Día de elecciones. Los españoles armados con un "arma de autodestrucción masiva" llamada papeleta de voto en sus manos. El menos malo de los sistemas políticos en acción. Todos aquellos que tienen un mínimo de sentido común, temblando ante los resultados. Sean los que sean. Los ilusionados, o ilusos, cargados de emoción... En fin, en estas páginas no se habla de política sino de fotografía y otras artes visuales. Así que os voy a hablar de mis recomendaciones para esta semana, además de poneros unas cuantas fotografías de cuando tenía un apartamento a medias con mi hermana en Peñíscola en el que ella vivía, y yo visitaba. Esporádicamente. Entendámonos, mi hermana me cae muy muy bien. Pero lo que políticos, constructores y otros especuladores han hecho con las costa mediterránea española, no.
Como hoy no va a tener mucho tiempo, e iré redactando esta entra cuando pueda, no traeré muchas recomendaciones. Aunque alguna tendrá un contenido serio, todas en realidad, sí que va a predominar el sentido de la anécdota y la curiosidad. Que viene bien de cuando en cuando.
Por ejemplo, me parecen estupendas las fotografías coloreadas de Felice Beato, que realizó en Japón entre 1863 y 1877, justo al final de la era Edo y el principio de la restauración Meiji. En el momento en que Japón decide abandonar la tradición y la edad media para introducirse a una velocidad de vértigo en la modernidad. El fotógrafo italiano se deja llevar no obstante por el tipismo, y retrata sobretodo tipos en forma de cortesanas, geishas y samurais. Pero no faltan tipos más corrientes y populares. Lo pudimos ver en un artículo del Daily Mail.
Seguimos en el siglo XIX, donde en Inglaterra triunfan los prerrafaelistas, pintores, poetas y otras gentes del mundo de las artes que se fijan en los antiguos pintores italianos y flamencos previos a Rafael. A mí... no es mi pintura favorita. Pero en DSLR Magazine, dejando de lado sus concienzudos artículos sobre la tecnología de los chismes fotográficos, nos hablan de una de las musas de los prerrafaelistas, Jane Burden, que posó para ellos apareciendo en muchos de sus cuadros, pero que también fue modelos para los fotógrafos de la época. Quizá la podamos considerar la precursora de las top-models... No sé. Belleza lánguida y melancólica, al menos en apariencia.
Hace unos cuantos años ya, en una edición de Sonimagfoto en Barcelona, conocí uno de los trabajos más curiosos de Joan Fontcuberta. Aquel que hace referencia al cosmonauta ficticio Iván Istochnikov, que por el fracaso de su misión habría sido condenado al olvido y a desaparecer de todos los documentos históricos o gráficos de la antigua Unión Soviética. Ficción ideada por Fontcuberta con el fin de hacernos reflexionar sobre el concepto de "realidad" en lo que se refiere a la fotografía y el periodismo. Nos lo cuentan también en DSLR Magazine, porque este trabajo vuelve a ser objeto de exposición. Como curiosidad, el caradura de Iker Jiménez lo sacó en uno de sus vergonzosos programas como si fuese una historia real. Lo que ya no me atrevo a decir si se tragó la historia, o simplemente en su desvergüenza la presentó como real, a pesar de saber que era una creación artística y conceptual.
Yoko Ono es conocida por ser la segunda esposa de John Lennon. Para muchos beatlemaniacos, en un acto de tremendo machismo desde mi punto de vista, es la bruja que se llevó por delante el primer matrimonio de Lennon y a los Beatles. El caso es que esta mujer en origen fue una chica pija japonesa que decidió tirar por el mundo del arte en el que se llevaba moviendo mucho tiempo antes de encontrarse con el de Liverpool. Los de la Lomographic Society publican en su tumblr muchas tontadas y fotos de coloricos estridentes. Pero de vez en cuando "se equivocan" y nos muestran algo interesante, motivo por el que les sigo. Por ejemplo una colección de fotos de Ono en su juventud y en los primeros 60s, antes de ser la pareja de Lennon.
