Se nota que estamos ya en pleno verano. Las noticias y novedades fotográficas en la red se vuelven más leves, menos frecuentes, más repetitivas. La gente tira de "fondo de armario" para rellenar sus páginas, incluso a pesar de que es época de festivales fotográficos en muchos lugares del mundo, especialmente Europa. El caso es que no sé si esto es así o no, o si es una mera excusa para decir que he llegado a este domingo con un reducido número de artículos seleccionados para las recomendaciones de cada semana.

Eso sí, tengo fotos propias. Se hace dos semanas salíamos en grupo a visitar las exposiciones de PhotoEspaña en Zaragoza, ya he revelado los dos carretes que hice con la Hasselblad 503CX armada del Carl Zeiss Distagon 50/4 T*. Uno de ellos con película de baja sensibilidad, para las tomas en exteriores, Ilford FP4 Plus en Rodinal 1:100, revelado desatendido a 20 ºC. Otro de ellos, para interiores, Ilford HP5 Plus a IE 3200 en Rodinal 1:25, revelado durante 18 minutos a 21 ºC. Definitivamente, el revelado desatendido es mucho más interesante para controlar el contraste con películas de baja o media sensibilidad, que como revelado "del vago" o para forzar película. Sin embargo, el uso de Rodinal en su forma habitual más concentrada y con una buena agitación ha funcionado muy bien para forzar la HP5 Plus. Cada vez tengo más claro el comportamiento a seguir.

Surrealismo, surrealista,... un sustantivo y su adjetivo derivado que son sometidos a abuso semántico constantemente. Con frecuencia aplicados a situaciones u obras que simplemente son absurdas, o raras, o meros caldos de cabeza, pajas mentales, sin embargo ha tenido un ideario y unas guías muy claras desde los tiempos del Manifiesto del surrealismo de Breton. Aunque viene influido por su antecesor el dadaísmo, de ahí su asociación con lo absurdo y lo contracultural, el surrealismo es un movimiento mucho más político y comprometido, con influencias del marxismo y el psicoanálisis freudiano. Dos teorías por las que no siento especial atracción o simpatía en estos momentos, ambas creo que estaban o están equivocadas en cuestiones importantes, pero que ayudan, especialmente el segundo, a que el artista surrealista se mueva con comodidad en el mundo de los símbolos y sus significados. El problema puede venir de si el receptor del mensaje comparte el código que le permita descifrar el mensaje del artista surrealista o no. En cualquier caso, siempre me ha atraído, especialmente cuando se aplica a la fotografía. En Yorokubu, esta semana nos han hablado de cómo ser un creativo surrealista. El regreso de Twin Peaks a la televisión ha provocado un renovado interés por el surrealismo; no se puede dudar de la adscripción a este movimiento, a su manera, de David Lynch. En su artículo, la gente de Yorokubu no entra a profundizar en qué es el surrealismo, pero sí que hacen un buen repaso de las técnicas utilizadas por los surrealistas. En todo tipo de medios de expresión artística. Y creo que es muy interesante.

El viaje y la carretera son dos elementos muy importante en la fotografía norteamericana. E incluso en fotógrafos de todo el mundo que han sentido la necesidad de recorrer las interminables rutas de Estados Unidos en viajes de descubrimiento. No es de extrañar dada la inmensidad continental del país, con diversidad de paisajes naturales y humanos. No hace mucho hablábamos algo de cómo Inge Morath reflejó uno de sus viajes en compañía de Cartier-Bresson. Otro europeo, alemán en este caso, Thomas Hoepker, también salió a la carretera, influenciado por Robert Frank, suizo, y se hizo el recorrido de costa a costa. En Magnum Photos no están mostrando estos viajes fotográficos, y no dudaré en irlos reflejando en estas páginas, porque son realmente impresionantes.

Si todo va bien y nada lo impide, el sábado que viene me voy en viaje en grupo a visitar exposiciones a PhotoEspaña en Madrid. No sé si nos dará tiempo a visitarla, espero que sí puesto que se encuentra en un lugar céntrico y por el que vamos a pasar con casi total seguridad, pero una de las exposiciones que más están interesando es Café Lehmitz del sueco Anders Petersen, como nos informan en Albedo Media. Dedicada a los marginados de la sociedad de Sankt Pauli, barrio "del pecado" en Hamburgo, nos sumergen en un mundo sórdido, pero no por ello menos humano. Y todo con la coherencia y el sello que imprime la clásica Kodak Tri-X.

Blank Paper es una escuela de fotografía. También es un colectivo de fotógrafos, formado en estos momentos por Julián Barón, Ricardo Cases, Alejandro Marote, Óscar Monzón, Mario Rey, Fosi Vegue y Antonio Xoubanova. Como colectivo se conformaron en 2003... y desde entonces se han considerado como una parte importante de la nueva generación de fotógrafos emergentes en España. Casi 15 de ser "emergente"... No sé si no deberíamos revisar los conceptos o la semántica del léxico español. Ya en 2014 fueron objeto de atención del British Journal of Photography en aquel número veraniego dedicado a la "Spanish Armada", calificándolos de vanguardia en el mundo de la fotografía, bajo el grito que sacudió a las islas Británicas hace algo más de cuatro siglos, "The Spanish are Coming!".

En cualquier caso, en Yorokubu han decidido que ya no son "emergentes", que ya están ahí para tomar el relevo de los de siempre. Y por si quedaba laguna duda, ahí están en Arles, en exposición pública de sus méritos.

