La gente de L'Oeil de la Photographie siguen sin recuperarse. Sin embargo, siendo como eran fuente de numerosas recomendaciones, parece que el número de potenciales recomendaciones que he recogido esta semana no ha disminuido gran cosa. O nada en absoluto. Igual tengo que seleccionar un poquito. De momento, os dejo con el tablero en Pinterest de la semana.
En cuanto a las fotografías acompañantes de hoy... blanco y negro en formato medio con película tradicional y algo más. Hace unos días pude comprobar que la misión de Fotógraf@s en Zaragoza para el mes de noviembre era TRENES. Durante años el "trainspotting" fotográfico, especialmente de trenes clásicos e históricos, es algo que practiqué con cierta frecuencia, e incluso tengo una página, Trenes de ayer y de hoy, que lo cierto es que no actualizo desde hace bastante tiempo. Hace seis años. Y el caso es que alguna cosilla nueva podría poner... En fin. Que me siento obligado a participar en esta misión, aunque hace tiempo que no participo en una de ellas. Por ello, el día 1 de noviembre decidí salir a por trenes. Por la mañana, con una luz horrible de niebla y poco contraste, y por la tarde, mejor de luz. En ambas ocasiones me llevé la Pentax K-S1, con dos objetivos de enfoque automático de serie Limited, el 21/3,2 y el 70/2,4. Tengo que usar más este último porque es buenísimo. El angular es más flojito aunque digno. Pero también me llevé cámaras de película tradicional. Tanto por la mañana por la tarde me llevé mi flamante Plaubel Makina 67. Por la mañana también me llevé la Holga... cuyos resultados, cuando se comparan con los de la Makina 67... dan ganas de tirarlos. Bueno... fotografías de ambiente ferroviario. Aunque todavía no me he decidido a subir ninguna foto a la misión.
Quizá una de las cuestiones de las que mas se ha comentado esta semana en el mundo de la fotografía sean las declaraciones del prestigioso fotógrafo Sebastião Salgado durante la recogido de un premio en su país natal, Brasil. En ellas, Salgado asegura que la fotografía habrá muerto dentro de 20 o 30 años... ¿La gente va a dejar de hacer fotos, aunque sean selfis con sus móviles en este periodo de tiempo? ¿Nadie va a querer inmortalizar momentos con aparatos fotográficos? Hay muchos sitios que se han hecho eco de las declaraciones. Yo os pongo los enlaces a Photolari, formado por un par de "locos" que antes trabajaban para la fenecida Quesabesde, y al siempre crítico Rafael Roa.
Si analizamos lo que realmente digo Salgado, pienso que ni él, ni yo, ni casi nadie cree realmente que la gente deje de pulsar el disparador de sus cámaras. Sean tales, sean dispositivos multifuncionales como los teléfonos móviles. A saber cómo serán dentro de 20 o 30 años. Lo que el plantea es el uso de las imágenes que se tomen. Distingue como conceptualmente distintas "imágenes" y "fotografías". Estas últimas, pensadas para ser impresas en papel, son recuerdos, declaraciones conceptuales, sociales o políticas, son construcciones estéticas. Las imágenes serían meros testimonios del aquí y ahora de las personas. Lo cierto es que eso ya está sucediendo ahora. Dejando de lado los fotógrafos profesionales o aficionados, antes la gente tenía cámaras de fotos sencillas para tomar recuerdos de sus viajes o acontecimientos, en esos sencillos álbumes con fotos en papel de tamaño postal. O aun más pequeñas. Sin embargo, ahora la imagen del móvil es un mero componente de la comunicación permanente sobre lo que hacemos en el presente. ¿Quiere esto decir que dentro de 20 o 30 años sólo se tomarán estas y ya nadie querrá hacer las "fotografías" como las piensa el maestro? Pues no sé. Ahora mismo, no sé dónde he dejado mi bola de cristal...
Robert Adams, un fotógrafo de la New Topographics, el paisaje alterado por el hombre, de los que más me gusta. Ya he hablado de él en alguna ocasión, por su riqueza conceptual, su sencillez formal y su compromiso social y medio ambiental. En el tumblelog de VUU Studio nos lo han recordado con algunas de sus fotografías nocturnas.