Vamos con algunos ejemplos de fotografía contemporánea. Por ejemplo, la que nos muestran en Lens Culture del fotógrafo alemán Heiko Tiemann de su serie "Infliction" en la que muestra unos intimistas retratos de niños y adolescentes con distintos grados de problemas de aprendizaje debido a condiciones como el síndrome de Asperger, distintas formas de autismo o síndromes de estrés postraumático por distintos motivos. Retrato dignos y bellos para chicos y chicas con una difícil integración social.
También interesantes son las escenas urbanas de Brad Hamilton. Son imágenes compuestas, combinando otras varias de viandantes que pasan por un determinado lugar, y que generan de esta forma nuevas interrelaciones entre sí aunque ficticias. Paciencia y habilidad para captar y combinar las expresiones de los viandantes como nos muestran en Lenscratch.
Hace ya un tiempo que siglo el fotoblog de The Six Shooters. Este es un grupo formado por Nancy Baron, Noelle Swan Gilbert, Cat Gwynn, Heidi Lender, Aline Smithson y Ashly Stohl, que comenzaron hace un tiempo un diálogo con imágenes. Considerando que sus actos creativos son fruto de una situación de aislamiento, decidieron crear algo de forma colectivo. Fotografías que se van subiendo al fotoblog las una en respuesta de las otras tirando de los archivos de cada una de las fotógrafas. Lo raro es que hasta ahora no había hablado de este proyecto a pesar de que hace por lo menos dos años que lo sigo. Me lo han recordado en Lenscratch. Y visitar las páginas individuales de cada una de las seis fotógrafas también merece la pena.
Finalmente, hace unos días comenté en CineFoto la película 10.000 km, en la que la protagonista femenina es una chica que se va a Estados Unidos donde comienza un proyecto en el que fotografía las anomalías del paisaje americano, como los dinosaurios anunciando restaurantes o las antenas móviles camufladas como plantas. Tal vez inspiraron en la obra de Robert Voit, "New Trees", que trata ese tema, como nos mostró esta semana en su blog Mark Peter Drolet. Robert Voit es un fotógrafo aleman, que también trabaja con cámara de gran formato como la chica de la película, y que fue artista residente en Los Ángeles en 2010, como la chica de la película. Sí. Definitivamente, salvo por el cambio de sexo, debieron inspirarse en él para darle vida artística a la protagonista. En alguna ocasión me había interesado ya por la obra de Voit, por su serie "The Alphabet of New Plants".
Esta semana ha venido muy cinematográfica, sin abandonar el mundo de la fotografía. En L'Oeil de la Photographie han dedicado tres días de esta semana, el miércoles, el jueves y el viernes al mundo del cine predominantemente. Entre alguna exposición que se celebra en estos momentos en París sobre los hermanos Lumière, inventores del cinematógrafo, y la celebración del festival de Cannes, nos han hablado de un montón de gente que vinculan la fotografía fija con la fotografía en movimiento. Por cierto, las fotografías acompañantes son de una segunda visita a la rosaleda del Parque Grande esta semana pasada.
Veamos algunas cosas interesantes que nos han propuesto:
Y además, una decena de recomendaciones de películas relacionadas con el mundo de la fotografía, algunas de las cuales ya he visto y reseñado en mi página CineFoto, y otras que irán apareciendo en la misma en las próximas semanas.
Pero ha habido más cosas además de la relación entre el cine y la fotografía. Y por ejemplo, se han podido leer algunas entrevistas a fotógrafos consagrados muy interesantes.
La reciente publicación de Hold Still de Sally Mann, libro de memorias que aúna fotografías y textos, ha llevado a que aparezca con frecuencia en las páginas dedicadas a la fotografía artística. Por ejemplo, la entrevista que le hacen en la NPR, la radio pública estadounidense. Interesante.
También me parece muy interesante la entrevista que en Lenscratch realizan a Erwin Olaf, fotógrafo holandés de quien ya he hablado en otras ocasiones y que es también uno de los nombre importantes en la fotografía contemporánea.