En estos momentos son muchos que hablan de que los teléfonos móviles han llegado para desbancar a las cámaras fotográficas tradicionales como herramientas para hacer fotografía. Nos olvidamos que lo que llevan esos teléfonos es... una cámara fotográfica. Limitada. Útil, pero limitada. Pero puestos ya, porqué conformarse con un teléfono móvil si podemos usar el coche como herramienta de creación fotográfica. Por qué no. Durante mi último viaje por las islas Lofoten, el "coche fúnebre" que nos pusieron en la agencia de alquiler de vehículos llevaba una cámara posterior que facilitaba las maniobras de marcha atrás. Y aunque se le podía achacar poco contraste y escasa resistencia a la intromisión del sol en el encuadre, no se veía mal. En Creative Boom nos hablan del experimento de Barbara Davidson que ha realizado una de sus últimas series a partir de las cámaras a bordo de un coche sueco. Y no están mal... Pero una vez más te quedas con la misma sensación... La calidad de las fotos ¿no dependerá más de la inteligencia del fotógrafo y su capacidad de entender la herramienta que maneja que de la herramienta en sí misma? Va a ser que sí.

Por otro lado, la iniciativa tiene no poco de maniobra publicitaria para la marca de coches sueca. Motivo por el que no la menciono aquí.

Vamos a ver si esta semana normalizamos la redacción de mis recomendaciones semanales... que en las últimas semanas ha sido un caos. Aunque voy a intentar ser rápido para que me cunda la mañana.

De entrada, como en los últimos días mi actividad fotográfica ha estado centrado en la toma de imágenes con medios argénticos y no he "pisado" el laboratorio, no tengo novedades para acompañar la entrada. Así que la ilustraré con alguna foto de la ciudad que voy tomando con la pequeña cámara digital, la Panasonic Lumix GM5, que llevo siempre encima.

El pictorialismo no es mi estilo fotográfico favorito. Ya lo adelanto. Es difícil que aparezcan por aquí fotógrafos con un estilo pictorialista. Pero los autocromos de Mervyn O'Gorman a esa misteriosa adolescente que hemos dado en llamar "Christina", sea o no su hija, tienen algo que atraen poderosamente. Ya los he comentado en alguna ocasión. Pero hoy, dejaré enlazado un vídeo que alguien ha realizado y con el que se disfruta bastante de estas fotografías de hace más de 100 años. Apareció en Fotografía Creativa.

André Kertész es uno de los fotógrafos que más han marcado la forma de ver y fotografiar las calles y los hechos cotidianos, sin dejar de lado la belleza e incluso cierto grado de poesía. En International Center of Photography, con motivo del aniversario de su nacimiento, me han dado una excusa para recordarlo y recomendarlo.

Uno de mis libros favoritos es el que nos habla del viaje que realizó la fotógrafa Inge Morath en compañía de Henri Cartier-Bresson desde Nueva York a Reno, donde se estaba rodando la película The Misfits, la última película en la que trabajó Clark Gable, y la última película completa de Marilyn Monroe. Pero las fotografías de este viaje, tomadas por la fotógrafa austriaca, nos hablan de muchas muchas cosas, y son un verdadero tratado de cómo fotografiar al carretera. Nos lo han mostrado en Magnum Photos.

Es época de festivales, en diversos lugares del mundo. En Albedo Media nos cuentan que podemos disfrutar en Madrid en estos momentos de las fotografías de Minor White, un fotógrafo cuya obra reconozco que no he visitado con la frecuencia debida. Esto puede ser una buena excusa.

Hace casi dos años, tuve la ocasión de disfrutar en Viena de una estupenda retrospectiva de la obra de Joel Meyerowitz, y me traje algún libro de este magnífico fotógrafo. Ahora, en L'Oeil de la Photographie nos recomiendan que repasemos sus obras más tempranas, y yo les pienso hacer caso.

En el arte contemporáneo, el apropiacionismo es una práctica frecuente. Algunas veces, me da la impresión de que es puro morro por parte del artista que se aprovecha del trabajo de otros. Pero en otras ocasiones, el artista, como es el caso de Silin Liu (no encuentro presencia propia en la red), aporta no poco valor a fotografías que por otro lado entran dentro de la categoría de fotografías vernáculas, aquellas que se realizan sin un interés artístico específico. Incluso si en ellas aparecen personas conocidas, con las que la fotógrafa china se "retrata" postumamente. Nos lo han contado en L'Oeil de la Photographie.

Uno de los dogmas irracionales de ciertos grupos ecologistas y de izquierda es la demonización de la tecnología de los transgénicos. Como si la especie humana no llevase milenios alterando genéticamente los seres vivos que les son útiles. La ciencia y la tecnología no son buenas ni malas en sí mismas, pese a las líneas de pensamiento anticientíficas que han surgido con la posmodernidad. Pero sí que hay perversidad en las multinacionales que las utilizan para su propio interés con desprecio de otros seres humanos o del medio. Y una de las más peligrosas, por su oscurantismo, probablemente sea Monsanto. En L'Oeil de la Photographie nos cuentan como el frances Mathieu Asselin reflexiona fotográficamente sobre las catástrofes causadas por esta multinacional.

Está causando cierta expectación la exposición de Yolanda Dominguez en el Museo del Traje de Madrid. Su trabajo, "Little black dress" le sirve para poner en solfa los estereotipos acaptados o consagrados por las modas o las tendencias en lo que se refiere a la representación del cuerpo o el aspecto de la mujer. Me parece una iniciativa valiente. Nos han hablado de ella en Clavoardiendo Magazine, y no me importaría visitar la exposición. No sé si será posible... pero me gustaría.

