Esta semana también viene interesante en lo que se refiere a las recomendaciones fotográficas, con algunos enlaces muy interesantes recopilados en los últimos siete días. No parece que el verano esté afectando negativamente a las noticias sobre fotógrafos y fotografías. O a lo mejor es que el verano favorece la celebración de festivales y exposiciones y hay más movimiento. No sé. Las fotografías acompañantes están tomadas cerca de Pozuelo de Aragón e intentan reflexionar sobre el deterioro paisajístico en el mundo actual. Unas instalaciones ganaderas, cuyo uso ya no se ajusta a las necesidades del mundo actual, pero que aportan valor estético al paisaje de la comarca, pero que poco a poco se van deteriorando, degradándose por lo tanto la estética del paisaje. Cuestiones que se valoran poco en este país. Podría poner más ejemplos...

Las fotografías, a lo largo del siglo XX, se han convertido con frecuencia en iconos de determinados momentos históricos, valores o movimientos. Pero a veces son como las armas de fuego, que las carga el diablo, y acaban volviéndose contra quien las pretenden utilizar. En The New Yorker nos hablan de una fotografía que se convirtió en un icono de las libertades haitianas. Estando la isla ocupada por ese "garante de las libertades" del mundo actual que son los Estados Unidos de América a principios del siglo XX, hubo movimientos de rebelión contra esta ocupación, que fueron duramente reprimidos por los norteamericanos. En 1919, asesinaron a uno de los cabecillas rebeldes, Charlemagne Péralte, y un fotógrafo de la infantería de marina yanqui tomó una imagen del cadáver que se difundió con el fin de que sirviese de lección a otros rebeldes. Pues bien, se convirtió en un icono de la libertad haitiana. Los militares yanquis crearon un mártir que espoleó a la lucha a otros haitianos. Y no aprenden, y siguen sorprendiéndose de la resistencia que muestran otros pueblos, y cómo sus acciones militares y las imágenes que de ellas se desprenden no sirven más que para espolear nuevos combatientes. Desgraciadamente, en muchos casos fanáticos religiosos que tampoco le hacen ningún bien al mundo.

Philip-Lorca diCorcia es uno de los fotógrafos contemporáneos más prestigiosos del momento. Cuando visité Nueva York hace dos años, pude ver cómo el MoMA y el Met le dedicaban espacio a sus obras. En American Suburb X (ASX) le han dedicado esta semana un artículo a su trabajo en la calle en los años 1993-1997. Bueno... veis... se puede hacer fotografía documental en la calle en color y sin avasallar a los viandantes. Y combinando estética y significados.

También en American Suburb X (ASX) hemos leído un artículo sobre otro artista consagrado. Especialmente como cineasta, aunque también aparece en estas páginas como fotógrafo de vez en cuando. Se trata de Wim Wenders. En esta ocasión para mostrarnos las fotografías que en los años 80 tomó durante el tiempo que pasó buscando localizaciones para una de sus películas más notables, Paris, Texas.

Creo que en alguna ocasión he hablado por aquí de The Polaroid Kidd, sobrenombre que durante un tiempo recibió el fotógrafo que ya no se dedica a ello Mike Brodie, que se subía a los trenes de mercancías que atraviesan los Estados Unidos con su cámara y recogía sus vivencias y las de quienes se encontraba o le acompañaban. Pues en Lenscratch nos hablan de otro ejemplo similar. En esta ocasión con cierto misterio, puesto que Swampy, apodo del fotógrafo, permanece en el anonimato, aunque no deja de tener una galería que lo representa. También este fotógrafo recorre Norteamérica en la montaña rusa de los trenes que la atraviesan de norte a sur y de este a oeste, con incursiones en Méjico.

Existen estereotipos sobre cómo debemos ser. Y esto afecta más a las mujeres, que constantemente reciben un bombardeo sobre cómo debe ser su imagen, cuánto deben pesar, qué deben vestir, cómo deben actuar. Para contrarrestar este acúmulo de imágenes estandarizadas, la fotógrafa brasileña Luisa Dorr, en su trabajo Topography of Women que nos presentan en LensCulture, recoge retratos de mujeres que ha encontrado a lo largo de sus viajes por todo el mundo, mostrando la diversidad en formas, sentimientos e ideas que reina entre ellas. Sin renegar de conservar una cuidada estética y presentación en sus apacibles fotografías en color. No es la primera vez que Dorr aparece por estas páginas, siempre con interesantes reflexiones.

Hallazgos o recordatorios aparecidos en mi panel de Tumblr.

En MPD, un retrato de Henry Moore me ha recordado a un fotógrafo que merece la calificación de clásico y que nunca hay que olvidar, Arnold Newman.

Representar un espectáculo de striptease, también en MPD, con un telón y una única mano desnuda, me ha llevado a interesarme por la fotógrafa Sirkka-Liisa Konttinen del colectivo Amber.

Un reflejo en un retrovisor, un retrato difuminado, y me entran ganas de repasar la forma de entender la fotografía de moda por parte de Koto Bolofo.

