No tengo una gran "producción" propia fotográfica reciente. Tengo algún paisaje en blanco y negro, pero al que quiero dedicar un artículo propio, puesto que además supone un comentario de mi reencuentro con la película Ilford Delta 100, un reencuentro muy feliz, he de decir. Y también estoy esperando los resultados de algunos carretes en color de hace un par de semanas... Y bueno, ayer desempolvé la cámara de cajón, la Agfa Synchro Box, pero todavía no he revelado esos Ilford FP4 Plus expuestos a IE 200. Así que tiraré de archivo para ilustrar las recomendaciones semanales de este domingo, en el que ando modorro puesto que me ayer sábado me acosté tarde. El caso es que en la velada tras la cena, se habló de viajes recientes. Y a colación salió que algunos de nosotros, en distintos momentos del año visitamos la ciudad danesa de Aarhus. O Århus. En concreto una reinterpretación en blanco y negro del amplio paseo que nos dimos por el parque y el bosque de Moesgaard, o Moesgård, hasta la playa del mismo nombre.
Es carnaval. Nunca tengo clara la vigencia de esta fiesta, dado que nadie, o casi nadie, guarda los más o menos absurdos preceptos de la cuaresma cristiana. Pero bueno, si la gente se lo pasa bien... Pero podemos ver también algún ejemplo de como el carnaval tiene su reflejo en la fotografía. No nos iremos a ver las espectaculares garotas de las escuelas de samba cariocas. De acuerdo con la propuesta de Magnum Photos, acompañaremos a la fotógrafa Susan Meiselas (en Magnum Photos) por las modesta barracas de feria con espectáculos de striptease de los fríos y desangelados carnavales de Nueva Inglaterra en los años 70 del siglo XX. Un trabajo lleno de melancolía, pero también de humanidad, que ya es un clásico de la fotografía documental.
Por cierto, en LensCulture nos proponen un libro dedicado a esta fotógrafa, Susan Meiselas, On the Frontline, una antológica de alguna de sus obras más representativas publicadas o no hasta la fecha. Creo que me lo voy a agenciar, porque no tengo ningún libro de Meiselas en la biblioteca, y este tiene muy buena pinta. Siempre he tenido la sensación de que es una de las fotógrafas más honestas que conozco.
No se ha hablado mucho de la cuestión. Pero el año pasado fue el 80º aniversario del comienzo de la Segunda Guerra Sinojaponesa. La visión eurocéntrica u occidental de la historia, con el especial dominio del mundo anglosajón, hace que se considere que la Segunda Guerra Mundial comenzase un 1 de septiembre de 1939, un 7 de diciembre de 1941 para los estadounidenses. Pero diversas regiones del mundo ya estaban en guerra contra los fascismos desde años antes. Desde julio de 1936 en España, desde agosto de 1937 en China... por poner algunos ejemplos. En Photography of China nos lo recuerda con un vídeo con imágenes de Shanghái en la época.
Por cierto, recientemente se ha publicado en China el último libro de Haruki Murakami, que nos habla de lo que sucedió en Nanjin durante aquella horrible guerra. Y en un momento en que un gobierno conservador del País del Sol Naciente amenaza con el revisionismo de la historia, minimizando o negando las atrocidades niponas en territorio chino, Murakami escribe con sinceridad y sin tapujos. En España tendremos que esperar hasta otoño para disponer de una traducción al castellano. Hace casi un año que salió la versión original en japonés.
En Clavoardiendo entrevistan a Joan Fontcuberta. Fontcuberta es uno de los fotógrafos españoles con más reconocimiento internacional, habiendo ganado numerosos galardones que lo demuestran. No solamente es fotógrafo, un fotógrafo que muchas veces es deliberadamente provocador, sino que también ha escrito libros como teórico de la fotografía, como persona que reflexiona sobre la naturaleza de la misma. Con los cuales podrás estar más o menos de acuerdo, pero ahí están. Curiosamente, en los medios más o menos especializados de nuestro país, es criticado con bastante frecuencia. Diríase que algunos le tienen "paquete". Parece que no comparten su sentido del humor. O tal vez se aplique aquello de "nadie es profeta en su tierra". O es un ejemplo más del cainismo ibérico. A mí, sus obras unas veces me gustan más y otras menos, pero le tengo respeto. Y me alegro de la entrevista tranquila e interesante que aquí os propongo.