En otro orden de cosas, los paisajes con figura de Sama Alshaibi en su serie Silsila, fotografías en los que se unen el desierto, los oasis y las figuras humanas, y que han publicado en Lens Culture, me han llamado también poderosamente la atención. Una fotógrafa interesante esta palestina con pasaporte estadounidense.
De las recomendaciones que nos ha hecho esta semana el blog de Mark Peter Drolet, un retrato intimista de Masha Demianova me llevó a conocer el trabajo de esta fotógrafa, que me ha gustado especialmente en sus apartados de retratos y de trabajo personal.
Esta mañana, cuando he visto que tenía 30 marcadores como posibles inclusiones para las recomendaciones semanales de este domingo me he dado un susto de muerte. Muchos. Cuando he hecho la primera purga y he visto que todavía quedaban 26, todavía me he asustado más. Normalmente se reducen mucho en ese momento. Pero cuando he decidido que todos ellos podían entrar de una u otra forma en la entrada de este domingo es cuando he descubierto que hoy me he levantado mal de la cabeza. Como si no tuviera cosas que hacer además este domingo... En fin. Las fotografías acompañantes proceden una escultura con desechos que se puede encontrar a pocos kilómetros de Botorrita en la carretera que lleva a Fuendetodos. La fotografíe hace unos años y quería contrastar cómo le ha afectado el paso del tiempo. La comparación tal vez la publique otro día. De momento, algunas de las fotografías de ayer.
Todos podemos ser fotógrafos. Especialmente cuando nos dedicamos a recoger y documentar los hechos que suceden a nuestro alrededor, lo lugares que visitamos, a las personas que queremos. Lo que pasa es que hoy en día, con la omnipresencia del teléfono móvil con cámara incorporada, estamos en un camino de banalización de este fenómeno. Ante el exceso de imágenes, estas pierden valor. Y capacidad de supervivencia. Pero en L'Oeil de la Photographie nos muestran a través de una colección de fotografías que nos ofrece Paris Match de Philippe Le Tellier que el fenómeno viene de largo. Lo dicho, todos somos fotógrafos.
Este hecho se ha puesto especialmente de manifiesto estos días atrás con motivo de las revueltas en las calles de Baltimore, tensiones raciales que parece sacadas de las crónicas periodísticas de hace 50 años. Y la revista Time ha ofrecido como nos cuenta L'Oeil de la Photographie una poderosa portada, cuya fotografía procede de uno de esos aficionados, Devin Allen, que sube sus fotografías a Instagram, donde se dan a conocer.
Ahora se habla mucho de estas modalidades de la fotografía como street photography. La fotografía callejera. En realidad corresponde con lo que tradicionalmente se ha conocido como fotografía documental, que por el carácter urbanita del ser humano moderno, tiene un escenario habitual en las calles de las ciudades. En American Photo nos plantean la que puede considerarse la primera fotografía callejera moderna de la historia, que bajo el título de "Blind", fue realizada por Paul Strand en 1916. Es un plano americano de una mujer ciega, pidiendo en la calle, con un cartel que anuncia su condición; Blind. A rebufo de esta entrada, en American Photo también realizan un artículo en el que nos muestran los equipamientos de preferencia a lo largo de la historia para la fotografía documental en la calle. Porque este tipo de fotografía no fue posible hasta que hubo cámaras ligeras, ágiles de usar, con objetivos suficientemente luminosos para la sensibilidad de las películas de la época. Y la primera de ella sería la Adams "Idento" que verosimilmente, no hay seguridad, usó Strand para la fotografía de la mujer ciega. No faltan en la lista los nombres ilustres como Rolleiflex, Leica o Contax. Pero inevitablemente aparecen los Apple y Samsung que dominan el mercado actual de los teléfonos inteligentes, con los que cada día se toman millones de fotografías. En gran parte destinadas a desvanecerse en el olvido.
