Sinceramente, este domingo estaba convencido de que no iba a poder redactar mi entrada habitual de recomendaciones fotográficas. Que iba a estar liado todo el día. Pero mira por donde, que son casi las siete de la tarde y tengo un rato. Así que voy a ello, aunque sea de forma un poco esquemática. Desde luego, empezaremos por el tablero en Pinterest de la semana.
Las fotografías acompañantes son de un carrete que hice con la Agfa Jgestar o Agfa Billy, cámara de la que ya he hablado y que fue fabricada entre 1928 y 1930. Formato medio de 6 x 9 cm sobre carrete tipo 120. Justamente, ayer veía un vídeo de Ted Forbes en su canal de Youtube "The Art of Photography" que hablaba de la conveniencia de usar de vez en cuando aparatos fotográficos que nos constriñen y nos dejan pocos grados de libertad desde el punto de vista tecnológico, pero que pueden estimular nuestra imaginación y creatividad, dándonos otro tipo de libertad más interesantes. Os pongo el vídeo. En inglés.
Vamos con las recomendaciones, ya digo que hoy de modo muy esquemático. Chim fue uno de los fundadores de Magnum Photos, y quizá de los menos conocidos. Injustamente. Su nombre real es David Seymour, y en L'Oeil de la Photography nos muestran sus fotografías sobre los niños de la guerra en 1948 en Polonia y Hungría.
Francesca Woodman es una fotógrafa que está muy de moda, muy de actualidad, aunque nos dejó hace ya varias décadas, tras suicidarse cuando tenía solo 22 años. Por lo que la observación de su obra se cubre de cierta morbosidad, más cuando ella aparece autorretratada con frecuencia en sus fotografías. Por eso es muy interesante el artículo de Oscar Colorado en Oscar en Fotos, que va más allá de esta circunstancia para hacer un análisis más profundo. Casi diría que imprescindible.
El collage es una técnica fotográfica de la que se habla poco. Aunque en algunos momentos de la historia de la fotografía y del arte moderno ha sido muy importante como medio de expresión artística. En la revista en línea de Lomography han dedicado un artículo a los collages de Josef Albers, que es principalmente conocido por su labor docentes, entre otros lugares en la Bauhaus.
El mundo del cine y el de la fotografía están relacionados. Tecnológicamente, desde luego, pero también desde otros puntos de vista relacionados con la creatividad. Por ello, no son pocos en las gentes del cine que también hacen sus pinitos con la fotografía. En L'Oeil de la Photographie nos desvelan una de estas personas, la directora catalana Isabel Coixet.
Siempre me ha gustado el paisaje con un carácter minimalista, no en vano uno de mis paisajistas favoritos en fotografía es Michael Kenna. Por eso, el artículo en Emulsive, escrito y con fotografías de Darren Kelland me ha parecido especialmente interesante esta semana.
Interesante me ha parecido también el artículo de L'Oeil de la Photographie que nos habla del trabajo de Elsa Parra y Johanna Benaïnous, en el que ambas artistas utilizan la fotografía para representar entre ambas distintos estereotipos de personas, especialmente jóvenes, tanto de uno como otro sexo. Transformaciones camaleónicas de ambas fotógrafas, que trabajan a duo.
FK Magazine sigue mostrándonos la obra de interesantes fotógrafos, especialmente del este de Europa. En esta ocasión me he quedado con la obra de la rusa Irina Zadorozhnaia, que utiliza la fotografía para analizar el espacio, los materiales y la incidencia de la luz sobre los cuerpos y sus texturas. Entre la abstracción y un realismo poco habitual.
Para finalizar, estamos a pocas semanas de las elecciones presidenciales, donde incomprensiblemente en un país que se tiene a sí mismo como estandarte de la democracia y de las libertades, aunque no siempre está la altura de ello en sus relaciones exteriores, ha permitido que pueda optar a su más alta magistratura un individuo, de cuyo nombre no quiero acordarme ni nombrar, que basa su campaña en el racismo y la xenofobia, la misoginia y el sexismo, y otras intolerancias diversas de tono ultraconservador, que lo acercan claramente a las ideologías de corte fascista. En Magnum Photos, siempre comprometidos con las libertades, nos muestran el trabajo de Peter van Agtmael sobre las consecuencias de los muros fronterizos con Méjico, y la inutilidad y la inhumanidad de los mismos.
