Hace unos días, revisando una documentación que necesitaba por temas laborales en mis cajones, me encontré con un rollo de tipo 120, Ilford Delta 400 para formato medio, expuesto, sin revelar. Por más vueltas que le daba a la cabeza, no conseguía recordar ni cuando ni donde había utilizado ese rollo. Las neuronas que conservaban esa información parecían haber desaparecido de mi cabeza.

Lo revelé y...

Vistas las imágenes que aparecieron, las coordenadas de lugar y tiempo del carrete aparecieron en mi mente con claridad. El rollo fue expuesto el 5 de marzo de este año 2018, en el Museo Pablo Gargallo de Zaragoza y alrededores.

Durante esos días y anteriores, había dedicado un cierto esfuerzo a usar en ese entorno películas negativas en color de alta sensibilidad, y había olvidado que eventualmente expuse también este rollo de Ilford Delta 400. Por la naturaleza de las imágenes, sin duda lo usé a su sensibilidad nativa, ISO 400, y en interiores en su mayor parte estarán expuestas a su máxima apertura de f/4, y con velocidades de obturación entre 1/30 y 1/60 s.

Por el tamaño de su negativo, resulta evidente que la cámara utilizada es la Fujifilm GS645S Wide 60. Es la única que vengo utilizando con un negativo de 6 x 4,5. Y siendo una cámara de enfoque por telémetro de coincidencia, su distancia de enfoque mínima no es especialmente favorable, por lo que no hay primeros o primerísimos planos de las obras. "Retratos" de cuerpo entero o ambientales para la mayor parte de ellos. Pero están bien. La gradación tonal y el rendimiento de la película está bastante bien. Quizá sea mejorable, pero en general las fotografías son agradables.

Como el domingo tenía listo para revelar un carrete de Rollei Retro 80S del que os hablaré otro día, comprobé los tiempos de revelado de ambas emulsiones con Rodinal o sus derivados. Yo uso en los últimos tiempos el APH-09 de ADOX, que es una formulación del Rodinal anterior a la Segunda Guerra Mundial, pero con la que no encuentro diferencias en los resultados que ofrece. El caso es que para la 80S me proponía 8 minutos a 20 ºC con una dilución 1+25, mientras que para la Delta 400 me proponía 9 minutos a la misma temperatura y dilución. No me importaba, incluso prefería, dar algo más de tiempo de revelado a la película de Rollei para conseguir negativos más contrastados. Así que me arriesgué a perder contraste y algo de detalle en las sombras en la Delta 400, y revelé ambas en el mismo tambor con un tiempo de 8,5 minutos. Lo ciertos es que no he perdido detalle en las sombras, no se han bloqueado, y el contraste suave general de estos negativos les sienta muy bien a los volúmenes y las texturas de las obras escultóricas.

¿Qué podría ser mejorable? Pues alguno podría decir que con un revelador más adecuado, las imágenes podrían tener menos grano. El que presentan no me parece nada intrusivo. Por cierto, que estas alegrías mías con los tiempo de revelado "desmienten" en parte ese mensaje eterno de que las películas Delta, de grano tabular, necesitan más rigor en los tiempos y métodos de revelado. Mi experiencia me dicta desde hace tiempo que son bastante más resistentes de lo que nos cuentan. La única preocupación que tengo es fijar durante cinco minutos, en lugar de los entre 3 y 4 minutos, según la "edad" del revelador, que aplico a otras emulsiones más tradicionales.

Bueno. Y a vosotros ¿qué os parecen?

He pasado cuatro días en la capital italiana. Entre el miércoles y el domingo de la Semana Santa de este 2018. Estoy recién llegado, como quien dice. Entendámonos, el objetivo de este viaje no era hacer turismo o culturizarme. Era ver y charlar con gente a la que uno quiere, que ve muy poco y que echa de menos. Pero una buena forma de hacer eso es pasear. Teniendo cuenta en no caer en una tourist trap, difícil en Roma, aunque menos de lo que parece. Y si llueve, incluso si amenazan tormentas, visitar alguna exposición o museo, que nunca faltan. No son baratos en Roma, salvo alguna excepción. Se pasan un puñado. Ley de oferta y demanda. Tienen a mucha gente visitando la ciudad... se lo cobran.

Primera tarde de lluvia, el viernes, y primer refugio expositivo; la exposición Magnum Manifesto, que en estos momentos va circulando por varios continentes. En Europa está en Roma, en el Museo dell'Ara Pacis. Donde no dejan hacer fotos en las exposiciones temporales. En la exposición permanente, sí.

