Semana ajetreada, en la que en estas páginas han aparecido un par de entradas, aparte de las recomendaciones semanales, y tengo algunas más esperando turno pacientemente. Asistí a un taller de fotografía de alto rango dinámico; el famoso, muchas veces infame, HDR (High Dinamic Range; lo cierto es que "range" debiera traducirse por "intervalo" y no por "rango",... pero es batalla perdida). Tuvo su interés, especialmente si decides usar software libre para trabajar. Después del taller e intentado replicar el proceso propuesto en el taller en mi ordenador... con un éxito muy limitado. Los programadores de software libre parece que se complacen en hacerlo difícil de usar y configurar.
El fin de semana ha traído muchas fotos. Algunas quedarán desapercibidas, pero otras no. Esta mañana he estado un rato viendo el paso de los corredores de la XII Maratón de Zaragoza en el Parque Grande de la ciudad. Habrá una entrada sobre el tema, aunque muy probablemente en mi Cuaderno de ruta. No me molestaré en entrar en detalles técnicos. Básicamente, he usado la Canon EOS 5D Mark II, preferentemente con el EF 200/2,8L USM II + Extender EF 2x, para una focal efectiva de 400 mm y una apertura máxima f/5,6. Con sensibilidades de ISO 800 o 1600 para obtener altas velocidades de obturación, han supuesto la mayor parte de las fotos. Algunas, no muchas, pero majas, he hecho con el Asahi Pentax Takumar S.M.C. 35/2 "El Radioactivo", montado sobre un adaptador M42-EF. Os dejo una foto, como muestra. De las fotos que he tomado con este último, en concreto.
Pero las fotografías que acompañarán las recomendaciones semanales de este domingo serán las del sábado por la tarde. Por la inestabilidad atmosférica, desistimos por tercera vez de cierto proyecto que llevo entre manos con unos amigos, con la Hasselblad. No se verá cuando suceda, porque serán retratos privados... si es que en algún momento llegamos a ejecutarlo. Pero ya que nos habíamos reservado el sábado por la tarde, nos montamos en el coche y nos fuimos a explorar los mallos de Agüero, un lugar que no visitaba desde hace por lo menos dos décadas y que no recordaba bien. Y quería contemplar las posibilidades fotográficas. Cuando llegamos, se levantó un viento helador, y empezaron a caer fríos chubascos intermitentes. Así que tomé algunas fotos de muestra, como anotaciones para el futuro, y nos volvimos. Os dejo un par de ejemplos. En blanco y negro, porque en color no merecen la pena, por la luz horrenda.
Nos volvimos. Pero como lo hicimos mucho antes de lo que pensábamos, y contemplando el aspecto del cielo, y a pesar de que la lluvia nos acompañó hasta pasado Ayerbe, nos desviamos para ir por La Sotonera y salir a Almudévar, más adelante, sin pasar por Huesca. Y fue una fortuna, porque se abrieron los cielos hacia la puesta de sol, y conseguí algún paisaje curioso, con los que ilustraré el resto de la entrada. El equipo que llevaba,... la Panasonic Lumix G9 con el Olympus 12-40/2,8 y el modesto Panasonic 35-100/4-5,6. Estoy encantado con esta cámara. Sin duda, la mejor digital que he manejado en mi vida.
El pasado domingo fue el Día de la Madre en un montón de países... un rollo publicitario, que además incomoda mucho a los que perdimos a la nuestra hace ya años, cuando te llega publicidad asegurándote de que ellos tienen lo que hará ilusión a nuestras madres. Nunca han pensado en el rechazo que pueden producir en quienes la han perdido... El caso es que con ese motivo, Yoko Ono publicó en su twitter una foto de ella cuando era una niña pequeñita con su madre. Me gustó la foto. Ono es conocida por la mayor parte del público por su matrimonio con John Lennon, y comúnmente odiada por los fans de The Beatles que le atribuyen todas las culpas de la ruptura del grupo de Liverpool. Una "tontá" como otra cualquiera. El caso es que la japonesa ya era una artista contemporánea reconocida en los años sesenta del siglo XX, especialmente por algunas de sus performances, de gran impacto y significado en lo que se refiere a las actitudes sexistas hacia la mujer. Plenamente actuales. Y no pocas son conocidas por haber sido inmortalizadas fotográficamente o en filmaciones. Os recomiendo que hagáis un repaso a su obra.
Ya que he hablado de las performances, creo conveniente traer aquí la recomendación de una serie de vídeos que están apareciendo en estos momentos en el canal de Youtube de la Tate Foundation, dedicados al arte activo e interactivo. De momento llevan tres; la danza en los museos, el arte con el cuerpo, y los objetos como performance. Lamentablemente para muchos, están en inglés. Pero para quienes se defiendan con el idioma, es una recomendación muy interesante, que nos enseñará bastante sobre la importancia de estas formas artísticas contemporáneas, tan despreciadas por quienes no las conocen ni las entienden. Os dejo el segundo capítulo de los cinco que tendrá la serie, Can my body be Art? (¿Puede ser arte mi cuerpo?).