Otra fotógrafa, en un estilo muy distinto, que siempre me ha interesado, y que es menos conocida de lo que merecería es la húngara refugiada en EE.UU. después de 1956, Sylvia Plachy. Mucho más centrada en la gente, con una visión humanista de las personas y de la sociedad, nos la recuerdan en South x Southeast Photomagazine.
Japón es fuente de numerosos y buenos fotógrafos. Que también se caracterizan por adoptar formas y estilos propios, distintos de los de los fotógrafos occidentales, pero que también son muy diversos entre sí. Por lo tanto, proporcionan gran riqueza al mundo de la fotografía en general. En American Suburb X (ASX), siempre del lado de lo más contemporáneo, avanzado, urbano y vanguardista, nos proponen conocer las series Showa de Kazuyoshi Usui. Y lo entrevistan. Showa es el nombre de la era que se corresponde con el emperador habitualmente conocido como Hirohito (Emperador Showa al morir, y abarca desde antes de la Segunda Guerra Mundial y hasta la muerte de este. Por lo tanto, hablamos de un período turbulento y de grandes cambios para el País del Sol Naciente. Con fotografías en color intenso, y en dos series, Showa 88 y Showa 92, el fotógrafo nos introduce en las complejidades profundas de la sociedad resultante de ese complejo periodo histórico.
Mucho más tranquilo y sosegante es el trabajo Cascadia de Cody Cobb. Desde hace un par de meses estamos considerando visitar al año que viene la costa del Pacífico norteamericana. Tal vez la Columbia Británica, tal vez los estados de Washington y Oregon, incluso el norte de California,... no sabemos todavía. Pero sí que sabemos que por allí están la cordillera de las Cascadas (Cascade Range), con sus paisajes espectaculares y sus volcanes. Las fotografías que publicó Another Place Magazine nos han impulsado el deseo. Aparte de haber encargado el librito, son 10 libras más gastos de envío, que han publicado sobre el trabajo de este fotógrafo paisajista.
En los últimos días he encontrado referencias diversas, tanto en la red como en alguna revista, a la fotógrafa Laurie Simmons. La decisión de traerla a estas páginas la determinó el artículo que le dedicaron en American Photo. Fotógrafa de caracter conceptual que utiliza muñecas, maquetas u otros juguetes para reflexionar sobre diversas cuestiones, aunque fundamentalmente se centra en el mundo de la mujer. Son interesantes también los retratos.
En un estilo muy distinto, en Cada día un fotógrafo nos hablan de Stephan Zaubitzer, fotógrafo francés que tiene un estilo muy personal, de composiciones sencillas y si alaracas técnicas, pero con muy buen dominio de la luz. Me ha parecido especialmente interesante su serie arquitectónica sobre salas de cine de todo el mundo, Cinemas.
Un par de recomendaciones de carácter colectivo.
En Yorokubu, donde dentro de su tono aparentemente informal no dan puntada sin hilo, nos proponen "una nueva generación de fotógrafas españolas se abre camino en Berlín". En concreto se refieren a dos fotógrafas de menos de 30 años, Laura F. Izuzquiza y Ana Cayuela, que residen y trabajan en la capital alemana. Un ejemplo más de la fuga de talentos que abandonan esta maltratada España, sin que otros vengan a sustituirlos y a alimentarnos intelectualmente a los que nos tenemos que quedar. Tienen estilos distintos, aunque elementos generaciones comunes que se reflejan en sus respectivos trabajos. Ambas me parecen interesantes de seguir. Os dejo aquí puesto un vídeo de Izuzquiza.
Otra recomendación colectiva, esta masiva, me llega a través del tumblelog de Mira Nedyalkova, que me dirige a los 25 fotógrafos europeos con más talento del momento según Dodho Magazine. Siempre me siento escéptico ante estos listados de los "nosecuantitos" mejores "tal". Pero en cualquier caso, son puntos de partida para explorar la obra de los propuestos y decidir si te gustan y te apetece más de ellos o no. Entre los posibles españoles, solo aparece Alicia Moneva, a la que dedican un artículo, y que es una fotógrafa conceptual que sí merece la pena que sea conocida. Pero no me atrevo a decir que no haya otros igual de "best" o "más best"...
Terminaremos las recomendaciones de esta semana con los porfolios del número 92 de Fraction Magazine, que como siempre se renueva con un número nuevo a principios de mes. El principal problema de esta revista en línea es que creo que arriesga poco y que no acaba de salirse de un estilo muy determinado de fotografía. Por lo que todo lo que publica empieza a dar la sensación de "déjà vu".
