No me puedo creer lo de prisa que está pasado el tiempo esta primavera. Ya estamos a finales de mayo. Dentro de nueve días comenzaré un viaje de vacaciones. Modesto a priori. Aunque después de hacer unas cuentas, incluyendo el coste de desplazamiento, cuesta más barato viajar a extremo oriente que por las regiones vecinas de Francia... En fin. La alegría es que no vamos a coger aviones, y haremos un tipo de viaje más tranquilo a base de desplazamientos ferroviarios que nos llevarán por el sureste francés hasta llegar a la ciudad de Ginebra en Suiza.

Quizá por ese ambiente ferroviario que va a tener mi próximo viaje, he tomado la decisión de ilustrar con motivos ferroviarios las recomendaciones semanales de este domingo. Ferrocarriles en Suiza y Francia, como los que tendremos durante casi dos semanas, favorecidos por el aumento de las conexiones trasnfreonterizas ferroviarias entre España y Francia. Y también porque esta semana he hecho pocas fotos. Algunas. Pero la jornada de ayer se vio marcada por la inestabilidad del tiempo, que podría haber dado lugar a buenas imágenes, y mi la falta de disponibilidad de mi coche durante unos días. Cosas de la ITV... y de una tuerca en paradero desconocido. Pero vamos con las recomendaciones semanales.

El auge de las ideologías populistas nacionalistas y de extrema derecha por toda Europa es uno de los más preocupantes de los últimos tiempos. Si a eso añadimos el declive de la prensa tradicional en favor de una más descontrolada y con fuentes menos claras en internet, y los fuertes intereses económicos que tienen los grupos de comunicación, estamos ante un problema de utilización de los medios como altavoz para estos grupos populistas, de escaso o nulo talante democrático. En Oldskull nos retrotraen al pasado mostrándonos las impresionantes fotografías que el fotógrafo Hugo Jaeger, fotógrafo privado de Adolf Hitler, realizó en las manifestaciones masivas del partido nazi en la Alemania de los años 30. Más potentes en cuanto combinan las pensada parafernalia de esta miserable organización criminal con la novedad del color de las primeras Kodachrome.

Compensemos los excesos estrambóticos del nazismo con la delicadeza estética de Saul Leiter. Aunque más conocido por su inteligente uso del color temprano en las calles de Nueva York, tiene un cuerpo de obra muy desconocido en forma desnudos en blanco y negro de las mujeres que fueron sus parejas, sus amantes, o simplemente tuvieron algún tipo de relación con él. Llenos de sensibilidad y cualquier cosa menos convencionales, son una muestra de la sensibilidad estética del fotógrafo. Lo hemos visto en Another Magazine.

Los medios británicos, y bastantes de los que no lo son, traen con frecuencia noticias sobre Martin Parr, quizá uno de los fotógrafos más prolíficos y más característicos de la fotografía británica. Tradicionalmente, su centro de interés ha estado en el ser humano, al que siempre ha dirigido un mirada simpática, pero con una fuerte carga irónica. Comprensiva, pero sin dejar de mostrar las flaquezas de la naturaleza humana. En Creative Boom nos proponen una parte de su trabajo en el que reflexiona sobre la naturaleza del hecho de ser británico. Algo que tendrían que haberse currado más antes de votar el Brexit, no después... y en el que no falta esa doble mirada, empática e irónica.

Fotógrafa británica importante, ya consagrada, miembro de Magnum Photos, es Olivia Arthur, cuyo trabajo de fotógrafa documental que se recorre el mundo siempre me ha interesado. Pero esta vez su trabajo lo ha realizado sin salir de casa. Preparándose para su segunda maternidad, realiza una honesta y detallada investigación del impacto que la maternidad trae a la vida de las gentes. A las mujeres, y sus cambios físicos y emocionales, a sus parejas y la relación con ellas, a los hijos previos, que siente su papel protagonista desplazado, al mundo laboral,... y siempre pensando en los hitos del proceso. Desde la concepción hasta el nacimiento. Obra muy honesta, en blanco y negro, que no hace más que aumentar mi respeto por esta fotógrafa. Os dejo un vídeo del proyecto Home de Olivia Arthur.

Sigamos con fotógrafas. En Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) nos han hablado de la mesa redonda Fotografia Under30, que reúne a tres fotógrafas españolas, aunque con frecuencia se tienen que buscar la vida fuera de nuestras fronteras, que no han cumplido todavía los 30 años, y ahí están. Currándoselo. Berta Vicente (instagram), Laura Izuzquiza y Bárbara Traver (instagram). Tres  fotógrafas que conviene conocer y seguir en los próximos años. Que no digáis que no se os avisa.

