Llegamos casi al final de año, y con una novedad anticipada ya en semanas pasadas. Ya no voy a elaborar más los tableros de Pinterest de la semana. Se me estaban acumulando muchos, más de sesenta, sin que sean prácticos una vez pasada la semana en que se recopilan. Por lo tanto, ahora tendré tableros temáticos, y todas las semanas os recomendaré uno. Desde que abrí la cuenta en Pinterest, y porque era una motivación que yo sentía entonces, abrí uno dedicado al bodegón y la naturaleza muerta, y ese es el que os dejo hoy como recomendación, porque es el más nutrido de los que tengo. Pero poco a poco habrá otros interesantes. Podéis visitar mi página en Pinterest para irlos viendo desde este mismo momento.

En cuanto a las fotografías de hoy, hace unas semanas os mostraba algunas fotografías digitalizadas a partir de copias en papel de unas vacaciones en París en el "acueducto" de la "inmaculada constitución" de diciembre de 1996. Entre ayer y hoy he estado revisando los negativos. A la espera de digitalizar alguno a alta resolución con la cámara y el objetivo macro, he hecho una digitalización previa con el escáner Epson Perfection Photo V600, para ir más rápido... o mejor dicho, para poder hacer otras cosas mientras se escaneaban. Forzando un poco la máquina, los he digitalizado a 2400 ppp, en el límite de lo razonable con este aparato (que está entre 1600 y 2400 píxeles por pulgada, siendo la mejor opción en calidad la de 1800 ppp, pero con unos archivos muy pequeños para formato pequeño de 24 x 36 mm). Con los 2400 ppp, se obtienen unos archivos de 6 megapíxeles, aunque es dudoso que la resolución del detalle fino sea mejor que con los 1800 ppp. Con esta resolución nos tenemos que conformar con 4 megapíxeles.

Visto en retrospectiva, a 20 años de distancia, aunque fue un viaje divertido del que guardo algún que otro recuerdo entrañable, la planificación fotográfica fue lamentable. Predominio de películas de 100 ISO, que con la niebla y carencia de luz obligaban a disparar con las aberturas máximas de los objetivos, que no son las mejores para vistas generales. Hice más fotografías en blanco y negro que en color, y si bien es cierto que tengo algunas razonablemente interesantes, la cosa podría haber sido mejor. Usé negativos Agfapan APX 100 y Kodak T-MAX 400, probablemente revelados con Agfa Rodinal. Ningún problema con los APX100, pero a los T-MAX 400 le sientan regular estos reveladores tradicionales, y hubiera sido mejor usar un revelador más moderno o dedicado. En cualquier caso, en la medida en que los negativos tienen buena densidad y tienen las sombras respetadas, los resultados son razonables.

Empezaremos las recomendaciones de la semana con las fotografías del británico Felice Beato, tal y como nos cuentan en ClavoArdiendo Magazine. Coincidiendo con la apertura de Japón al exterior en la era Meiji, también hubo un aumento del interés de Occidente por el País del Sol Naciente, especialmente por sus manifestaciones artísticas y culturales. Hubo un cierto movimiento de "orientalismo", que influyó en pintores modernos a partir del impresionismo. Beato abrió en 1863 un estudio fotográfico en Yokohama, ciudad que se encuentra en la misma bahía de Tokio, y allí permaneción durante 21 años. Su colección de fotografías de la época, muchas de las cuales fueron coloreadas por artistas contratados por el fotógrafo son un documento notable de una época y de una sociedad.

Otra historia relacionada con la fotografía y Japón que nos llega desde PetaPixel... este vídeo en Vimeo.

Se trata del testimonio de Russell Gackenbach, que viajando en un bombardero, "Necessary Evil", que acompañaba al "Enola Gay", capturó con su cámara privada un par de instantáneas de los primeros momentos de la explosión de la primera atómica detonada en una acción de guerra, sobre Hiroshima. Un hecho sobre el que pensado estos días viendo una serie de televisión sobre la que os hablaré dentro de unos días.

No faltan los testimonios gráficos de Andy Warhol y su Factory. No hace muchos años, en PhotoEspaña, pudimos disfrutar de una exposición sobre ese legendario estudio de ebullición cultural y social, cuyo libro catálogo compré. Un fotógrafo, entonces poco conocido, muy jovencito, en sus principios, que también documentó con sus fotografías lo que allí pasaba fue Stephen Shore, y en L'Oeil de la Photographie nos cuenta un poco sobre la cuestión.