Y también me ha parecido interesante el punto de vista de Ben Kilb, fotógrafo alemán que dirige su mirada hacia Oriente Medio, pero no para reflejar los desastres sociales, políticos, bélicos y humanitarios que por allí suceden, sino por las imágenes de paz y tranquilidad en los paréntesis en los que dan tregua a sus habitantes para que se relajen y vivan. Un punto de vista humanizador de unas sociedades tristemente muy deshumanizadas.
Procedamos en un domingo feo, las nieblas ya han llegado para estropear las mañanas del otoño en Zaragoza, ha repasar lo que de interesante nos ha ofrecido la red de redes durante la semana en el ámbito de la fotografía. Aviso que había unas cuantas recomendaciones recogidas de L'Oeil de la Photographie, pero como esta página va muy mal estos dos últimos días, no aparecerán. No las he podido revisar. Pero sentiros libres de visitar el sitio, que suele estar muy bien en general. De momento, os dejo a continuación mi tablero en Pinterest de la semana.
Las fotografías acompañantes de hoy tienen ya unas semanas. Las realicé antes de irme de vacaciones a Hong Kong, con la Hasselblad 503CX usando fundamentalmente el Carl Zeiss Sonnar 150 mm f/4. Como ya he comentado en alguna ocasión, desde el momento en que probé una cierta solución de película y revelado con los negativos realizados con la Agfa Jgestar (o Agfa Billy), estoy haciendo el blanco y negro con película Ilford XP2 Super. Pero en lugar de revelarla en su procesado recomendado C41, la expongo a IE 200 con lo que consigo un grano bastante fino, y la proceso en HC110 1+31 durante el tiempo recomendado para un IE 400 (su sensibilidad ISO nominal). El resultado son negativos sorprendentemente fáciles de escanear, sobre un soporte con gran estabilidad dimensional, y un nivel de detalle bastante elevado dada las limitaciones del Epson Perfection Photo V600.
Vayamos con las recomendaciones de la semana. Empecemos por Sid Avery. Nos lo traen y comentan en DSLR Magazine (que últimamente se identifica más bien como Albedo Media). Fotógrafo de los muchos que trabajó en Hollywood, rodeado de las estrellas del cine que todos admirados, se alejó del tipo de fotografía glamourosa que ha predominado en ese ámbito, ofreciéndonos un estilo más documental y una aproximación más humana, en ocasiones humorística, de estas estrella. Aunque algunas de ellas, en la cuestión del glamour, no descansaban en ningún momento. Me encanta la foto del matrimonio Paul Newman-Joanne Woodward... Me encanta Joanne Woodward... Mucho menos conocida que su marido, consiguió el óscar casi 30 años antes que este... Muy merecidamente.
Ya he comentado en varias ocasiones la obra de Juan Manuel Castro Prieto, o simplemente Castro Prieto que es como suele firmar. Reciente Premio Nacional de Fotografía, es conocido tanto por su obra propia como por su gran trabajo imprimiendo el trabajo de otros fotógrafos. Es posible que visite madrid próximamente, y ahora está exponiendo allí una parte de su obra, que intentaré visitar. Mientras, en Clavoardiendo le hacen una interesante entrevista.
Últimamente, la sección de noticias de Magnum Photos nos está ofreciendo artículos con fotografías de sus miembros muy interesantes y siempre comprometidos. En esta semana ha tocado una artículo con las magníficas fotografías de Michael Christopher Brown sobre las islas Marshall, archipiélago en la Micronesia que se está viendo muy afectado por el crecimiento del nivel de los mares debido al calentamiento global, así como se vieron afectados en su momento por las pruebas atómicas que allí realizaron los Estados Unidos. ¿Habéis oído hablar de Bikini? No, no de la ligera prenda femenina para ir a la playa... del atolón... Pues allí está.
No hace mucho que hablé de Laura Pannack y su costumbre de salir a pasear armada de una Hasselblad. Cámara improbable para realizar meros paseos, por su peso y otras circunstancias, pero que tomaba pleno sentido desde el punto de vista de Pannack. Mirad... yo también muestro hoy el resultado de salir a pasear con una Hasselblad. Pues bien, en BJP-online (British Journal of Photography) nos hablan de uno de sus trabajos más planificados y currados, en el que la británica se recorre el paisaje rumano en los Cárpatos para reflejar en sus fotografías los mitos del folclore de esa región del mundo.
