Iba a decir que las de hoy, día de Navidad, lo cual quiere decir día de modorra total, son las últimas recomendaciones fotográficas semanales del año. En un sentido estricto, es así, puesto que el próximo domingo es 1 de enero de 2017. Pero también hay que considerar que esta semana que viene transcurre fundamentalmente en el ya anciano 2016... así que en realidad, mis últimas recomendaciones del año, vendrán a principio del siguiente. Bueno... todo esto es en realidad una tontada, pero ya digo que el día de Navidad, para mí, suele equivaler al día de la modorra suprema. Para empezar os dejaré uno de los tableros en Pinterest que he ido creando en estas últimas semanales. Serán retratos o autorretratos de fotógrafos, unos más conocidos, otros menos, con o sin su herramienta de trabajo, la cámara fotográfica. Cuando digo fotógrafos me refiero a fotógrafos que efectivamente se dedica a ello, no meras personas que se retratan o se autorretratan con cámaras fotográficas. No, fotógrafos de verdad.

Las fotografías que acompañan la entrada de hoy son de ayer mismo, día de Nochebuena. Había hecho mis deberes en los días anteriores, compras diversas y esas cosas asociadas con estos días, así que esa mañana la pude dedicar a mi mismo y a mis cosas. Y salí a ellas armado con la Leica ME. Y le puse el Summicron 50/2 retráctil. Recuerdo la historia de este objetivo. Este Summicron es como los objetivos de Leica deberían ser, como los concibió su creador Oskar Barnack, compactos, ligeros, retráctiles, para ir ligero por el mundo, al mismo tiempo que con buena calidad de imagen. Este Summicron fue el primero de este nombre, en los años 50 del siglo XX, y también tuvo una versión no retráctil. Pero tiene dos defectos. La lente frontal está hecha de un material muy blando y se raya con facilidad, y como otros objetivos de la época, los lubricantes del objetivo se van evaporando, y esos vapores se depositan en las lentes del objetivo, creando una sensación de neblina en las imágenes.

El ejemplar que yo tengo está en un excelente estado de conservación, no está rayado, pero sí tiene el problema de la neblina. Cuando me lo ofrecieron, conociendo los problemas que presentaba el modelo, con seis décadas de antigüedad, dije que lo compraría pero tras la oportuna prueba. Me lo dejaron para mi viaje a Lucerna y Zúrich en agosto del año pasado, 2015, y pude comprobar que tenía el problema. No me interesó comprarlo. Una pena porque por el precio propuesto, hubiese una excelente adquisición. El objetivo era puntero en su época. Hoy, seis décadas después, hay muchos 50 mm que están a su nivel, de muchas marcas, pero sigue siendo un buen objetivo. Evidentemente con el problema de la neblina, su capacidad de resolución óptica disminuye. El caso es que en vísperas de la Navidad pasada, la de 2015, su dueño me lo volvió a ofrecer... gratis. Y entonces sí lo acepté. Lo uso poco, cuando las condiciones de luz permiten explotar sus defectos como una virtud. Luz suave, calima o niebla ligera en el ambiente, sol muy bajo... aporta a las imágenes una estética que, si no se abusa de ella, no está mal. Y ayer era un día de esos.

De todas formas, con el frío que hacía tampoco estuve de lo más inspirado, pero me traje algunas fotos del paseo que os voy a ir presentando en esta entrada. Pero vamos a las recomendaciones de hoy.

La primera cámara popular pensada para el público general fue la Kodak nº 1. Y con ella nació el eslogan más famoso de Eastman Kodak:

"You press the button, we do the rest."

"Usted pulsa el botón, nosotros hacemos el resto"

Fue el inicio de una filosofía que hizo que durante décadas, el gigante de la fotografía hoy venido a menos, fabricase fundamentalmente cámaras de gama baja para el común de la gente. Que no querían ser fotógrafos, pero querían generar sus recuerdos visuales. Y esta era una forma económica de hacerlo. Y que a Eastman Kodak le permitía vender abundante película y papel fotográficos, su principal fuente de ingresos. Cuando llegó la tecnología digital, no supieron hacer evolucionar el modelo de negocio, y hoy son una pálida sombra de lo que fueron. El cualquier caso es que aquella Kodak nº 1 tenía una peculiaridad. Las fotografías que devolvía Eastman Kodak eran circulares, como es realmente la proyección de la imagen del objetivo fotográfico. En Lomography Magazine nos recuerdan el encanto de aquellas copias con la imagen redonda. Se puede encontrar en Flickr Commons bajo dominio público.

