Ayer domingo no me dio la vida para escribir mis habituales recomendaciones fotográficas de casi todos los domingos. He tenido un fin de semana raro, ocupado, aunque entretenido y agradable, habiendo de atender a diversos compromisos, que si no eran simultáneos, poco les faltaban. Compromisos es mucho decir, puesto que todos eran opciones de tiempo libre que podría haber elegido no hacer. Pero una vez que las eliges, se convierten en un compromiso. Uno de ellos fue el recorrido que realicé con un relativamente nutrido grupo de fotógrafos y aficionados a la fotografía por el barrio de Valdefierro de Zaragoza, para recorrer las obras de la edición de 2017 del Festival de Arte Urbano Asalto. De ahí proceden las fotografías que muestro en esta entrada.
Estas proceden de la pequeña Panasonic Lumix GM5, cámara digital que me llevé con el fin de obtener unas cuantas fotos de uso inmediato. Pero dentro de unos días empezarán a aparecer en mi cuenta de Instagram las Impossible Project en color que realice, u os contaré de los dos carretes de Fujifilm Superia XTra 400 que realicé con la Canon EOS 650. Sí, Impossible; todavía no he adquirido ni he llegado a la situación de utilizar una de las nuevas Polaroid Originals.
Siguiendo siempre un criterio más o menos cronológico, aunque sin que sea excesivamente preciso, empiezo hablando esta semana de la obra de Alfred Stieglitz, uno de los fotógrafos y teóricos de la fotografía que ha dado la historia de este medio de expresión en el siglo XX. Abanderó el abandono del pictorialismo y la búsqueda de modos de expresión propios para la fotografía, así como la entrada de la misma en los museos. En Lomography Magazine nos hablan de las diversas facetas de Stieglitz como fotógrafo y, en especial, de su faceta de fotógrafo surrealista. O al menos muy influenciado por esta corriente artística.
Stieglitz quien realizó la fotografía a La fuente, el famoso urinario puesto del revés de Marcel Duchamp, que epató al mundo del arte moderno en la segunda década del siglo XX. Paul Outerbridge fue otro importante fotógrafo que también vivió y se desarrolló como artista en ese entorno, relacionándose también con Duchamp y otros miembros de las vanguardias. También asumió la tarea de utilizar objetos cotidianos para expresar sus visiones estéticas, nos nutrió de unos retratos innovadores, y fue un pionero de la fotografía en color. Como punto de entrada para conocer su obra, os sugiero el artículo que hace unos días publico AnOther Magazine.
Y siguiendo con las primeras décadas del siglo, en ese ambiente surgió una bella modelo nacida en el estado de Nueva York, pero que tras su paso por el París de las vanguardias acabó convertida en una interesante fotógrafa. Hablo por supuesto de Lee Miller. En Lomography Magazine nos han hablado esta semana de su vertiente como fotógrafa de moda, que no dejó de practicar durante los días de la Segunda Guerra Mundial en los que permaneció en Londres. Antes de integrarse en una unidad militar hacia el final de la guerra y realizar alguna de sus fotografías más significativas en los últimos días del conflicto mundial en la Europa continental.
Y si antes he hablado de Outerbridge como pionero de la fotografía en color, en varias ocasiones he comentado en estas páginas la labor de Saul Leiter como impulsor de este tipo de fotografía, elevándola a un nivel artístico y expresivo notable. Para quien se quiera iniciar en la fotografía de Leiter, no puedo dejar de recomendar el artículo publicado recientemente por Oscar Colorado en sus páginas.
Damos un salto de unas décadas en el tiempo. Y nos encontramos con dos de los fotógrafos más personales de las últimas décadas del siglo XX, la norteamericana Nan Goldin y el japonés Nobuyoshi Araki. Ambos colaboraron unos años en la década de los años 90, durante los cuales Goldin pasó tiempo en Asia. Y de ahí surgió un trabajo conjunto Tokyo Love: Spring 1994, que reunió el trabajo de ambos. Debe ser bastante difícil de encontrar y de admirar. Nos han hablado de él en AnOther Magazine.