Nobuyoshi Araki es sin duda el fotógrafo japonés más conocido, y con frecuencia lo traigo a estas páginas. Es muy controvertido por la forma en que aborda la sexualidad y el modo en que a veces aparecen las mujeres en su prolífica obra. En Dazed publican un artículo sobre la obra más erótica de Araki, y la entroncan con la tradición de los grabados Shunga. Representaciones pornográficas, a veces muy extravagantes, que aun estando prohibidas durante siglos, abundan, y en su autoría participaron gente tan importante como Katsushika Hokusai. Creo que las reflexiones son interesantes. Y determinados trabajos muestran que siente un respeto por las mujeres probablemente mayor de lo que muchos que lo censuran tienen. Siempre he admirado los trabajos relacionados con su malograda esposa, fallecida a una edad temprana, y que son una tremenda declaración de amor y de duelo.
España tiene su cara oscura. Esa España profunda que muchas veces se asocia a las zonas rurales, donde persisten costumbres atávicas, a veces brutales, que cada vez nos asombran más. Siempre he creído que son más propias de la incultura que del hecho rural. Conozco demasiada buena gente que vive en los pueblos como para pensar de otra forma. Pero es cierto que ahí hay todavía un resquicio de la España más bruta y sin sentido. Probablemente sea así en todos los países en mayor o menor medida; sea algo humano y no exclusivamente ibérico. En Yorokobu nos propone un recorrido por los duros y descarnados pueblos del Mestrazgo de Castellón y Teruel, comarca de gran belleza, pero donde un tierra poble, el clima duro y el aislamiento ha condicionado el carácter y las costumbres de las gentes. El fotógrafo es Jesús Monterde que, si no le he entendido mal, es un nativo de la zona, del pueblo castellonense de Benassal. Fotografías ásperas, duras, directas en ocasiones, metafóricas en otras.
En mi Cuaderno de ruta os hablaba hace unos días del Atlas de las Islas Remotas de la alemana Judith Schalansky. Un libro que me gustó mucho. Una de las islas de las que habla es la isla de Pingelap, un atolón perdido en algún lugar del Oceano Pacífico con menos de 300 habitantes permanentes. Y en la que hay una elevada proporción de personas con acromatopsia, una forma de ceguera al color, transmitida genéticamente. En LensCulture me he encontrado esta semana con un artículo que habla del trabajo que ha realizado la fotógrafa belga radicada en Amsterdam Sanne De Wilde al respecto. Tirando de la alteración del color en la fotografía digital en el ámbito del infrarrojo o de la fotografía monocroma.
Para finalizar, de la mano de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, os traigo la recomendación de la fotógrafa australiana Prue Stent. El artículo habla del "surrealismo" de las imágenes... aunque yo no las veo así. Creo que es más bien una reflexión sobre la estética y el cuerpo de la feminidad a partir de performances de la propia autora y otras mujeres cercanas a ellas que quedan reflejadas en las fotografías que las documentan de forma magistral. Y lo que es más, consigue que el rosa y sus derivados dejen de ser unos colores absolutamente estomagantes, tal y como se utilizan habitualmente en nuestra sociedad.
No tengo muchas posibles recomendaciones marcadas esta semana. Las suficientes para dejar una entrada digna, pero no sé si es que estado muy liado con cuestiones diversas o que el maldito "viernes negro" absorbe la energía del personal en esta orgía de compra-venta consumista importada de los EE.UU. Que conste que yo también he picado, que he comprado una mochila fotográfica más grande que la que tengo por un precio muy muy muy ajustadito. Ya veremos que tal sale. Y acabo de recibir un mensaje de correos diciendo que igual me la traen hoy domingo... pues no pienso estar pendiente. Si la traen mientras estoy en casa bien, pero si no... otro día. Que yo no les he pedido que trabajen en domingo.