La exposición pretende ser un, como se puede deducir de su nombre, "manifiesto", una declaración ética y programática de los valores que impulsaron la creación de la agencia y su realidad presente. Al mismo tiempo, recorre la historia de la misma y del mundo desde que se creó hasta la actualidad, dividiéndola en cuatro etapas históricas. Está bien. Es muy entretenida. Pero quizá demasiado autocomplaciente y propagandística para una institución que debería hacer del escepticismo y el sentido crítico, también autocrítico, su bandera.

Pronóstico de lluvia todo el día para el sábado. Chubascos por la mañana y tormentas, más torrenciales, por la tarde. A primera hora de la mañana nos refugiamos en la Galleria Nazionale d'Arte Moderna.

Encontramos una sección dedicada al arte contemporáneo africano, que nos gustó bastante. Luego, como suele suceder con muchos museos dedicados al arte moderno y contemporáneo, la exposición de los fondos propios del museo no toma el carácter de exposición permanente. Periódicamente, van cambiando y rotando las obras, con presentaciones distintas de las mismas.

En la actualidad, la presentación puede desconcertar al visitante. No hay ordenación cronológica. Ni por movimientos o estilos. Incluso aquí y allá encontramos algún préstamos del museo arqueológico. Más bien hay una agrupación por temas o conceptos. A veces por contrastes. Que unas veces son más evidentes que otras. Falta alguna orientación en forma de textos explicativos. La exposición está bien; pero podría estar mejor comisariada.

La fotografía es una arte del final de la era moderna y de la era contemporánea. Por lo tanto, tiene su presencia en la muestra. Como tal arte, con personalidad propia, como a través de las influencias que recibe de otras artes o a través de la influencia que ejerce en ellas.

Como sucede en muchos museos italianos, sus fondos artísticos son fenomenales, pero resultan algo fríos y poco acogedores para el visitante. Visitar museos es cansado para las piernas. Que no haya lugares para sentarse en el centro de las salas para contemplar las obras, me parece extraño en estos días.

Paseamos por Villa Borghese, enfrente de la Galleria Nazionale d'Arte Moderna, aprovechando que ha mejorado la mañana. Entramos, porque nos pilla a mano y es gratuito, en el museo dedicado al escultor Pietro Canonica. No esta mal, pero sin entusiasmos.

Después de comer, y comenzando de nuevo a llover, nos acercamos tirando de transporte público al Museo centrale del Risorgimento, ubicado en el horrible Vittoriano, hoy en día más conocido como Altare della Patria más que como faraónico monumento a la memoria de un rey. Pero no vamos a ver sus fondos propios, sino tres interesantes exposiciones. Dos de fotografía y una de pintura. A la de pintura, muy notable y concurrida, no le dedicará mucho tiempo. Pero se trata, nada más y nada menos, que de uno de los padres del impresionismo, Claude Monet, aunque no se quedase en ese estilo toda su vida, ni mucho menos. Sus últimas obras son más expresionistas que otra cosa, en mi humilde opinión.

También había por allí una exposición de fotografía dedicada a Terry O'Neill. Un buen fotógrafo, no es de los que más me maten, pero su obra es curiosa porque se ha dedicado a fotografiar a los famosos de la cultura popular a diestro y siniestro. Así que... muy entretenido.

Cerraré esta entrada comentando la exposición que probablemente más he disfrutado. La que más interesante me parece. Se trata del artista chino Liu Bolin (escrito al estilo chino, con el apellido en primer lugar). Habitualmente es considerado fotógrafo, e indudablemente la calidad técnica de sus fotografías es notable. Pero básicamente es un artista conceptual, que hace de un estilo muy determinado de performance, la ocultación camaleónica en el paisaje pintando sobre sus ropas y su cuerpo, así como el de otras personas, una forma muy personal de expresarse. Muchas de sus obras tienen un fuerte contenido sociopolítico, lo cual tiene mérito, dada la censura que reina en China, donde no parece encontrar la oposición de las autoridades. Lo he leído varias veces; no es imposible opinar en China, siempre que no te metas con el partido y la esencia del régimen. Pero de otras cosas sí. No sé; puede. Es lo que he leído. En cualquier caso, me ha encantado ver estas obras, que conocía en revistas y en internet, en copias impresas de gran formato y gran calidad que te dan un fuerte impresión del mensaje de la obra de Liu.

Cierto es que Liu Bolin tampoco le hace ascos a trabajos comerciales, más integrados en esa sociedad que de fondo critica, aunque siendo fiel a su estilo. Bueno... supongo que tendrá que comer y ganarse algunas pesetillas. Yuanes o dólares, mejor. Y realizar sus obras exige un equipo considerable. Por lo menos las más recientes. Quizá cuando empezó todo tenía un nivel más modesto.