Nicholas Nixon también es un fotógrafo actual, pero que viene trabajando desde las últimas décadas del siglo XX, que he mencionado y comentado en diversas ocasiones en estas páginas. En ClavoArdiendo nos informan, como en otros medios nacionales, que está exponiendo en Madrid una amplia retrospectiva de su trabajo, con varias de sus más importantes y prolongadas series representadas. Sinceramente, espero tener la oportunidad de acercarme a visitar esta exposición. No sé ni cuando ni como, pero...
El British Journal of Photography viene realizando periódicamente la convocatoria Portrait of Britain, en la que se busca recoger una colección de retratos que representen a la sociedad británica de hoy en día. Una sociedad ciertamente compleja, como sabrá cualquiera que siga la actualidad sociopolítica del Reino Unido. La ganadora del certamen de este año ha sido la fotógrafa Sophie Harris-Taylor, con una fotografía de un grupo de hermanas. Pero ciertamente Harris-Taylor es una retratista notable que conviene conocer más allá del premio mencionado.
En el blog de Public Art Fund pudimos ver esta semana durante los recordatorios del aniversario del 11 de septiembre una fotografía de Agnes Denes sobre los campos de trigo en Manhattan. Este fue uno de los trabajos que más me han llamado la atención dentro del arte moderno conceptual. La plantación en las proximidades de Battery Park de un campo de trigo, que rompía conceptual y estéticamente con lo que conocemos y es el Bajo Manhattan. No puedo recordar con precisión donde conocí esta obra... en la visita a algún museo de arte moderno, pero que en estos momentos no consigo recordar, y me da pereza buscar. En cualquier caso, me ha parecido interesante como combinación de la fotografía con otras formas de expresión.
En Booooooom me ha llamado esta semana la minimalista obra de Theo Tagholm, un fotógrafo contemporáneo que juega con los juegos de geometrías y de detalles, incluso con la abstracción en los objetos más anodinos y cotidianos de las calles o lugares emblemáticos de las ciudades actuales.
En Cada día un fotógrafo nos han presentado la obra de Luther Gerlach, fotógrafo también contemporáneo, pero que basa su actividad en el uso prácticamente exclusivo de procesos fotográficos históricos desde hace tres décadas, especialmente aquellos utilizados en los primeras décadas de existencia de la técnica fotográfica. Os dejo un vídeo que nos habla un poco de su trabajo.
Hace unos días os hablé de un conjunto de fotógrafas japonesas que fueron recomendadas en LensCulture, de las que luego hice una selección personal de las que más me habían llamado la atención, y hoy voy a hablar de una de ellas en concreto. Se trata de Yukari Chikura (facebook), y aunque en el mencionado medio la trate como un talento emergente, lo cierto es que aunque joven, tiene ya un extenso cuerpo de obra con reportajes diversos y de gran calidad conceptual y estética. Sean las tradiciones de una fría región nipona, sean las condiciones de vida en las más tristes zonas de los genocidios en Camboya de hace unas décadas, sean los paisajes más conceptuales que la atan a su familia. Me gusta mucho esta fotógrafa.
Terminaremos hablando del collage, una técnica fotográfica que en los últimos años se realiza más de forma digital que a partir de las tradicionales tijeras y pegamento de antaño. Una técnica que siempre me ha atraído mucho, que se uso ampliamente durante la época de las vanguardias artísticas, que alguna vez he intentado con resultados muy pobres, lamentablemente,... y de la que podemos saber más a partir del artículo que le han dedicado en AnOther Magazine, y con el que me despido esta semana.
La semana pasada esta sección dominical dedicada a mis recomendaciones fotográficas se dedicó a las exposiciones de PHotoEspaña. Por lo tanto, para este último domingo de julio, tengo acumulados enlaces de prácticamente toda la segunda quincena de julio. Espero poder irlos exponiendo sin que se haga muy pesado.