Y hablando de los años 60... estamos en mayo de 2018, luego es el 50º aniversario del mayo del 68. Un movimiento pretendidamente revolucionario en distintas partes del mundo, aunque las más conocidas son las manifestaciones de París que unieron a obreros y universitarios, la primavera de Praga, y los movimientos antiguerra del Vietnam y en pro de los derechos civiles en Estados Unidos. En Magnum Photos nos han recordado fotográficamente la efeméride. Yo era muy niño entonces, ni me enteré. Pero con el tiempo he generado una opinión muy definida sobre el acontecimiento. Muchos de aquellos veinteañeros tan "progresistas" han sido después los líderes que han llevado al mundo al estado actual de deriva hacia el capitalismo generador de desigualdades, hacia la progresiva limitación hacia la libertad de expresión y a una exacerbación de los nacionalismos populistas de derechas. Pues eso opino de aquellos...
También en Magnum Photos nos han ofrecido un trabajo de Raymond Depardon que me ha tocado la fibra por diversos motivos. En 1977 realizó un reportaje en un manicomio de Trieste, Italia, donde se estaba llevando una experiencia de apertura. Los primeros pasos para convertir esos manicomios en hospitales psiquiátricos y centros de rehabilitación y en encaminar progresivamente el tratamiento de los pacientes mentales a una permanencia e integración en la comunidad. En la familia tuvimos una paciente ingresada en uno de aquellos manicomios, y vivimos a lo largo de nuestras visitas cada quince días la apertura cuando se produjo en nuestro país, no mucho tiempo después. Ya digo que me ha tocado muy de cerca.
Andréi Tarkovski es uno mejores directores de la historia del cine. Y desde luego, una referencia del cine de la Unión Soviética, en la que también se hacían cosas interesantes... con muchos problemas, claro. Sin embargo, no es fácil. Era cine de ese que se llamaba en su momento "de arte y ensayo". Cuando vi por primera vez Солярис (Solaris),... tenía yo dieciséis años y no entendí gran cosa. Luego resultó ser una película impresionante,... pero eso es otra historia y debe ser contada en otra ocasión. Tarkovsky, como muchos directores de cine, también hacía fotos. Y son especialmente celebradas sus Polaroids. Os dejo un vídeo con ellas...
W. Eugene Smith es uno de mis fotógrafos favoritos, incluso con algunas pegas que se pueden poner a su trabajo, a la forma de enfocar algunos reportajes. Pero la verdad es que sus fotografías son exquisitas. Uno de sus trabajos más notables fue "Country Doctor", en el que documentaba la vida de un médico rural. Y uno de los objetables. Las fotografías son magníficas, de una estética impecable,... pero muy posadas, muy poco espontáneas... era un mal que tenía. En Feature Shoot nos han traído esta semana el trabajo de Ioana Moldovan que también nos habla de una médica rural. En esta ocasión en Rumania, donde hay escasez de profesionales sanitarios, y donde el sistema sanitario ha fallado en llegar de forma equitativa a toda la población en los últimos 30 años. Y donde más se nota es en las zonas rurales. Muy distinto el estilo al de Smith, pero no deja de ser una actualización, necesaria, del tema. Y con mucha menos intervención de la fotógrafa.
Ya que hemos empezado con cuestiones relacionadas con el arte más contemporáneo, vamos a entrar también en formas fotográficas más actuales. En Lenscratch nos hablan, entrevistan al autor, del trabajo de la fotógrafa Mei Xian Qiu (sitio no disponible en estos momentos). Fundamentalmente se siente norteamericana a pesar de su nombre, que lo estila a la occidental con el nombre de pila, Mei Xian, al principio, y el apellido, Qui, después. Pero es originariamente de etnia china, nacida en Indonesia, de donde huyó su familia por persecuciones étnicas. En su obra no faltan los elementos de origen oriental. Obra de fotografía escenificada, llena de simbolismo. No siempre fácil de descifrar. Pero muy interesante en su estética, un poco kitch, pero muy cuidada. Leer la entrevista merece la pena.
También chino, taiwanés en este caso, es Yung Cheng Lin "3cm", y también trabaja en fotografía escenificada, con el cuerpo de las mujeres, de forma muy simbólica. Voy a tener que irme poniendo al día con la cultura de Taiwán, puesto que a finales de septiembre volaremos a esta isla para pasar unos días. He visto este trabajo en Photographize.