Pero vayamos hablando un poco de fotografía más actual, contemporáneao. Inspired Eye es un sitio en internet dedicado a la fotografía documental en la calle que publican incluso una revista. Esta semana, en el boletín de noticias que nos manda habitualmente Olivier Duong, uno de los responsables del sitio, incluía un artículo sobre un fotógrafo aficionado, un piloto de avión que documenta sus viajes por el mundo, y cuyas fotografías, en blanco y negro me han parecido notables. El fotógrafo es David Manning.

Desconozco, no recuerdo vamos, de donde me llegó el conocimiento del fotógrafo valenciano Daniel Belenguer. Este es un fotógrafo valenciano que me parece interesante in sí mismo, y cuyo portfolio, con un tono fundamentalmente documental y etnográfico, merece la pena ser revisado. Pero es que además, publica un blog, Spain Images, que me ha parecido interesante como fuente de información. Entre los artículos que publica en el mismo están aquellos agrupados bajo la categoría Balas de plata, en los que habla de fotógrafos más que notables, y entiendo que lo hace sobre la base de que son fotógrafos todavía fieles en su totalidad o en parte a los haluros de plata, y de ahí el nombre de la serie. Me he suscrito, y no será de extrañar que traiga alguna recomendación de lo que Daniel proponga. Porque os hagáis una idea, en los últimos tiempos ha hablado de gente tan interesante como Adriana Lestido, Robert Adams, o Trent Parke.

Siguiendo con las tecnologías tradicionales, en L'Oeil de la Photographie, en su edición de los fines de semanas dedicada a las fotografías de los lectores, han publicado el trabajo de Mindaugas Gabrenas, fotógrafo aficionado lituano, que trabaja con cámaras que van desde las Hasselblad hasta las fabricadas caseramente por él mismo, con todas las "imperfecciones" que eso confiere a las imágenes. Aunque como muchos fotógrafos que optan por soluciones similares hace mucho blanco y negro, también se ha atrevido con el color, mucho más difícil de controlar con este tipo de aparatos. Y desde mi punto de vista, con éxito.

Y también es difícil la fotografía estenopeica en color. En Onfilm.photo han dedicado un artículo reciente a Nils Karlson (Flickr buscar entre los álbumes los dedicados a la fotografía estenopeica o "pinhole", porque también usa otras cámaras de medio formato para película tradicional). Este fotógrafo hace fotografía estenopeica pero sobre negativo. Y ha buscado la mejor tecnología posible ya que busca conseguir imágenes lo más precisas y nítidas posibles pero sin que quede lugar a dudas de que se trata de fotografía estenopeica. Lo cual lleva a la necesidad de conseguir estenopos lo más fino posibles, con números f muy altos, y muy regulares en sus contornos. Podéis juzgar a través de sus fotografías. A mí me gustaría conseguir algo parecido, pero con las que tengo, que tienen una número f de aproximadamente f/135, para negativos entre 6 x 6 cm y 6 x 12 cm, no consigo nunca el nivel de nitidez que me gustaría conseguir. Probablemnte tendría que conseguir un estenopo que me diera un f/256 o f/512.

Termino con un repaso a las fotografías de National Geographic, pero no a las que sus fotógrafos toman por todo el mundo, sino aquellas que son realizada dentro del país que vio nacer a esta sociedad, los Estados Unidos. Lo que me gustan de estas colecciones de fotografías, es que muchas de las fotos en color realizadas en los años 40, 50, o 60 usaron material sensible Kodachrome, que da unos colores tan característicos a las imágenes. Unos colores que, aunque se puedan simular hasta cierto punto con procesos digitales, no he visto fielmente reproducidos más que con el extinto material original. Nos hablaron de ello en L'Oeil de la Photographie.

Hace unos días Netflix, la plataforma de televisión bajo demanda, nos sorprendió con una novedad de las que no son muy anunciadas ni cacareadas pero que a mi me interesó de inmediato. No se trata de la penúltima serie de ficción televisiva de campanillas, ni nada de eso. Se trata de una pequeña serie de seis episodios en los que aprenderemos el punto de vista de fotógrafos profesionales a la hora de trabajar la fotografía de viajes y naturaleza.