En cuanto a las fotografías acompañantes, reflejan la llegada de la primavera. Poco a poco, parece que este año no tiene tanta prisa por llegar a pesar del excesivamente benévolo invierno que hemos tenido. Pero está aquí... y con ella las plantas florecen. Aunque no le he dedicado de momento mucho tiempo, estoy tratando de implantar algunos de los conceptos aprendidos en el curso de macro que hice en febrero. Por ejemplo, el enfoque manual ayudándome de la ampliación de la imagen sobre las pantallas electrónicas de la cámara en lugar de fiarme del visor óptico de algunas de ellas. O el uso de láminas translúcidas de color neutro como difusor de la luz del sol cuando no queda más remedio que hacer las fotografías en las horas centrales del día y la luz es excesivamente dura.
En primer lugar, vamos con un clásico. Y uno del que he hablado poco en estas páginas es el ruso Aleksandr Ródchenko. Artista muy polifacético, pintor, diseñador gráfico, cinematógrafo,... entre otras cosas. Una de ellas fotógrafo. Muy creativo, representó como uno de los impulsores del constructivismo el espíritu de innovación artística que acompañó a la revolución rusa en los años 20. Por lo menos, antes de que el stalinismo se empezase a cargar como un bulldozer cualquier inquietud de pensamiento libre en la Unión Soviética. En L'Oeil de la Photographie podemos encontrar un muestrario de su actividad como fotógrafo, con sus atrevidas composiciones y puntos de vistas, muy dinámicos y muy gráficos.
Cambiando de "imperio" o "superpotencia", nos iremos a conocer la obra de Andrés Serrano, que a pesar de su nombre tan hispano, nació en Nueva York en 1950. Serrano utiliza la fotografía en color para producir una obra fotográfica muy expresiva, que gusta de provocar tratando temas que para mucho son tabúes, como la religión, la muerte, el sexo o la violencia, o mezclas de ellos. También en L'Oeil de la Photographie podremos encontrar un muestrario de fotografías del este autor que lucha con su obra contra el oscurantismo, las censuras y las intolerancias. Y para eso, a veces es necesario provocar o transgredir.
Desde hace ya un tiempo sigo el blog OscarenFotos.com, mantenido por el mejicano Óscar Colorado, fotógrafo y profesor de fotografía en una de las universidades de ciudad de Méjico. El caso es que poco a poco me estoy dando cuenta que de vez en cuando nos trae galerías de fotografías de grandes fotógrafos, con o sin sus biografías o análisis de sus obras que son realmente muy interesantes. Por ejemplo, en estas tres últimas semanas podemos encontrar:
Una galería dedicada al alemán Heinz Hajek-Halke, fotógrafo muy innovador en el periodo de entreguerras, que experimentaba con el fotomontaje, la fotografía sin cámara, y la manipulación de la luz y de la química fotográfica.
Otro de los sitios que ha aparecido recientemente y que voy siguiendo es el magacín en línea Clavo Ardiendo. Mucho más orientado a la fotografía contemporánea, nos ofrece la posibilidad de conocer la obra y logros de fotógrafos españoles actuales, que de otra forma alcanza escasa visibilidad, siendo como son artistas muy interesantes. En estas últimas semanas me gustaría destacar, por ejemplo:
Un artículo dedicado a la madrileña Elisa González Miralles, fotógrafa a tiempo completo, bien sea en el campo de la fotografía comercial, bien con sus proyectos más personales o bien con su actividad docente. Por su puesto, son sus trabajos más personales los que probablemente nos van a interesar más.