Hoy en día, los aparatos fotográficos llevan incorporado su propio material sensible, el captor electrónico que recoge los fotones y que a través de la diferencia de potencial producida construyen a través de sofisticados procesadores la imagen digital moderna. Pero antes una cámara no era nada sin la película que cargáramos en ella. Y en lo que se refiere a película en color, durante décadas fue la película inversible Kodachrome, en sus diferentes sensibilidades y declinaciones, la que reinó con sus colores potentes y saturados, el mundo de la película documental. Así lo reconocen en Gear Patrol, donde además nos ofrecen una estupenda colección de fotografías de distintos autores para demostrar las bondades de la emulsión de Kodak. Desaparecen los materiales míticos por que la gente no los usa, y una vez que desaparecen, todo el mundo se lamenta por no poder usarlos... la característica incoherencia del ser humano.
Siempre me gusta traer a algún fotógrafo clásico a estas recomendaciones, y en esta ocasión será Richard Avedon. Pero en esta ocasión, y tal como nos propone El verso del universo, y por no salirnos de tema, no serán sus más conocidas y glamurosas fotografías de modelos y actores/actrices. Conoceremos ejemplos de su variante de fotógrafo documental. Callejero, como se dice hoy en día.
Algunas recomendaciones en fotografía de paisaje:
En Popular Photography nos presentan la obra de Ray Collins, fotógrafo australiano que realizan unas magníficas y dramáticas fotografías de las olas del océano. Supongo que en las privilegiadas costas de su isla-continente.
En The Leica Camera Blog, habitualmente elaborado a mayor gloria de la marca alemana, nos muestran el trabajo de Cristina Faramo y sus interesantes paisajes realizados en las faldas de Etna, en su isla natal de Sicilia.
Como nos cuentan en The New Yorker, las fotografías de Daesung Lee, a modo de dioramas vivientes, reflexionan sobre las transformaciones de las praderas esteparias de Mongolia, amenazadas por el avance del desierto por culpa de la acción del hombre.
Otro enfoque es el del proyecto Homelands de Robb Hill, tal y como nos lo presentan en Lenscratch. También se trata de paisajes cambiantes. Pero en este caso, a través de sus panoramas en blanco y negro, muestra las transformaciones físicas y humanas del lugar donde creció, lugares que pierden su identidad y pueden conllevar a una sensación de desarraigo. Los norteamericanos son especialistas en el tema del paisaje alterado por el hombre.
Y ahora, pasemos al tema del retrato, siempre importante en fotografía.
En Lens Culture nos presentan el proyecto Black Faces de Marta Azevedo. Un proyecto destinado a dar visibilidad a la población de ascendencia africana, pero que habitualmente aparece escasamente representada en la imaginería del país, Brasil.
Ya comenté en semanas pasadas que la iniciativa Lensblr está proponiendo semanalmente una serie de muestras del trabajo de sus fotógrafos asociados. Y está resultando muy interesantes. Esta semana traigo dos.
Y hablemos un poco para terminar de publicaciones o revistas en línea. Una que menciono habitualmente es Fraction Magazine, que ha llegado a su número 74, con el que celebra su 7º aniversario, para lo cual nos hace una selección de 60 fotografías recibidas para este número. Creo que son bastante interesantes.
Y en Fototazo nos presentan a Try Hard Magazine. Una revista en línea de fotografía dedicada a fotógrafos que trabajan en Australia y Nueva Zelanda, y que también tiene algunas cosas interesantes que ofrecer.
Tras una semana de parón en mis recomendaciones semanales por viaje a Galicia, vuelvo a esta tradicional serie de artículos dominicales para comentar fotógrafos y fotografías que me han llamado la atención en las dos últimas semanas en este caso. Acompaño la entrada con algunas fotografías de una visita reciente a la rosaleda del Parque Grande de Zaragoza, con mi recientemente revisada en taller Pentax K-x armada principalmente con el SMC-A 100/4 Macro de la misma marca. Una combinación que me gusta usar de vez en cuando.