Tales by Light, "La luz de las historias" en castellano, es una producción conjunta de National Geographic Australia y Canon Australia. Con estos responsables podemos imaginar el tipo de imágenes que vamos a ver. Y también podemos adivinar los equipos que van a lucir los fotógrafos que las van a recoger y que nos lo van a contar. En cada uno de los seis episodios de alrededor de 23 minutos de duración, un fotógrafo profesional, utilizando equipos fotográficos Canon, y no precisamente los más sencillitos, nos va a llevar por diversos rincones del mundo mostrándonos las motivaciones que le llevan a trabajar como fotógrafos de viaje o naturaleza y contándonos cómo afrontan sus trabajos. Los veremos planificar y realizar algunas obras fotográficas interesantes.

Por supuesto, unos gustan más que otros. Pero están muy bien escogidos. Son simpáticos, la realización está hecha con mucho dinamismo, y los 23 minutos del documental se te hacen cortos. Os presentaré a las cinco fotógrafos. Uno de ellos repite, siendo el anfitrión en dos episodios.

El orden en que aparecen en Netflix no es el mismo en el que se presentan en IMDb, pero desconozco cómo fueron apareciendo cuando por primera vez se presentaron al público. Yo los comentaré como los he visto.

El primer capítulo "Submerged (Bajo el agua)", fue presentado por el fotógrafo australiano Darren Jew, especializado en fotografía marina y submarina. Los escenarios que nos presentó fueron unas impresionantes fotografías de los cortejos de las ballenas jorobadas en el pacífico, en las cercanías del archipiélago de Tonga, ascendió a uno de los volcanes activos en las proximidades de Rabaul (Nueva Guinea),... os dejo un vídeo de un aficionado que captó una de sus frecuentes erupciones, es un riesgo subir a este volcán imprevisible...

... y allí mismo, en la bahía donde se encuentra Rabaul, se sumergió para fotografiar un antiguo biplano japonés derribado durante la Segunda Guerra Mundial, y que se ha convertido en un hogar para corales y otros seres vivos submarinos.

El segundo episodio fue "Himalaya (El Himalaya)", cuyo anfitrión fue el fotógrafo Richard I'Anson, también australiano, con el que viajamos por los monasterios budistas en Nepal y Bután, intentamos localizar, sin éxito, al leopardo de las nieves en los Himalayas de Ladakh en India, buscamos, con más éxito, fotografiar tigres salvajes en el Parque Nacional Bandhavgarh, y nos sumergimos literalmente en los colores del Festival del Holi, también en la India. Este fotógrafo es tremendamente simpático y entusiasta, y es especialmente divertido verle inmerso en la lluvia de colorantes en polvo o líquidos en el Holi. Disfruta como un niño, o lo parece.

El tercer episodio "Adrenaline (Adrenalina)" acompaña a la única fotógrafa femenina del quinteto, Krystle Wright, que confiesa no tener domicilio fijo, ya que constantemente se mueve por todo el globo buscando motivos para fotografiar. Especialmente, en el ámbito de los deportes que denominamos de riesgo y aventura. Esto hará que la acompañemos a fotografiar, bajo el agua y sin oxígeno, a resistentes buceadores en las lagunas de las islas del archipiélago de Vanuatu, le acompañaremos a visitar a equilibristas que cruzan la cuerda floja que atraviesa cañones de 600 metros de altura en el estado de Colorado (EE. UU.), o volaremos con ella en paramotor (parapente con motor) sobre el Gran Desierto del Lago Salado de Utah, también los EE. UU. Por supuesto, también es una fotógrafa australiana, aunque pase la mayor parte del tiempo lejos de la isla continente.

El cuarto episodio, "Wild (Naturaleza salvaje)", va a estar centrado en la fauna salvaje, y el anfitrión va a ser el fotógrafo Art Wolfe. En esta ocasión, no se trata de un fotógrafo australiano, sino norteamericano. De Seattle. Pero nos llevarán por distintas partes del mundo. Empezará por Alaska, donde acompañará en sus jornadas de pesca a los osos "grizzlies", variedad de gran tamaño de los osos pardos, en los ríos de este estado norteamericano durante el desove de los salmones. Luego saltará a África, donde después de acompañar a los ñus en sus migraciones en Masái Mara (Kenia), se dirigirá a las selvas de Uganda para fotografiar a los gorilas de montaña. Que le darán algún que otro susto.