Una propuesta muy diferente es la que nos ofrecen con la entrevista a Emilio Pemjean, artista que combina dos disciplinas, es arquitecto y fotógrafo. La fotografía de arquitectura es una disciplina fácilmente banalizada, pero que cuando se enfoca bien puede dar lugar a obras de un grafismo y una estética que a mí me gustan mucho.
El paisaje en blanco y negro, especialmente con el formato cuadrado, siempre me ha llamado mucho la atención. En el tumblelog de Cross Connect Magazine encontramos los paisajes marinos de Zoltan Bekefy, bellamente compuestos, con un excelente dominio de la luz y la sombra y de la dinámica de la meteorología y de las olas y las mareas.
Llevo unas cuantas semanas realizando el curso de introducción a la cultura visual fotográfica (Seeing Through Photographs) que el MoMa pone a disposición del público de forma gratuita a través de la plataforma Coursera, en inglés el curso, la plataforma está en castellano. En varias ocasiones se ha discutido durante el curso el concepto de fotografía vernácula, referida a la fotografía cuando tiene un uso distinto de la búsqueda específica de contenido artístico, estético o conceptual. La fotografía familiar de recuerdo, la documentación de lugares o acontecimientos, la fotografía científica, la fotografía en la propaganda... En LensCulture conocemos el trabajo de Kris Sanford que se apropia de imágenes que podemos incluir dentro del concepto de fotografía vernácula. Fotografías en los que vemos grupos de dos personas del mismo sexo, típicas fotografías de recuerdo realizadas entre los años 20 y 50 del siglo XX, y que con la modificación que Sandford realiza provoca un cambio en el posible significado de las mismas. Pequeños gestos en las personas, que hacen que nuestra mente lo asocie a relaciones mucho más íntimas que las de amistad o de familia, que fueron los contextos en las que fueron tomadas. O no. A lo mejor algunas de ellas oculta una auténtica relación homosexual, mal vista socialmente en la época... Eso queda a la imaginación del espectador.
No hace muchos días que comenté mis primeras experiencias con la Holga, una cámara que se ha convertido un clásico a pesar de su ínfima calidad, por la expresividad que puede dotar a las imágenes. Ya decía en su momento que estas cámaras han sido utilizadas por fotógrafos serios para proyectos serios, más allá de las frivolidades "lomográficas". Pero es justamente a través del magacín de Lomography por donde nos llega la obra del italiano Enrico Doria, que renuncia a la nitidez en beneficio de esa expresividad que comentaba antes. A mí me ha parecido interesante su propuesta.
Una iniciativa del gobierno de los Estados Unidos durante la Gran Depresión, la de contratar y mandar a algunos de los más grandes fotógrafos de la época para documentar este periodo de desasosiego económico y social, provocó que hoy en día tengamos verdaderas joyas fotográficas en la historia del medio. Pero estos días atrás nos hemos enterado que el programa estuvo al cargo de un editor, un tal Roy Stryker, que decidió mutilar muchas de las fotografías que no le satisfacían por el expeditivo medio de agujerear los negativos con un taladro. Además eligiendo zonas claves en los mismos. Y sin pararse a considerar que otras personas o en el futuro podrían tener otra visión o apreciación sobre las mismas. Fotografías de Dorothea Lange o Walker Evans arruinadas... Ha salido la noticia en diversos medios. Yo he elegido la versión de Petapixel para traérosla aquí. Estos negativos, no obstante, no desaparecieron y permanecen en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. Un tipo que pudo haber pasado a la historia como alguien que hizo algo importante, pero que ha quedado empañado por comportarse con un salvaje con la obra fotográfica, simplemente porque a él no le gustaba.
Finalmente, una curiosidad. Están de moda los selfis... los autorretratos realizados muchas veces con la cámara más a mano, que suele ser la del teléfono móvil. Parece algo de hoy en día. Algo actual. Algo que no se había hecho antes... salvo que miremos los archivos del pasado. Por ejemplo, los del Eastman Museum, donde encontramos una fotografía de 1932, con dos jóvenes con las cabezas juntas y una anotación... "We just held the camera in front of us". Ahí están. Las instrucciones para hacerse un selfi, redactadas ya en 1932. "Simplemente sostienes la cámara enfrente de tí".