Ya comentaba hace unos días que hasta la Lomographic Society nos proporciona de vez en cuando recomendaciones interesantes. Y lo que me ha interesado del joven fotógrafo Wilson Lee han sido menos sus retratos con los últimos juguetes de la empresa vienesa, y más su fotografía de arquitectura y paisajes urbanos, que muestran mucha más profundidad e interés social.

Hablemos un poco de las polaroids. Ya sabemos que basta que desaparecieran porque nadie las usaba para que de repente se hayan vuelto imprescindibles y todo el mundo las eche de menos. Y no dejan de recordárnoslo de diversas formas. En American Suburb X (ASX), por ejemplo, nos recuerdan la afición del japonés Nobuyoshi Araki por este medio. Como de costumbre con este autor, abstenerse timoratos y gentes sensibles a la desnudez o a la sexualidad.

Y en Mental Floss, via el boletín semanal de The Inspired Eye, nos cuentan la historia de una persona, un hombre, que durante más de 18 años, entre el 31 de marzo de 1979 y el 25 de octubre de 1997 tomó una polaroid cada día con una SX-70. El fotógrafo inicialmente misterioso fue Jamie Livingston, que murió prematuramente de cáncer a los 41 años. Dos amigos suyos, deseando homenajear la vida de Livingston crearon una página web con estas polaroids, que convierten este sitio en un lugar de notable interés documental.

El tema de los selfis da para mucho. Que si son peligrosos porque exponen a la gente a accidentes, especialmente si se ayudan del maldito paloselfi, que si son escandalosos, que si son superficiales, que si son algo distinto a la fotografía propiamente dicha, que si... No sé... En esta semana, en All Tech Considered, blog tecnológico de la NPR (radio pública estadounidense) le han dedicado dos entradas al fenómeno.

En el primero, reflexionan que yendo más allá de la imagen narcisística que pueden transmitir, puede haber algo más. Y hablan del "arte del selfi" desde dos puntos de vista. Por un lado, las numerosas aplicaciones móviles que permite mejorar la calidad estética y técnica de los selfis, ayudándonos a presentarnos de una forma menos cutre ante el mundo. Y también nos hablan de la artista digital Molly Soda que utiliza la estética del selfi para reflexionar sobre algunos valores contemporáneos, viendo el selfi como una reafirmación positiva de la persona que lo realiza.

En el segundo, consecuencia en parte del anterior, se reflexiona sobre lo que los selfis muestran sobre cada uno de nosotros, sobre la vanidad tras ellos, pero también su potencial valor artístico o de reafirmación personal, insistiendo en alguna de las opiniones del artículo anterior.

Están de moda los hallazgos casuales, fotografías estupendas de fotógrafos anónimos, independientemente de que se lleguen a conocer a posteriori o no, que son descubiertas y puestas a disposición del público. Ya he hablado antes de las polaroids de Jamie Livingston. En PetaPixel nos cuentan cómo la fotógrafa Meagan Abell encontro unas diapositivas de medio formato guardadas en fundas de plástico que mostraban una serie de paisajes con figuras femeninas, probablemente de los años 40 o 50, probablemente de alguna playa californiana, y que efectivamente están muy conseguidas estéticamente, aparte del valor del color de las emulsiones antiguas. Abell se ha lanzado a través de su página en Facebook a una campaña para saber dónde fueron tomadas las fotografías (eso parece que ya se sabe, en Dockweiler Beach, en el condado de Los Ángeles), quién fue el fotógrafo y quiénes fueron las elegantes modelos, dos mujeres que no dudaron en remojarse en las aguas del Pacífico durante la puesta de sol.

Una nueva edición de mis dominicales recomendaciones semanales. En esta ocasión, con fotografías de un visita que hicimos ayer al yacimiento arqueológico de LOS BAÑALES (álbum completo), un lugar que ya conocía, pero al que acompañé a unos amigos que tenían curiosidad. Las fotografías están tomadas con una cámara digital. Espero dentro de unos días, o semanas según el tiempo de que disponga, mostraros las obtenidas con la FUJIFILM GS645S WIDE 60, cámara de formato medio que he tenido en mantenimiento estas semanas atrás, resolviendo algunos problemas con ella.

Un tema fotográfico que aparece con poca frecuencia en mis recomendaciones semanales es la naturaleza muerta. Quizá porque pocas veces encuentro algo realmente novedoso, impactante o distinto. Recientemente, en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE nos ofrecían simultáneamente dos trabajos entre los cuales se encuentran evidentes relaciones. Principalmente el contraste entre la vida y la muerte. Por un lado está el trabajo de un clásico como es KARL BLOSSFELDT y sus formas de arte en la naturaleza, estructuras vegetales que nos hablan de lo efímero de de la vida. Por otro lado, más reciente, está el trabajo de HENDRIK FAURE y sus naturalezas muertas sobre animales disecados, esqueletos, cráneos... Una vez más lo efímero del vivir.