El quinto episodio, "Panorama", probablemente sea mi favorito. Quizá no sea tan espectacular como algunos de los otros, pero tiene una gran belleza paisajística. Y además, de la mano de Peter Eastway, fotógrafo paisajista también australiano, vamos a seguir la ruta de la expedición de Shackleton a la Antártida, que tras naufragar y pasar una dura odisea, consiguieron ser rescatados sin ninguna víctima moral. Y también supone un homenaje al fotógrafo de aquella expedición, Frank Hurley, cuyas excelentes fotografías, tanto en la belleza de las mismas, como en el dominio que tenía de la técnica de la época, han permitido que llegue hasta nosotros impresionantes testimonios gráficos de aquella aventura que, probablemente, han permitido que haya adquirido fama y haya perdurado en el recuerdo. Por cierto, Hurley también era australiano, aunque fuese en una expedición británica.

Finalmente, el sexto episodio, "Tribes (Tribus)", vuelve a ser presentado por Art Wolfe... como hemos dicho el único no australiano del quinteto. En esta ocasión se centra en inmortalizar a algunas de las últimas tribus con culturas originales primitivas que quedan sobre la faz de la Tierra, culturas que probablemente tienen sus días contados. Primero nos lleva a las selvas de Papúa Nueva Guinea donde pasa un tiempo con los Asaro, hombres de barro, y con los Huli, y sus diálogos con los antepasados. Después, le acompañaremos a Etiopía, donde pasará un tiempo con la tribu de los Surma.

Serie de documentales que podemos considerar como muy recomendable, e imprescindible para los aficionados a la fotografía. Eso sí... no nos equivoquemos. Que son fotógrafos que trabajan para National Geographic. Que aunque de vez en cuando tengan un tono de sensibilidad social y ambiental, son de los que están para mostrar el lado amable del mundo. Y retocan digitalmente; algunos, mucho. No nos sorprendamos como cuando nos enteramos que Steve McCurry retocaba más de lo esperado sus fotografías.

Vuelvo a mi ritmo habitual de publicación semanal de recomendaciones fotográficas semanales. Empezando por el tablero en Pinterest de estos últimos siete días donde espero que encontréis fuentes de inspiración si sois aficionados a la fotografía.

Para acompañar la entrada de hoy, os mostraré algunas fotografías tomadas con teleobjetivo, un 200 mm, al que como complemente se ha añadido un duplicador de focal y eventualmente un anillo de extensión. Os hablé de esta configuración hace unas semanas, pero hasta ahora no había tenido ocasión de probarla en el campo. Este fin de semana, con un menos viento, también la hubiera usado. No soy fotógrafo de teleobjetivo. Me muevo en el 90 o 90 % de las situaciones entre los 24 y los 90 mm. Aunque los he usado, especialmente en fotografía de aproximación, en cuanto paso de los 135 o 150 mm de focal (equivalente en el llamado "formato completo"), me siento muy poco cómodo e inseguro. De todas formas, cometí varios errores al salir de casa en la selección y preparación del material, y no pude poner en acción lo que tenía en mente. Tengo mucho que practicar.

Empezaramos las recomendaciones yéndonos más de un siglo atrás en el tiempo. Me han parecido muy curiosas las fotografías que han rescatado en Mashable tomadas entre 1898 y 1900 por Charles Gustavus Walline, un empleado de unos grandes almacenes de Chattanooga, que aprovechaba las pausas para el almuerzo para retratar a sus compañeros de trabajo. El excelente estado de conservación de los negativos nos permiten una gran calidad de imagen que nos hacen sospechar que aquellas y aquellos jóvenes de hace más de 115 años igual no eran muy distintas en lo esencial de las jóvenes y los jóvenes actuales. Por lo menos las chicas. Que los maromos parecen todos muy envarados, con sus bigotazos y esas cosas.

En LensCulture dedican un artículo al concepto de educar el ojo. La mirada, más bien. Esto me recuerda que tengo pendiente de terminar el curso "Seeing Through Photographs" organizado por el MoMA a través de Coursera. Volviendo al artículo, para mostrar lo importante que es educar la mirada, especialmente en los aspectos de composición, capacidad de mostrar empatía y valentía, acuden al siempre notable trabajo de Marc Riboud. Muy recomendable.

