Siempre me lío con el nombre de la empresa que fabrica o posee el fabricante de las películas fotográficas Ilford y que además también fabrica algunas cámaras fotográficas bajo la marca Harman. Nunca sé si es Harman la que posee la marca Ilford (y otras como Kentmere), o si es Ilford la que posee la marca Harman y otras. Da igual. El caso es que las cámaras fotográficas se venden en la actualidad bajo la marca Harman. Y entre ellas un par de modelos de cámaras de un solo uso. En realidad es un único modelo de cámara de un solo uso, que se vende cargado con dos tipos de película en blanco y negro distintas; las cámaras que vienen con un carrete de Ilford XP2 Super 400, para revelar en proceso C-41, similar al de las películas negativas en color, y las que vienen con un carrete de Ilford HP5 Plus 400, para revelar en los procesos tradicionales de revelado de películas en blanco y negro.

He usado en varias ocasiones la variante con película Ilford HP2 Super 400, y en ocasiones de forma muy satisfactoria. Pero recientemente, en un viaje a Japón, he tenido la ocasión de usar la variante con Ilford HP5 Plus 400, que tiene unas características muy distintas.  

Comentaré los antecedentes. Mi idea era llevar a Japón, junto con mi equipo fotográfico digital, una cámara para película tradicional, la Minox GT-E, con varios carretes de película, casi con toda seguridad Ilford HP5 Plus 400. Las tenía preparadas, las dejé 24 horas de salir de viaje sobre una estantería, cámara y películas, pero... a última hora se me olvidó incluirlas en la mochila de viaje. Me di cuenta al llegar a Osaka. Y en ese momento me planteé varias alternativas. Por supuesto, olvidarme del tema y dedicarme en exclusiva a la fotografía digital. Otra posibilidad era encontrar un garito de segunda mano donde pillar una cámara compacta de segunda mano con poco gasto y comprar película, que no es difícil en las grandes ciudades japonesas. Pero había que perder tiempo buscando donde comprarla. O desplazándome al lugar donde estaba la tienda de zarrios baratos pero funcionantes. También estaba la posibilidad de comprar cámaras de un solo uso. En Yodobashi Camera o en Bic Camera, comercios que están en todas las grandes ciudades japonesas era seguro que iba a encontrar. Pero llevar seis o siete cámaras desechables es un incordio... así que opté por una solución de compromiso. Comprar un par de cámaras desechables Harman en Tokio para los dos días y medio que estuvimos visitando la capital japonesa. Si en Yodobashi Camera de Osaka hubiera encontrado, la Lomography Simple Use Camera, que básicamente es una cámara sencilla como las de un solo uso, pero que permite recargar con nuevos carretes, esa hubiese sido también una opción. Pero no tenían. En Tokio, después de comprar las dos cámaras de uno sólo uso la encontré,... pero en ese momento ya no me interesaba. Y además, antes de recargarla, tienes que terminar el carrete de negativos en color que lleva y que no me interesaba.

Así pues, cuando llegamos a Tokio, donde pasamos las tres últimas noches del viaje, compré un par de Harman Single Use Ilford HP5 Plus 400. Y me dispuse a disfrutarlas.

Pronto me di cuenta que no lo iba a tener fácil. Estas cámaras ofrecen mejores resultados si hay buena luz. Con una apertura fija de aproximadamente f/10 y una velocidad de obturación que estará en 1/100-1/125 segundo, pueden ir tirando con buen tiempo o con tiempo nublado. Pero si el nublado es muy profundo o te mueves entre calles donde llega la luz con menor intensidad, la cosa se complica. Además, con tiempo nublado, el contraste en la calle puede ser muy bajo. Por ello decidí que la usaría con la idea de darle un revelado extendido, como si la estuviese forzando a un índice de exposición de 1250-1600. Más por aumentar el contraste que por otra cosa. Al fin y al cabo, por mucho que fuerces el revelado, donde no llegan fotones... no hay nada que hacer.