Muy importante es en nuestros días la fotografía de moda, en la que tanto fotógrafos como modelos de renombre se convierten en celebridades por encima de su objetivo, la promoción de los estilos indumentarios y de las grandes firmas que los contratan. Muy discutidos en ocasiones por el abuso de la alteración de la imagen mediante el moderno software para imagen digital. Por eso, no viene mal de vez en cuando revisar el trabajo de clásicos de la fotografía de moda. En L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE encontramos el trabajo de HERMANN LANDSHOFF y su recorrido en la fotografía de moda durante cuarenta años, en la parte central del siglo XX. Incluye también algún retrato de personajes célebres del mundo del arte y la cultura. Yo no conocía a este fotógrafo, pero me ha parecido muy elegante y más moderno de lo que parece.

Hay algunos sitios que tienen como razón de ser recomendar fotógrafos. O es algo que hacen regularmente. En CADA DÍA UN FOTÓGRAFO / FOTÓGRAFOS EN LA RED, de los varios que han recomendado esta semana me ha resultado notable MIKE BRODIE, conocido como THE POLAROID KIDD, que se ha recorrido buena parte de los Estados Unidos subido a bordo de trenes de mercancías, documentando un estilo de vida y un país. RAFAEL ROA también nos recomienda de vez en cuando algún fotógrafo, siempre con un tono crítico y un comentario de conocedor reflexivo que enriquecen. En esta ocasión nos ha hablado de RAFAEL SANZ LOBATO, premio nacional de fotografía en 2011.

Vayamos con las entrevistas a fotógrafos, que nos invitan a conocer sus obras. En THE TALKS entrevistan a ANTON CORBIJN, que ha destacado tanto por sus fotografías, especialmente siguiendo a músicos famosos de pop y rock, como por su actividad de director de cine. Espero que esta entrevista os anime a conocer su obra.

Una de mis fotógrafas favoritas contemporáneas es la brasileña MONA KUHN. Y una entrevista sobre sus últimos trabajos podemos leer en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE. También podemos encontrar algunos ejemplos de sus últimas series, PRIVATE y ACIDO DORADO, que tal vez en algún momento podamos encontrar publicadas en alguno de los estupendos libros que recogen su obra. Parece que de PRIVATE se va a publicar un libro esta primavera, que recogerá 74 de sus fotografías. Esperaremos.

En la página web de la OPEN EYE GALLERY nos anuncian un documental sobre la fotógrafa siciliana LETIZIA BATTAGLIA, mujer que con 37 años y 3 hijas a cuestas se convirtió en periodista, y empezó a acompañar sus reportajes con las fotografías que ella misma tomaba, al principio con una sencilla PENTAX K1000, después con cámaras de más abolengo. El objeto de su mirada ha sido principalmente las consecuencias para la población y la sociedad siciliana de las actividades de la MAFIA.

BEN OLIVARES nos cuenta durante que, durante cuatro años, el fotógrafo JAMES MOLLISON se ha dedicado a su serie WHERE CHILDREN SLEEP, un trabajo que documenta las condiciones de vida, muy diversas, de 200 niños de todo el mundo y nivel socioeconómico, presentándonos la imagen de sus dormitorios. O simplemente del lugar donde duermen, ya que no siempre podemos hablar de la existencia de un dormitorio, ni siquiera de una cama. Y acompañados del retrato de los menores. Da que pensar.

Según nos cuentan en LENS de THE NEW YORK TIMES, el fotógrafo FRÉDÉRIC BRENNER ha dedicado su obra a investigar las características de su propia identidad. Nacido en Francia, hijo de judíos de distinto origen, ha viajado por todo el mundo para intentar descubrir qué es eso que se denomina judaísmo.

Vayamos un poco a la fotografía de "baja fidelidad", LO-FI que dicen los modernos para referirse a aquellos trabajos realizados con equipos sencillos, baratos, de calidad mediocre o sencillamente mala, o en condiciones en las que lo importante no es la nitidez y perfecta reproducción del objeto fotografiado, sino la expresión de un sentimiento o la espontaneidad de un momento. Por ejemplo, la ferrarense PAOLA SAETTI basa la expresividad de sus fotografías documentales en las calles en las imágenes borrosas debido al movimiento de las personas y los vehículos de las misma. Nos lo cuentan en THE INSPIRED EYE.

Y si los fotógrafos de NATIONAL GEOGRAPHIC los imaginamos como gente que toma imágenes coloridas, nítidas y casi perfectas de los rincones del mundo que documentan, en PROOF nos muestran los instagramas de Q. SAKAMAKI, en los que predomina el blanco y negro y la limitada nitidez que muchas veces se asocia con las fotografías obtenidas con el teléfono móvil. Aunque a mí me parece que sus fotografías se insertan muy bien en la tradición de la fotografía documental de muchos de sus compatriotas.

No me gusta mucho la política editorial del HUFFINGTON POST, ya que tiende a infravalorar el trabajo de las personas que se curran las noticias o las fotografías o lo que sea. No pagan. Negocio redondo. Pero en un artículo reciente han propuesto el descubrimiento de 10 fotógrafos contemporáneos que buscan empujar los límites del medio fotográfico con nuevas propuestas. Cuando tenga tiempo iré investigando la obra de estos 10 artistas. Mientras, si seguís el enlace los podéis descubrir vosotros mismos.