En cuanto a las fotografías que acompañan... Desde que salió al mercado a principios de año, me he aficionado a la película Bergger Pancro 400, que actualmente se ha convertido en la que más uso para esta sensibilidad, los ISO 400. Pero hasta el momento sólo la había usado en formato medio. Hace unas semanas encargué algunos carretes en formato 135... ya haré un artículo específico al respecto, pero aquí os dejo algunas fotos realizadas con esta película con la Leica Minilux. Que me sigue pareciendo una cámara deliciosa de usar.
En primer lugar, desde la Photographers Gallery, un artículo sobre las polaroids de Wim Wenders. Es conocido, y lo he comentado en alguna ocasión en estas páginas o en mi Cuaderno de ruta, que el director de cine alemán también le da a la fotografía, siendo especialmente interesantes y llamativas sus panorámicas. También a veces trabaja esta faceta artística con su mujer, Donata. Bueno, pues también con las polaroids. Os dejo un vídeo sobre el tema (en inglés).
Nobuyoshi Araki es más que probablemente el más conocido de los fotógrafos japoneses. También uno de los más controvertidos, por sus temas, siempre con la sexualidad y la muerte a vueltas. También uno de los más prolíficos. Y también uno de los más sensibles... yo vuelvo una y otra vez sobre su Sentimental Journey. Pero también es uno de los que más han experimentado con la técnica fotográfica y con sus posibilidades. En Dazed nos muestran algunos de sus trabajos menos conocidos en los que las técnicas mixtas con la pintura estan a la orden del día.
Otro fotógrafo polémico por la forma en que trata sus temas es Andres Serrano, un neoyorkino con raíces latinoamericanas. Ha sido anatemizado por todo tipo de grupos religiosos por su forma de tratar el fenómeno de la religión, y sus retratos suelen tener un fuerte contenido político, comprometido. En Clavoardiendo Magazine lo han entrevistado para que lo conozcamos un poco mejor.
No conocía yo al argentino Pedro Luis Raota, fotógrafo que murió prematuramente hace ya unas décadas. En Iconic Photos nos hablan de él y dicen de él que es considerado el "Ansel Adams de Argentina"... No le veo muchos parecidos a la obra de ambos fotógrafos. pero lo que sí que es evidente que el carácter documental de su fotografía no está reñido con una estética absolutamente impresionante y con un dominio del blanco y negro y de la luz magistral.
Existe un grupo de países en la Penísula arábiga que marcan una serie inabarcable de contradicciones entre la naturaleza de sus conservadoras sociedades de inspiración islámica, la presencia impacable del desierto que domina el paisaje, y los cambios sociales y urbanísticos que derivan de la abundancia del dinero con origen en la explotación del petróleo. En Lensculture hemos podido ver algunos ejemplos del trabajo del fotógrafo Philip Cheung que ha trabajado en los Emiratos Árabes Unidos, poniendo de manifiesto las incongruencias del paisaje de estos países, que nos hablan de las incongruencias de las sociedades que albergan.
Desde el blog de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos llega la recomendación del trabajo de una fotógrafa de raíces multiculturales. Chieska Fortune Smith es estadounidense, de madre japonesa y padre afroamericano con antepasados nativos americanos. Ha vivido o vive en EE.UU., Japón y el Reino Unido. Bien sea a través de sus abstracciones, su estudio de las formas, o de sus retratos, la fotografía de Chieska Smith es muy expresiva y muy personal. Trabaja con película tradicional pero con procesado digital. A mí me ha interesado mucho.
Para terminar, hablaré de RECO, un colectivo de jóvenes fotógrafos japoneses que van a la suya, encantados de haberse conocido. Con trabajos que muchas veces no trascienden de lo anecdótico, pero que siempre son elegantes y estéticamente cuidados. Y ocasionalmente, más allá del buen rollo que desprenden, publican alguna serie de fotografías que te hace detener un poco más. Como una de esta semana que titulan Surréalisme, de uno de ellos que he llegado a la conclusión que se llama Tetsuya Nomura (instagram). Tengo mis dudas de que tengan claro el concepto de surrealismo, pero... Como digo, la mayor parte de las veces son anecdóticos, pero simpáticos y con buen rollo. Y a veces nos muestran bonitos paisajes del otoño en Kioto o de la primavera en otras ciudades del País del Sol naciente. Todo lo escriben en japonés. Si tiráis de traductor de Google y os defendéis con el inglés, os recomiendo que traduzcáis al idioma de Shakespeare, que es muchísimo más comprensible que intentar traducir del nipón al castellano.