Nos llegó la noticia de la muerte de Rafael Sanz Lobato (1932 - 2015) a través de Guerra y Paz y otras fuentes. Hace apenas un año, disfrutábamos de una gran exposición retrospectiva en Zaragoza sobre su obra. En ella, aunque era su fotografía documental la que dominaba, la que realmente me produjo impacto fueron sus primorosas naturalezas muertas, realizadas con cámara de formato medio y una exquisita técnica de iluminación, sensitometría y laboratorio. Lo recordaremos con mucho cariño y admiración.
Desde Sales de Plata nos llega la noticia de la organización de sus microexposiciones. Pequeña exposiciones de fotógrafos que permanecen fieles a la película tradicional. Siendo en Madrid, sólo podría visitar alguna si coincide con alguno de mis eventuales viajes a la villa y corte. Pero la noticia de las mismas en su blog puede servir para que conozcamos mejor a estos fotógrafos, que nos pueden servir de inspiración. En estos momentos, exponen tres fotografías de 50 x 70 cm de Juan Fandiño realizadas en el barrio Nishinari de Osaka.
Siempre me ha gustado el aspecto cinematográfico de las fotografías de Todd Hido (Tumblr). Y ahora, L'Oeil de la Photographie nos trae una selección de ellas que se concentra en su modelo Khrystyna y en los paisajes nocturnos que dan un ambiente especial a lugares por otra parte banales, barrios residenciales de las ciudades americanas.
De un blog dedicado al camera porn, Tokyo camera style, me llega noticia de la fotógrafa japonesa Mikiko Hara. Hara tiene una técnica particularmente curiosa. Usa una vieja Ikonta 520/16, cámara de antes de la Segunda guerra mundial, a la que se le ha cambiado el objetivo por un Tessar más moderno. Yo tengo una cámara muy similar a esa, la Zeiss Ikon Ikonta 521/16, con el objetivo original, que no me he atrevido a usar con película negativa en color. Pero también tengo la Voigtländer Perkeo II, que tiene una concepción similar, pero con un objetivo similar al Tessar, que sí que produce buen resultado en color. Hara fotografía con su Ikonta modificada sin encuadrar, apuntando a su sujeto desde la altura de la cintura, con el objetivo previa mente enfocado por zonas, usando la escala de profundidad de campo. Sus resultados me parecen interesantes.
La depresión endógena es una de las enfermedades mentales. La tristeza más profunda, un sufrimiento psicológico de tremenda intensidad, sin causa aparente o desencadenante, que incluso lleva a quien la padece a desear la no existencia y a cometer suicidio. También supone un tremendo sufrimiento para las familias que conviven con estos enfermos. En American Photo, revista que parece que desaparece de su forma tradicional, nos cuentan y nos muestran ejemplos de cómo la fotógrafa Maureen Drennan usa la fotografía para lidiar con la depresión de su marido. Una mezcla de retratos y paisajes marinos, que yo he encontrado bastante interesante.
Elene Usdin es una fotógrafa francesa que usa el autorretrato (nada de estúpidos selfis, estamos hablando de fotografías muy pensadas y preparadas), para criticar de forma satírica la forma en que la mujere y el cuerpo de la mujer es considerado como un mero objeto en la sociedad actual. Nos lo cuenta en The British Journal of Photography. Y merece la pena repasar su amplio sitio en internet para conocer algo más de su obra.
Una fotografía de Noelle Swan Gilbert que apareció en el blog de Marc Peter Drolet, me lleva a repasar la serie The Edge of Innocence y otras series de la fotógrafa que se centran sobre todo en el mundo de la infancia y la adolescencia. Frecuentemente en el ámbito de su propia familia. Particularmente emotiva la serie dedicada a sus sobrinos, cuyo padre asesinó a su mujer, madre de los niños y hermana de la fotógrafa. Se centra en los niños y en la nostalgia; no se regodea en los morboso del caso.