Así lo hice. La mayor parte del tiempo tuvimos un tiempo nublado con escenas con poco contraste, aunque hubo algún momento de tiempo soleado, aunque nunca con un sol muy fuerte y de tonos muy contrastados. Revelé los dos carretes en Kodak HC-110, dilución A (1 + 15), durante 5 minutos a 20 ºC, lo que viene ser equivalente a un revelado n + 1 2/3. Es decir, sobre el revelado recomendado para un índice de exposición para su sensibilidad nominal de ISO 400, resituar los tonos medios en un paso y dos tercios más de exposición, las altas luces aún se van más allá... y las sombras,... que se queden donde hayan podido llegar durante la exposición. Por supuesto, un resultado colateral del aumento del tiempo de revelado recomendado es tener un grano más aparente de lo que hubiésemos tenido a su sensibilidad base.

El resultado final es aceptable. Pero tengo la sensación de que el menisco de plástico que usan como objetivo estas cámaras ha empeorado en su calidad desde que usé cámaras similares para XP2 Super hace algo más de un año. En aquella ocasión, la imagen era razonablemente nítida en el centro con una nitidez degradada de forma notable pero aceptable en los bordes y las esquinas. En esta ocasión, tengo la sensación de que la nitidez en bordes y esquinas empieza a degradarse antes, más cerca del centro del fotograma, y es más acusada. Como el revelado y el digitalizado no son comparables, quiero ser prudente con esta valoración. Aquellas cámaras de hace año y medio las revelaron en Carmencita Film Lab en proceso C-41 y las escanearon con un escáner profesional. En esta ocasión, aunque con mucho cuidado y esmero, el revelado es casero y los negativos los he digitalizado con mi Panasonic Lumix G9 y el objetivo macro de 45 mm, todo perfectamente controlado con niveles, para conseguir un paralelismo adecuado entre el sensor de la cámara y el negativo. En ambos casos, partimos de negativos con una resolución de 40 megapíxeles.

¿Seguiré usando este tipo de cámaras en el futuro? Mmmmmmm... No de forma sistemática. Son divertidas. Pero generan muchos residuos, muchos de ellos de plástico. Y el planeta no está para estas alegrías. Ilford-Harman están a punto de sacar al mercado una cámara con las mismas características, pero reutilizable. Pero... puestos a utilizar algo reutilizable, prefiero usar algo con una lente más digna y con mayores capacidades de intervención en la exposición. Es decir, en la próxima ocasión intentaré no olvidarme la cámara que ya tengo.

Últimas recomendaciones del mes de agosto de este 2017 en una semana en la que la red, por la enorme influencia que tiene Estado Unidos en los contenidos de la misma, ha estado preocupado más por las fotos del eclipse total de sol que ha habido en aquel país que por otras cosas. Bien es cierto que durante el mes de agosto el nivel de novedades o propuestas que han surgido en cuestión de fotografía ha sido más flojo cuantitativamente hablando. Pero bueno... cosas hay. Y además me ha salido una recopilación muy japonesa. Debe ser que como en estas semanas estoy leyendo ficción procedente de ese país, estoy más receptivo.

Las fotografías acompañantes no son nuevas. Son de este invierno pasado, realizadas con la Olympus Pen EE-3 sobre película negativa en blanco y negro Ilford FP4+ revelada en su momento con HC-110. El porqué del rescate ahora de estas imágenes es porque he estado probando un nuevo sistema de procesado de los archivos resultantes de la digitalización de estos negativos con una cámara digital y un objetivo macro. He buscado una combinación de pasos entre Adobe Photoshop Lightroom y Affinity Photo que me hicieran ser más eficiente e ir más rápido en el procesado de los mismos. Y creo que lo he conseguido.

En Cultura Fotográfica han dado un buen repaso a la vida y obra del fotógrafo norteamericano de la agencia Magnum Photos David Alan Harvey. Fotógrafo muy veterano que lleva más de medio siglo en la brechas, y sigue bastante fiel a la fotografía con película tradicional prefiriendo las emulsiones de sensibilidad media o baja, y las ópticas fijas tradicionales del reportero, el 35 y el 50 mm. Es un fotógrafo con una vocación fundamentalmente documental que tan magistral se muestra con el blanco y negro como con el color. A mí, su obra en color especialmente, me gusta bastante.