Los retratos de Mark Seliger no dejan indiferentes a nadie. Entre el retrato psicológico y el conceptual, igual te muestra un sencillo retrato en blanco y negro de un conocido clérigo budista, que te trae a un famoso cómico norteamericano vestido de hoja de lata. Pero en cualquier caso, no dejan indiferentes, como he dicho. Y eso es lo que nos dice y en lo que insisten en el artículo que le han dedicado en NPR (National Public Radio).

Conocí hace unos años la obra de Shirin Neshat, fotógrafa y directora de cine, durante la celebración de una edición de PhotoEspaña. No puede recordar cuanto hace ya. Unos años. Pero su repercusión sobre la naturaleza, sobre el hecho de ser mujer en el entorno de una sociedad mulsulmana, religión que practica, aunque tenga prohibido viajar a Irán, su país natal. Mujer de la que desconfían unos y otros, mujer libre por lo tanto para decir y expresar lo que piensa, sus logros estéticos y conceptuales merecen ser conocidos y digeridos. Y luego que cada cual saque las conclusiones que considere oportunas. Peor no seamos simples... por favor. Lo hemos visto en la PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo).

Notable experiencia la que nos traen en Booooooom, en la que nos muestran la obra del fotógrafo Sandro Miller que ha contado como colaborador al actor John Malkovich, posando como una diversidad de caracteres del universo de David Lynch. Incluido el propio Lynch. Imprescincible para los amantes de la obra del responsable de Twin Peaks.

Las peculiaridades de Japón son siempre fuente de atracción apara fotógrafos tanto locales como extranjeros. Y un ejemplo lo encontramos en la colección de paisajes nocturnos o vespertinos de las carreteras niponas realizadas por Eiji Ohashi. ¿Qué tienen todas ellos en comun, aparte de la hora crepuscualar? La presencia de las omnipresentes máquinas dispensadoras de bebidas que encontraremos por todo el archipiélago, hasta en los rincones más recónditos, y convenientemente integradas en las luces del paisaje. Lo hemos visto en el tumblr de HLDKY.

Y si las dispensaduras de bebidas son omnipresentes, las salas de pachinko,... casi otro tanto. Oficialmente, no se juega por dinero en Japón. Y los extranjeros no pueden jugar al pachinko... pero ahí están. De lo más populares. E integrados en el paisaje urbano del archipiélago. Los hemos visto en el tumblr de Present /&/ Correct, y a pesar de su aparente homogeneidad, son de fotográfos diferentes.

Siempre me llaman la atención los bodegones. Especialmente si salen de lo convencional. La página de Cooph es una página que se dedica a enseñarnos truquillos para hacer fotos cucas, más que dedicarse a la fotografía como una de las bellas artes. Y además actúa como promoción de prendas y materiales para fotógrafos. Pero de vez en cuando nos muestra algo interesante, como las naturalezas muertas de Jo Whaley. Vistosas, bien compuestas, mezclando elementos naturales y la acción del ser humano. Estéticamente irreprochables en su profundo colorido.

Hace unos días os mostraba algunas fotos realizadas con mi Agfa Synchro Box. En Booooooom han dedicado un artículo al fotógrafo basado en Montevideo Gabriel Adda (instagram), que hace unos retratos estupendos con una de estas cámaras y película Kodak Ektar 100.

Y con esto me despido. Hasta la próxima.

La primera de las recomendaciones de esta semana es la que ha decidido cómo voy a acompañar fotográficamente esta entrada dominical. En Yorokubu nos hablaban hace unos días del proyecto de la fotógrafa norteamericana Jade Doskow, Lost Utopias, en el que recorre con su cámara los restos abandonados de antiguas exposiciones universales o internacionales. Algunos de esos "restos" se han ganado su permanencia y su admiración permanente, como la torre Eiffel en París o el Atomium en Bruselas, pero no es infrecuente que queden como olvidados restos oxidados y abandonados de algo que pudo ser y no fue. En mi ciudad, en Zaragoza, tuvimos en 2008 una exposición internacional que también nos dejó una serie de infraestructuras características. Con la crisis económica y financiera que surgía al mismo tiempo que se celebraba la exposición, algunas de esas infraestructuras han tenido utilidad, algún puente, parques, algunos edificios, un acuario fluvial,... pero otras son cáscaras vacías por muy emblemáticas que se consideraran o se consideren.

Recogidas con cámaras de pelicula tradicional en el último año, aparecerán en esta entrada algunos de esos paisajes.