En cuanto a las fotografías acompañantes,... pues he tenido visita foránea este fin de semana. De esas que cuando llegan el viernes se te calienta el corazón, y que cuando se van el domingo, te queda una vacío muy dentro. Pero que se le va a hacer, mejor disfrutar durante un par de días que nunca. El caso es que ayer salimos por la tarde a encontrarnos con alguien que veranea en la provincia de Huesca. Y nos acercamos al castillo de Loarre. No entramos. Eran más de las siete y media cuando llegamos. Fue un paseo. Mi cámara digital fracasó estrepitosamente... porque olvidé ponerle tarjeta. Menos mal que eché a la bolsa la Pentax MX con un carrete de negativos en color y la Polaroid Image System con un cartucho de Impossible Project en blanco y negro. Os dejo algunas fotografías de este último, y os recuerdo que mi cuenta de Instagram está dedicada en exclusiva a la fotografía instantánea.
Empecemos primero por lo más antiguo cronológicamente, que no tiene porque serlo socialmente. Alice Austen fue una fotógrafa que vivió a caballo entre los siglos XIX y XX, y que a los 18 años ya dominaba el oficio aunque nunca fue una profesional porque no era concebible en esa época que una mujer se dedicase profesionalmente a la fotografía. Sin embargo, sus fotografías eran mucho más frescas, espontáneas y modernas que los de sus contemporáneos. Existe la sospecha de su naturaleza homosexual, derivado del contenido de muchas de sus fotografías con mujeres que muestran afecto entre sí, realizan actividades que rompen las normas de la época o se disfrazan de hombres. Pero dadas las restricciones de esa época, es difícil de decir, o si las etiquetas simples actuales valen para definirlas. En cualquier caso, lo hemos visto y leído en Artsy y nos ha interesado.
Durante este verano, en Magnum Photos están saliendo reportajes de fotógrafos que emprenden viajes importantes y los reflejan en sus fotografías. En estas dos últimas semanas hemos podido conocer el viaje por carretera a Nueva Orleans del francoiraní Abbas cuando tenía 24 años y que resultó en su primer ensayo fotográfico, y el viaje de Dennis Stock a California en 1968, año especialmente revuelto en la historia del siglo XX. Ambos están muy bien, me gusta mucho este género de la road photography, y alguna vez he pensado en practicarlo yo un poco. Coger unas vacaciones el coche y recorrer un territorio, parando de vez en cuando a fotografiar algo que me parezca significativo o representativo. El problema es que no me gusta mucho conducir. ¿Quizá practicar la railroad photography? Eso estaría bien, aunque hoy en día los trenes van demasiado rápidos...
El mejicano Oscar Colorado nos ha realizado varias propuestas interesantes en las dos últimas semanas. Series fotográficas comentadas en profundidad y biografías de fotógrafos siempre interesantes. Recomiendo mucho seguir el blog de este profesor universitario de fotografía.
Si el pasado domingo hablaba de la obra de Antoine D'Agata en la que se sitúa a sí mismo y su atribulada vida en el centro de su obra fotográfica, no podemos olvidar que probablemente la fotógrafa más destacada en este aspecto es Nan Goldin con su seminal serie La Balada de la Dependencia Sexual, que supuso un antes y un después de cómo afrontar el reportaje fotográfico en los años 80.
Otra fotógrafa destacada en su campo es la francesa Sarah Moon (Marielle Warin), y su etérea fotografía que abraza un pictorialismo conntemporáneo para una forma distinta de afrontar la fotografía de moda. No siendo este un género que me atraiga especialmente, hay varios motivos para ello en los que no entraré ahora, y no siendo el pictorialismo mi estilo fotográfico favorito tampoco, la obra de Moon siempre me ha parecido muy interesante. Ya sabéis, la nitidez es un concepto burgués... dijo Cartier-Bresson.