Otro repaso a la obra global de un fotógrafo viene de la mano de Oscar Colorado. Mejor dicho, de una fotógrafa, la alemana Rut Blees Luxemburg. Y se le nota que es una fotógrafa contemporánea y muy alemana, porque está dotada de esa capacidad de documentar sistemáticamente, de forma casi obstinada y persistente, el objeto de su trabajo que no es otro que el entorno urbano contemporáneo. Obra de carácter muy etnográfica, que sin embargo no me resulta tan fría como la de algunos de sus compatriota que recorren senderos similares, especialmente los discípulos de la escuela de Düsseldorf. Es una pena, pero su página web no parece funcionar muy allá. Por lo menos con los navegadores que uso yo en casa.

Seguimos con la serie On the Road de la agencia Magnum Photos, y en esta ocasión acompañaremos al francés Raymond Depardon, que también se sintió atraído como muchos fotógrafos europeos por la inmensidad del oeste y el sur de los Estados Unidos. Han pasado ya tres décadas y media desde sus periplos por los desiertos de California, Arizona o Nuevo Méjico, con su mezcla de fotografía documental y paisaje, con una mirada curiosa y a veces divertida, al mismo tiempo que asombrada por la inmensidad de los espacios naturales y humanos. A mí, Depardon, es un tipo que me cae bien. Y también empieza a hacerse mayor...

Cambiamos totalmente de tercio, y me resulta interesante el artículo en Creative Boom sobre las relaciones de los jóvenes en los clubs... bares/discotecas les llamaríamos nosotros, creo,... que ha ido buscando el fotógrafo Ewen Spencer. La adolescencia es una época de la vida que atrae con frecuencia a los fotógrafos. En esta ocasión, podemos observar en las ásperas fotografías de Spencer esa mezcla de autafirmación y vulnerabilidad simultáneas que se produce en esta edad, la osadía en las relaciones entre el romance y el puro hedonismo, que se mezcla con la inseguridad ante las mismas, cuando no con el fracaso a la hora de establecerlas. No veremos fotos bonitas, con su flash directo sobre los chicos y chicas que bailan, beben, conversan o se enrollan, pero sí que nos meteremos un poquito en sus vidas.

Ya he dicho que iba a haber mucho contenido procedente del País del Sol Naciente, y empiezo con una historia que engarza con la anterior. En la revista digital de Lomography, que cada vez mejora más sus contenidos yendo a historias más sustanciales que sus fotos espontáneas casí convertidas en un cliché, aparece un artículo abundantemente ilustrado con fotografías de la época del fenómeno de las sukeban. A finales de los años 60 y sobretodo en los 70, surgió en Japón un movimiento contracultural de chicas jóvenes se agrupaban en bandas y que rompían, o al menos lo intentaban, con los estereotipos y papeles preasignados a las jóvenes y a las mujeres en ese país. Aun hoy todavía se orienta a las chicas japonesas al matrimonio y a un papel secundario tras el varón, siendo la cultura dominante la de las chicas monas, kawai, que buscan atraer con su feminidad tópica al chico, que aparece más fuerte e inteligente. Estas jóvenes se opusieron a este hecho. Tengo la sensación que con poco éxito, y que su imagen se subvirtió posteriormente, especialmente hipersexualizándola a beneficio de los machos dominantes. Pero aun deben quedar restos de esta subcultura. El artículo remite a otro de hace más tiempo en Dazed Digital, con menos imágenes pero más profundidad en el texto.

En LensCulture tenemos un artículo del fotógrafo Kenji Chiga, fotógrafo japonés natural de Shiga, que lleva ocho años viviendo en la capital Tokio. Chiga reflexiona sobre el hecho de que a pesar de ser una ciudad extraordinariamente populosa, los círculos de relaciones son pequeños. Es difícil establecer relaciones, hay mucha soledad, y se puede considerar a la capital nipona como el hogar de nueve millones de extraños. El fotógrafo, en un momento dado, utilizó una aplicación de contactos del teléfono móvil para conocer a algunos de esos extraños, no con intenciones románticas, sino para saber quienes son algunos de esos extraños con los que se encuentra habitualmente. Sus fotos se encuentran a caballo entre lo documental y lo conceptual y hacen hincapié en el aislamiento de las personas o en los extraños objetos o situaciones que esconden historias que sólo podemos imaginar.