En L'Oeil de la Photographie ha aparecido esta semana un artículo sobre una exposición en la que se incide en aquellas fotografías que muestran un contenido relacionado con el expresionismo, el surrealismo, lo singular, lo étnico,... lo bruto,... y en la que aparecen fotografías de Joël-Peter Witkin (fotografías, no aptas para todos los públicos). Recuerdo que cuando empezaba a interesarme en serio por la fotografía, cuatro o cinco años después de comprar mi primera cámara réflex y tras haber realizado algún curso serio de formación, llegó a Zaragoza, al Torreón Fortea, una exposición de este neoyorquino que me impactó mucho. Su incidencia en temas como la muerte, el sexo más fetichista, la deformidad, y sus relaciones con lo bíblico o con las representaciones artísticas del pasado producen un efecto muy desasosegante, y una curiosidad morbosa. En realidad es un fotógrafo excelente.

Nos cuentan en American Photo que el maestro Stephen Shore ha publicado recientemente su último libro, para el cual ha viajado a Ucrania. El tema ha sido las gentes que tuvieron que huir y luchar contra la opresión nazi, pero que luego tampoco lo tuvieron fácil en la Unión Soviética, incluso cuando fueron considerados héroes de guerra. Una vez más, el estilo de Shore es directo, sin manipulaciones, con una técnica muy depurada que, sin embargo, apenas se nota por la carencia absoluta de artifiosidad. Y siempre dedicado a mostrar la realidad, más que a intervenir sobre ella.

El caso de la talidomida fue célebre en los años 60. Un medicamento que se comenzó a comercializar a finales de los años 50 en toda Europa, pero que en los 60 se comprobó que cuando era tomado por mujeres embarazadas producía graves deformidades en el feto. Sin embargo, en España consta que todavía se podía encontrar en 1970 y algunas personas están afectadas en esa época, a pesar de la prohibición de comercialización. Las corruptelas inherentes a un régimen dictatorial permitieron la existencia de personas con graves malformaciones cuando estas ya habían desaparecido del mapa del resto de Europa. Y aún hay algunos que añoran el franquismo. El fotógrafo César Dezfuli se ha interesado por estas personas tras enterarse que el Tribunal Supremo ha fallado, nunca mejor dicho, que estas personas no tienen derecho a reconocimiento, compensación o cobertura legal alguna. Todavía no nos hemos liberado de las corruptelas del franquismo, cuando ya hemos llegado a la segunda década del siglo XXI. Es bueno que hay fotógrafos comprometidos con estas causas. Nos lo contaron en Quesabesde.

Otro caso de vergüenza social, esta de ámbito europeo, es el de la "jungla de Calais", un campo de refugiados establecido en la costa francesa del Canal de la Mancha, en su punto más cercano con el Reino Unido de la Gran Bretaña. Establecido en 1999, creció de forma espontánea, con especial fuerza a partir de 2005, al margen de la legalidad, sin que las autoridades se preocuparan mucho por las condiciones y la situación de este lugar. Recientemente se ha producido el enésimo intento de desmantelamiento, aunque ya hay indicios de que vuelve a surgir entre las dunas de las playas del Canal de la Mancha. En LensCulture encontramos un porfolio del fotógrafo Henk Wildschut que analiza y denuncia el fenómeno con sus imágenes. Aunque lleva tiempo siendo un tema adoptado por creadores en distintos medios audiovisuales.

En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red han dedicado un artículo a David Martín Castán, que es un fotógrafo local, de aquí, de Zaragoza (España). Así que me ha parecido ineludible su inclusión en estas recomendaciones. Especialmente por la belleza de sus paisajes y fotografías de viajes.

Terminaré con una polémica. En The New York Times publicaron hace una semana un artículo titulado "A Too-Perfect Picture", en el que daban estopa al conocido fotógrafo Steve McCurry, que de vez en cuando aparece por estas páginas. Soy seguidor de su blog, y cuando alguna entrada me gusta la traigo. A propósito de su último libro dedicado a la India, se quejan de que la imagen que McCurry nos proporciona de este gigante asiático está muy idealizada y estereotipada, y se aleja de la realidad del país actual. Contrastan sus fotografías con las de Raghubir Singh, fotógrafo indio ya fallecido, mucho más comprometido con la realidad del país. Cuando hace unas semanas escribía para Fotógraf@s en Zaragoza un artículo sobre la exposición de Gervasio Sánchez y Mònica Bernabé "Mujeres, Afganistan", ya decía que en un momento dado de la visita guiada, Gervasio emitía una crítica, sin dar nombres, a los fotógrafos que presentan imágenes idealizadas de un país con tremendos problemas. Y algunos creímos oír el nombre del fotógrafo de National Geographic, aunque Gervasio no lo mencionase.