Ayer domingo no me dio la vida para escribir mis habituales recomendaciones fotográficas de casi todos los domingos. He tenido un fin de semana raro, ocupado, aunque entretenido y agradable, habiendo de atender a diversos compromisos, que si no eran simultáneos, poco les faltaban. Compromisos es mucho decir, puesto que todos eran opciones de tiempo libre que podría haber elegido no hacer. Pero una vez que las eliges, se convierten en un compromiso. Uno de ellos fue el recorrido que realicé con un relativamente nutrido grupo de fotógrafos y aficionados a la fotografía por el barrio de Valdefierro de Zaragoza, para recorrer las obras de la edición de 2017 del Festival de Arte Urbano Asalto. De ahí proceden las fotografías que muestro en esta entrada.
Estas proceden de la pequeña Panasonic Lumix GM5, cámara digital que me llevé con el fin de obtener unas cuantas fotos de uso inmediato. Pero dentro de unos días empezarán a aparecer en mi cuenta de Instagram las Impossible Project en color que realice, u os contaré de los dos carretes de Fujifilm Superia XTra 400 que realicé con la Canon EOS 650. Sí, Impossible; todavía no he adquirido ni he llegado a la situación de utilizar una de las nuevas Polaroid Originals.
Siguiendo siempre un criterio más o menos cronológico, aunque sin que sea excesivamente preciso, empiezo hablando esta semana de la obra de Alfred Stieglitz, uno de los fotógrafos y teóricos de la fotografía que ha dado la historia de este medio de expresión en el siglo XX. Abanderó el abandono del pictorialismo y la búsqueda de modos de expresión propios para la fotografía, así como la entrada de la misma en los museos. En Lomography Magazine nos hablan de las diversas facetas de Stieglitz como fotógrafo y, en especial, de su faceta de fotógrafo surrealista. O al menos muy influenciado por esta corriente artística.
Stieglitz quien realizó la fotografía a La fuente, el famoso urinario puesto del revés de Marcel Duchamp, que epató al mundo del arte moderno en la segunda década del siglo XX. Paul Outerbridge fue otro importante fotógrafo que también vivió y se desarrolló como artista en ese entorno, relacionándose también con Duchamp y otros miembros de las vanguardias. También asumió la tarea de utilizar objetos cotidianos para expresar sus visiones estéticas, nos nutrió de unos retratos innovadores, y fue un pionero de la fotografía en color. Como punto de entrada para conocer su obra, os sugiero el artículo que hace unos días publico AnOther Magazine.
Y siguiendo con las primeras décadas del siglo, en ese ambiente surgió una bella modelo nacida en el estado de Nueva York, pero que tras su paso por el París de las vanguardias acabó convertida en una interesante fotógrafa. Hablo por supuesto de Lee Miller. En Lomography Magazine nos han hablado esta semana de su vertiente como fotógrafa de moda, que no dejó de practicar durante los días de la Segunda Guerra Mundial en los que permaneció en Londres. Antes de integrarse en una unidad militar hacia el final de la guerra y realizar alguna de sus fotografías más significativas en los últimos días del conflicto mundial en la Europa continental.
Y si antes he hablado de Outerbridge como pionero de la fotografía en color, en varias ocasiones he comentado en estas páginas la labor de Saul Leiter como impulsor de este tipo de fotografía, elevándola a un nivel artístico y expresivo notable. Para quien se quiera iniciar en la fotografía de Leiter, no puedo dejar de recomendar el artículo publicado recientemente por Oscar Colorado en sus páginas.