Otro fotógrafo nipón que me interesó esta semana es Toru Ukai. No recuerdo, no señale correctamente la dirección de la página, dónde encontré la referencia a este fotógrafo. Aunque mucho más irregular en su obra, quizá porque no selecciona con cuidado las fotografías limitando los porfolios a las más significativas, algo muy difícil de hacer, también es un fotógrafo que dirige su mirada a estructuras ocultas de la sociedad moderna. También dirige su mirada hacia la soledad y la separación entre las personas de las grandes ciudades. Pero quizá sean más interesantes sus miradas hacia las estructuras e inaparentes que hacen funcionar, bien o mal, estas ciudades, estas sociedades. Ya digo que me parece más irregular, pero tiene algunas fotografías que me resultan muy sugerentes.

Y termino con una última recomendación colectiva que nos viene también de LensCulture. En uno de sus artículos nos proponen repasar la obra de nada menos que doce fotógrafas japonesas contemporáneas, con una diversidad de estilos e influencias, que hacen plantearse la preguntar sobre si podemos hablar realmente de una mirada femenina, asociada o no a un origen común, o si cada individuo es una mirada propia, indiferente o no al género al que se asigne. En cualquier caso, no he tenido todavía ocasión de repasar a todas estas autoras individualmente. Intentaré hacerlo estos días, y quizá os traiga a estas páginas un comentario sobre las que me han parecido más interesantes.

Un tonto problema, sin mucha importancia pero que es necesario resolver, me está complicando el domingo. Pensaba que no me iba a dejar elaborar mis recomendaciones semanales, y pone en ligero riesgo el ChocoEncuentro de Fotógraf@s en Zaragoza de esta tarde. Mi asistencia... el ChocoEncuentro seguro que es un éxito. En fin. Como tengo un rato de tranquilidad esperando en casa, me apresuro a escribir estas recomendaciones. Empiezo por dejar el tablero en Pinterest, que como ya dije la semana pasada, probablemente es uno de los últimos con carácter semanal. Ya estoy avanzando en modificar cómo gestionar mi Pinterest.

No soy un fotógrafo de teleobjetivos. Sí que uso con relativa frecuencia los teles cortos, aptos para retratos o para cerrar el encuadre en determinados momentos en un paisaje o en fotografía documental. También puedo usar un teleobjetivo en macro, porque la distancia que marca con el sujeto tiene sus ventajas. Pero con carácter general, algo más largo de un 100 mm en formato 24x36 mm no es plato de mi gusto. Con frecuencia encuentro estas fotografías monótonas. Aburridas. Cuando llevaba focales largas a los viajes, tomaba detalles de los sitios con el teleobjetivo, que luego casi nunca seleccionaba entre las fotografías a conservar o enseñar. Pero el fin de semana pasado me dio por salir con la Pentax MX, un carrete de película en blanco y negro y el Ricoh Rikenon 135 mm f/2,8. En un momento dado, los objetivos más habituales de los aficionados a la fotografía eran un angular 35 mm, un estándar 35 mm y el tele 135 mm. Hoy en día el planteamiento, en ópticas fijas, es más variado. Pero muchas personas prefieren que su angular sea un 24 mm o incluso más abierto, el 35 y el 50 mm se ponen en el mismo saco de óptica estándar polivalente, siendo una preferencia personal el elegir uno u otro, mientras que los teles... están muy de moda los 85 mm, los 100 mm para macro, y el 135 mm ha quedado como una óptica especializada para fotógrafos de retrato, especialmente en interiores. Pero bueno, ilustro la entrada de hoy con fotos realizadas con mi 135/2,8.