En Creative Boom nos han mostrado el trabajo de Petrina Hicks, que se inspira en la mitología clásica, en la escultura de la Roma antigua, para jugar con la naturaleza muerta y con la figura humana reconvertida en "escultura", y puesta en relación con elementos de la naturaleza. Curioso. Quizá las que nos muestran en el artículo no son las que me gusten de la obra de Hicks... en su página web encuentro fotografías que me han interesado mucho más.
Y hace un año, casi por estas fechas, dentro de unas semanas será el aniversario, realizaba un entretenido e instructivo taller de cianotipias. Y la cianotipia es la técnicas que utiliza el chino Zhang Dali (no es página personal; también en Wikipedia), para sus obras fotográficas. Son obras de gran tamaño. Originariamente, un artista del graffiti, ahora se expresa con esta técnica aunque permaneciendo fiel a sus temas. No. No es pariente de Salvador. De hecho, en este caso Dali no es apellido si no nombre de pila. Pero en Chino y muchos otros países orientales se estila con el apellido delante. Lo hemos visto en Photography of China.
Y terminamos comentando que Fraction Magazine ha llegado a su número 110, que coincide con el décimo aniversario de su existencia. Así que este número es un colectivo de multitud de artistas que han pasado por sus páginas virtuales, gran número de fotógrafos contemporáneos, de todo el mundo, aunque preferentemente norteamericanos.
Lo comenté al poco de volver de mis vacaciones en Corea del Sur. Tenía una serie de enlaces con recomendaciones de fotógrafos coreanos que me parecía interesante repasar. Pero hasta esta semana no he podido hacerlo. Así que las recomendaciones de esta semana saldrán en su mayor medida de ahí. Aunque habrá alguna cosita más. Y eso que tenía muchas otras cosas. Ya veremos como me organizo para la semana que viene. Que si todo va bien dedicaré el sábado a visitar un bello hayedo del Pirineo aragonés. A ver si la luz es buena y traemos buenas fotografías.
Las fotografías que acompañan hoy... Hace unos días cogí por banda mi Yashica Mat 124G y le di un repaso. Como consecuencia de una caída, la lupa de enfoque no se podía utilizar bien, y sin ella, es difícil atinar con el enfoque en algunas tomas, con el sujeto próximo a la cámara o con aperturas grandes. El caso es que he llegado a una situación en la que se puede usar. Y he estado en estos últimos diez días haciendo algunos rollos con ella. Ayer en concreto, estuve en la presa de la Sotonera, en Tormos, provincia de Huesca. Una vez que terminé de hacer las fotografías sobre película tradicional, y con el sol ya prácticamente oculto tras unas nubes en el horizonte, aun hice unas cuantas fotografías con la digital Leica D-Lux,... y aquí os traigo unos ejemplos del aspecto de la ventosa tarde.
Recibí a principio de semana un libro que había encargado. Se trata de Chaotic Harmony: Contemporary Korean Photography el catálogo de una exposición colectiva de fotógrafos de Corea del Sur, que parecía un buen punto de partida para conocer la fotografía contemporánea de ese país. Y el precio del libro era muy asequible. Como dice el artículo de LensCulture donde encontré la referencia del libro, la recopilación de fotografías sabe a poco. Una foto por autor de 40 fotógrafos distintos dice poco. Pero como también dice el artículo, el libro incluye un par de ensayos que son muy didácticos a la hora de contarnos quienes son estos fotógrafos. Y me ha sido útil para orientarme en la selección.
Otro artículo, aunque no el único, en el que me basé para seleccionar los autores que más me han llamado la atención es el publicado en junio de este año en The Culture Trip dedicado a 12 de los fotógrafos coreanos más destacados del momento. He encontrado otras recopilaciones similares, también útiles, pero más antiguas, por lo que es esta la que he querido destacar.
Ji Yeo es una fotógrafa que conozco ya desde hace unos años, porque su trabajo me llamó mucho la atención en su momento. Las cuestiones identitarias, como pueblo y cultura, pesan mucho en la sociedad coreana. La colonización japonesa les afectó mucho, pues fue su traumática forma de salir al mundo, tras siglos de aislamiento en un régimen al que se llamó el reino ermitaño. Pero al mismo tiempo, en medio siglo han pasado de ser un sociedad agrícola y poco desarrollada, a ser el país con mayor porcentaje de población universitaria y con una industria tecnológica potente. Tienen mucha conciencia de país y de su cultura propia, pero también chocan con valores que llegan del resto del mundo. Ji Yeo realizó un trabajo que ya conocía sobre las jóvenes que recurren a la cirugía estética para aumentar sus posibilidades de tener un buen novio; muchas de ellas con la intención de occidentalizar sus rasgos faciales, puesto que ese es paradójicamente el nuevo estándar de belleza del país, que tanto sentimiento nacional tiene. No es el único trabajo en este sentido de la fotógrafa, que también ha realizado performances sobre el tema.