Días fríos, mañana de domingo muy ocupada, casi a la hora de comer comienzo a redactar mis recomendaciones semanales sobre fotografía. Que por supuesto incluyen el tablero de Pinterest de la semana, que incluye ejemplos de fotografías que me han llamado la atención por su estética, por que me inspiran, o porque están relacionadas con las recomendaciones a continuación.
Las fotografías que acompañan el artículo de esta semana tienen que ver con la actividad de ayer, un talles de fotografía estenopeica del que os hablaré dentro de unos días. En un día frío y ventoso, aunque soleado, acudimos un pequeño grupo de personas, muy cálido, a aprender las bases de esta apasionante práctica fotográfica. Os lo contaré con detalle más adelante. De momento, un "teaser", como dicen los modernos, de lo que fue la cosa en forma de imágenes.
Camino del taller, este homenaje en la calle, me recordó que íbamos a dejar atrás en el tiempo las tecnologías de adquisición de imagen...
Suelo comenzar mis recomendaciones con algún clásico, y en esta ocasión fue una entrada del tumblelog de VUU la que me sugirió dirigir la mirada hacia la obra del japonés Shoji Ueda. Un fotógrafo que si bien pasó a lo largo de su carrera por diversas etapas creativas, un repaso a su obra nos mostrará hasta que punto asió el concepto del surrealismo y lo llevó a sus fotografías con una estética minimalista admirable y con una riqueza conceptual envidiable. No hay que perdérselo.
Aunque tenía bastantes opciones para traer hoy a estas páginas, he visto que el tema de la mujer aparecía con frecuencia, y desde muchos puntos de vista. Por ello, buena parte de las recomendaciones de este domingo tiene que ver con fotógrafas, fotografías de mujeres y sobre las mujeres. Espero que os gusten y os interesen.
Día frío, pero soleado... 3 ºC a las nueve de la mañana, sensación términca... -3 ºC
Francesca Woodman fue una fotógrafa trágica, que comenzó a ponerse detrás y delante de la cámara muy jovencita, con sólo 13 años, pero que con sólo 22 años, una depresión la llevó a saltar por la ventana de un apartamento en Manhattan en 1981. En su momento, su obra no fue del todo apreciada, lo que pudo contribuir a su depresión, pero que con el tiempo ha ido adquiriendo un reconocimiento muy importante. Centrada en el autorretrato, hay quien la ha denominado la Sylvia Plath de la fotografía, como nos cuentan en British Journal of Photography. Su autorretratos y retratos de otras mujeres constituyen una fuerte introspección sobre la identidad, la feminidad y la relación con el propio cuerpo. Encontramos mucho simbolismo en sus obras. Aunque la mayor parte de su obra está en blanco y negro, también usó el color.
Otra fotógrafa que con frecuencia también es el sujeto de sus propias fotografías es la finesa Elina Brotherus. En su serie Carpe Fucking Diem, toma como base el mito de la Anunciación de las iglesias cristianas, y sus representación iconográfica en el arte con la presencia del ángel Gabriel y de María, futura madre de Jesús de Nazaret. Pero en sus fotografía está ausente la figura del ángel, y hay una potente reflexión sobre las mujeres que involuntariamente no tienen hijos, en una sociedad donde todavía hay una fuerte presencia de valores que asocian la feminidad y el éxito en la vida de una mujer con la maternidad. A veces muy directa en sus imágenes, otras veces opta por el simbolismo de los objetos cotidianos que son reflejados en ellas. Nos lo cuentan en Feature Shoot.
Llegando al lugar de celebración del taller.