Damos un salto de unas décadas en el tiempo. Y nos encontramos con dos de los fotógrafos más personales de las últimas décadas del siglo XX, la norteamericana Nan Goldin y el japonés Nobuyoshi Araki. Ambos colaboraron unos años en la década de los años 90, durante los cuales Goldin pasó tiempo en Asia. Y de ahí surgió un trabajo conjunto Tokyo Love: Spring 1994, que reunió el trabajo de ambos. Debe ser bastante difícil de encontrar y de admirar. Nos han hablado de él en AnOther Magazine.
Nicholas Nixon también es un fotógrafo actual, pero que viene trabajando desde las últimas décadas del siglo XX, que he mencionado y comentado en diversas ocasiones en estas páginas. En ClavoArdiendo nos informan, como en otros medios nacionales, que está exponiendo en Madrid una amplia retrospectiva de su trabajo, con varias de sus más importantes y prolongadas series representadas. Sinceramente, espero tener la oportunidad de acercarme a visitar esta exposición. No sé ni cuando ni como, pero...
El British Journal of Photography viene realizando periódicamente la convocatoria Portrait of Britain, en la que se busca recoger una colección de retratos que representen a la sociedad británica de hoy en día. Una sociedad ciertamente compleja, como sabrá cualquiera que siga la actualidad sociopolítica del Reino Unido. La ganadora del certamen de este año ha sido la fotógrafa Sophie Harris-Taylor, con una fotografía de un grupo de hermanas. Pero ciertamente Harris-Taylor es una retratista notable que conviene conocer más allá del premio mencionado.
En el blog de Public Art Fund pudimos ver esta semana durante los recordatorios del aniversario del 11 de septiembre una fotografía de Agnes Denes sobre los campos de trigo en Manhattan. Este fue uno de los trabajos que más me han llamado la atención dentro del arte moderno conceptual. La plantación en las proximidades de Battery Park de un campo de trigo, que rompía conceptual y estéticamente con lo que conocemos y es el Bajo Manhattan. No puedo recordar con precisión donde conocí esta obra... en la visita a algún museo de arte moderno, pero que en estos momentos no consigo recordar, y me da pereza buscar. En cualquier caso, me ha parecido interesante como combinación de la fotografía con otras formas de expresión.
En Booooooom me ha llamado esta semana la minimalista obra de Theo Tagholm, un fotógrafo contemporáneo que juega con los juegos de geometrías y de detalles, incluso con la abstracción en los objetos más anodinos y cotidianos de las calles o lugares emblemáticos de las ciudades actuales.
En Cada día un fotógrafo nos han presentado la obra de Luther Gerlach, fotógrafo también contemporáneo, pero que basa su actividad en el uso prácticamente exclusivo de procesos fotográficos históricos desde hace tres décadas, especialmente aquellos utilizados en los primeras décadas de existencia de la técnica fotográfica. Os dejo un vídeo que nos habla un poco de su trabajo.
Hace unos días os hablé de un conjunto de fotógrafas japonesas que fueron recomendadas en LensCulture, de las que luego hice una selección personal de las que más me habían llamado la atención, y hoy voy a hablar de una de ellas en concreto. Se trata de Yukari Chikura (facebook), y aunque en el mencionado medio la trate como un talento emergente, lo cierto es que aunque joven, tiene ya un extenso cuerpo de obra con reportajes diversos y de gran calidad conceptual y estética. Sean las tradiciones de una fría región nipona, sean las condiciones de vida en las más tristes zonas de los genocidios en Camboya de hace unas décadas, sean los paisajes más conceptuales que la atan a su familia. Me gusta mucho esta fotógrafa.
Terminaremos hablando del collage, una técnica fotográfica que en los últimos años se realiza más de forma digital que a partir de las tradicionales tijeras y pegamento de antaño. Una técnica que siempre me ha atraído mucho, que se uso ampliamente durante la época de las vanguardias artísticas, que alguna vez he intentado con resultados muy pobres, lamentablemente,... y de la que podemos saber más a partir del artículo que le han dedicado en AnOther Magazine, y con el que me despido esta semana.