Hace unos días dedicaron una serie de artículos en L'Oeil de la Photographie a Erwin Blumenfeld. Llegado a Estados Unidos en 1941 huyendo de los nazis que imperaba en su país natal, Alemania, y que estaban llevando la guerra y la destrucción por toda Europa, pronto se consolidó como uno de los fotógrafos más imaginativos y elegantes del mundo de la moda, con un maravilloso uso del color. No me suele atraer mucho la fotografía de moda, pero Blumenfeld me gusta mucho, especialmente desde que tuve la ocasión de ver una exposición dedicada a él en París hace unos años.

Hay tres artículos, uno dedicado a las fotografías realizadas en su estudio, quizá las formalmente más osadas y experimentales, otro dedicado a su carácter de pionero en el mundo de la moda editorial, y el tercero a las formas artísticas que usó para resaltar la belleza femenina.

El fin de semana pasado se celebró la entrega de los Óscar. Dejando de lado el excesivo impacto, desmesurado podríamos decir, que tuvo el error en la entrega de premios, lo cierto es que el evento ha dado lugar a unos cuantos artículos en los que la fotografía se une al cine.

Una de las candidatas a mejor actriz, y que en mi opinión hizo un trabajo tan merecedor del primer premio como la ganadora, fue la británica Ruth Negga. En AnOther Magazine nos muestran una serie de fotografías de la actriz realizadas por Collier Schorr, de stilo clásico, en un bello blanco y negro que sacan partido de la belleza natural de esta bella actriz de origen etíope e irlandés.

En American Photo nos muestran el trabajo de Mark Seliger para Vanity Fair con los retratos de los intérpretes ganadores de los Óscar con sus estatuillas y a otros protagonistas de la gala posando en una de las fiestas posteriores a la ceremonia de entrega de los premios. Color muy elegante y sobrio, con ciertos toques de decorado art deco, para destacar a estos protagonistas de la noche.

Algo más de profundidad tiene el artículo que dedicaron en Lens Culture a la cinematografía de Moonlight, película ganadora del premio gordo. Aun que no del premio a la mejor dirección de fotografía, que se fue a la colorida La La Land. En cualquier caso, además de mostrarnos algunos ejemplos de la excelente cinematografía de la película, nos muestran algunas de sus influencias fotográficas, como los trabajos de Viviane Sassen o los de Earlie Hudnall Jr.

Si ya hemos comentado la relación entre fotografía y cine en los párrafos anteriores, no hay que negar tampoco las que mantiene con otras artes. A distintos niveles.

Por ejemplo, en otro artículo de AnOther Magazine tratan de descodificar el estilo personal de la pintora norteamericana Georgia O'Keeffe, todo un carácter y un personaje, una de las artistas más importantes del siglo XX. Y lo hacen a través de los retratos que sus amigos fotógrafos le hicieron a través de su vida, más posados o más espontáneos, eso hasta punto da igual. Alfred Stieglitz, Ansel Adams, Todd Webb o Bruce Weber son algunos de los ejemplos de estos excelentes fotógrafos.

En otro extremo, es el propio artista plástico el que utiliza la fotografía para usarla en su obra o para documentar su obra. En L'Oeil de la Photographie nos mostraban hace unos días las polaroid de Duane Hanson en las que recoge sus esculturas hiperrealistas de gente corriente, pero también se sirve de ellas para adquirir ideas para el desarrollo de estas obras. Forman parte, de alguna forma, del proceso creativo del escultor.

Lo digo y lo repito con frecuencia en estas páginas. La fotografía en color me gusta tanto como la fotografía en blanco y negro, y me parece tan capaz como esta de conseguir grandes resultados. Sin embargo, eso no fue una verdad admitida durante mucho tiempo, y por ello admiro y me gusta contemplar la obra de los precursores coloristas.

La tribu de los Nuba en el sur de Sudán, fue objeto del interés de distintos fotógrafos en la segunda mitad del siglo XX. Es relativamente conocido el trabajo de Leni Riefensthal, cuando tras abandonar el cine como consecuencia de su caída en desgracia por su colaboración descarada con el régimen nazi, intentó rehabilitarse mediante la fotografía y un interés etnográfico. Pero antes que ella, fue George Rodger, como nos informa en Magnum Photos, uno de los pioneros en acercarse a la región de Kordofán para fotografiar a esta interesante etnia, hoy en día en peligro por los conflictos violentos que asuelan esta parte del mundo. Y utilizar el color a finales de los años 40 lo convierte en uno de los pioneros de estas técnicas a tener en cuenta.