En líneas generales, las propuestas que nos llegan desde las páginas de Lomography son bastante vacuas, aunque vistosas visualmente... a veces. Pero de vez en cuando hay excepciones como en esta ocasión. Para empezar, la obra de Tadako Hisatomi, por su aspecto visual, difícilmente la puedes asociar con las estridencias y tendencia a la aleatoriedad propuesta por los "lomógrafos". Sus colores suaves, poco saturados, acompañan a composiciones muy, muy cuidadas en las que la mujer aparece como un ser perdido, frágil o confundido en el cemento y el asfalto de la gran ciudad, sorprendente vacía de gente a su alrededor. Trabaja fundamentalmente con película tradicional, tanto en formato medio como en 35 mm.
Desde PetaPixel nos hablan de unos peculiares retratos del fotógrafo Mikaël Theimer, en los que el sujeto preferencial es su novia. Una chica de la que confiesa estar enamorado, por lo que se siente atraído a convertirla en el objeto preferencial de sus imágenes. Pero la chica, que en las fotografías se nos antoja simpática, parece que tiene cierta timidez ante la cámara, o simplemente no le gusta salir en las fotos. Por lo tanto surge una serie de retratos "fallidos", provocados por la reacción de la joven para evitar que su rostro sea reconocible en la fotografía. Por momentos, el carácter feliz de las imágenes me hace dudar sobre si es cierta la historia, o es simplemente un simpático acuerdo entre los dos... Pero me sirve para desdramatizar los temas de las anteriores recomendaciones, al mismo tiempo que está vinculados a ellas, porque sigue investigando la cuestión de la identidad y la relación consigo mismo. En su sitio web vemos que tiene muchas más cosas que decir.
"C" is for cookie, that's good enough for me (The Muppets)
Vamos a otros temas. Por ejemplo, la abstracción en fotografía. En American Suburb X (ASX) nos traen algunos ejemplos de ella de la mano de Wolfgang Tillmans. Si no estoy equivocado, Tillmans desembocó en la abstracción a raíz de hacer sus propias copias en color... lo que de vez en cuando lleva a errores. Afortunados errores. A partir de ahí, experimentación y búsqueda. Como de costumbre, no todo el mundo se encuentra cómodo con la obra abstracta, pero a mí me parece interesante.
No puedo recordar como llegué hasta la página web del fotógrafo Robin Cracknell, que aunque comenzó asistiendo a otros fotógrafos en el mundo de la moda, acabó experimentando con película fotográfica y cinematográfica, así como técnicas mixtas en las que la fotografía está involucrada, obteniendo una obra muy expresiva, conceptual y personal. No es abstracción como el anterior, pero tampoco es arte figurativo tal y como lo entendemos habitualmente.
Cuarto oscuro
En diciembre se publicó el número 19 de Fraction Magazine Japan, edición dedicada a los fotógrafos asiáticos, que cada vez me parece más interesante que la original americana dedicada a los fotógrafos occidentales. Una colección de ocho porfolios de fotógrafos japoneses y taiwaneses, algunos de ellos realmente muy interesantes, moviéndose entre lo conceptual, el apropiacionismo, la reflexión sobre la propia identidad o la crítica al sistema. Sugiero un recorrido por los siguientes:
Aunque los otros cuatro no carecen de interés tampoco.
Y terminaré con un interesante vídeo que nos ofrece Reporteros sin fronteras, un manifiesto visual contra la guerra y el militarismo de cualquier origen, y sobre la necesidad de un periodismo independiente para contar la verdad de los conflictos armados y la crueldad de las guerras sobre las poblaciones. Como dicen en el vídeo en un momento dado,
Sin periodistas independientes, la guerra no sería más que un bonito espectáculo.
Esta semana ha estado muy nutrida de informaciones y de recomendaciones fotográficas. De tal modo, que he tenido que "recortar" y "desechar" algunas que normalmente me hubieran parecido interesantes de comentar simplemente por no hacer esta entrada excesivamente larga y prolija. Así que me centraré en algunos hechos notables, en algunas recopilaciones de fotógrafos interesantes, en unos cuantos hallazgos que me han interesado y en una crítica al mundo del comercio de la fotografía como arte. Las fotografías acompañantes proceden de mis lentos pero progresivos ejercicios para aprender el mundo de la naturaleza muerta y la iluminación de la misma. Esta semana adquirí un pequeño kit para iluminar en casa con los flashes tradicionales. Un trípode, un portaflash, una sombrilla translúcida y un conjunto de reflectores. Algo sencillo para empezar. Las fotografías están tratadas con el software Perfect Effects 9 Premium, que está temporalmente disponible gratis en el enlace anterior. A cada una de ellas le he aplicado un preajuste diferente, en color e incluso una en blanco y negro, simulando distintas situaciones y tipos de película tradicional en algún caso.