Una semana fea esta que ha pasado, probablemente debido a que he estado convaleciente de la infección vírica que padecí el último fin de semana. Ni he estado muy concentrado en la fotografía, ni en casi nada. En cualquier caso, traigo aquí mis recomendaciones semanales. Quizá no tan nutridas, pero espero que interesantes. El tablero de Pinterest que os presento hoy es el que denomino, parafraseando el título un programa de la televisión española Paisajes con figura. Sé que no soy original en mi pensamiento, pero siempre he opinado que cuando a un paisaje fotográfico le añades la figura humana, este paisaje cobra un mayor interés y, con frecuencia, nuevos significados.
Esa situación de desinterés generalizado me vi obligado a romperla ayer sábado, ya que me había comprometido con el segundo taller de fotografía estenopeica organizado por Fotógraf@s en Zaragoza, que con cierta osadía denominamos "avanzado", puesto que la pretensión era ir más allá de donde nos quedamos hace un año por estas fechas. Del mismo hablaré más adelante... Pero sí puedo decir que para documentar el taller y para apoyar mis decisiones a la hora de realizar las fotografías con mi estenopeica, llevaba conmigo la pequeña Panasonica Lumix GM5 con el 20/1,7. Y con ella fui tomando fotografías, algunas de las cuales ilustrarán la entrada de hoy. En blanco y negro, ya que al ser un apoyo a la estenopeica, que trabajamos con papel sensible monocromo, fue la forma que tuve de observar el mundo. También me prestaron durante unos minutos un ojo de pez... por si aparece alguna fotografía con esa estética.
Por supuesto, si de entrada he mencionado la fotografía estenopeica, es obligatorio que mi primera recomendación sea el artículo de Clavoardiendo en el que nos presentan a las Fotolateras, Lola Barcia y Marinela Forcadell, que han viajado por cincuenta ciudades en cuatro continentes con sus latas metálicas capaces de capturar la luz de esas ciudades e inmortalizarlas en su papel fotográfico. Barcia desarrolla también una interesante actividad como dibujante, ilustradora y pintora... entre otras cosas, porque parece que esta artista es muy completa.
Y siguiendo con mujeres artistas, en el Tumblr de Camerafilia dedicaron un buen número de entradas, y especialmente de fotografías, a Lee Miller. Fotografías que la destacan en una multiplicidad de facetas, básicamente como modelo y musa de artistas en sus años más jóvenes y, posteriormente, como fotógrafa que nació en el mundo del surrealismo de la mano de Man Ray y que acabó como reportera de guerra durante la Segunda Guerra Mundial... para luego retirarse tranquilamente a su vida familiar en Inglaterra. Desde que visité una exposición sobre su obra hace unos años en París, me vienen interesando todas las facetas de esta interesante mujer, tremendamente moderna incluso para los tiempos que corren.
Una de las cuestiones que más me sorprende de la cultura nipona, es la forma en que viven la sexualidad, que probablemente está asociada a una compleja constelación de factores sociales y culturales, que van desde como se relacionan públicamente entre sí hasta el papel de la mujer en su mundo. No pretendo entenderlo... simplemente, como digo, me sorprenden. Y a veces, incluso me incomodan... y eso que no soy especialmente remilgado. En cualquier caso, la fotografía japonesa también se hace eco de esas particulares formas de vivir o practicar el erotismo. En L'Oeil de la Photographie se han ocupado del tema, especialmente a partir del trabajo de tres fotógrafos como son Nobuyoshi Araki, probablemente el más desinhibido, franco y directo en el tema, Daido Moriyama, con una colección de desnudos más misteriosos, y la siempre desasosegante serie de Kohei Yoshiyuki, que fotografío en los años 70 a los mirones y sobones que acechaban a las parejas que clandestinamente se refugiaban en los parques toquiotas para sus encuentros sexuales.
Y la siguiente recomendación es a propósito de una única obra. Pero la composición de polaroids que nos presentó hace unos días Unlimited Grain, realizadas con una cámara Polaroid SX-70 y película Impossible Color versión 2, obra de Erwan Bela, me parece un ejemplo de cómo sacar partido a las pequeñas copias instantáneas en una obra de cierto calibre y complejidad, tanto conceptual como temática. El caso es que revisando sus páginas en Instagram y en Flickr, he encontrado fotografías interesantes, como las de muchos... pero nada similar.