El 7 de diciembre pasado fue el 75 aniversario del bombardeo de Pearl Harbour que supuso la declaración de guerra de los Estados Unidos a Japón y su entrada en la guerra contra Alemania asimismo. Lo cual supuso un cambió en las tornas del conflicto de consecuencias notables que afectaría a la historia del mundo incluso hasta hoy. Pensaba que nos llegaría una avalancha de enlaces con fotografías haciendo alusión al evento, pero la verdad es que no fue para tanto. No obstante, en The Atlantic PHOTO nos recordaron que hace unos años, en su retrospectiva sobre la Segunda Guerra Mundial en 20 partes, dedicaron una de esas partes al bombardeo de los objetivos norteamericanos en Hawai. Incluyendo fotografías tomadas por los propios japoneses desde sus aviones.

Dentro de lo que fue la fotografía documental de las guerras que asolaron el mundo entre los años 30 y 40 es relativamente poco conocida la actividad de Kati Horna, siendo como es una de las más interesantes de su época. Y se dedicó a fondo para documentar la retaguardia de la guerra civil española. Nos lo recordaron en Albedo Media en un artículo muy recomendable, aunque con escaso material gráfico que habrá que buscar en otras partes.

David Seymour, "Chim", a quien recordaba hace no muchas semanas en una entrada de recomendaciones como ésta, también estuvo en la guerra civil española. Y comentaba en su momento que tras la Segunda Guerra Mundial dedicó mucho esfuerzo a documentar la situación de la infancia en Europa tras el conflicto. Pero "Chim" tuvo más que ofrecer. Siendo uno de los socios fundadores de Magnum Photos, esta icónica agencia ha puesto a la venta obra del fotógrafo en una campaña de recaudación de fondos. Aunque no son muchas, destacan en el conjunto tres fotografías en color de Ingrid Bergman en 1953, Joan Collins en 1954 y Sophia Loren en 1955, con estilos muy similares, maravillosas, las fotos y las mujeres, que no me importaría tener. Cualquiera de ellas. Por 1800 dólares en 28x35,5 cm o 2250 dólares en 40x50 cm pueden ser vuestras. Qué pena no llevo suelto a mano.

En otro orden de cosas, Méjico ha dado nombres muy significativos a la fotografía. Y uno de los representantes más importantes y de sexo femenino es Flor Garduño, que fue discípula del maestro e inspirador de muchos de ellos, Manuel Álvarez Bravo. En L'Oeil de la Photographie nos dejan una muestra de su estilo, que a mí me gusta mucho, me parece una fotógrafa muy elegante, y que espero que sirva para despertaros la curiosidad sobre esta fotógrafa tan interesante. Por cierto, también estudió con Kati Horna, que aunque húngara se naturalizó mejicana.

Estoy terminando de ver la que parece ser última temporada del drama televisivo Masters of Sex. Y en algunos de los episodios de la misma hemos acompañado a los protagonistas de la serie hasta la mansión Playboy en Chicago. Curiosamente, esta semana ha aparecido en Magnum Photos un artículo dedicado a este peculiar lugar, de la mano de las fotografías de Burt Glinn. No soy precisamente un fan de este tipo de publicaciones. No soy mojigato, pero una cosa es que sea ampliamente tolerante con los temas relacionados con la sexualidad y otra cosa son los mensajes o modelos de vida subyacentes. Las siliconadas modelos que muestran con más o menos ropa me parece muy falsas, y se les dota de unas muy sexistas personalidades no especialmente inteligentes, objetos de deseo de hombres no especialmente inteligentes, que ven a estas mujeres como trofeos de una vida de presuntos éxitos. Desgraciadamente, en el fondo, hay mucha gente que realmente comparte estos valores aunque sea incapaz de reconocerlo.