Ciertamente creo que el artículo de The New York Times tiene su buena parte de razón. Lo que pasa es que puede que aquí haya un problema de expectativas. Ya he dicho que yo sigo el blog de McCurry. Pero nunca lo he visto como el blog de un fotorreportero que busca reflejar o denunciar una realidad. A ver... que es un fotógrafo de National Geographic. Esta institución se ha sentido más interesada en mostrar las bellezas, las curiosidad y las maravillas del mundo y los viajes que de denunciar la realidad social del mundo. Aunque haya ocasiones en las que se interese por ella. Por lo tanto, si ajustas tus expectativas, McCurry cumple con lo que se espera de él. Quien quiera otra cosa, que busque en otro sitio. Es decisión del artista sobre dónde sitúa el foco de su visión. Si te gusta te lo quedas. Si no, te buscas otra cosa. Y si McCurry tiene más éxito que otros fotógrafos más comprometidos, no es más que un síntoma de por dónde va la humanidad, mal que nos pese. En PetaPixel escribieron un artículo a favor de McCurry. Para que podamos tener argumentos en todos los sentidos.

Se acerca el final de año. En los próximos días los artículos serán de la serie UN AÑO EN FOTOS que tradicionalmente han ido apareciendo en el CUADERNO DE RUTA coincidiendo con los últimos días del año que se va. Algo que han venido haciendo ya muchas de mis fuentes de información fotográfica en los últimos días. Así que aunque alguna cosa interesante ha aparecido en la web en esta semana, voy a dedicar mis recomendaciones semanales a las últimas incorporaciones a mi biblioteca desde finales de noviembre hasta la fecha. Las fotografías acompañantes intentan dar un poco de color, aunque con un apunte nostálgico, a los grises días de niebla de la navidad. Aunque el tiempo ha cambiado en este fin de semana.

En primer lugar, revistas.

Llegó el número 55 de EXIT (el enlace suele estar mal actualizado), bajo el título UNDERGROUND, cuando este término en inglés puede referirse literalmente a lo que sucede físicamente en el subsuelo de nuestras ciudades, pero también figuradamente a lo que sucede sociológicamente en el subsuelo de nuestras comunidades humanas. Algunos nombres señalados en este número; SOPHIE CALLE, DAVID GOLDBLATT, JOACHIM KOESTER, MIGUEL TRILLO,... y otros.

También nos ha llegado el número 39 de OJODEPEZ, revista española dedicada a la fotografía documental, y que en esta ocasión llega con el título JAMAICA. Porque las gentes de esta isla son las principales protagonistas de las fotografías de este número, que todavía no he tenido tiempo de hojear en profundidad pero que no quería dejar de incluir en este artículo.

Tampoco he tenido ocasión de hojear con detalle una publicación que se encuentra a caballo entre la publicación periódica y el libro. Se trata del número 9 de C-PHOTO, que nos llega bajo el título de STREET - CALLE (la publicación es bilingüe). Hace sólo un par de días que está en mi poder, así que de momento sólo puedo imaginar su contenido. Por cierto, que es la penúltima de la serie. No sé si después repetirán la experiencia con otro formato durante 10 números, ya que este es el segundo ciclo de la publicación.

Con más tranquilidad he podido contemplar las 100 fotografías que por la libertad de prensa ofrece NATIONAL GEOGRAPHICS, para su colaboración con REPORTEROS SIN FRONTERAS en esta serie que va por su número 47. Con poco menos de 10 euros por libro, no me canso de repetir que esta es una colección ideal para hacerse con una biblioteca de libros de fotografía con un coste económico y con fotografías de calidad. Es cierto que la calidad del papel es menos consistente que otras publicaciones, pero por ese precio y por una buena casa, no tiene sentido no ir a por ellos.

Hay tres libros sobre los que no insistiré mucho ya que no dejan de ser los catálogos de tres de las exposiciones que visité en PARÍS y sobre las que ya os hablé. Se trata de los siguientes:

FROM BLACK AND WHITE TO COLOR de WILLIAM EGGLESTON (Exposición en la FGUNDACIÓN CARTIER-BRESSON).

PARIS: CHAMP & HORS CHAMP de varios autores (Exposición en la GALERÍA DE LAS BIBLIOTECAS DE PARÍS).

UN FALSO HORIZONTE de ALBERTO GARCÍA-ALIX (Exposición en la MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE).

Todos ellos están muy bien. Por su calidad de edición destaca el libro de GARCÍA-ALIX. El dedicado a la capital francesa se complementa con una aplicación para el teléfono móvil en la que se pueden ver los vídeos que había en la exposición. Eso sí. Necesitas de los códigos QR que hay en el libro para acceder a los vídeos.