Por último, ha presentado la galería dedicada a Takuma Nakahira, un fotógrafo japonés de los que asumieron las propuestas visuales de la revista Provoke. Are, bure, boke,... grano, barrido y desenfoque. Y un fuerte contraste, para una fotografía muy enganchada a la realidad social y política del país en los años 60. Un fotógrafo muy crítico y muy comprometido políticamente.
Me gusta desde hace ya un tiempo el trabajo de la fotógrafa británica Olivia Arthur. Y si ya en ocasiones había encontrado motivos para ello, su presencia el año pasado en la exposición homenaje a Inge Morath en la que recorría el Danubio acompañada de otras fotógrafas ganadoras del premio que lleva el nombre de la fotógrafa austriaca organizado por Magnum Photos. En las páginas de esta agencia ha aparecido estos días un artículo dedica a Little Mogadishu, sobre la vida de las mujeres emprendedoras en la comunidad somalí en Estados Unidos. Tienen mucha alma las fotos de Olivia Arthur, si perder su visión precisa de la realidad.
A Joan Fontcuberta hay quienes lo aman y hay quienes lo odian. Estamos en un país muy cainita. Unido al hecho de que fuera de nuestras fronteras mantiene cierto prestigio, me hace sospechar un poco de los que lo odian. Pero es cierto que de vez en cuando toma caminos arriesgados. A través de Facebook llegué a un artículo de El nacional.cat, que hablaba del reportaje sobre las vedettes del Molino realizado por un olvidado fotógrafo de los años sesenta y setenta, Ximo Berenguer. Ahora sabemos que se trata de fotos tempranas en la carrera de Fontcuberta, y que el tal Ximo Berenguer es un invento suyo. Una provocación para poner en solfa a los medios de comunicación actuales en la era de la posverdad. Es decir en la hora en la que muchos sueltan sus mentiras y nadie las pone en duda. A mí sí me convence el planteamiento, aunque no faltan como he dicho las voces críticas o dubitativas contra el fotógrafo catalán con crudeza. Pero realmente es necesario luchar duramente contra las falsedades de la época y contra la connivencia que los medios de comunicación tradicionales muestran. Y que conste que arriesgo a las iras de alguien por enlazar un artículo publicado en un medio catalán proindependentista, lo cual quiere decir que también sucumbe con frecuencia diaria en el engaño de la posverdad.
Pero pasemos a cuestiones más ligeras. Chris Lowell (Instagram) es un actor frecuente en las series de televisión norteamericanas al que últimamente hemos podido ver en GLOW, cuya primera temporada comenté recientemente en mi Cuaderno de Ruta. Pues bien, hay que añadirlo a la nómina de gentes del mundo de la interpretación a las que gusta hacer sus pinitos con la cámara de fotos. Nos lo han contado en Lomography Magazine. Armado con una Hasselblad 503CX o una Leica M7, y película Kodak Tri-X 400, hace unas fotografías que no están nada mal. Incluso nos ha ofrecido unas fotografías tras las bambalinas de GLOW. Y están bastante bien, incluso en color. O en blanco y negro.
También en el Lomography Magazine nos sorprendieron con unas curiosas fotografías de Miles Aldridge en las cuales los personajes de Game of Thrones cambiaban de época y de ambientación, trasladándonos más a las décadas de la posguerra mundial con la fuerte saturación de la Ektar 100 usada con una Rolleiflex 6001. Originalmente aparecieron en Time.com, y aunque tienden ligeramente al kitsch, como buena parte del trabajo de Aldridge, no me disgustan nada.
Llevo unos días dándole vueltas a la idea de cambiar la forma de mis recomendaciones semanales. Quizá menos fotógrafos o fotografías recomendadas, pero con un poquito más de comentario y recursos complementarios. Al principio la idea me vino por que no siempre voy bien de tiempo para redactar este artículo. Pero luego pensé que esa idea tenía un aspecto positivo y otro negativo. El positivo es que aumentaría la profundidad de los artículos. El negativo es que no necesariamente me ahorraría tiempo; probablemente al contrario. Selecciona dos o tres temas o fotógrafos de interés, repasa la obra, selecciona enlaces o fotografías,... No sé. Seguiré pensando en ello. Todo es cuestión de plantearlo como un trabajo de la semana que culmina el domingo por la mañana y no como un trabajo del domingo por la mañana. De momento, aquí traigo mis recomendaciones habituales, acompañadas de mis primeras fotografías del 2015, que no son gran cosa; simplemente fruto de un paseo en una mañana soleada. Quizá demasiado soleada para un interés fotográfico.