Hubo esta semana un día, el martes 6 de diciembre, que en L'Oeil de la Photographie dedicaron sus artículos a los premiados en un certamen de fotografía de moda. Las más de las veces no me interesan mucho este tipo de fotografía. Pero me llamó moderadamente la atención una de las finalistas, la japonesa Yurina Niihara, cuyas fotos no incluían seres humanos, sólo obras de aspecto abstracto a partir de las prendas de lencería a promocionar, y que curiosamente titulaba "autorretrato". El caso es que me llamó la atención lo suficiente como para entra en la página web de Niihara, cuya sección Monologue me pareció bastante interesante, muy introspectiva. Especialmente cuando reflexiona fotográficamente sobre su país desde su visión de japonesa desplazada y residente en Europa.

Y esto me lleva a los artículos finales de estas recomendaciones de este domingo. En las páginas del Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA), que son interesantes de visitar en sí mismas, nos ofrecen una colección de vídeos con entrevistas a fotógrafos japoneses actuales, pero que abarcar desde los veteranos de los años de posguerra hasta los más actuales. Siempre he manifestado mi interés por la fotografía nipona y esta es una fuente indudable de conocimiento sobre la misma. Para los aficionados al arte moderno y contemporáneo en general también puede ser interesante suscribirse al canal de Youtube o al blog en Tumblr del museo.

Y para finalizar, un vídeo que os dejo aquí puesto por recomendación de Photolari. Inspirado también en parte por la entrada que escribí ayer dedicada a las polaroids, y en el que se reflexiona sobre el uso tradicional de la fotografía como memoria de una vida. Uso que se está perdiendo, ya que con el advenimiento de la fotografía digital y especialmente de los teléfonos móviles con potentes cámaras fotográficas, la función ha dejado de ser la de generar memorias para pasar a ser la de informar sobre el presente. Un presente que formado por estados electrónicos en chips de silicio, acabará por desaparecer y no dejará memoria gráfica como las fotografías de antaño. El corto, de animación, también es muy majico y sensible... ¿casi sensiblero? Juzgad vosotros.

No ha sido un año fácil para viajar. De hecho, ha habido sobresaltos en alguno de mis viajes. Pero ha sido un buen año y productivo. Quizá con el hito más importante el del viaje a JAPÓN, un par de veces aplazado por distintos motivos, y que este año, aunque con miedo, nos decidimos a hacer y disfrutar.

Pero ha habido más cosas. Tanto en viajes al extranjero, como moviéndonos en cercanías. Os lo cuento como es tradicional con fotografías.

Llego por fin a la sexta y última entrada de la serie dedicada a la lista de la UNESCO del PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD en JAPÓN. El último lugar que os traigo de los seis que visité en mi viaje de septiembre que forma parte de esa lista, aunque no os los he presentado en el orden en que los visité, el el denominado MONUMENTOS HISTÓRICOS DE LA ANTIGUA NARA.

Situada a poco más de 40 kilómetros al sur de KIOTO, NARA es una pequeña y coqueta ciudad, muy tranquila y agradable, que fue capital de JAPÓN durante unas décadas en el siglo VIII de la era común.

Es un conjunto de sitios dispersos por una amplia zona, en su mayor parte convertida en parque o incluso en las estribaciones boscosas de los montes cercanos. Por todos los lados pululan los tranquilos ciervos sica, que aunque no domesticados, están acostumbrados a la presencia de los visitantes que los alimentas con las galletas de ciervo que se venden en puestos por toda la zona. De los lugares que configuran la lista los principales que visité yo fueron los templos budistas de TŌDAI-JI y KŌFUKU-JI, y el santuario sintoísta de KASUGA-TAISHA. Así como algunas de las zonas naturales que los envuelven, que también son objeto de protección.

Os dejo unas cuantas fotografías. En primer lugar KŌFUKU-JI y su gran buda dorado.

Un buen rato cuesta recorrer las dependencias de TŌDAI-JI que también alberga un enorme buda sedente, y es objeto de abundante peregrinación por parte de los nipones.

El lugar que más nos gustó fue KASUGA-TAISHA, probablemente por la mayor sencillez y elegancia de los lugares sintoistas, y porque estaba mucho más animado.

Espero que os haya gustado esta serie. Que quizá vaya aumentando con otros lugares, también patrimonio de la humanidad según la UNESCO, que he ido visitando a lo largo de mi vida viajera.