Encargué hace ya varios meses el libro de dedicado al fotógrafa que recibió el HASSELBLAD AWARD 2014, que no es otra que la japonesa MIYAKO ISHIUCHI (nombre escrito al estilo occidental con el apellido en segundo lugar). Este libro, que encargué ya en verano pero no me ha llegado hasta principios de este mes de diciembre, me interesó porque vi fotografías de su autora que me parecieron muy delicadas. A caballo entre lo documental y lo conceptual, la sencillez de las obras de ISIUCHI es en muchas ocasiones conmovedora, sea retratando partes de su cuerpo, sea exponiendo sus negativos a los objetos encontrados en HIROSHIMA y NAGASAKI tras las bombas atómicas, bien sea con sus coloridos SILKEN DREAMS... Una retrospectiva de la obra de esta fotógrafa nipona, que da ganas de tener algunos de los libros que contienen la integridad de algunas de las series de las que en este libro sólo contemplamos algunos ejemplos.

Y tenemos a la venta el quinto libro de la fotógrafa brasileña de origen alemán afincada en ESTADOS UNIDOS, MONA KUHN. Desde que pude contemplar hace unos años en una feria de fotografía algunas de sus imágenes, es una de mis favoritas entre las fotógrafas contemporáneas. Sus fotogramas cuadrados, tirando de formato medio tradicional, son ejemplos de composiciones delicadas, con un uso estupendo del color y de los suaves contrastes. Su último libro se titula PRIVATE, y se emplaza en el entorno del suroeste de los EE.UU. donde vive. Si en sus libros anteriores nos ha llevado a los lugares donde ha pasado sus vacaciones o a su país de origen, FRANCIA o BRASIL, ahora se queda en casa, y nos muestra aquellos entornos y aquellas personas que constituyen lo más privado de su vida, lo más cotidiano. Es su obra más intimista, en la que combina el paisaje, el retrato, el desnudo y la fotografía de interiores, ofreciéndonos un espléndido panorama de su modo de ver y vivir.

Y finalmente, hacía mucho tiempo que tenía ganas de tener algún libro de DUANE MICHALS, y el momento ha llegado con ABCDUANE - A DUANE MICHALS PRIMER. Se trata de un libro en el que se recoge la biografía de este estupendo fotógrafo conceptual, acompañada de fotografías y secuencias fotográficas del propio MICHALS, pero también de obras fotográficas o de otras disciplinas artísticas que han influido o están en consonancia con la obra del artista. Todo ello bajo la forma de un abecedario con letra e imagen, que me llevará un tiempo leer por completo, pero que ya adelanto que me parece lo más interesante, y que va a constituir uno de los libros más queridos de mi biblioteca fotográfica.

Y aquí lo dejo por hoy, simplemente apuntando que mañana voy a encargar un mueble librería, porque ya no sé donde meter todos los libros. Tengo que hacer limpieza en casa de todos modos. A ver si en estas vacaciones navideñas, me sacudo la pereza,...

Pasaré en este artículo que aparecerá con frecuencia más o menos semanal los domingos, habrá alguna excepción tanto en el día como en su aparición, a revisar lo que he encontrado por la web durante la semana relacionado con la fotografía y que me ha parecido interesante. Vayamos con ello. Las fotografías que acompañan la entrada son del viaje de hace un año por ITALIA, país al que espero volver en menos de un par de semanas.

Esta semana tenemos que lamentar la muerte, el asesinato, de una fotógrafa en Afganistán. Se trata de la alemana de 48 años ANJA NIEDRINGHAUS, fotógráfa de THE ASSOCIATED PRESS, ganadora del PULITZER, y que fue abatida por un policía afgao cuando se acercaba a un control de seguridad. Podemos encontrar ejemplos de su obra, magnífica, en IN FOCUS de THE ATLANTIC y en LENS de THE NEW YORK TIMES. Que nos sirva esta noticia para recordar el trabajo de estos profesionales que se juegan mucho en su trabajo.

Vayamos con noticias más alegres. En el blog de FOTOGRAF@S EN ZARAGOZA, grupo de aficionados en el que participo, y cuya sede es virtual, en FLICKR, se publica una entrevista de la fotógrafa OIHANA MARCO, nacida en Zaragoza, pero ciudadana ya de muchos lugares del mundo. Está exponiendo estos días en Zaragoza, y si consigo asistir a la exposición, ya os hablaré de ella. En cualquier caso, además de la entrevista hay algunos ejemplo de su obra y os puede dar una idea de su visión.