En cualquier caso, a mí, me gusta bastante.

Hace un año más o menos, probaba la película Cinestill 800T 120; una emulsión ya conocida en película de 35 mm y que en aquel momento era una novedad en rollo de tipo 120 tras una campaña de financiación colectiva. Los resultados que obtuve fueron buenos.

A finales de enero, con ocasión de la jornada de puertas abiertas de los museos de la ciudad de Zaragoza con motivo de una fiesta local, me dispuse a volver al Museo Pablo Gargallo para usar el último de los rollo de Cinestill 800T 120 que me quedaban.

Al igual que en marzo del año pasado, utilicé la Hasselblad 503CX con el Carl Zeiss Planar 80/2,8 CF T*. El modo de medir la luz fue similar y, al igual que el año pasado, usé la cámara a su sensibilidad nominal ISO 800. Sí que arriesgué más en algunas de las composiciones, acercándome más a las esculturas de Pablo Gargallo. Esto puede suponer problemas para ajustar adecuadamente el enfoque, más cuando no permiten el uso de trípode, si el diafragma de trabajo es demasiado abierto.

Por lo demás, todo igual, salvo que cambié de laboratorio de procesado.

Lo cierto es que no he quedado tan satisfecho con los resultados como hace un año. Diríase que con carácter general las fotografías están insuficientemente expuestas. A muchas de ellas les falta como mínimo un paso de luz. No he podido ver todavía los negativos, por lo que no sé cómo están. Tampoco el rendimiento de los colores ha sido el mismo, aunque eso puede ser por la distinta apreciación del técnico que realiza la digitalización. Yo he corregido cierto exceso de dominante verdosa que había en algunas fotografías, y he "enfriado" en general el conjunto de imágenes.

Ese mismo día, usé también un rollo de Kodak Portra 800, con el fin de hacer una comparación de ambas películas. Pero parece ser que se malogró por algún motivo durante el procesado. Así que... mala suerte. Tengo otro de Fujifilm Venus 800, realizado un mes más tarde, que todavía tengo que mandar a revelar. Pero es de formato 135, por lo que las comparaciones no serán tan oportunas como cuando comparas dos rollos del mismo formato.

En principio no tengo especial intención de repetir con esta película, Cinestill 800T, en un futuro próximo. Es muy cara, y no he acabado de encontrar, por un motivo u otro, consistencia en los resultados. En un momento dado, de momento, casi prefiero hacer un revelado forzado de la Kodak Portra 400, si necesito ese margen de sensibilidad. Pero bueno, aquí está la experiencia.

Los museos dedicados de forma exclusiva a la fotografía no es que abunden. Van apareciendo poco a poco, y no suelen ser muy conocidos. No suelen tener exposición permanente, sus colecciones son cuidadosamente guardadas y archivadas, aunque eventualmente exponen partes de sus fondos siguiendo líneas temáticas diversas. En general, su actividad se basa en las exposiciones temporales, con fotografías de fondos ajenos, y en la actividad cultural que desarrollan en torno a ellas. En España son raros e incógnitos.

Entre los que conozco, la mayor parte de ellos en Europa, Fotografiska en Suecia es uno de los más activos y con más encanto.

De trayectoria relativamente corta, se abrió en 2010, no es propiamente un museo. Carece de colección propia, y es más bien un centro sobre la fotografía contemporánea de carácter comercial. Situado en un antiguo edificio aduanero para el control de mercancías en los muelles de Estocolmo, de estilo "art nouveau", dispone además de una nutrida tienda, que vende todo tipo de mercaderías promocionales, libros, muchos libros,... y fotografías, por supuesto. Tiene bar-café y restaurante, muy animados, especialmente cuando hace buen tiempo. Y es muy visitado. Suele estar muy ambientado.

Lo visité por primera vez en 2011, cuando llevaba poco más de un año abierto, y en esta segunda visita 5 años más tarde he podido apreciar cómo el centro está integrado en la vida de la capital sueca. El plano de la ciudad que ofrecen los hoteles y las oficinas de turismo de Estocolmo lleva este año 2016 una vista de Fotografiska, como lugar que ya se considera emblemático de la ciudad.

Y lo que es más importante, las exposiciones suelen ser de alto nivel. Vamos a ellas, las que visité el pasado 13 de agosto de 2016.

NICK BRANDT - INHERIT THE DUST

Probablemente, la exposición más interesante y de más nivel fotográfico de las que había en estas fechas de mediados de agosto. Se trata del nuevo trabajo del británico Nick Brandt, un fotógrafo que fotografía fundamentalmente en África, habiéndose enfocado en documentar la vida salvaje del gran continente ancestral, abogando por su protección y denunciado los desmanes que se cometen contra la misma.