Con el principio del mes nos llega un nuevo número de Fraction Magazine, el número 100, número redondo. En el que nos muestran cuatro porfolios distintos de los que nos tienen acostumbrados, saliéndose de su zona de confort. Porfolios muy coloridos, que tiran de técnicas mixtas en algunas ocasiones, y conceptualmente distintos. Os recomiendo echarle un vistazo detallado.

Y en Another Magazine nos hacen la propuesta de conocer a cinco fotógrafas, chicas, contemporáneas japonesas. Con estilos muy distintos pero que mezclan lo tradicional en el País del Sol Naciente con lo realmente innovador, y que además aportan su visión como mujeres. En un país donde el dominio masculino en todos los campos es todavía muy notable a pesar de su aparentemente elevado índice de desarrollo. Las fotógrafas son Hiromi Kakimoto, Tokyo Rumando, Mikiko Hara, Yukari Chikura y Akiko Takizawa. Mikiko Hara usa una vieja cámara de medio formato, relativamente sencilla, con la lente modificada para una mejor calidad, para sus notables retratos y paisajes. Me encanta.

Comenté hace unos días mi visita a Fotografiska, durante la escapada que hice a Suecia a mitad del mes de agosto. Y decía en esa entrada que la exposición más interesante y de más nivel, sin menospreciar en absoluto el resto que también eran estupendas, era la del británico Nick Brandt, sobre su último trabajo Inherit the Dust (Heredaras el polvo). Amarga paráfrasis de la promesa divina, "Heredarás la Tierra", que el dios judeocristiano hace en los libros sagrados de estas religiones a distintos personajes que en ellos aparecen y, por extensión, a toda la humanidad creyente. Pero algo debemos estar haciendo mal... o en algo se equivocó la mencionada divinidad... porque estamos dejando la Tierra hecha un erial. Y eso es lo que quiere poner de manifiesto Brandt, mostrándonos los degradados paisajes de su amada África, donde hasta hace no tanto tiempo habitaban los magníficos mamíferos que acompañan las imágenes de esta serie.

Cuando salíamos de ver las exposiciones, realizamos la visita de rigor a la "butik" del centro de fotografía contemporánea de Estocolmo, donde nos guiñó el ojo el libro en el que se expone también de forma muy hermosa es contenido de la exposición. En la tienda en línea no lo venden, pero más o menos costaba en coronas suecas el equivalente a unos 75 €. Y su tamaño es respetable. Desde luego no te puedes meter con él en la cama para hojearlo mientras te entra la modorra del sueño. Así que precio más problemas para encajarlo en el reducido equipaje de cabina que llevábamos... no lo compré por mucho que me lo pidiese el alma.

A la vuelta, me asomé a diversas librerías en línea y comprobé que los de los 75 "aurelios" no era broma. Aunque en Amazon.es la cosa se ponía en unos más moderados 62,5 €. Y en estas estábamos cuando vi que se ofrecía también "de segunda mano - como nuevo" por 42 € más unos moderados costes de envío por correo corriente y moliente, del que tarda unos cuantos días o semanas en llegar. ¿Merecería la pena el riesgo de pagar un 60% del precio base... o lo del "como nuevo" sería un eufemismo que iba a lamentar? Mientras me lo pensaba, volví a ver uno de los documentales sobre la exposición (en inglés, lo siento).

Finalmente, me decidí. Y esta me ha llegado el libro. No está "como nuevo". Está nuevo. Venía con el precinto de plástico incluido. Alguien lo compró y luego ni lo abrió y decidió venderlo. Con un tamaño de de 39 x 33,5 cm, y con las fotografías a doble página... incluso a tres páginas, mediante desplegables, las fotografías de Brandt aparecen en todo su esplendor, y con una calidad de impresión impecable. La experiencia de hojearlo es estupenda.

No sólo esto. Además hay textos del escritor y poeta estadounidense Wendell Berry, autor muy comprometido con la defensa de la naturaleza y del medio ambiente. También hay imágenes del "cómo se hizo", mostrando la selección de fotografías de animales que se incluyeron en los paisajes con figuras humanas que constituyen la serie, así como fotografías de los grupos humanos que aparecían en las mismas, y de la terrible condición de pobreza y degradación, acorde con la de los paisajes, en la que se encontraban.

Creo que es un libro altamente recomendable.

Del viaje sí que viajaron de vuelta en la maleta tres libritos de tamaño y precio contenidos, publicados en algunos de los museos de arte moderno que visitamos. Tres libritos que no son de fotografía, aunque esta pueda tener alguna presencia en ellos:

The Dresing Donation, Arken Museum of Modern Art (en inglés), donde se da cuenta de los contenidos más destacados de la donación de arte contemporáneo que forma el núcleo principal de la colección y la exposición permanente de este museo danés.

Guide artistique, Moderna Museet (en francés), que comenta las obras más destacadas de la colección permanente del museo de arte moderno en Estocolmo.

草間彌生 Art Book - Hi, Konnichiwa, Yayoi Kusama (en inglés), pequeño y colorido libro que repasa la obra de la artista japonesa, que era objeto de una interesante exposición retrospectiva en el Moderna Museet de Estocolmo.