En primer lugar, un recuerdo para el actor y director Leonard Nimoy (1931 - 2015), recientemente fallecido a la edad de 83 años. Aunque mundialmente conocido por su personaje Spock en la serie Star Trek, Nimoy también fue un fotógrafo a tiempo parcial, que publicó diversos libros sobre fotografía, algunos de ellos bastante interesantes. Creo que el artículo que le dedicó Petapixel es un buen lugar para interesarse por su obra.
En los últimos tiempos están de moda las maletas con negativos o fotografías de fotógrafos conocidos o desconocidos que son encontradas y dadas a conocer a la comunidad de aficionados y amantes de la fotografía. L'Oeil de la Photographie nos trae esta semana las fotografías perdidas de la alemana Lore Krüger (traducción del alemán al español en Google Translate), que fueron encontradas en 2012, tres años tras la muerte de la fotógrafa. Las fotografías fueron tomadas entre los 1934 y 1944, una época difícil ya que la fotógrafo era judía y hubo de escapar de sus compatriotas alemanes antisemitas.
Moviéndonos de nuevo a aquella época convulsa, turbulenta, dinámica, que fue el período de entreguerras, siempre me ha gustado mucho el movimiento del surrealismo en fotografía, incluso si no siempre he compartido algunas de sus premisas ideológicas. Estéticamente me parece fascinante; su admiración por el psicoanálisis freudiano, no tanto. No conocía yo dentro de este movimiento a la fotógrafa neoyorquina Florence Henri, que nos fue presentada en las paginas de fotografía de The New Yorker. Una fotógrafa de la que también me gustaría conocer más.
Harry Callahan es uno de mis favoritos. Y ya he hablado de él antes, si no aquí en el Cuaderno de ruta. Hoy lo recuerdo a propósito del porfolio con algunas de sus fotografías que nos presentan en American Suburb X (ASX). Por favor, no confundir con el personaje cinematográfico también conocido como Harry el Sucio... nada que ver.
Francesca Woodman es otra de esas fotógrafas que parece que el reconocimiento de su trabajo se haya visto favorecido por su temprana muerte a los 22 años tras suicidarse. Siendo conocida sobretodo por sus autorretratos, muchos de ellos desnuda, con bastante influencia del surrealismo, en L'Oeil de la Photographie nos recuerdan que también fotografío a otras mujeres, modelos que mostraban su inquietante visión a la hora de acercarse a lo que podríamos denominar fotografía de moda. Esta parte de su obra es menos conocida. Pero a lo mejor tan interesante o más que la otra.
Todo el fenómeno comercial en torno a la lomografía me joroba un poco. Tiene una vertiente positiva y otra negativa. La positiva es que está colaborando en gran medida a mantener viva la fotografía con película tradicional, con la que se pueden realizar obras distintivas e interesantes, como se ha demostrado durante décadas, pero que parece ahora se ha olvidado. Pero por otro lado, los empresarios estos me parecen que tienen un morro tremendo ya que venden cámaras de ínfima calidad a precios claramente excesivos. No es que no tenga en su catálogo algún chisme interesante... es que tiene muchos que no lo son. Pero bueno, así son las modas. En cualquier caso, siglo el blog que la Lomographic Society mantiene en Tumblr. La mayor parte de los artículos no me parecen nada del otro mundo; colorines chillones y composiciones a la guingorria. Pero de vez en cuando te dan alguna agradable sorpresa. Por ejemplo esta semana semana me han interesado dos artículos. El primero (más amplio aquí y aquí y aquí) sobre los interesantes y muy cinematográficos retratos y desnudos en blanco y negro de Brittany Markert. El segundo (más amplio aquí) tiene un estilo de reportaje muy interesante, y refleja la visión del fotógrafo Armin Amirian de la convulsa sociedad de su país.