Si he empezado esta entrada hablando de paisaje, vámonos a ver paisajes. En L'Oeil de la Photographie nos muestran los paisajes mediterráneos realizados en Oriente Próximo de Rafael Y Herman. Paisajes llenos de luz y claridad que... están hechos por la noche. Paisajes sin sombras, que quieren representar la "luz divina" en la denominada "tierra prometida". Fotografía sin artificios electrónicos o digitales. Pura exposición durante tiempo y tiempo de película tradicional, que da lugar a unos colores que nos parecen irreales.
Un ejemplo de fotografía en la que si hay paisajes han de estar asociados a las figuras, bien de los humanos, bien de nuestros primos los gorilas, es la que nos muestran en Magnum Photos, realizada por Michael Christopher Brown en las montañas y selvas de Virunga, en la que la actividad de los cazadarores sumada a la inestabilidad política y bélica pone en riesgo la vida y existencia de los gorilas de montaña. Paisaje y reportaje, retrato y fotografía de naturaleza, todas ellas disciplinas fotográficas que hay que dominar para traernos este testimonio gráfico.
A un nivel más amable, traigo uno de los artículos de RECO, una página que ya advierto que está en japonés. Y que cualquier intento de pasarla por los habituales traductores en internet no consigue mejorar gran cosa su comprensión... Pero este artículo con fotografías de Tsuyoshi Hasegawa, me produce maravilla. Soy consciente de que los inviernos nipones pueden ser fríos. Pero tengo la experiencia personal de haber visitado Kioto a finales del mes de septiembre con mucha humedad y casi 30 ºC de temperatura y se me hace difícil concebir unas nevadas como las que nos muestra en la bella ciudad japonesa. En cualquier caso, bellos ejemplos, con película tradicional, de paisajes urbanos y naturales con figura humana.
En las páginas de The Online Photographer tiene una sección denominada Random Excelence, en la que de forma muy poco aleatoria, seleccionan fotografías de fotógrafos muy diversos. Y esta semana apareció la obra de Xavi Bou, fotógrafo establecido en Barcelona, de su serie Ornitographies, en la que representa de un modo muy gráfico y a la vez estética y conceptualmente muy interesante el vuelo de las aves sobre el paisaje. Muy recomendable.
Finalizaré con un ejemplo de fotografía sin cámara que nos han mostrado en Lenscratch. Se trata del trabajo de Christa Bowden que, trabajando con raíces, ramas y nidos, construye sus imágenes sobre un escáner plano de sobremesa. Puesto que la luz interviene en el proceso, creo que se pueden denominar fotografías, y además tienen una belleza y un grafismo envidiables.
Y por hoy, ya vale, que aunque no tenía muchas cosas, me ha costado un montón de rato, por las interrupciones, terminar esta entrada.
Hoy se me ha echado el día encima. Por la mañana, no he tenido tiempo de ponerme a revisar los marcadores para posibles recomendaciones fotográficas de este domingo, y por la tarde he estado también muy ocupado. Para colmo, tengo acumulados marcadores de dos semanas. Así que seleccionaré unos poquitos de los más interesantes,... y los otros... mala suerte. Porque esta semana aparecerán nuevas noticias y sugerencias. Por supuesto, antes que nada, os dejo el tablero de Pinterest de estas dos últimas semanas.
Las fotografías de hoy corresponde a una exposición sobre el Greco y su influencia en el pintor Santiago Rusiñol, que a su vez coleccionó alguna obra del pintor del Siglo de Oro. Además de la exposición de pintura había otra... relacionada con el cine y la fotografía, de la que os hablaré más extensamente otro día. La exposición de pintura terminaba hoy... así que ya no os la puedo recomendar...
Empezaré por recomendar una entrada en BJP-Online, la versión en línea del veteranísimo y siempre interesante British Journal of Photography, a cuya versión electrónica estoy suscrito además, aunque tengo pendientes de leer muchos artículos. El mencionado artículos nos habla, al mismo tiempo que nos muestra fotografías, de una revista japonesa que apenas sobrevivió dos años, Provoke. El nombre lo dice todo. Pero es que en ella publicaron nombres como Daidō Moriyama, Shōmei Tōmatsu y Nobuyoshi Araki, que marcaron las tendencias de la fotografía nipona en los años siguientes. Ruptura con la tradición, mayor compromiso social y personal, e imágenes muchas veces convulsas, con composiciones rompedoras, muy expresionistas.