Si las anteriores series del autor se caracterizaban por la belleza y majestuosidad de los animales en libertad, con fotografías en blanco y negro de gran calidad, en esta ocasión la acción de denuncia es mucho más incisiva. Grandes fotografías de carácter casi mural que nos presentan paisajes urbanos o suburbanos de las urbes africanas, muy degradados, donde antes hubo vida salvaje floreciente. Y donde ahora mal viven sus habitantes humanos en unas sociedades en las que el progreso económico se acompaña de fuertes incrementos en las desigualdades sociales, como es propio de los desarrollos capitalistas descontrolados.

En todas las fotografías, el fotógrafo con sus ayudantes colocó un mural de una foto realizada por él para otras series, y descartada en su motivo por distintos motivos, y que en su momento pudo habitar en los entornos ahora degradados. No hay trucos digitales. Las gigantes fotografías a tamaño natural de elefantes, jirafas, leones, chimpancés,... se imprimieron y se pegaron sobre grandes tableros que se colocaron cuidadosamente en el paisaje degradado de forma armoniosa. Después con una cámara de formato medio para película tradicional en blanco y negro se tomaron series de fotografías que se tras un escaneado de alta calidad, se ensamblaron cuidadosmente para la imagen final. Sin más retoque digital que los ajustes necesarios de luminosidad y contraste tras el escaneado. El "como se hizo" se expone y se cuenta en un documental.

Supongo que esta exposición se irá moviendo por el mundo. Si en algún momento está cerca de donde os encontréis, no lo dudéis. Id a verla. Os impresionará. Mucho. Tanto por los aspectos formales como por sus conceptos y denuncias. Arte con mayúsculas.

ÅKE ERICSON - NON GRATA

La segunda exposición que visité está dedicada a un fotógrafo local, Åke Ericson, periodista gráfico que residen en Estocolmo y que presenta un trabajo sobre la discriminación que sufre el pueblo gitano en diversos países de Europa, con especial gravedad en algunos países del centro y el este de Europa, donde las débiles y poco consolidadas socialmente democracias establecidas tras las dictaduras de inspiración soviética no han conseguido regular la situación de estas personas. Países en los que también están produciéndose brotes de extremismo nacionalista, a veces de orientación fascista, que no ayudan tampoco a mejorar la situación.

En el tono de muchos reportajes que se pueden ver actualmente con contenido de denuncia social, contiene no obstante algunas imágenes notablemente potentes, y presenta algunas realidades que pueden parecernos más graves incluso de lo que nos temíamos. Es un trabajo bueno y valiente.

LA IMAGEN DE LA GARBO

Greta Garbo es un icono de la cultura popular mundial. Greta Garbo es un ídolo de la cultura de su país natal, Suecia, y de la ciudad donde vio la luz, Estocolmo. Por lo tanto, no es raro encontrar manifestaciones culturales en la capital sueca sobre una de las actrices más carismáticas de la historia del cine. Procedente de una colección privada, nos encontramos en Fotografiska con una exposición dedicada a la imagen fotográfica de la actriz, que tras una carrera prematuramente terminada, se sumió en una vida de discreción y misterio.

La mayor parte de las fotografías proceden de los archivos de la Metro Goldwin Mayer, productora con la que trabajó la actriz sueca en Hollywood. Por ello no es fácil saber a qué fotógrafo atribuir cada una de las imágenes. Eran fotógrafos a sueldo de los estudios, y no solía aparecer en los créditos de las fotografías. Pero se nos informa que la mayor parte de ellas son atribuibles a Ruth Harriet Louise (entre 1924 y 1930 aproximadamente), y a Clarence Sinclair Bull, hasta el final de la carrera de Garbo, por lo que son sus fotografías las que dominan la exposición.

BRYAN ADAMS - EXPOSED

No, no es un fotógrafo que se llama como el cantante. Es el cantante que  también se dedica a fotógrafo de vez en cuando. Con la cantidad de amiguetes que tiene Bryan Adams en el mundo de la farándula, al canadiense no le resultó difícil empezar a hacer sus pinitos en el campo de la fotografía de moda y celebridades, y que algunas revistas de cierto prestigio en estos campos comenzasen a publicar sus fotografías.