Conocía ya el trabajo de Gordon Parks, uno de los fotógrafos afroamericanos más comprometidos con los temas relacionados con el movimiento de los derechos civiles, aunque principalmente lo he asociado siempre al reportaje en blanco y negro. Pero como podemos ver en L'Oeil de la Photographie, Parks, que también hacía la fotografía de moda y se movía en el mundo de las artes, dominó también con maestría el color, y es realmente interesante conocer esa parte de su obra.

Y vamos con un poco de miscelánea.

En verano de 2012 hice un viaje breve a Ginebra, desde donde conocí algunas de las localidades y de los paisajes de la llamada Riviera Suiza, a orillas del lago Lemán. Un lugar absolutamente privilegiado desde muchos puntos de vista. Pero en FotoRoom podemos ver el interesante trabajo de Elsa Guillet, una joven fotógrafa natural de esa región, que no puede evitar reflexionar entre los distintos mundos que representan esos paisajes. El de los ricos y ociosos que disfrutan de las belleza y encantos del lugar, y la de los trabajadores que se ufanan para salir adelante y para servir a los anteriores. Y reflexiona con fotografías, que es lo suyo.

Sonia Sieff, la hija del desaparecido y celebrado Jeanloup Sieff, está siguiendo los pasos de su padre y se ha hecho fotógrafa. Hace un par de años ya lo comprobé en una pequeña exposición en París donde se mezclaban los trabajos de padre e hija. En L'Oeil de la Photographie han publicado un artículo a propósito del primer libro de Sonia Sieff. Y se confirma lo que ya percibí. Aunque sigue con los temas del padre, fotografiar a la mujer de forma sensual y de la forma más natural posible, sus fotografías son correctas pero no llegan a la intensidad de las de su progenitor.

Finalizaremos con otro reportaje que nos llega desde L'Oeil de la Photographie, esta vez dedicado al trabajo de Marco Scozzaro, italiano radicado en Nueva York, que mezca la fotografía con la inclusión de elementos digitales en sus fotografías. Pero sin estridencias, y aportando elementos estéticos y conceptuales a las imágenes. Y al mismo tiempo planteándonos dónde empieza o termina la fotografía, y dónde y cuándo hablamos de otras técnicas artísticas. O incluso, si eso es importante.

No he encontrado todavía una forma convincente de compartir con vosotros las fotografías que me inspiran o me gustan como hacía con los tableros de Pinterest. Pero no me planteo volver a un servicio donde los criterios de lo admisible y no admisible no están claros.

Las fotografías que acompañan las recomendaciones de esta semana proceden de la modesta Olympus Pen EE3. Os recordaré que se trata de una sencilla cámara de exposición automática, de medio formato. Es decir, que en un carrete se obtienen el doble de fotogramas que en una cámara para negativos de 24 x 36 mm. Se suele decir que por lo tanto las Pen de Olympus tienen un negativo de 18 x 24 mm, pero es algo más estrecho, por el espacio que tienen que dejar entre los negativos. Las proporciones son 5:7, por lo es más bien 17 x 24 mm.

El carrete que he revelado esta semana contiene 75 negativos expuestos entre noviembre de 2016 y febrero de 2017. Y debo confesar que cometí un error en el revelado. Confundí el carrete, un Ilford FP4 Plus, con un Kodak Eastman Double-X. Apliqué el tiempo de revelado en HC-110 en dilución B (1:32) a 20 ºC apropiado para esta última, 5 minutos, cuando para la FP4 Plus se recomiendan tiempos entre 7 y 9 minutos. Aunque las recomendaciones más serias parecen que se acercan más a los 9 minutos. Bueno,... pues la verdad es que no me han quedado mal. Es cierto que hace tiempo que sospecho que la Pen EE3 sobrexpone los negativos. Pero aun así, suponiendo que el índice de exposición se acerque más a los 64 ISO que a los 125 ISO me parecía una diferencia de tiempo excesiva. El caso es que no han quedado mal. Estas emulsiones tradicionales combinadas con reveladores también tradicionales aguantan lo que les pase. Las seleccionadas son del día de la quedada peliculera al Gran Capitán y cartuja de Aula Dei.

Esta semana se han anunciado los ganadores del World Press Photo 2017, lo cual fue publicado en un sinnumero de páginas en internet, aunque yo lo traigo aquí por gentileza de Photolari. Este concurso había estado rodeado de polémica en los últimos años por las acusaciones de excesivo tratamiento digital a las fotografías. Este año, de momento, no parece que se esté produciendo este revuelo. La imagen ganadora fue el impactante asesinato del embajador ruso en Turquía, por Burhan Orbilici. Los valores estéticos de la imagen son modestos, pero el sentido de oportunidad y noticia son muy meritorios, ciertamente. Pero yo hubiera elegido alguna otra como foto del año, que aunase el mérito periodístico y el fotográfico. En Clavoardiendo se centran en los tres españoles premiado este año; Francis Pérez, Jaime Rojo y Santi Palacios.