Siguiendo con la fotografía japonesa, en este caso nos vamos a pasar al trabajo, contemporáneo, de una fotógrafa de esta nacionalidad, aunque también reside de vez en cuando en los Estados Unidos. Nos la proponen en Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, y se trata de Shiho Fukada. Fotógrafa y directora de cine, con un trabajo fundamentalmente documental y en color, y muy comprometido con los trabajadores y las personas más desfavorecidas. Las desgracias del sunami de 2011, los niños trabajadores, el tráfico de personas,... son algunos de los temas que trata, entre otros, tanto en la fotografía fija como en los documentales cinematográficos. A mí me ha parecido muy interesante.
También me interesó mucho el trabajo de Paola de Grenet, tal y como nos lo contaron en una entrevista a la fotógrafa en Quesabesde. De Grenet es de origen italiano, pero ha vivido en Londres y en la actualidad está radicada en Barcelona. Aunque su trabajo ha abarcado diversos campos, también bastante comprometidos socialmente, en la entrevista se centran en la serie Barely Legal. Este término en inglés es el que se usa en el mundo del porno para indicar el sexo con chicas muy jóvenes, de aspecto adolescente, pero que cumplen el requisito legal de tener más de 18 años. El trabajo de de Grenet no tiene que ver con el mundo del porno, en absoluto. Son retratos de chicas entre los 18 y 21 años que la fotógrafa ve en una transición todavía entre esa adolescencia oficialmente pasada y una persona realmente adulta. Aunque con muchas más libertades que las que tuvieron sus antepasadas en toda la historia, al menos las de cultura occidental, la fotógrafa las percibe de todos modos confusas, conflictuadas e inseguras... y eso es lo que quiere transmitir en los retratos... y creo que lo consigue. Pero tiene otros trabajo igualmente interesantes.
Llega estos días atrás y un tal Brooklyn Beckham, que resulta ser hijo de uno de los muchachotes que se hacen ricos dándole patadas a un pelotón y de una "cantante" pop de uno de los grupos más horribles y horteras de la música pop, y anuncia en sus redes sociales que una marca muy conocida de ropa le ha contratado para su siguiente campaña de publicidad como fotógrafo... Tiene 16 años. La que se ha montado con el resto de fotógrafos profesionales y que llevan años currándoselo... Han puesto al chavalín, paradigma del pijerío famosil, y a la marca de ropa de vuelta y media... Y digo yo que igual tienen razón. Vamos... seguro que tienen razón. Porque el niño este con nombre de barrio de Nueva York no tiene más mérito real que ser hijo de quien es. Eso sí... no duda en exhibirse retratándose con sus Leicas y sus cámaras de formato medio. Mientras que los más afortunados de los adolescentes de su edad que consiguen una cámara réflex suele ser el modelo de turno entre los 450 y los 600 eurillos... Ni ética, ni estética, ni educación. Cierto es que en el mundo de la fotografía de moda hay mucha tontería, incluso en los profesionales veteranos y consagrados, y observaréis que no sale mucho en estas páginas... pero llegar a esto. Como dicen por ahí, el pijito no fotografía la campaña publicitaria; el pijito ES la campaña publicitaria.
Y tenemos que saludar la llegada de una nueva revista digital, en línea, dedicada según nos dicen a aquellos que aman la fotografía. Pues gracias por la dedicatoria. Se llama CLAVOARDIENDO (lo escriben así, todo junto), y de momento parece que está bastante interesante, por el estilo de lo que podemos ver por el mundo mundial. Dignamente presentado y con artículos con miga, dentro de lo que da de sí en profundidad los medios en internet. Estaremos al tanto. Espero ir trayendo recomendaciones a estas páginas procedentes de esta revista. Por ejemplo, podéis ver el artículo titulado Georgia on my mind, de la fotógrafa Ana Amado, que ya nos indica que van a dar cancha a fotógrafos poco conocidos.