No relacionados con el viaje a Suecia, me he dado cuenta que no he comentado en los últimos tiempos la adquisición de los números 51 y 52 de la colección "100 fotos por la libertad de prensa" que edita Reporteros sin fronteras. Estos dos últimos números han venido con una innovación. Con una maquetación y estilo similar a los anteriores, han aumentado de tamaño, por lo que podemos disfrutar de las 100 fotografías de turno también a mayor tamaño. Sin que haya supuesto un aumento del precio, que sigue por debajo de los 10 €. Siempre he dicho que esta colección es ideal para hacerse con una modesta pero digna y completa biblioteca de libros de fotografía. El número 51 estuvo dedicado nada más y nada menos que a Sebastão Salgado, y el número 52 se titula "On the Road" (En la carretera), he incluye fotografías de cinco ilustres; Martin Parr, Harry Gruyaert, Dennis Stock, Inge Morath y Larry Towell. Este último pensaba que se trataba de una versión resumida de un libro en castellano editado por La Fábrica con el mismo título... pero lo cierto es que la única autora en común entre los dos es Morath. Un libro que tiene una pinta magnífica pero que no me he decidido a comprar porque las obras que contiene aparecen ya en monográficos de algunos de los autores que participan en este volumen,... y me resultaría redundante.

Otras entradas recientes, que no comentaré con detalle...

Jazz de Bob Willoughby, oferta de libraco por debajo de los diez euros con estupendas fotografías de cantantes de jazz y soul. Imposible resistirse.

Chema Conesa, Obras Maestras, volumen de la prestigiosa serie de La Fábrica, que sirve como catálogo a la exposición que todavía se puede ver en La Lonja de Zaragoza.

Número 123 de la revista Arte y parte, dedicado a László Moholy-Nagy, un artista multidisciplinar, fotógrafo también, que se involucró en la Bauhaus alemana. Para ir leyendo poco a poco.

Finalmente, hace un par de días entró en mi biblioteca un libro del que todavía no he tenido ocasión de empaparme. Ha sido un regalo que me han hecho por un favor que hice. Inmerecido, pero bien recibido, el regalo. Muchas gracias, una vez más. Se trata de Imago de Joan Fontcuberta, editado por La Fábrica y la Comunidad de Madrid. Fontcuberta es un fotógrafo del que vi alguna exposición en los años 90, del que luego oigo hablar mucho, pero sé poco de la obra que está haciendo. Por lo que leo, es un fotógrafo que parece más admirado y valorado en el extranjero, en el British Journal of Photography han publicado algún artículo sobre él y su obra poniéndolo por las nubes, que en España. Donde con frecuencia veo que se le da bastante caña. ¿Justificada o un reflejo más de la tradición cainita de los naturales de las Españas? Espero que la lectura y contemplación de este libro me permita obtener conclusiones propias.

Bueno... a ver si no dejo pasar tanto tiempo entre publicaciones sobre libros... que escribir estas entradas es agotador. Hasta la próxima... y no olvidéis comprar libros de fotografía... que mirando la obra de los mejores es como más se aprende y viene la inspiración.

A la espera de tener la ocasión de ver las dos exposiciones que me faltan de visitar de las tres que ha programado el festival fotográfico PHotoEspaña 2016, recuerdo que la primera fue la de Chema Conesa en la Lonja de Zaragoza, este sábado pasado tuve la ocasión de visitar algunas de las más destacadas exposiciones que se celebran en la ciudad capital del festival, como siempre Madrid.

Siempre he encontrado "inconvenientes" las fechas en que se celebra el festival. Ir de exposiciones en Madrid, con el frecuente calor atorrador que se acumula en el centro de la capital, puede ser absolutamente agotador. De hecho, tras una mala experiencia en el 2013, he faltado a las dos últimas ediciones por no encontrar una fecha disponible con una climatología razonable, aparte de otros motivos. En esta ocasión, para este sábado, parece que se atemperaban algo las temperaturas altas que se habían dado durante la semana. Y me estaba quedando sin excusas para visitar a algunas buenas amistades que tengo en la villa y corte, a las que tenía un tanto abandonadas. Pero vamos con las exposiciones.

Cristina de Middel en el Centro Cultural Fernán Gómez y la galería de La Fábrica

Tenía muchas ganar de contemplar "en directo" la obra de Cristina De Middel. Aunque esta fotógrafa no es de antesdeyer, lo cierto es que ha sido en los últimos años, paradójicamente con más frecuencia en medios extranjeros que nacionales, cuando ha empezado a sonar con fuerza.

Sus proyectos "The Afronauts" y "Party" han dado bastante de qué hablar. Reconozco que la primera vez que me llamó poderosamente la atención fue la imagen de un joven china bailando con alegría y desenfado, acompañada por una página fuertemente censurada de la versión en inglés del libro rojo de Mao en la que lo único que se podía leer era,

"PARTY... If there is to be revolution, there must be a... ... ... ... ... party. ... ... ..."

De lo que podías deducir a partir de ahí sobre las intenciones de la autora... pues lo único que te entraban ganas es de saber más. La idea subyacente, me pareció una genialidad. El proyecto que se presenta en el festival se titula "Muchísimo", y es como un gran "collage" en el que las imágenes de los distintos proyectos de De Middel cubren las paredes de la amplia sala de exposiciones, repitiéndose, en distintos tamaños, y dialogando unas con otras. Una exposición que se sale de los caminos trillados, que obliga a una contemplación participante de la obra, y que me gustó mucho. El catálogo de la exposición, sin embargo, no me parece a la altura, aunque lo compré.

Por la tarde tuve la ocasión de visitar también la pequeña exposición que en la librería-galería La Fábrica exhibía su serie "Antipodes"

Me hizo gracia cuando leí la entrevista que os recomendé el domingo que apareció hace unos días en Clavoardiendo. Reconocía que hay dos tipos de trabajos entre los que hace. Aquellos que tienen algo que decir pero que no funcionan bien a la hora de generar ingresos y ganarse la vida, y otros que, siendo como es en estos momentos una fotógrafa respetada, se venden bien... y son por lo tantos alimenticios y le permiten financiar los otros, que igual le apetecen más.