Nota: espero no meter la pata con el sexo de alguno o alguna de los fotógrafos y fotógrafas, porque con su simple nombre es difícil para un occidental saber si son hombres o mujeres. Ruego comprensión si me equivoco. Por cierto, utilizaré la norma oriental en los nombres; primero el apellido, luego el nombre de pila.
Oh Hein-kuhn es otro fotógrafo que ha trabajado sobre el sentido de la individualidad de la persona. Tiene una series en blanco y negro con retratos que son muy notables. Con una técnica muy limpia, grandes fotografías con una sutil gradación de grises, con un contraste moderado, nos presenta el aspecto de adolescentes femeninas, que quedan homogeneizadas por el monocromatismo de las fotografías y por vestir todas ellas su uniforme escolar. Pero a su vez muestran en su forma de mirar y en su actitud corporal tantos sus desafíos como sus inseguridades, en una sociedad de familias muy jerárquicas en la que está surgiendo una generación muy formada, que empieza a salir por el mundo, que empieza a hablar otros idiomas y a ser consciente de otras realidades.
Para Koo Sung-soo también son los adolescentes su objeto de interés. Pero en esta ocasión será una cámara de gran formato y grandes copias en color las que servirán para reflejar las actitudes de estos jóvenes, también con sus uniformes colegiales, pero lejos del aspecto pulcro e inmaculado de las anteriores. Nuevamente es el tema que preocupa a muchos fotógrafos contemporáneos contemporáneos. La tensión entre la personalidad individual y el sentimiento de colectividad que tiene este pueblo.
En el caso de la fotógrafa In Hyo-jin la cosa va un poco más allá. Siendo sus sujetos también adolescentes, en esta ocasión no aparecen solos, sino con sus parejas. Retratos en los que la fotógrafo en no pocas ocasiones se fija sobretodo en el elemento femenino de la misma, permaneciendo semioculto el varón, y en el que se percibe una actitud de desafío sexual de estas jóvenes hacia una sociedad muy conservadora. Más cuando la fotógrafa no ha dudado en seleccionar también parejas de jóvenes amantes, ambas femeninas. Como digo, la sociedad coreana es muy tradicional y conservadora, en la que no han faltado en los últimos setenta años las dictaduras militares con más o menos apoyo popular, aunque desde hace algo más de 25 años sea una democracia, siendo las opciones políticas dominantes las de derechas, más ante la amenaza constante de la República Popular de Corea, o Corea del norte.
Pasemos a otros puntos de vista. Por ejemplo el de Lee Jungjin. Este fotógrafo se centra mucho más en los objetos y en los lugares. Objetos que son en la mayor parte de las ocasiones objetos cotidianos, vulgares, del día a día, que con frecuencia son reflejados en sus fotografías de modo parcial. Y es esa cotidianidad la que define también un modo de ser y el carácter de la sociedad. También los paisajes significativos. No los más llamativos, ni los más bellos, ni los más históricos, sino los que tienen que ver con el día a día. Un fotógrafo de la cotidianidad, como digo.
Noh Suntag es considerado como uno de los fotógrafos más importantes del país, y uno de los pocos que tiene la capacidad de trabajar en ambas divisiones de la península coreana, centrándose en las realidades sociales y políticas de ambos países. Mezclando la fotografía documental con la ficción, sus series se desarrollan durante muchos años, estando la mayor parte de ellas todavía en desarrollo. Y tratan mucho de la importancia del punto de vista. En la medida en que este varía, cambia nuestra percepción del mundo.
Park Hasisi (blog en Tumblr) comenzó siendo modelo y musa tanto de su padre como de su antiguo novio. Pero ha acabado siendo una de las fotógrafas jóvenes más destacadas. Su trabajo tiene una doble vertiente. Como fotógrafa comercial, se encuentra presente en las principales revistas de moda coreanas y de otros países del extremo oriente asiático. Como artista personal, se centra en los paisajes, tanto naturales como urbanos y en las personas de forma muy íntima, y a la vez muy directa. Sin artificios ni tapujos.
Sin embargo, Lee JeeYoung ofrece un trabajo que trasciende el mundo de la fotografía, aunque se le considere en muchos sitios como fotógrafa. En realidad, Lee JeeYoung utiliza su fotografía para reflejar e inmortalizar sus complejas y coloridas instalaciones, que desde un punto de vista muy teatral nos llevan al mundo de la realidad vista de una forma muy subjetiva.