BEN OLIVARES nos trae en su blog el trabajo BOTH SIDES OF VERSIONS de ALEX JOHN BECK que reflexiona sobre la belleza de la simetría de los rostros humanos. O quizá la belleza de la asimetría, de modo indirecto. BECK fotografía a sus modelos de modo que luego reconstruye sus rostros en dos versiones. Una en la que es perfectamente simétrico basándose en la mitad izquierda del rostro, y otra en la que es pefectamente simétrico basándose en la mitad derecha. No nos muestra el rostro original. Los rostros resultantes son parecidos, pero obviamente distintos. El autor habla de diferencias sutiles. En algunos casos, puede. En otros, las diferencias son llamativas. Me ha parecido una exploración interesante.

Creo que se atribuye a CARTIER-BRESSON el dicho de que la nitidez es un concepto burgués. Corregidme si me equivoco con la referencia. En cualquier caso, como nos muestran en APERTURE PRIORITY, el artista visual (no se dedica sólo a la fotografía) PAOLO BARZMAN parece estar de acuerdo y ha abandonado la búsqueda de la nitidez en sus fotografías, que aparecen difusas por el movimiento, por el desenfoque, por las condiciones atmosféricas y meteorológicas, o por lo que sea, para buscar enganchar el ojo del espectador en la composición, los patrones, los contrastes, los colores, las siluetas, conceptos todos ellos muy fotográficos. Pero que dan a sus imágenes una cualidad totalmente distinta. Realmente, no es necesario pelearse con la nitidez. Hay otros elementos importantes en las imágenes que las definen como de alta calidad.

Un par de entradas de L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE que me parece que contrastan entre sí. Ambas se basan en el cuerpo, en el culto al cuerpo, en el hedonismo, pero a niveles muy distintos. Mientras que buena parte de las entradas de la edición del VIERNES 4 DE ABRIL estaban dedicadas a celebrar el siglo que lleva CONDÉ NAST publicando y difundiendo la moda, y hay muchas imágenes icónicas entre las que han formado parte de las páginas de sus publicaciones, una de las entradas del JUEVES 3 DE ABRIL incluye imágenes de una exposición de BARBARA NITKE sobre la industria del sexo, que nos muestra un aspecto muy humano pero a la vez muy triste del trabajo cotidiano en esta industria que tanto dinero mueve hoy en día (imágenes no adecuada para todos los ambientes y todos los públicos).

Todas las marcas de la industria fotográfica tienen sus páginas en internet para atraer a los aficionados y profesionales a sus productos. No todas tienen la misma calidad y las mismas propuestas. Pero me gusta seguir el CAMERA LENS BLOG de ZEISS. En su virtual revista número 50, LIGHTS IN THE NIGHT, dedicada a la fotografía nocturna, nos inspiran para lanzarnos a la calle y la naturaleza cuando el sol se pone. Por su puesto, para ellos, lo mejor es echar mano de la excelencia de sus objetivos PLANAR, SONNAR y otros DISTAGON...

Y celebraremos fotográficamente el 80 aniversario de la primatóloga JANE GOODALL, que estudiando a nuestros primos los chimpancés, tanto ha hecho para que nos comprendamos mejor a nosotros mismos. Es una de mis heroínas. Una de mis personas de referencia. De la mano del paleoantropólogo LOUIS LEAKEY, con el apoyo frecuentemente de NATIONAL GEOGRAPHIC SOCIETY, que publica fotos y una entrevista para desearlE feliz cumpleaños, salió a estudiar a estos primates. De la misma forma que la malograda DIAN FOSSEY fue a estudiar los gorilas, o BIRUTÉ GALDIKAS lo hizo con los orangutanes. Feliz cumpleaños, Jane, que nos acompañes muchos mas.

Finalicemos con algo de humor. Están de moda los selfies, los autorretratos. No puedo recordar donde encontré la referencia a esta fotógrafa, KAIJA STRAUMANIS. Practica el selfie de riesgo. Mientras posa para su cámara, se hace arrojar a la cara todo tipo de objetos más o menos contundentes, tomando la foto en el preciso instante en el que impacta contra su rostro. Curioso,distinto y bien ejecutado. Y algo peligroso según el objeto, me parece a mí.