Dos estupendos fotógrafos que conviene recordar.

En el apartado Theory and Practice de Magnum Photos han publicado un artículo dedicado al centésimo aniversario del nacimiento del fotógrafo Werner Bischof. Algunos fotógrafos ilustres han elegido algunas de sus fotografías, magnífica la del santuario Meiji de Tokio, y las comparan con las realizadas por ellos que denotan la inspiración de Bischof. Merece mucho la pena el artículo. Y la fotografía del malogrado fotógrafo suizo, que falleció prematuramente a consecuencia de un accidente de tráfico, también.

En Albedo Media (DSLR Magazine) han recordado la vida y obra de Rodney Smith, fotógrafo norteamericano de estilo muy personal, muy influido por el surrealismo, del que creo que ya os he hablado en alguna ocasión. Sus fotografías de moda, realmente tienen otro aire, muy imaginativo, y pueden ser fuente de inspiración para quienes quieran salirse de caminos trillados en el arte del retrato y la representación de la belleza.

Otro fotógrafo que, aunque vivito y coleando todavía, se ha convertido en un clásico, es el ucraniano Boris Mikhailov, que tuvo una especial habilidad para reflejar en sus fotografías la vida cotidiana de la extinta Unión Soviética, lo cual, como él mismo fotógrafo dice en el vídeo que os pongo a continuación y que ha publicado esta semana el canal de Youtube de la Tate, era un acto político en sí mismo en cada disparo del obturador de la cámara. Especialmente cuando se refiere a su famosa "Serie Roja", que lo era no por su ideología política sino por la dominancia de este coloren las fotografías.

En PhotoEspaña pudimos ver algunas de sus fotografías. Y es un fotógrafo cuyo conocimiento es obligatorio para todo aficionado.

Pasemos ahora a algunos fotógrafos contemporáneos, empezando por Donato di Camillo a quien nos presentan en Yorokubu. Di Camillo es un fotógrafo que comenzó su carrera, mejor dicho hizo sus primeras fotos, a los 43 años tras una estancia en prisión. Y a partir de ahí nos ofrece su visión de las gentes menos glamurosas de la ciudad de Nueva York. Y lo hace bien.

Me han interesado los retratos de carácter conceptual de la fotógrafa Lubna Abdelaziz, joven autodidacta egipcia, que profesionalmente se dedica al diseño gráfico. Normalmente, su estilo de fotografía no consigue atraerme mucho, pero los contenidos y las mujeres que aparecen en sus fotografías me parecen conceptualmente superiores a los de otros fotógrafos y fotógrafas jóvenes actuales que usan, o abusan, de una estética similar. Nos lo contaron, y nos mostraron sus fotografías, en On Art and Esthetics.

Me suena que la fotógrafa inglesa Harley Weir (Tumblr) ya ha sido comentada en estas páginas. Bueno. Da igual. En Albedo Media (DSLR Magazine) le han dedicado un artículo esta semana situándola como una de las fotógrafas del mundo de la moda más interesantes de la actualidad, especialmente teniendo en cuenta que es una mujer joven que no ha cumplido aún los 30 años. A mí, que no soy especialmente aficionado a la fotografía del mundo de la moda, me parece que las fotografía de Weir transmiten algo más que la superficialidad y los conceptos trillados que habitualmente percibo en ese mundo.

En Clavo Ardiendo nos descubren a una fotógrafa japonesa, que ya lleva un tiempo trabajándose esto de la fotografía, pero que probablemente no sea excesvamente conocida. Se trata de Emi Anrakuji. Puede que también haya salido por aquí previamente, porque su historia me suena, pero es que me interesa. Tras sufrir un tumor cerebral, el arte, y la fotografía en concreto, le permitieron ir saliendo adelante en su recuperación. Su trabajo es autorreferente, utilizando su cuerpo como sujeto de sus fotografías. Algunas de ellas tienen un carácter fantasmal, oscuro, mientras que otras tienen un cierto erotismo clandestino, que la fotógrafo parece negar. Incluye entrevista el artículo.