En las últimas semanas/meses he hablado en diversas ocasiones de STEPHEN SHORE a propósito sobretodo de su exposición en la FUNDACIÓN MAPFRE de MADRID. Esta semana he encontrado un artículo sobre enseñanzas que se pueden obtener estudiando la fotografía de este interesante fotógrafo. Por cierto, sabía que habitualmente ha venido usando cámaras de gran formato, pero que en alguna de sus más célebres series había utilizado alguna cámara sencilla para fotografías con aspecto de instantáneas comunes, de las que "cualquiera" podría hacer. Esa cámara que usó para la serie AMERICAN SURFACES fue una coqueta ROLLEI 35.
NAN GOLDIN es una fotógrafa muy compleja, que ha reflejado en su obra una vida todavía más compleja y llena de conflictos. Esta semana he encontrado una entrevista, con algunas de sus fotografías, que le hicieron en 2002 y que nos permitirá conocer un poco mejor su forma de pensar y de fotografiar. ¿Por qué será que tantos artistas norteamericanos no se siente profetas en su tierra?
En otro sitio también nos hablan del trabajo precoz de otro fotógrafo, en blanco y negro. Se trata de SAUL LEITER, un fotógrafo de siempre pero que está siendo redescubierto en los últimos años, quizá porque su carácter retraído había hecho que pasase relativamente desapercibido. Lo cierto es que tiene fotografías magníficas. Que visión tenía este hombre.
Se oye hablar de vez en cuando de la ESCUELA DE HELSINKI. En algún sitio he leído hablar de esta escuela como si fuera un movimiento o refiriéndose con tal denominación al conjunto de fotógrafos fineses actuales, o que se desenvuelven en aquel país. Seguid el enlace anterior y comprobaréis que es un lugar real. Que los que se forman en dicha institución tengan además características comunes, eso es otra cuestión. En cualquier caso, esta semana me he encontrado con una representante de esta escuela, AINO KANNISTO. Como otras fotógrafas de renombre, ha optado por colocarse a sí misma ante su propio objetivo, no tanto como sí misma cuanto para representar historias, emociones, sentimientos, de una forma ciertamente cinematográfica. Se puede encontrar un cierto número de fotógrafas en todo el mundo que afrontan su trabajo de forma similar, pero no todas me gustan por igual. Creo que en el caso de esta finesa, merece la pena pararse a mirar su trabajo.
Me gusta el paisaje. Y me gustan los paisajes de HAYATO WAKABAYASHI, que nos muestran en su serie VANISHING la fuerza de los elementos naturales, portencialmente destructivos, bien sean volcanes, el mar, combinaciones de ambos u otros elementos... Lo que me parece es que con la orografía, la geología y los riesgos a los que se ve sometido el país nipón, no haya más fotógrafos del país del sol naciente interesados por el tema. Tiene otras series interesantes en las que la naturaleza es siempre importante.
El 70% de la superficie del planeta está cubierto por agua (que no es lo mismo que la tonta que a veces se oye de que el 70% del planeta es agua). Pero solo un minúsculo porcentaje de ese líquido precioso para la vida es apto para el consumo. La fotógrafa ANSLEY WEST, en su serie SEVEN RIVERS, reflexiona con sus imágenes sobre lo que puede suponer la crisis actual derivada de la contaminación y el cambio climático de cara a la disponibilidad de esa agua para toda la población. Nuevamente la fotografía de paisaje al servicio de la reflexión social y política. Conviene repasar su página web, puesto que hay otras series diversas y muy interesantes.