Y alguna mención convendrá hacer a la numerosa comunidad de coreanos en el mundo. Son muchos los que en los momentos más difíciles de la economía del país optaron por salir del mismo, algo que incluso se incentivó por el propio gobierno, encuentro muchos paralelismos entre la historia de Corea del Sur y de España en el siglo XX, y ahora se encuentran dispersos por el mundo. Uno de ellos en Mina Cheon aquí uso la convención occidental en los nombres por estar radicada en occidente, en Estados Unidos, fotógrafa que utiliza técnicas mixtas con el collage y la pintura para realizar una obra de aspecto muy pop, pero de contenido muy político. En el que no falta la presencia de sus hermanos de Corea del norte, con imágenes de ella misma vestida con trajes típicos y en las que busca contrarrestar la figura del dictador norcoreano.
Y hasta aquí el repaso a la fotografía norcoreana... Sólo me queda mencionar que como en todo principio de mes, tenemos nuevo número de Fraction Magazine, el 104. Destacaré de los cuatro portafolios el dedicado a las personas con trastornos del espectro autista de Victor Ramos. Aparte de que el tema puede ser interesante para muchas personas, su forma de tratarlo, con una interesante fotografía en blanco y negro, se sale un poco de lo que es habitual en esta publicación.
En fin, en cuanto a las recomendaciones, he recogido abundantes, y he seleccionado unas cuantas, entre las que iré intercalando algunas fotografías realizadas con la veteranísima Zeiss Ikon Ikonta B 521/16, que cumplirá el año que viene 70 añitos. Cómo se sufre con las pérdidas monumentales de contraste cuando la luz viene de frente, con el modesto triplete de Cooke que sirve de objetivo a esta cámara.
Empezó la semana, de hecho a punto estuvo de entrar en las recomendaciones del domingo pasado, con una noticia luctuosa. El fallecimiento de Joan Colom, a una avanzada edad eso sí, uno de los fotógrafos documentales, street photographers dirían los modernos, que más han destacado en la fotografía española del siglo XX. Tengo algún libro de este fotógrafo imprescindible. La noticia apareció en distintos medios nacionales en internet, pero donde primero la leí fue en Clavoardiendo Magazine.
En Another Magazine han dedicado un interesante artículo a analizar los valores estéticos de un grande de la fotografía universal, Edward Weston. La capacidad de extraer todo tipo de matices estéticos a partir de la luz, las formas y las texturas de objetos cotidianos y a priori banales da una idea de la profunda introspección que el fotógrafo, maestro de tantos, dedicaba a su obra. Creo que es de esos fotógrafos que hay que recordar de vez en cuando. En el artículo que indico empiezan hablando de uno de los más famosos desnudos de la historia de la fotografía, con Charis Wilson, su asistente y amante, como modelo, y acaban con la fotografía de un retrete. Lo dicho, lo cotidiano.
Llevaba unos cuantos días sin que Oscar Colorado nos ofreciese una nueva galería con minibiografía de algún fotógrafo destacado. Pero finalmente hace unos días volvió para mostrarnos la obra y hablarnos de Alex Prager. Esta fotógrafa, con una obra muy colorida y "cinematográfica" ya ha sido mencionada eventualmente en estas páginas, por lo que no me extenderé más. Pero viene bien visitar el enlace.
Pasémonos ahora a una fotógrafa plenamente conceptual. Más diría que se trata de una artista conceptual en el sentido amplio, que usa eventualmente la fotografía como método de realización de sus conceptos. En Yorokubu nos cuentan cómo Sophie Calle comentó al escritor Paul Auster que crease un personaje literario inspirado en ella. Y dicho y hecho. Pero Maria Turner en Leviatan tenía curiosas costumbres, y una de ellas era la de seguir una dieta cromática. Cada día de la semana comía alimentos de un solo color de los siete del arcoiris. Y como consecuencia, Calle transformó la dieta en un proyecto artístico que podemos ver en el enlace que he señalado antes. Algún día tengo que leer el Leviatan.
En Lensculture nos han mostrado el trabajo de Aaron Blum dedicado a la región norteamericana de Appalachia. El caso es que estamos ante una serie de fotografías muy introspectiva en la que se mezclan los retratos, con los paisajes, con los interiores y los objetos evocadores, configurando un hermoso paisaje humano y físico. Aunque no sé si todo es tan bonito como nos muestra el fotógrafo en esta región
Una de las película favoritas de cualquier aficionado al cine es Dersu Uzala de Akira Kurosawa, película que despertó mi admiración cuando la vi de forma insospechada a los 15 o 16 años, sesgando profundamente mi forma de ver y considerar la obra cinematográfica. En Clavoardiendo nos cuentan como el fotógrafo Álvaro Laiz se ha ido en la actualidad a las regiones donde se rodaron las escenas de aquellas maravillosa película, en el extremo oriental de Rusia en la región de Primorie, donde se encuentra Vladivostok, en las cercanías de China y Corea. Estoy contemplando seriamente la posibilidad de comprar el libro.
