokeh de los siempre divertidos DigitalRev se fijaban en el irreverente y joven fotógrafo Wang Wei, pequinés que nos ofrece una visión de su entorno entre lo extraña, lo irreverente y la búsqueda de la empatía con sus conciudadanos. En cualquier caso, alegre, desenfadada, pero en absoluto banal. Confía básicamente en sus cámaras de película tradicional para realizar sus fotografías.
En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, de entre las propuestas que nos han traido esta semana, me han interesado dos de nacionalidad española. Por un lado, los fotogramas de Tomy Ceballos. Dejando aparte el hecho de que es un ejemplo de cómo hay técnicas alternativas para dar y tomar en fotografía, y que merecería la pena a lo mejor dedicarles algún tiempo, sus obras tienen contenido propio con interés suficiente para conocerlo independientemente de cómo esté hecho. Aunque su peculiar técnica marca mucho los resultados que obtiene Ceballos. Por otro lado, la fotógrafa y escultora Naia del Castillo, con una obra muy conceptual, reflexionando sobre el papel de la mujer en el mundo actual. Técnicas las suyas que me parecen menos accesibles al común de los mortales (a mí la escultura siempre me ha parecido un mundo difícil, para mí totalmente inaccesible salvo como espectador), pero que también merecen la pena ser conocidas.
Paisajes. Es un género que me gusta mucho. Y me da la impresión de que últimamente lo traigo poco. Veamos algunos ejemplos interesantes que han aparecido esta semana.
En el Tumblr de Photojojo nos hablan del trabajo de Valerio Vicenzo, recorriendo las abiertas fronteras de la Europa común, y fotografiando aquellos puntos en los que un mismo paisaje pertenece a dos países, sin que necesariamente se perciba la diferencia entre ambos. Algo que debe sorprender mucho en los Estados Unidos, ya que ha aparecido en varias fuentes de ese país, con comentarios que muestran cierto grado de sorpresa ante estas fronteras sin vigilancia, sin controles, con libertad de circulación de los ciudadanos... Siempre han estado allí muy recelosos y poniendo trabas a la Europa común... y se nota, que así vamos...
Algunas fotografías interesantes que he encontrado entre mis suscripciones en mi panel de Tumblr y que me han empujado a saber algo más de sus autores.
Finalmente, siguiendo con las técnicas con pelicula tradicional, las fotografías que nos muestran en Photoshelter Blog, realizadas por Greg Miller con una cámara de gran formato de 8 x 10" (aproximadamente 20 x 25 cm de negativo o diapositiva) me parecen absolutamente lujosas. La calidad estética del gran formato, sus posibilidades de control complejas pero casi ilimitadas, unidas a una composición y control del color envidiables.