Por lo tanto, los paisajes que nos presenta en la galería tienen menos potencia que las imágenes vistas por la mañana. Pero no están mal... y complementan la visión del fotógrafo como artista que tiene que crear y ganarse la vida.

Juanita Biarnés en el Centro Cultural Fernán Gómez

Comparte con De Middel lugar de exposición la veterana reportera gráfica, pionera de su profesión entre las mujeres, Juana Biarnés. Totalmente diferente, aunque ambas compartan en común ser pioneras en formas de hacer cosas.

Fotoperiodista que se mantuvo en activo desde el año 1962 hasta 1985 en que dejó la profesión, está siendo reivindicada en los últimos tiempos después de haber permanecido en un olvido relativo durante todo ese tiempo. Nos sorprende con un conjunto de imágenes frescas, desenfadadas, realizadas con descaro, con poca preocupación por la técnica pero con una maestría en la composición muy superior a la que nos quiere vender. Mucho más divertida que otros fotógrafos de la misma época, sin que por ello recorte un ápice en su misión de reflejar un mundo que nos guste más o nos guste menos era como fue. O como es. Porque más allá de los aspectos externos o estéticos... no sé yo si hemos cambiado tanto como pretendemos. Se pasa bien en la exposición, y se aprecia el trabajo de la fotoperiodista

Libros de fotografía en el Museo de la Biblioteca Nacional

En los últimos tiempos, el libro de fotografía, en muchas ocasiones autoeditado o sacado adelante en pequeñas tiradas por modestas editoriales, pero con mucha imaginación, es la vía por la que muchos fotógrafos se dan a conocer y tratar de nadar en la procelosas aguas de la profesión.

En los sótanos del enorme edificio de la Biblioteca Nacional encontramos un Museo en cuyas salas se han habilitado unos expositores para contemplar los trabajos más destacados del último año. Lo cierto es que para poder apreciar convenientemente los trabajos habría que dedicar mucho más tiempo del que disponía. Y luego te quedas con las ganas de tener algunos de los volúmenes... lo cual es difícil... porque ya digo que son pequeñas tiradas que se agotan pronto. Y luego algunas de ellas alcanzan precios muy altos de segunda mano. Se convierten en objetos de colección. ¿Sabéis que un ejemplar de "The Afronauts" de De Middel en buen estado puede alcanzar los 1200 euros? Pues eso.

Fotografía sudamericana en la Casa de América

Dos exposiciones encontramos en el palacete de la Casa de América en Recoletos esquina con la plaza de Cibeles. La primera de ellas nos cuenta la desorientación del fotógrafo cubano José Alberto Figueroa a quien junto con su mujer, la caída del muro de Berlín y de los regímenes comunistas en Europa les pilló en la capital alemana... en el lado oriental, para más INRI. El título de la exposición, en alemán, "Und Jetzt?". Y ahora qué...

La otra exposición es una colectiva, realizada a partir del visionado de porfolios de fotógrafos diversos latinoamericanos, y que con el título "Cartografías íntimas, un acercamiento a las relaciones interpersonales", recoge fotografías o series de ellas que buscan evocar lugares o momentos, sensaciones o sentimientos, que marcan las relaciones entre las personas. O diálogos visuales entre las mismas. Más interesante esta que la anterior, que me parece más anecdótica, aunque no carezca de miga.

Rostros en el Centro Cibeles

El tema principal de la edición de este año de PHotoEspaña es "Europa" o el estado actual de la fotografía en el continente europeo. Me acerco a este Centro Cibeles, que no conocía, y que se encuentra en lo que es el tradicional y presuntuoso Palacio de Comunicaciones, antigua sede de los servicios de correos y telégrafos en la plaza de Cibeles. Y en la exposición que acoge me sumerjo totalmente en ese tema, Europa, a través del retrato.

Estamos ante otra exposición colectiva, esta vez con muestras del trabajo de algunos de los fotógrafos más representativos del panorama actual europeo. Nombres como García-Alix, Corbijn, Teller, Mikhailov, Dijkstra, Ruff,... entre otros muchos, muchos de ellos nombres consagrados en el panorama fotógrafíco actual, nos muestran sus capacidades para el retrato, la diversidad conceptual de los mismos, así como la diversidad que se esconde dentras del concepto de europeos, siendo las personas de este subcontinente el principal objeto de sus obras. A mí, las colectivas me suelen dejar siempre algo insatisfecho... De algunos de los fotógrafos quisiera conocer más... otros me pueden resultar superfluos. En cualquier caso, estamos ante un panorama bastante rico, que puede abrir el apetito a un mayor conocimiento de la obra de cualquiera de ellos.

Diversidad de ofertas en el Círculo de Bellas Artes

El CBA suele ser una cita ineludible cada verano. Pero al mismo tiempo, su oferta puede tener que ver, o no, con el tema principal del festival. En esta ocasión,... no nos podemos quejar. Dos de tres exposiciones se enmarcan plenamente en la temática europea. Veámoslo.

Se sale de las expectativas la muestra sobre la obra de la fotógrafa norteamericana Louise Dahl-Wolfe, "Con estilo propio". Básicamente norteamericana... fotografía de moda.