En la película Loving, que me gustó mucho, hay una secuencia en la que un fotógrafo del norte de los Estados Unidos realiza un reportaje de fotografías sobre la pareja, cuyo caso se está debatiendo en el Tribunal Supremo del país. Este fotógrafo fue Grey Villet, y en Creative Boom le han dedicado un artículo donde se pueden ver algunas de las fotografías del reportaje. Que están muy bien.

Quienes me sigan con frecuencia sabrán que tengo debilidad por los fotógrafos precursores de la fotografía en color. Casi siempre norteamericanos. Pero hoy cambiaremos de continente y contemplaremos algunas fotografías de un precursor europeo de la fotografía en color, Harry Gruyaert. El fotógrafo belga ha sido objeto de un artículo en L'Oeil de la Photographie.

Y ahora vámonos con una de las fotógrafas españolas más destacadas, Cristina García Rodero, de quien estamos acostumbrados a ver sus fotografías en blanco y negro sobre las tradiciones religiosas y otras supersticiones populares. Pero para uno de sus últimos trabajos en colaboración con organizaciones no gubernamentales en la India ha optado por el color. Algo muy habitual en los fotógrafos cuando trabajan en este país, aunque hay notables excepciones. El caso es que en Albedo Media/DSLR Magazinee nos han hablado de ello y me ha parecido interesante.

Últimamente están apareciendo de forma muy recurrente las fotografías que Stephen Shore realizó en The Factory de Andy Warhol. Desde mi punto de vista no es el trabajo que más caracteriza a Shore, pero no deja de tener una significación importante en la historia del arte moderno, y por ello lo traigo aquí, de la mano del artículo que le dedicaron en Impossible Magazine.

Siempre me ha gustado la fotografía de danza y ballet, y eso me basta para traer aquí y recomendar la obra de Gérard Uferas, tal y como nos la muestran en L'Oeil de la Photographie.

Mark Seliger es uno de los más importantes retratistas en Estados Unidos, especialmente de la gente del famoseo, y además sucedió a Annie Leibovitz como fotógrafo jefe de Rolling Stone. A mi me sonaban algunos de sus retratos, pero me ha parecido especialmente interesante la entrevista de Ken Weingart y la selección de fotografías que se muestran en el artículo.

Otro retratista, Peter Hujar. Esta vez recomendado por Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red. Fallecido prematuramente hace ya tres décadas, su trabajo más destacado fueron sus retratos de vida y muerte, impulsado por la decadencia de la ciudad de Nueva York en los años 70 del siglo XX. Posteriormente fotografió a mucha de las gentes que lo rodeaban, gentes que algunas consiguieron cierta celebridad. A mí me parecen muy interesantes sus retratos, en un formato medio cuadrado tradicional, muy limpio y muy directos.

Sudamérica es un continente de gran variedad de paisajes, gentes y situaciones sociales y políticas. Es difícil abarcarlo de forma íntegra y menos sin caer en tópicos. En Booooooom nos han mostrado el trabajo dedicado a este continente por el belga Kevin Faingnaert, con una mezcla de retratos, paisajes y fotografía documental de colores claros, suaves y limpios. Creo que es una mirada fresca y moderna a algunos de los países sudamericanos.

En otro orden de cosas, En Clavoardiendo nos hablaron recientemente de los abigarrados collages de Agustín Roba, que mezclan imágenes de la cultura popular, especialmente del cine y la televisión, con autorretratos del propio artista caracterizado de algunos de los personajes que han aparecido en esos medios. Ya he dicho en alguna ocasión que el collage es una técnica que me atrae mucho, pero para la que no me siento capacitado, lamentablemente. Os pongo un vídeo sobre la obra de Roba,

Terminaré con un recurso para explorar. Se trata de Women Photograph, cuya única misión es constituirse en una recopilación de fotógrafas documentales y editoriales, autónomas y con más de cinco años de experiencia. Un recurso destinado a intentar acortar las diferencias de visualización de la obra entre fotógrafos masculinos y femeninos. Incluyen en el concepto "mujer" también a personas que han optado por ese género mediante procesos de transexualidad. No recuerdo dónde lo recomendaron. Para dedicar muchas horas explorando...