Se ha llenado internet en las últimas semanas de las fotografías de Nueva York cubierto de nieve y con sus calles solitarias por el frío que hace que sus habitantes se refugien en sus casas. Yo escojo para representar esta tendencia la fotografía que nos trae Mark Peter Drolet, perteneciente a la serie Let it Snow de Christophe Jacrot. Especializado en paisaje urbano, este fotógrafo no duda en sacar sus cámaras cuando la meteorología es más adversa, con excelentes resultados.
Y ahora una serie de listas de fotógrafos interesantes:
En Quésabesde han elaborado una lista de 10 maestros del blanco y negro. Se basan en que son fotógrafos contemporáneos que trabajan fundamentalmente con ese tipo de fotografía (salvo uno que ha fallecido ya). No sé si es la lista que haría yo, pero eso da igual. Lo que importa es que podemos explorar la obra de todos estos buenos fotógrafos, de todo el mundo, y decidir cuales nos gustan más. Porque gustarnos en mayor o menor medida, nos gustarán todos.
Es muy difícil seguir los fotógrafos interesantes de todo el mundo. Y el lugar donde ha nacido el fotógrafo o donde ha emigrado y es conocido es muy importante para su reconocimiento. Pues bien, podemos paliar el desconocimiento de algunos buenos fotógrafos si repasamos la lista como la que ha publicado Time con nueve fotógrafos argentinos que conviene seguir. Alguno había aparecido en estas páginas. Otros están por descubrir.
El autorretrato, los selfis, están de moda. Pero en realidad, pocos son los fotógrafos que no han sentido la tentación de convertirse en objeto de su propia obra en algún momento. Estos sin entrar en muchos fotógrafos contemporáneos, y especialmente fotógrafas contemporáneas, que basan su obra en el autorretrato. Antes hemos mencionado a Francesca Woodman. En Quesabesde nos traen 10 interesantes autorretratos de maestros de la fotografía. Poco que ver con los selfis habituales.
Y para finalizar, cierta polémica sobre el mercado de la fotografía artística. Hace unos meses se comentó mucho el nuevo récord de precio pagado por una obra fotográfica en una venta privada, que correspondió a los 6,5 millones de dólares que se pagó por la fotografía Phantom de Peter Lik. A muchos extrañó puesto que aunque fuese una fotografía correcta técnicamente, no dejaba de ser una fotografía de un lugar muy visitado y muy fotografiado, sin que pareciese aportar mucho. El propio fotógrafo se hacía autobombo del asunto. Varios medios se hacen eco ahora de un artículo de The New York Times que expone a la luz pública el modelo de negocio de Lik, e incluso se plantea si la mencionada venta no sería una maniobra amañada para aumentar el valor de su obra en general. En cualquier caso, el fotógrafo australiano afincado en EE.UU. está haciendo mucho dinero en la industria que se ha montado él mismo, con una cuidado marketing, para vender su obra. Incluso si el reconocimiento de la misma entre los más entendidos es bajo, y les resulta incomprensible el dinero pagado por el mencionado "fantasma". A mí siempre me ha resultado otorgar valor monetario a las obras artísticas. Supongo que no hay que hablar de su "valor" sino de lo que alguien está dispuesto a pagar por ellas. Que es algo muy distinto. A mí, la obra de Lik cada vez me parece más la de vender pósters bonitos a precio de oro. De hecho, he descubierto un artículo de ArtNet News publicado en diciembre que ya ponía en duda la veracidad de la venta de la fotografía de Lik por esos 6,5 millones de dólares. Una cosa os diré, cualquiera de los fotógrafos vivos o muertos mencionados con anterioridad en este artículo me interesan muchísimo más que Lik.