Interesante representante de lo que es la fotografía de moda y editorial en los años 40 y 50, hay que reconocer las virtudes estéticas y conceptuales de la fotógrafa. Y sin embargo, es cuándo se sale de la fotografía de moda y propone imágenes más personales, algunos desnudos, algún autorretrato, cuando se sale del famoseo y la alta costura, cuando más me interesa su obra. No obstante, como digo, se sale de las expectivas del tema del festival y, siendo interesante, da la sensción de ser un pegote.

Más en línea con el tema de Europa, y especialmente con la construcción y la identidad europea está el ensayo fotográfico "The Castle (El castillo)" de Federico Clavarino.

El italiano en una instalación fotográfica dividida en cuatro capítulos, nos desgrana su visión de la naturaleza de la identidad europea, desde el mito fundacional hasta los elementos de futuro, que con más o menos incertidumbre se asoman en el horizonte. Estamos ante una obra de claro corte conceptual, que incide más en los símbolos que en la estética o en las formas. Más compleja de comprender para muchos.

Y quizá una de las grandes exposiciones del festival, totalmente comprometida con la reflexión sobre el fenómeno europeo, es la colectiva que surge de los fondos de la colección de Nicolas Motelay con el título de "Transiciones, diez años que trastornaron Europa".

Los diez años a los que hace referencia el título de la exposición son los que van entre 1979 y 1989, y de alguna forma se relacionan, en términos europeos, aunque el fenómeno pudiera ser mundial, como el tiempo que va desde la llegada de Margaret Thatcher al poder hasta la caída del muro de Berlín. Cierto es que en la obra encontramos fotografías tomadas antes y, quizá, después de ese período de tiempo. Obras que corresponden a fotógrafos destacados del Reino Unido, Bélgica, Francia, Alemania, Rusia, Ucrania, Finlandia,... no sé si me dejo alguno. Pero que abarcar una evolución sociopolítica de carácter, cuando menos, continental. Desde los perfeccionistas pero aburridos, desde mi humilde punto de vista, fotógrafos alemanes de la escuela de Duseldorf, cuya obra nunca había encontrado también acomodada como en esta exposición, hasta las interesantes miradas de Boris Mikhailov a Rusia y Ucrania, pre y post comunismo.

Lucia Moholy en la galería Loewe Gran Vía

Desde hace unos años, la superpija tienda de Loewe en la Gran Vía madrileña patrocina y participa en el festival PHotoEspaña. Y en ocasiones con propuestas interesantes... aunque con frecuencia ignoradas por el respetable. Casi nunca me encuentro a nadie en la sala de exposiciones. Y eso que la gente de la tienda son muy amables aunque saben que lo tuyo no es comprar uno de sus bolsos.

En esta ocasión nos traen a una fotógrafa por la que siente notable simpatía, Lucia Moholy.

Lucia Moholy suele arrastrar el peso de ser más conocida por haber sido durante una etapa de su vida la esposa del artista László Moholy-Nagy, con quien pasó bastantes años trabajando en la Bauhaus. Durante esta etapa, la fotógrafa realizó un importante esfuerzo documentando con su cámara todos los aspectos de la vida académica en la institución, así como fotografiando muchos de los diseños y productos que salían de sus aulas y talleres. Poco reconocida hasta hace poco, en la actualidad su trabajo está empezando a ser mucho más considerado, siendo valorada por sí misma más allá de por las personas o los ambientes en los que se relacionó. También realizó reportajes en diversas parte de Europa.

Inge Morath, el Danubio y ocho fotógrafas contemporáneas en el Espacio Fundación Telefónica

Hablaré ahora de una de las sorpresas más agradables del festival. En los años 50, la fotógrafa austriaca Inge Morath, que nació en Graz, a orillas del río Danubio, arteria que une un considerable número de países europeos, quiso recorrer el curso del mismo y hacer un trabajo de documentación de la vida en sus orillas. No lo pudo completar en aquel momento. La guerra fría y las tensiones políticas junto con las férreas dictaduras de algunos de los países tras el telón de acero impidieron su recorrido. No fue hasta los años 90 cuando pudo cumplir su cometido.

En esta exposición encontramos 60 fotografías de ese trabajo. Y algo más. En 2014, un grupo de fotógrafas galardonadas con el premio Inge Morath, constituido con la ayuda de la Magnum Photos, decidieron seguir las huellas de Morath, y durante algo más de un mes recorrieron el Danubio, con un camión convertido en sala de exposiciones ambulantes, y documentando a su vez esa geografía humana y natural en la actualidad.

La fotógrafas Lurdes R. Basolí*, Claire Martin*, Emily Schiffer*, Kathryn Cook, Olivia Arthur*, Jessica Dimmock, Claudia Guadarrama y Ami Vitale (con un * las que idearon el proyecto) se cogieron sus cámaras, sus ideas, algunas de ellas su hijas, y con un pequeño equipo de conductora, filmadores, niñera y gestoras de proyecto, se hicieron el recorrido. No todas todo el camino. Pero todo el camino entre todas.

La exposición nos ofrece una buena muestra de las fotografías que recogieron cada una de las fotógrafas, cada una con su estilo muy diverso, junto con abundante material de cómo se hizo y cómo sucedió.

Reconozco que fue una de las exposiciones con las que más disfruté a lo largo del día. A la que dedicamos bastante rato, fijándonos en los detalles. Y con las ganas permanentes de qué pena no poder participar en un proyecto así. Incluso pensando en la posibilidad de hacerlo a título particular, usar unas vacaciones para desarrollar más modestamente un proyecto de conocimiento más profundo de una región emblemática por algún motivo. Vamos... cambiar la forma en que hacemos habitualmente nuestras vacaciones.