En numerosas ocasiones en manifestado mi preferencia por el paisaje en blanco y negro, ejecutado con sencillez, preferentemente en formato cuadrado. Pocos elementos, líneas claras y sencillas, eventuales exposiciones largas, contrastes marcados. Uno de los fotógrafos más elegantes en este estilo paisajístico, que nos limpia las ideas del abuso actual del paisaje digital con procesados excesivamente agresivos, es Hengki Koentjoro, y su campo de actuación, Indonesia. Nos lo mostraron en Feature Shoot.

Magnum Photos ha tomado una iniciativa que me parece muy interesante. Ha editado un manual titulado Europa: An Illustrated Introduction to Europe for Migrants and Refugees (Europa: Una introducción ilustrada a Europa para inmigrantes y refugiados). Busca ser una guía para ayudar a esos recién llegados al viejo continente a comprender mejor el lugar al que llegan. Pero también, gracias al  texto y a las fotografías de los asociados de Magnum Photos, es una reflexión sobre este fenómeno que tan profundas consecuencias puede tener para la sociedad europea y para el mundo en general. Y el caso es que se puede descargar gratuitamente para que cualquiera lo pueda leer y hojear, en formato electrónico. En inglés, árabe, farsi y francés. Está en formato ePub. También se puede encontrar en PDF en varios lenguajes al mismo tiempo. O podemos ver las fotografías del libro.

Y quiero terminar comentando una nueva fuente de información que he añadido esta semana para adquirir mis habituales recomendaciones sobre fotografía semanales. Se trata de Boooooom, y es un sitio en internet dedicado a la difusión de diversas disciplinas del arte contemporáneo, la fotografía entre ellas. Y lo voy a seguir. Os dejo a continuación los útlimos fotógrafos a los que han dirigido su foco.

Benjamin Freedman (página web del fotógrafo).

Samantha Friend (página web de la fotógrafa).

Aaron Wynia (página web del fotógrafo).

Elizabeth Weinberg (página web de la fotógrafa).

Jamie Campbell (página web del fotógrafo).

Sander Meisner (página web del fotógrafo).

O el interesante artículo Sisters of the Valley con fotografías de Shaughn Crawford y John DuBois.

Una semana más, os traigo las recomendaciones que sobre fotografía que he encontrado en la red de redes. Hoy no son muchas, pero espero que os resulten interesantes. Como de costumbre empiezo con el tablero en Pinterest que colecciona las fotografías interesantes que he podido ver esta semana. O algunas de ellas, más o menos representativas.

Las fotografías que acompañan a las recomendaciones de esta semana proceden del carrete tomado con la Olympus Pen EE3 del que os hablaba el viernes. Y son del día en que hicimos la excursión a Monreal del Campo para fotografiar la flor del azafrán. Muchas de estas fotografías están tomadas simplemente desde el coche mientras nos desplazábamos de un lugar a otro. Es lo que tienen estas cámaras sencillas, no hay que pensar en los aspectos técnicos, ves una escena que te llama la atención, apuntas, compones, disparas y ya está. Y consigues sorprendentes resultados adecuados dados lo básicos que eran los automatismos de los años 60, basado en un exposímetro de selenio, que ni siquiera requiera unas pilas.

Hoy empezaré con unas consideraciones en forma de vídeo que nos llegan desde PetaPixel. Se trata de unos vídeos, películas en su origen, con un carácter formativo para los fotógrafos de la armada y del ejército de los Estados Unidos. El más antiguo es de la armada, de 1948, dura unos 15 minutos y se titula "Fundamentals of Photography: The Basic Camera".

El segundo es del ejército, de 1965, dura unos 25 minutos y se titula "Military Police Photography".