Con una técnica razonablemente buena, Adams nos propone una colección de retratos de caras conocidas en los que se aprecian influencias claras de los grandes del medio como puedan ser Helmut Newton, Richard Avedon, o incluso Irving Penn, pero sin que aporte gran cosa más allá. Buen artesano capaz por lo tanto de emular a los mejores, nos presenta una exposición que interesa a la gente por la cantidad de caras conocidas. Si le pones la pimienta de algún desnudo, es ya un tópico la presencia con poca ropa en este tipo de exposiciones por parte de Kate Moss, y si tenemos en cuenta el notable tamaño de las copias, pues tienes el espectáculo montado.

Entendámonos, no quiero en absoluto menospreciar el trabajo del cantante, ya que las fotografías no son malas ni mucho menos y hay algunas que te enganchan la vista, en las que el fotógrafo parece haber captado algo más del carácter famoso que tiene en frente. Pero hay muchos buenos fotógrafos en el munde de la moda y el famoseo que pueden estar a su nivel, pero con menos proyección por falta de nombre a priori.

Eso sí, junto a "Exposed", en una sección de la exposición, encontramos "Wounded", una serie de retratos de veteranos del ejército británico heridos en acto de servicio, y que aportan algo más. Por lo menos hay ahí un reto más complejo, correctamente resuelto, y elementos de reflexión más allá de lo anecdótico del resto de la exposición.

HANNAH MODIGH - HURRICANE SEASON

Otra fotógrafa local; sueca quiero decir. De Hannah Modigh me sonaba su trabajo sobre la adolescencia y la juventud del cual en algún momento ya hablé en estas páginas. En esta ocasión, nos lleva al estado de Louisiana, a sus regiones costeras, aquellas que con más frecuencia se ven azotadas por los huracanes que se forman en las inmediaciones del golfo de Méjico.

Es un trabajo que no pretende ser un trabajo periodístico, un reportaje al uso, sino un acercamiento, un retrato de una sociedad, en general sin muchos medios económicos, que vive constantemente bajo la amenaza de los fenómenos climatológicos de carácter disruptivo. Que constantemente ponen en jaque el modo de vida de estas gentes, parte del profundo sur de los Estados Unidos. Con un tono un pelín distante, pero muy directo, más que una narración nos propone una serie de vistas de una realidad física y social.

AAPO HUHTA - JOVEN FOTÓGRAFO NÓRDICO DEL AÑO 2016

La última de las exposiciones corresponde a la pequeña sala dedicada a Aapo Huhta, fotógrafo finlandés emergente, y que presenta su trabajo Block, ensayo fotográfico en el que nos muestra paisajes urbanos con el ser humano en soledad, o anonimizado, dando un tono distópico a nuestra realidad cotidiana.

Como habéis visto, nos llevó un rato el realizar la visita al conjunto de las exposiciones, la fotografía con la que iniciaba este artículo está tomada a la salida, con una luz crepuscular, en torno a las nueve de la noche. Cuando llegamos era media tarde.

Aun tuvimos ocasión para tomar una cerveza en el bar cafetería del centro, y a regalarnos con una no demasiado asequible cena en el restaurante del mismo. En cualquier caso, visita obligada para todos los aficionados a la fotografía que se acerquen a la capital sueca, y recomendable para los no aficionados. Con horarios muy extensos. Normalmente cierra a las 10 de la noche, con días de la semana que se prolonga hasta la una de la madrugada. No hay excusa para decir que no se encuentra tiempo.

Ayer os hablaba de forma extensa sobre la CANON EOS 100 y el equipo de objetivos y complementos que utilicé de forma prioritaria entre marzo de 1993 cuando la compré y el mes de julio de 2004, cuando la llevé de viaje por última vez. A Foix, Toulouse y los departamentos pirenaicos de la región francesa de Midi-Pyrénées.

Esta tarde, reorganizando algunas cosas en casa, me ha aparecido una cajita con diapositivas que puedo datar de septiembre de 1999. A finales de agosto de ese año había estado de vacaciones también en Francia. En la Cerdaña, en los castillo cátaros, subiendo por Carcasona y Albí hasta las gargantas del río Tarn. Un viaje que tengo que rescatar y digitalizar. Tras este viaje, me fui a pasar unos días con mi hermana, que vivía entonces en Peñíscola. Desde allí hicimos una excursión al MUSEO DEL FERROCARRIL DE VILLANUEVA Y LA GELTRÚ y a SITGES. Creía que estas diapositivas sí que las tenía localizadas y digitalizadas en su totalidad. Al menos las que merecía la pena. Pero he encontrado esta cajita con algunas más de aquella excursión y otras del viaje de vuelta en tren a Zaragoza. Y un simpático recuerdo. Una fotografía de los participantes en el cursillo de tenis de aquel mes de septiembre en el CENTRO DEPORTIVO MUNICIPAL DE LA GRANJA.