Nos han quedado muchas exposiciones interesantes sin ver. Pero un día da para lo que da, especialmente si además hay que encontrar tiempo para conversar con los amigos hace un tiempo descuidados. Me estoy planteando volver un poco más adelante... especialmente porque me apetecería complementarlo con la exposición del Bosco en el Prado. Ya veremos.

De momento, os dejo con el vídeo de la experiencia de las ocho fotógrafas en el Danubio... Es casi media hora, pero está bastante bien.

Este domingo me he encontrado con una abundancia de artículos guardados en Pocket, aptos desde mi subjetivo punto de vista para ser comentados en mis recomendaciones fotográficas de cada domingo. Algún tipo de selección u organización tendré que hacer para no hacerme eterno, tanto en el tiempo como en el espacio. De momento, el tablero de Pinterest de la semana. Que lógicamente también viene bien nutrido de fotografías.

Las fotografías que acompañan a la entrada de hoy son paisajes del Parque del Agua de Zaragoza y de los Sotos de Ranillas que se encuentran adyacentes. Una tarde tristona de luz, pero fresca después de que el calor se haya empezado a apoderar poco a poco de la ciudad. Las fotografías están tomadas con la Canon EOS 5D Mark II calzada con un "nuevo" objetivo fabricado tras el Telón de Acero. Se trata de un Helios 44M 58 mm 1:2. Por motivos que yo creo que tienen que ver más con el mito que con la realidad, se está convirtiendo en un objeto de fetiche. La verdad es que en las cuatro o cinco décadas que los Helios 58 mm 1:2, copias de los Carl Zeiss Jena Biotar 58 mm 1:2, estos a su vez un diseño Planar de Carl Zeiss usado con otro nombre comercial por temas de litigios de patentes, se hicieron millones y millones de ellos. Y se pueden encontrar muchos y muy baratos. Hablaré con más detalle de sus virtudes y sus defectos otro días.

Empiezo con el escándalo de los últimos tiempos. El prestigioso fotógrafo de National Geographic Steve McCurry, más que retocar sus fotografías, las manipula. Y parece que la comunidad internetera ha decidido que en exceso. Creo que ya hace unos días que manifesté una cosa. National Geographic no se dedica al periodismo y a la información precisa. Su vocación siempre ha sido la de dar a conocer a los norteamericanos primero, al resto del mundo después, las maravillas del mundo y el universo de una forma más bien amable. Desde ese punto de vista... cuesta trabajo sorprenderse de que el trabajo de sus fotógrafos sea sometido a un fuerte procesado para ajustarse a esa visión estéticamente perfecta del mundo. Incluso de la pobreza... legado el caso. Pero bueno. A McCurry le están lloviendo palos por todos lo lados, y no colabora en su descargo que, como nos informan en Quesabesde, haya borrado su blog personal... que yo seguía. Ale... a pensar qué queremos. Fotos perfectas o bonitas, o fotos menos perfectas y bonitas que nos informen con precisión. Yo no tengo claro que todo el común esté a favor de esto último... oye. No vayamos a ser hipócritas... o más de lo habitual.

Tenemos ya encima, con algunas exposiciones ya en marcha, el festival de PhotoEspaña 2016, el más importante festival de fotografía de nuestro país, que tienen desde siempre la ocurrencia de celebrar en los meses de más calor atorrante. Si eres de Madrid, donde se celebra la mayor parte del festival, aun puedes dosificar el esfuerzo. Si vas de fuera, y pretendes una maratón a ver las exposiciones más importantes, asume la deshidratación. Tuve una muy mala experiencia en la edición del 2013, mezclada con incordios familiares, que ha hecho que me haya saltado las dos últimas ediciones. Salvo las exposiciones que se celebran en Zaragoza, que las hay. Este año también. Ya os iré hablando de ellas. No obstante, este año me gustaría acercarme por la capital.

El tema de la edición de 2016 es Europa. Y en estos últimos días ya han aparecido algunas sugerencias interesantes, que no son ni de lejos exhaustivas:

Cristina de Middel en el Centro Fernán Gomez con su trabajo Antipodes. Nos lo cuentan en Clavo Ardiendo.

Carlos Saura y la España de los 50 en un nuevo libro y expuesto en Segovia. Nos lo cuentan en DSLR Magazine.

El viaje de Inge Morath por el Danubio, y el proyecto de ocho fotógrafas actuales por recrearlo en la Fundación Telefónica de Madrid. Nos lo cuentan en Yorokubu.

Hoy no he empezado por un fotógrafo clásico como es habitual. Pero lo tengo previsto. Fotógrafa más bien. Se trata de la muy personal Diane Arbus. Me encontre una referencia en el tumblelog del MoMA, que me llevó a dos artículos del New York Times. Uno de ellos, fundamentalmente texto, nos cuenta cómo esta fotógrafa que empezó con un negocio con su marido de fotografía de moda, acabó separada del marido y dedicada a un tipo de fotografía muy distinto que la hace un referente y una influencia fundamental en la fotografía posterior. El otro hace un repaso a los primeros años de la fotógrafa, a sus principios antes de que adoptara del todo su estilo particular, de retratos con cámara de medio formato en formato cuadrado. Y ya apuntaba maneras la fotógrafa, ya. El paso de una fotógrafa comercial a una artista de la fotografía.