En la revista en linéa letona FK Magazine ha aparecido esta semana un curioso artículo sobre el trabajo del polaco Wiktor Dabkowski, que ilustra con sus fotografías en blanco y negro la tradición de su país que viene de la época comunista, pero que se ha mantenido en esta época en la que la democracia es pisoteada por los nacionalistas católicos de la derecha populista, de utilizar los sanatorium, que yo imagino que equivalen a nuestros balnearios, para encuentros de carácter sexual, más o menos clandestinos o secretos. Qué cosas pasan en estos países tan reprimidos en el fondo.
Aunque sirven a los intereses publicitarios de la marca alemana, los Leica Oskar Barnack Awards son unos premios anuales que siempre nos muestran talentos fotográficos interesantes, especialmente entre los fotógrafos más jóvenes. El ganador absoluto de 2017 ha sido el noruego Terje Abusdal, que aborda el estado y condición de los "fineses de los bosques", un grupo étnico de origen finés o sami que viven en Noruega, muy en contacto con la naturaleza. El premio para el fotógrafo emergente ha sido para Sergey Melnitchenko, con una obra que documenta el mundo entre bambalinas de los clubs nocturnos en China. Los dos trabajos me gustan bastante, pero creo que me gusta más el del "emergente" que el ganador absoluto. Pero vamos, es algo muy personal.
Como cada principio de mes hemos podido ver el nuevo número de Fraction Magazine. En esta ocasión, aunque interesante de "hojear", no he encontrado motivos especiales para señalar ninguno de los cuatro porfolios publicados, que me han parecido que surcaban senderos muy trillados en esta publicación en línea, que quizá debiera plantearse arriesgar un poco más y bucear en nuevos estilos y formas fotográficas.
Vamos a ver si esta semana normalizamos la redacción de mis recomendaciones semanales... que en las últimas semanas ha sido un caos. Aunque voy a intentar ser rápido para que me cunda la mañana.
De entrada, como en los últimos días mi actividad fotográfica ha estado centrado en la toma de imágenes con medios argénticos y no he "pisado" el laboratorio, no tengo novedades para acompañar la entrada. Así que la ilustraré con alguna foto de la ciudad que voy tomando con la pequeña cámara digital, la Panasonic Lumix GM5, que llevo siempre encima.
El pictorialismo no es mi estilo fotográfico favorito. Ya lo adelanto. Es difícil que aparezcan por aquí fotógrafos con un estilo pictorialista. Pero los autocromos de Mervyn O'Gorman a esa misteriosa adolescente que hemos dado en llamar "Christina", sea o no su hija, tienen algo que atraen poderosamente. Ya los he comentado en alguna ocasión. Pero hoy, dejaré enlazado un vídeo que alguien ha realizado y con el que se disfruta bastante de estas fotografías de hace más de 100 años. Apareció en Fotografía Creativa.
André Kertész es uno de los fotógrafos que más han marcado la forma de ver y fotografiar las calles y los hechos cotidianos, sin dejar de lado la belleza e incluso cierto grado de poesía. En International Center of Photography, con motivo del aniversario de su nacimiento, me han dado una excusa para recordarlo y recomendarlo.
Uno de mis libros favoritos es el que nos habla del viaje que realizó la fotógrafa Inge Morath en compañía de Henri Cartier-Bresson desde Nueva York a Reno, donde se estaba rodando la película The Misfits, la última película en la que trabajó Clark Gable, y la última película completa de Marilyn Monroe. Pero las fotografías de este viaje, tomadas por la fotógrafa austriaca, nos hablan de muchas muchas cosas, y son un verdadero tratado de cómo fotografiar al carretera. Nos lo han mostrado en Magnum Photos.
Es época de festivales, en diversos lugares del mundo. En Albedo Media nos cuentan que podemos disfrutar en Madrid en estos momentos de las fotografías de Minor White, un fotógrafo cuya obra reconozco que no he visitado con la frecuencia debida. Esto puede ser una buena excusa.
Hace casi dos años, tuve la ocasión de disfrutar en Viena de una estupenda retrospectiva de la obra de Joel Meyerowitz, y me traje algún libro de este magnífico fotógrafo. Ahora, en L'Oeil de la Photographie nos recomiendan que repasemos sus obras más tempranas, y yo les pienso hacer caso.