Lo más interesante de los vídeos es comprobar cómo ha sido la evolución del material fotográfico en estos casi 70 años, y cómo se planteaba la resolución de los principales problemas técnicos como la exposición, el enfoque o el encuadre. Para muchas personas que se han iniciado en la fotografía en un mundo dominado por la captura digital, les parecerá todo realmente complicado... pero no lo es tanto. Es que los automatismos y la electrónica nos han vuelto vagos.

Vamos con fotógrafos y sus fotografías. Primero iremos al tema del reportaje. Hace unos días os contaba que había estado viendo la exposición sobre Bruce Davidson que se encuentra en estos momentos en la sala Bárbara de Braganza de la Fundación Mapfre en Madrid. Todas las fotografías en exposición son copias en blanco y negro del trabajo de Davidson. Pero este fotógrafo también tomó fotografías en color. Y son también muy interesantes. Como podemos comprobar en el tumblelog de HLDKY. Corresponden a su trabajo sobre la vida en País de Gales en 1965.

Los refugiados es un tema que se encuentra omnipresente en estos días que corren. Hasta tal punto que la gente se insensibiliza o encuentra todas las fotografías iguales o similares y pierde el interés. En el tumblelog de Valerie Chiang nos proponen el trabajo de Nicole Tung, que reúne dos características importantes; el documento de la situación de estas personas en dificultades, y una composición y un manejo de la luz envidiables. A conocer.

Y ahora nos pasamos al paisaje. De momento dos ejemplos de paisaje en color, bien gestionado, que dan a las fotografías un carácter emocional o subjetivamente especial.

Por un lado en Of The Afternoon nos hablan de lo que ellos denominan "paisajes surrealistas" de Reuben Wu. Yo no encuentro en los paisajes este carácter "surrealista". Pero es cierto que el fotógrafo es capaz de utilizar los ambientes, la luz y los colores para provocar una sensación de melancolía y cierta evanescencia, generalmente a partir de los fenómenos geológicos más activos que se pueden encontrar por el mundo.

Con la misma procedencia, también en Of The Afternoon, nos encontramos con los paisajes de Delaney Allen. Tomados en entornos más comunes, el fotógrafo sabe escoger los componentes esenciales del paisaje, haciéndolo sencillo pero potente, jugando también con iluminaciones y colores con gran capacidad de transmistir emoción. Allen tiene un tumblelog propio que he decidido seguir habitualmente.

En un ámbito distinto, pero siguiendo con el paisaje, traigo la fotografía en blanco y negro de Hengki Koentjoro, que ya ha sido mencionado en alguna ocasión en estas páginas. Un poquito, bastante, en la escuela de Michael Kenna, sus largas exposiciones nos proporcionan unos paisaje marinos llenos de calma y cierta irrealidad. Opta el fotógrafo especialmente por las claves altas, ofreciendo fotografías muy luminosas y muy minimalistas. Nos lo cuentan en The Phoblographer.

En otro orden de cosas, en Feature Shoot nos proponen contemplar Japón como "nunca lo hemos visto". Todo ello a partir de las fotografías de Sean Lotman, fotógrafo occidental radicado en el País del Sol Naciente. Yo no me atrevería a decir tanto como lo de "nunca lo hemos visto", pero sí que la imágenes de Lotman, muy saturadas, muy contrastadas, a veces con desviaciones marcadas de los colores, resultado de un procesado casero de los negativos y las copias, nos ofrecen una estética que efectivamente nos parece más propia del imaginario oriental que del propio de la cultura occidental.

Termino con una fotógrafa española, que tenía la sensación que ya había comentado recientemente, pero que al hacer una búsqueda en el blog no la he encontrado. Nos hablan de ella en Clavoardiendo, y se trata de Mar Sáez que ha presentado recientemente un reportaje intimista sobre la relación de dos chicas, que lo han tenido y lo tienen complicado. Si ya la relación homosexual puede suponer ciertos retos importantes, el hecho de que una de ellas sea transexual añade complicaciones añadidas a la misma. En cualquier caso, la fotógrafa logra transmitir intimidad y complicidad. Y es interesante leer la entrevista que le hacen.

¿Seguro que de esto no había hablado ya? Sensación de "déjà vecu"...

Y de momento, estos es lo que hay. La semana que viene, más.