Barack Obama es un presidente de los Estados Unidos que se ha caracterizado por hablar mucho, aparentar más todavía, y hacer... no sé muy bien qué es lo que ha hecho ni si me gusta. Pero parece más un producto de mercadotecnica que un líder capaz, que es lo que nos han estado vendiendo durante más de ocho años. Recordemos que le hicieron Premio Nobel de la Paz antes de que hubiese podido tomar ninguna decisión para trabajar por la misma... yo aluciné. Y en su esfuerzo de imagen perfecta no ceja, incluso a medio año del final de su mandato. Y se ha apuntado el tanto de ser el primer presidente norteamericano en visitar Hiroshima. Es curiosa la propaganda de los líderes de Estados Unidos y de muchos líderes conservadores europeos por lo peligrosos que son algunos pequeños países del mundo con regímenes más o menos horribles, por que buscan obtener armas de destrucción masiva. Estados Unidos tiene arsenal suficiente para un apocalipsis en condiciones varias veces... lo mismo que algunos de sus "amigos" como la Federación Rusa y la República Popular China... y otros. Pero lo cierto es que el testimonio de Hiroshima es importante. Y el gesto propagandístico de Obama ha producido algún artículo que no deja de ser útil. Como el que dedican en The Bristish Journal of Photography a las fotografías de Wayne Miller tomadas en septiembre de 1945, sólo un mes tras la catástrofe. También sobre este tema el International Center of Photography nos cuenta cómo fotógrafos oficiales tomaron más de 1100 fotografías de Punto Cero del ataque, de las cuales 700 están en su colección. Los contenidos de las mismas estuvieron restringidos al gran público... no falta la censura en los "vigilantes de la democracia liberal". pero ahora podemos verlas.

Llegúemonos hasta la fotografía contemporánea. Me ha interesado la entrevista que en Lenscratch reproducen a la fotógrafa Tina Barney. Y también me han parecido muy interesantes sus retratos de grupos en entornos y situaciones más o menos espontáneas, más o menos escenificadas. Excelente fotógrafa en color, que quienes más me conocen saben que yo respeto tanto o más que el blanco y negro, siempre considerado "más artístico". La entrevista está realizada por Ken Weingart, que tiene un blog dedicado a entrevistar a otros fotógrafos.

En el párrafo anterior defendía las cualidades de la fotografía en color. Un ámbito en el que esta reina es el de la fotografía de naturaleza. Sin embargo, hay algunos fotógrafos por ahí que nos demuestran que se puede hacer un excelente trabajo con el blanco y negro en todo tipo de entornos. Como es el caso de Gregor Törzs y sus fotografías de la fauna acuática, o sus estudios sobre la cristalización de los minerales. Nos lo han contado en L'Oeil de la Photographie.

Hablando de meterse en el agua... Eso es lo que hace la japonesa Asako Narahashi en algunas de sus series, como nos cuentan en Cada día un fotógrafo. Pero como la mayor parte de los fotógrafos japoneses su actividad es intensa y variada. Y muy personal. Os recomiendo un paseo por su página web.

En muchas parte del mundo están mal... guerras, pobreza, catástrofes naturales... Se llena el mundo de campos de refugiados, de suburbios degradados, de bolsas de miseria y enfermedad... Y por si fuera poco, un mundo de creencias supersticiosas e irracionales aumentan estas catástrofes cuando algunas de estas personas son incluso más despreciadas por los prejuicios irracionales de los que les rodean. En Feature Shoot nos hablan del trabajo de Eric Gyamfi, que ha retratado a las mujeres del campo de brujas de Gambaga, gueto donde son expulsadas mujeres de toda edad acusadas de brujería. Como miles de mujeres en la Europa de los siglos XV al XVII, como las "brujas" de Nueva Inglaterra, o decenas de supersticiones absurdas, muchas de origen religioso en todo el mundo. Este gueto en Ghana tiene más de 200 años de antigüedad. Y no parece que nadie vaya a hacer nada por acabar con esta ignominia. Para que una mujer vaya a parar allí... pues que alguien la denuncie de ser "bruja".

Se habla mucho de Corea del Norte. Se habla menos de que hay miles de refugiados de Corea del Norte en Corea del Sur, donde llegan huyendo a través de China. En Time nos hablan del trabajo de la fotógrafa Caitlin O'Hara que ha documentado la vida de dos jóvenes muchachas refugiadas a las que la vida no les trata mal. Pero subyace el problema de aquellos que son detenidos en China cuando escapan, y son retornados a Corea del Norte, donde sufren graves represalias. Problemas con los refugiados en todas partes del mundo. Nadie los quiere... salvo que sean guapos y bien vestidos como los que salían en la película Casablanca.

Terminemos en términos menos dramáticos. Para los más aficionados a lo erótico-festivo... en Quesabesde nos han propuesto una lista de 10 autoras, mujeres ¿eh?, dedicadas a la fotografía erótica. Bueno... he estado repasando el trabajo de las mismas, y algunas más que fotografía erótica son fotógrafas de desnudo, simplemente. A mi lo de la "nude yoga girl"... pues no sé. De todo hay a la hora de "ponerse"... pero me parece más una reivindicación del cuerpo que de un intento de erotizar al personal. Pero juzgad vosotros.

Y finalizo ahora ya con un artículo de American Suburb X (ASX) sobre los errores afortunados. Errores debidos a motivos técnicos, o a la mala técnica del fotógrafo, o a un despiste... que resultan en fotografías que por algún motivo nos atraen. A mi me pasó recientemente. Es más fácil que sucedan con la película tradicional. Porque quedan físicamente ahí... no son simples bits electrónicos que podemos borrar sobre la marcha... Igual deberíamos pensarnos dos veces cuando decidimos borrar una imagen digital. ¿La hemos mirado bien?