También una bellísima y colorida naturaleza muerta vista en el blog de Marc Peter Drolet, me incita a conocer el trabajo de Drew Kelly. Pertenece a la serie Tenakee Time, en la que el fotógrafo se encuentra con personas que viven en Alaska fuera de los núcleos de población, a su aire, huyendo de los convencionalismos sociales. Pero tiene otras series muy interesantes, tanto de reportaje documental, como de paisajes. Incluso fotografía arquitectónica. Mucho para expolorar.
Lensblr es una iniciativa de agrupar fotógrafos, profesionales o aficionados, que presentan su trabajo en Tumblr, y en la medida de lo posible y de la calidad de su trabajo adquirir mayor visibilidad en la red. Yo apunté mi Tumblr De viaje con Carlos, y eventualmente alguna de mis modestas fotografías de viaje ha sido escogida para ser mostrada en el blog global de la iniciativa. En las últimas semanas han adoptado un nuevo proyecto que es The Lensblr Gallery, en el que cada semana presentan 10 obras de un fotógrafo seleccionado. Hace una semana, presentaron una muy interesante, pertenciente a Hawkeye39, un fotógrafo americano que vive en japón y recorre las calles de las ciudades con su moto y una cámara de fotos. Y que hace muy buenas fotos, eventualmente. Obsérvese este retrato robado en las calles, no sé si de Tokio.
Aunque por mis viajes de trabajo y otros líos he hecho un paréntesis en mis progresos hacia la naturaleza muerta y el bodegón, sigo recopilando información y ejemplos que me puedan servir de inspiración. Esta semana, desde aPhotoEditor, recojo las fotografías de setas y hongos de Stephen Kent Johnson, que me han gustado tanto por su composición como por su luz y color. Recorriendo su página web, vemos que tiene mucho más que ofrecer, tanto en el campo de la naturaleza muerta, como de la fotografía de interiores, como las aventuras de su cosmonauta en su trabajo más personal y menos comercial.
Vuelven mis recomendaciones fotográficas semanales a su día y su momento habitual, la mañana del domingo. Esta semana tenía una colección de marcadores muy diversa, que he ido reduciendo, con la sensación de que esta semana iba a quedar dedicada a lo anecdótico. Curiosamente, mi selección final tiene un aspecto mucho más interesante y con contenidos de nivel de lo que parecía al principio. Vosotros diréis. En cuanto a las fotografías acompañantes, fueron tomadas durante mis últimas vacaciones de semana santa en Vicenza, con la pequeña Voigtländer Perkeo II, formato medio de 6 x 6, con película Kodak Tri-X 400 expuesta a IE 250. Esta es una combinación que cada vez me gusta más. Por la polivalencia de la película, por que la cámara se lleva sin sentir en un bolsillo, y por que tras su denominación propia, el objetivo Color-Skopar esconde un Tessar que va realmente bien. Y además, he aprendido a obtener consistentemente 13 exposiciones por carrete de 120, en lugar de las 12 de rigor. Las fotografías corresponde a detalles de la Basílica Palladiana, junto con una imagen de callejera del corso Andrea Palladio.
La mayor parte de los retratos fotográficos que se realizaron en el siglo XX son de gente seria, circunspecta. En la mayor parte de las fotos que te hacen hoy en día te obligan a sonreír aunque no te apetezca... si no eres un soso, un sieso o cosas peores. Los "expertos" no se ponen de acuerdo en las razones de esas diferencias; que si la caries, que si las convenciones sociales, que si las largas exposiciones... Pero existen fotografías de gente decimonónica sonriente. Y en PetaPixel han recopilado unos cuantos ejemplos.
La fotografía comercial y del mundo de la publicidad me llama la atención sólo hasta cierto punto. Y no suele aparecer mucho por estas recomendaciones semanales. Pero en el "magazine" de Lomography nos muestran algunas de las fotografías que para anuncios publicitarios realizó William Helburn en los años 50 y 60. Y aparte que algunas me parecen muy modernas e incluso atrevidas, realmente transmiten una "joie de vivre" que te pone de buen humor. Y son estética y técnicamente impecables. En estas semanas en las que estamos despidiendo a los "mad men", me parecen de lo más adecuadas.