La fotografía ha sido una herramienta interesante como elemento documental en los estudios etnográficos y antropologicos. En Analog Magazine, sitio que se dedica como podréis suponer a difundir la obra de fotógrafos fieles a la película y otros procesos tradicionales, nos hablan del trabajo de Hajime Kimura. En un país como Japón que está a la vanguardia de las innovaciones tecnológicas, con metrópolis que reflejan las nuevas culturas urbanas que surgen con la globalización, este fotógrafo se centra en documentar la vida de comunidades indígenas del archipiélago japonés que se aferran a sus modos de vida tradicional. Fotografía en blanco y negro, con fuertes contrastes, abrazando las características del medio, la película tradicional, con sus texturas y estructura. Está radicado actualmente en Alemania, pero este fotógrafo me recuerda a otros de sus compatriotas.
Y ahora vamos con una fotógrafa española y con un entorno que me es conocido. En Plataforma de Arte Contemporáneo nos hablan del trabajo de Cecilia del Val y su trabajo El Monte Perdido. Que nadie espere una colección de paisajes, aun en blanco y negro, de corte tradicional. Estamos más bien, como dicen en el artículo ante un proceso de desconstrucción del paisaje, mediante procesos relativamente complejos. Me hace gracia que comenten que comenten que el nombre del segundo pico más elevado de los Pirineos se deba a que desde las localidades próximas no se ve por estar escondido por otras montañas. Desde Zaragoza los vemos perfectamente en los días claros, especialmente en los inviernos, cubierto de nieve. Cuanto puede haber en línea recta, ¿120, 130, 140 kilómetros...?
El collage es una de mis frustraciones. Pareciéndome una técnica derivada de la fotografía tan interesante, soy consciente de que no estoy educado o dotado para ella. Algún intento que he realizado, en privado, nunca he mostrado resultados, ha acabado en la papelera. Por ello, cuando aparece de ciento a viento alguna noticia o artículo sobre esta técnica artística que tanto se usó a principio del siglo XX, especialmente por los surrealistas, suelo reflejarla. En esta ocasión, os traigo de la mano de Format Magazine los coloridos collages de Ben Lewis Giles.
En American Photo, otrora magnífica revista de fotografía en papel, nos avisan de que uno de los principales museos de fotografía del mundo, el Eastman Museum en Rochester, NY, pone a disposición del mundo sus colecciones digitalizadas en su página web. Tiene una de las colecciones más extensas. Y sólo en el aparatado "photography" nos dice que tiene digitalizadas y a nuestra disposición 135 572 obras... Así que si tenéis un rato... Bueno... he navegado un rato, y no todas las obras nos ofrecen la imagen de las misma. Sólo los datos de catalogación. El museo se formó sobre la base de la colección de George Eastman, fundador de la Eastman Kodak Company... ¿Os suena? Quizá a los recién llegados a la fotografía a través de lo digital no... pero es una parte primordial de la historia de la fotografía. También de la digital.
Sinceramente, este domingo estaba convencido de que no iba a poder redactar mi entrada habitual de recomendaciones fotográficas. Que iba a estar liado todo el día. Pero mira por donde, que son casi las siete de la tarde y tengo un rato. Así que voy a ello, aunque sea de forma un poco esquemática. Desde luego, empezaremos por el tablero en Pinterest de la semana.
Las fotografías acompañantes son de un carrete que hice con la Agfa Jgestar o Agfa Billy, cámara de la que ya he hablado y que fue fabricada entre 1928 y 1930. Formato medio de 6 x 9 cm sobre carrete tipo 120. Justamente, ayer veía un vídeo de Ted Forbes en su canal de Youtube "The Art of Photography" que hablaba de la conveniencia de usar de vez en cuando aparatos fotográficos que nos constriñen y nos dejan pocos grados de libertad desde el punto de vista tecnológico, pero que pueden estimular nuestra imaginación y creatividad, dándonos otro tipo de libertad más interesantes. Os pongo el vídeo. En inglés.
Vamos con las recomendaciones, ya digo que hoy de modo muy esquemático. Chim fue uno de los fundadores de Magnum Photos, y quizá de los menos conocidos. Injustamente. Su nombre real es David Seymour, y en L'Oeil de la Photography nos muestran sus fotografías sobre los niños de la guerra en 1948 en Polonia y Hungría.