Finalmente, una fotógrafa más que ha apuntado su objetivo sobre el mundo de la adolescencia. La particularidad de esta consiste en dos cosas. En que ella misma hasta hace nada ha formado parte de ese grupo de edad. Y la segunda, en que a mí me parece que sus fotografías tienen más calidad técnica y estética que otros fotógrafos jóvenes que se han puesto de moda en los últimos tiempos. Se trata de CHARLOTTE ABRAMOW.
Esto esto por ahora. La semana que viene más. Las recomendaciones de esta semana proceden de:
Como el domingo pasado estaba de viaje, nos saltamos esta sección semanal que hoy comprenderá un intervalo de dos semanas. Por lo tanto habrá abundancia de recomendaciones, que intentaré ordenar de una forma coherente.
En primer lugar un aniversario. Hace 20 años se produjo un hecho atroz, las inusitadas matanzas de carácter étnico en Ruanda, un auténtico genocidio a base de machetes que produjo masacres de violencia casi inimaginable a finales del siglo XX. Inimaginables sino fuera porque se producen hechos igualmente horribles con más frecuencia de la que nos gusta admitir. Se han visto muchas imágenes de aquellos hechos y de sus secuelas, en los que murieron casi un millón de personas en tres meses. Aquí lo recordaré con la visión de ALEXIS CORDESSE sobre la tragedia ruandesa, en la que nos ofrece retratos de personas que participaron de forma activa en la masacre, así como paisajes de aspecto idílico en los que sucedieron estas masacres. Vía L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE.
Vernazza
Vernazza
Es bueno recordar fotógrafos que han llegado a ser verdaderos clásicos de la fotografía. Uno, español, del que nos acordamos poco, es el catalán EUGENI FORCANO, un autodidacta premio nacional de fotografía en 2012, con poderosas fotografías, siempre dirigidas hacia las personas. Vía PHOTOGRAPHS ON THE BRAIN.
Otro clásico de la fotografía documental norteamericana es GARRY WINOGRAND, que en la actualidad expone una retrospectiva en su país natal. Algunas de sus fotografías son casi icónicas. También es un fotógrafo a revisar con frecuencia por aquellos aficionados a lo que los modernos llaman street photography. Lo que yo decía, fotografía documental. Vía PROOF de NATIONAL GEOGRAPHIC.
Desde luego, pocos pueden negar la importancia de NAN GOLDIN en el panorama de la fotografía contemporánea. La mencioné hace pocos días como participante de la exposición colectiva que pudimos contemplar en Florencia, , hace unos días. Con sus fotografías niños llenos de alegría y sensación de libertad. Fotografáis que se pueden encontrar en su nuevo libro EDEN AND AFTER que ya se puede encontrar en las librerías. Yo ya lo he visto por ahí. Pensando en incluirlo en mi biblioteca. Vía LIGHTBOX de TIME.
Vista de Corniglia
Paisaje sobre Corniglia
Parece que esta de moda la fotografía estenopeica. Hoy día 27 de abril se celebra en todo el mundo un día dedicado a esta modalidad fotográfica. He podido encontrar en estos días un par de artículo en THE PHOBLOGRAPHER sobre la obra de dos fotógrafos que usan esta técnica. En el primero de ellos, encontramos las fotografías en blanco y negro de ALAN THOBURN, paisajes marinos llenos de ensoñamiento y melancolía. En el segundo de ellos, también dedicado al paisaje pero entornos muy variados, mar, montaña, ciudad,... BENJAMIN POSTLEWAIT utiliza unos sutiles y matizados colores para ofrecernos también unos paisajes desprovistos de la agresividad frecuente en los saturados paisajes que solemos ver obtenidos con técnicas más convencionales.
Estos sutiles colores me llevan a una recomendación reciente que apareció en excelente blog dedicado a la fotografía en película tradicional, SALES DE PLATA, y se trata del libro SIGHTWALK de GUEORGUI PINKHASSOV. Un libro que también tiene una pinta excelente y que no me importaría tampoco añadir a mi biblioteca.