Hay muchos motivos que se me ocurren por los que opino que Sally Mann es una de las fotógrafas contemporáneas más interesantes. Pero su trabajo, especialmente el desarrollado durante los años ochenta con sus hijos en las épocas de vacación en la naturaleza del profundo sur, y en el que con frecuencia aparecía desnudos, ha sido objeto de fuertes controversias, especialmente por la intransigente actitud de los sectores más conservadores de la sociedad norteamericana. Yo soy de los que opino que si algo como el pecado existiera, estaría en la mayor parte de las ocasiones más en los ojos del que mira que en el objeto observado. Recientemente Mann ha publicado en The New York Times Magazine un extenso artículo hablando de aquellos duros momentos cuando se vio atacada por un trabajo realizado con amor y sobre los seres que más amaba o ama. Simultáneamente, The New York Times Magazine ha vuelto a publicar un artículo que comentaba en 1992 la inauguración de la exposición "Inmediate Family", que desató la controversia. Creo que es interesante leerlos. Están en inglés, lo siento. Y que cada cual saque sus consecuencias.
El último número de la revista francesa de fotografía Réponses Photo viene con una serie de artículos muy interesantes dedicados al autorretrato fotográfico. Diferenciando los que es un autorretrato, una obra que implica cierta reflexión e introspección sobre sí mismo, frente a la banalidad inherente al omnipresente selfi de los tiempos que corren. Casi coincidentemente, uno de los porfolios que esta semana ha publicado L'Oeil de la Photographie consiste en una selección de autorretratos de Melissa Shook realizados entre 1972 y 1973, autorretratos que admiten muchas lecturas tanto como reflexión íntima de la artista como en el mundo de la fotografía conceptual.
Detras del autorretrato suele haber una reflexión sobre el concepto de identidad. Y otros de los sujetos fotográficos que con frecuencia sirve también para reflexionar sobre este concepto son los gemelos idénticos. O no tan idénticos. En Feature Shoot nos muestran un conjunto de 42 retratos de gemélos de distintos fotógrafos, pero en los que se hace con frecuencia mucho más hincapié en las diferencias que en ese parecido que nos asombra, cuando normalmente tenemos asumido que somos seres únicos. Es algo cultural.
Introduciéndonos un poquito en el mundo del paisaje, en L'Oeil de la Photographie nos han traído la obra de Mathieu Bernard-Reymond. Con un aspecto más propio de la fotografía reposada y meditada del gran formato, son creaciones a partir de la fotografía y la creación digital, por lo que compone en ocasiones escenas que nos parecen normales pero que al mismo tiempo resultan imposibles. A mí me ha parecido muy interesante.
Más clásicos, pero al mismo tiempo alejados de los clichés, son los paisajes alpinos de Lauryn Ishak que nos muestran en Feature Shoot. Composiciones sencillas, que no simples, frecuentemente paisajes con figura, alejados de los chillones colores hipersaturados y el excesivo procesado digital que se está poniendo de moda a partir de algunos sitios para compartir fotografías, son paisajes que sirven simultáneamente como documentación y para transmitir un estado de ánimo, una impresión y una forma de percibir el mundo.
Aunque entre viajes y talleres de retrato tengo mis naturalezas en stand by, no quiero dejar de aportar una fuente más de inspiración sobre este tema. Viene desde Lens Culture, y el fotógrafo es Bob Cornelis, que con figuras geométricas y técnicas de fotografía tradicional de transferencia de imagen, trata de reproducir el concepto de karesansui, o los jardines de rocas propios del budismo zen sobre los que alguna que otra broma hicimos durante mi viaje a Japón hace unos meses. Por lo de sentarse a ver crecer las piedras... En cualquier caso, interesantes composiciones en los que se juega con las luces y sombras, las formas, y las texturas tanto de los objetos fotografaidos como del propio medio utilizado.