En el arte contemporáneo, el apropiacionismo es una práctica frecuente. Algunas veces, me da la impresión de que es puro morro por parte del artista que se aprovecha del trabajo de otros. Pero en otras ocasiones, el artista, como es el caso de Silin Liu (no encuentro presencia propia en la red), aporta no poco valor a fotografías que por otro lado entran dentro de la categoría de fotografías vernáculas, aquellas que se realizan sin un interés artístico específico. Incluso si en ellas aparecen personas conocidas, con las que la fotógrafa china se "retrata" postumamente. Nos lo han contado en L'Oeil de la Photographie.
Uno de los dogmas irracionales de ciertos grupos ecologistas y de izquierda es la demonización de la tecnología de los transgénicos. Como si la especie humana no llevase milenios alterando genéticamente los seres vivos que les son útiles. La ciencia y la tecnología no son buenas ni malas en sí mismas, pese a las líneas de pensamiento anticientíficas que han surgido con la posmodernidad. Pero sí que hay perversidad en las multinacionales que las utilizan para su propio interés con desprecio de otros seres humanos o del medio. Y una de las más peligrosas, por su oscurantismo, probablemente sea Monsanto. En L'Oeil de la Photographie nos cuentan como el frances Mathieu Asselin reflexiona fotográficamente sobre las catástrofes causadas por esta multinacional.
Está causando cierta expectación la exposición de Yolanda Dominguez en el Museo del Traje de Madrid. Su trabajo, "Little black dress" le sirve para poner en solfa los estereotipos acaptados o consagrados por las modas o las tendencias en lo que se refiere a la representación del cuerpo o el aspecto de la mujer. Me parece una iniciativa valiente. Nos han hablado de ella en Clavoardiendo Magazine, y no me importaría visitar la exposición. No sé si será posible... pero me gustaría.
Con el principio del mes nos llega un nuevo número de Fraction Magazine, el número 100, número redondo. En el que nos muestran cuatro porfolios distintos de los que nos tienen acostumbrados, saliéndose de su zona de confort. Porfolios muy coloridos, que tiran de técnicas mixtas en algunas ocasiones, y conceptualmente distintos. Os recomiendo echarle un vistazo detallado.
Y en Another Magazine nos hacen la propuesta de conocer a cinco fotógrafas, chicas, contemporáneas japonesas. Con estilos muy distintos pero que mezclan lo tradicional en el País del Sol Naciente con lo realmente innovador, y que además aportan su visión como mujeres. En un país donde el dominio masculino en todos los campos es todavía muy notable a pesar de su aparentemente elevado índice de desarrollo. Las fotógrafas son Hiromi Kakimoto, Tokyo Rumando, Mikiko Hara, Yukari Chikura y Akiko Takizawa. Mikiko Hara usa una vieja cámara de medio formato, relativamente sencilla, con la lente modificada para una mejor calidad, para sus notables retratos y paisajes. Me encanta.
Sí, es lunes. Y las recomendaciones semanales aparecen en estas páginas los domingos. Y además el domingo de la semana anterior no hubo por estar de viaje en el norte de Noruega, en el archipiélago de las Lofoten. Pero ayer se celebró el "paseico" y comida de confraternización del III Encuentro fotográfico de Aragón, evento festivo y de promoción de la fotografía que organizado por varias asociaciones y grupos de fotografía se viene celebrando cada dos años desde el 2013.
Todo el día fuera, con mucho calor, cuando volvía a casa no me quedaban ganas de ponerme a escribir ante el ordenador. Sí que diré que en un momento dado del encuentro, intercambiamos fotografías. Una de las dos que aporté al intercambio era un fotografía de aproximación de una mariposa, lo cual sorprendió porque se supone "que no haces este tipo de fotos". Dicho con el mayor de los cariños. Y para defenderme de cualquier encasillamiento,... hoy,... mariposas. De los invernaderos de la isla de Mainau en el lago Constanza, Alemania, realizadas hace unas semanas.
La fotografía que llevé al intercambio.
Las recomendaciones de esta semana vienen dominadas por el último acto de mi viaje por las Lofoten,... que fue en Barcelona. Como el avión que nos traía de Noruega, desde Oslo, llegaba muy tarde a la capital catalana, y encima con dos horas de retraso, habíamos previsto hacer noche en la ciudad antes de volver al día siguiente. A Zaragoza o a Sevilla, cada cual según su domicilio actual. Situación que yo aproveché para hacer cosas por la agobiante Barcelona estival antes de coger el AVE a las 2 de la tarde.
Primer una visita a Casanova Foto. Había que repone el parasol de mi M.Zuiko Digital ED 12-40/2,8 Pro, que se quedó paseando a orillas de algún fiordo noruego. También aproveché para comprar un segundo respaldo A12 para mi Hasselblad, que ya me vino bien ayer en el "paseico", aunque de eso os hablaré otro día. Y conversé un rato con su servicio técnico para evaluar su capacidad para reparar cámaras de antaño. Fueron muy amables y atentos. Los tendré en cuenta.