Y si estamos con un fotógrafo que documentó las calles de la antigua Unión Soviética, porque no dedicar un espacio de tiempo a las idílicas fotografías que los jerarcas de la antigua RDA (Alemania oriental) encargaban a los fotógrafos MARTIN SCHMIDT y KURT SCHWARZER, para documentar el paraíso comunista en el que según ellos se había convertido el país. Dos cosas. Las fotografías son buenas, realmente buenas, en el entorno de la época en la que se tomaron. Las fotografías son mentira, son publicidad institucional, o sea que son mentira. Pero sabido todo ello, merecen la pena verse. Vía L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE.
Mar de Liguria
Manarola
El desnudo es una especialidad tan apasionante como compleja y difícil. Es difícil hacer algo novedoso, es complejo conseguir las sencillas imágenes que desprovean al cuerpo humano de lo superficial y nos transmitan sensaciones auténticas. En estas dos semanas he encontra en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE un par de porfolios que me han parecido interesantes. El primero de los porfolios es de la fotógrafa MARIE-CLAIRE MONTANARI, con fotografías en blanco y negro de encuadres muy cuidados, y estilos ya clásicos, en las que nunca vemos el rostro de las modelos. Fotografías de encargo en muchas ocasiones de mujeres que quieren reafirmarse a si mismas o que quieren guardar recuerdo de lo que un día fueron. El segundo pertenece a un lector que mandó su porfolio a la redacción para su valoración. Un trabajo muy personal, con técnicas tradicionales de película, fotografías instantáneas, en blanco y negro y color, el de JEAN-PIERRE DOMINGUE, que también merece la pena un vistazo.
Introduzcámonos un poco en la fotografía más actual. Como la fotografía conceptual de KENNETH JOSEPHSON, que ha reflexionado mucho sobre las cualidades físicas de la fotografía, incluyendo muchas veces en sus encuadres copias fotográficas que complementan la escena tomada. Vía CADA DÍA UN FOTÓGRAFO/FOTÓGRAFOS EN LA RED.
El fotógrafo italiano GIOVANNI COCCO nos propone introducirnos en el circense mundo de la representación burlesca, a través de un color saturado y contrastado. Os dejo un vídeo. Vía ART PHOTO COLLECTOR.
Un paisaje también muy matizado y de colores suaves, poco contrastados, nebLinosos es el de SARKER PROTICK en sus viajes por el siempre conflictivo Bangladesh. Vía PROOF de NATIONAL GEOGRAPHIC.
Dicen que cuando hay un exceso de información, termina por no haber información alguna. Y en SALES DE PLATA nos hablan de esto cuando nos cuentan cómo HIROSHI SUGIMOTO decidió fotografiar las salas de cine con su cámara de gran formato en larga exposición desde que comenzaba la película hasta que aparecía el FIN en la pantalla. El resultado, salas suave y débilmente iluminadas, con una pantalla inmaculadamente blanca por el acúmulo de imágenes que se habían sucedido sobre ella durante la proyección. Un interesante proyecto que conocí hace tiempo, pero cuyo autor había olvidado.
En Japón se están poniendo de moda los robots de aspecto humano, aunque sus capacidades y utilidad sean escasas de momento. La fotógrafa LUISA WHITTON los fotografía en su integridad o en partes, ofreciéndonos una curiosas sensación de extraña humanidad en estas máquinas que intenta replicar al ser humano. Aunque estén lejísimos de conseguirlo, no importa la apariencia que muestren. Vía FEATURE SHOOT.
Finalmente, los archivos de tipo GIF, pensados para ofrecer imágenes en movimiento en la web, llenaron las páginas de los años noventa en internet de un gusto hortera y arruinaron la usabilidad de muchas de estas páginas. Pero hoy en día es un formato que está siendo usado por muchos fotógrafos y artistas visuales para impulsar su creatividad y dar un nuevo impulso a su obra. Creo que os podríais pasar por la SAATCHI GALLERY para conocer algunas interesantes propuestas.