Michals es uno de mis fotógrafos favoritos. Es uno de los que más me llegan, de los que más me hablan directamente, tanto a la razón como a los sentimientos. Que no están reñidos la una con los otros pese a los que muchos se empeñen. Duane Michals no hizo formación como fotógrafo. Procedente del mundo de las bellas artes y del diseño, llega a la fotografía tras un viaje a la Unión Soviética, para el que un amigo le presta una cámara fotográfica, y se dedica a retratar a aquellos con los que se encuentra. Claramente, Michals, pese a la teoría oficial de que los "rusos son el diablo" en los años cincuenta en Norteamérica, con una visión humanista y profunda, lo que ve son personas, con las que empatiza. Podemos ver algunos de estos retratos en la exposición.
Y empieza el recorrido y la carrera fotográfica de este autor, que pronto muestra sus influencias procedentes del mundo de la pintura y las bellas artes, como Magritte o Balthus.
Desde muy temprano, y especialmente a finales de los años 60 y en los 70, se le etiqueta como fotógrafo y artista conceptual. Etiqueta peliaguda, pero que si en un fotógrafo alcanza condición de nobleza es en Michals. Con frecuencia, la etiqueta de "fotografía conceptual" se aplica o es autoaplicada para definir obra de carácter más o menos arcano. En Michals, sin embargo, los conceptos surgen claros y diáfanos de sus fotografía, de sus secuencias o de los textos que las acompañan.
Aunque también tiene una vertiente de fotografía comercial, de moda, retrato y productos, en las que domina el uso predominante y magistral de la luz ambiente y la ausencia de todo artificio, donde destaca son en sus secuencias, en muchas ocasiones acompañadas de textos, no descriptivos sino complementarios, en los que nos transmite emociones, sueños o realidades alternativas. Temas como la muerte, la soledad, las relaciones, la imagen de sí mismo, aparecen con frecuencia en su obra. Pero lo hacen de forma clara. No hay dudas sobre el mensaje que nos transmite, independientemente de que la subjetividad del observador lo matice o lo complemente. Se convierte en muchas ocasiones en una obra de carácter ideológico o político, en el mejor de los sentidos de ambas palabras.
No falta tampoco la crítica al mundo del arte. Y algunos de los fotógrafos "conceptuales" más conocidos de la época contemporánea reciben el azote fotográfico de Michals. En la exposición vemos como les zurra especialmente a una tal Sherman y los aburridillos alumnos germánicos de fotografía de la escuela de Düsseldorf.
Aunque ya tenía en mi biblioteca un interesante libro de este autor, por supuesto me vine con el catálogo de la exposición. Siempre hacen excelentes ediciones con sus catálogos en la Fundación Mapfre.
En fin. Pasemos a otros temas que han surgido estos días. Aunque sea de modo muy esquemático.
El blog de Y C Photographye nos recordó hace unos días el peculiar y personal estilo de practicar el retrato y la fotografía de moda de la francesa Sarah Moon. Que siempre me ha llamado la atención.
PhotoEspaña 2017 está calentando motores. Mejor dicho, está ya en marcha, aunque supongo que aún faltará por inaugurar alguna exposición. Pensando estoy en acudir en julio junto con otros aficionados de AFZ (Asociación de Fotógrafos de Zaragoza) en excursión colectiva. De momento, en Clavoardiendo Magazine nos comentan que este año se ha concedido el premio revelación a Bego Antón. De la que ya he comentado en alguna ocasión en estas páginas.
Un par de fotógrafos japoneses muy distintos.
En Absolution-V pudimos contemplar hace unos días la obra fotográfica de carácter poético a veces, surrealista en otras ocasiones de Kansuke Yamamoto. Artista que también escribió poesía, de la literaria. Con palabras en lugar de imágenes. Hace tiempo que me siento atraído por este autor, y no me importaría incluir algún libro suyo en mi biblioteca, aunque no están muy a mano, me parece. Que tonto estoy, acabo de darme cuenta de que ya tengo un libro con obra suya...
Frente al Yamamoto surrealista, nos cuentan en AnOther sobre la obra de Ken Domon, un fotógrafo poco conocido fuera de sus fronteras y que justamente se caracteriza por un potente realismo social en su fotografía. Casi emparentada con el realismo italiano. De este fotógrafo sí que hay que aprender más porque sé poco.
Y terminaré diciendo que apareció hace unos días ya el número 99 de Fraction Magazine, que llega a la web como de costumbre a principios de cada mes.
Si os soy sincero, no he tenido tiempo para hojearlo con detenimiento, por lo que no puedo comentar de forma cabal nada sobre los porfolios de este mes. Así que, simplemente, os vais al enlace y los veis vosotros mismos.