Francesca Woodman es una fotógrafa que está muy de moda, muy de actualidad, aunque nos dejó hace ya varias décadas, tras suicidarse cuando tenía solo 22 años. Por lo que la observación de su obra se cubre de cierta morbosidad, más cuando ella aparece autorretratada con frecuencia en sus fotografías. Por eso es muy interesante el artículo de Oscar Colorado en Oscar en Fotos, que va más allá de esta circunstancia para hacer un análisis más profundo. Casi diría que imprescindible.
El collage es una técnica fotográfica de la que se habla poco. Aunque en algunos momentos de la historia de la fotografía y del arte moderno ha sido muy importante como medio de expresión artística. En la revista en línea de Lomography han dedicado un artículo a los collages de Josef Albers, que es principalmente conocido por su labor docentes, entre otros lugares en la Bauhaus.
El mundo del cine y el de la fotografía están relacionados. Tecnológicamente, desde luego, pero también desde otros puntos de vista relacionados con la creatividad. Por ello, no son pocos en las gentes del cine que también hacen sus pinitos con la fotografía. En L'Oeil de la Photographie nos desvelan una de estas personas, la directora catalana Isabel Coixet.
Siempre me ha gustado el paisaje con un carácter minimalista, no en vano uno de mis paisajistas favoritos en fotografía es Michael Kenna. Por eso, el artículo en Emulsive, escrito y con fotografías de Darren Kelland me ha parecido especialmente interesante esta semana.
Interesante me ha parecido también el artículo de L'Oeil de la Photographie que nos habla del trabajo de Elsa Parra y Johanna Benaïnous, en el que ambas artistas utilizan la fotografía para representar entre ambas distintos estereotipos de personas, especialmente jóvenes, tanto de uno como otro sexo. Transformaciones camaleónicas de ambas fotógrafas, que trabajan a duo.
FK Magazine sigue mostrándonos la obra de interesantes fotógrafos, especialmente del este de Europa. En esta ocasión me he quedado con la obra de la rusa Irina Zadorozhnaia, que utiliza la fotografía para analizar el espacio, los materiales y la incidencia de la luz sobre los cuerpos y sus texturas. Entre la abstracción y un realismo poco habitual.
Para finalizar, estamos a pocas semanas de las elecciones presidenciales, donde incomprensiblemente en un país que se tiene a sí mismo como estandarte de la democracia y de las libertades, aunque no siempre está la altura de ello en sus relaciones exteriores, ha permitido que pueda optar a su más alta magistratura un individuo, de cuyo nombre no quiero acordarme ni nombrar, que basa su campaña en el racismo y la xenofobia, la misoginia y el sexismo, y otras intolerancias diversas de tono ultraconservador, que lo acercan claramente a las ideologías de corte fascista. En Magnum Photos, siempre comprometidos con las libertades, nos muestran el trabajo de Peter van Agtmael sobre las consecuencias de los muros fronterizos con Méjico, y la inutilidad y la inhumanidad de los mismos.
Cuando mi ritmo de recogida de posibles recomendaciones para el domingo se ve interrumpido por algún acontecimiento, como unas vacaciones, estas siempre quedan dispersas o deslavazadas. De alguna forma, cada semana hay cierta unidad de interés entre las recomendaciones que recojo y selecciono. Por los temas del momento, por mis lecturas, por mis expectativas próximas,... por lo que sea. De todos modos, intentaré armas un conjunto de recomendaciones razonablemente coherente para este domingo que recoge artículos de las dos últimas semanas, aunque entrecortados por mis vacaciones en Hong Kong y Macao. Por supuesto, para empezar, el tablero en Pinterest de estas dos semanas.
Acompañando las entradas de hoy, algunas fotografías del viaje a Extremo Oriente. Aunque en general tomé las fotografías pensando en color, he querido revelar algunas en blanco y negro cuando me ha parecido apropiado. Recuerdo que mi equipo habitual de viaje tiene que ver con el estándar micro cuatro tercios. Me he llevado la Olympus OM-D E-M5, que con cuatro años a cuestas se está convirtiendo en una veterana, con varios objetivos de focal fija y variable. Lo cierto es que, salvo los dos primeros días, he usado sobretodo las focales fijas, el Panasonic Leica DG Summilux 15/1,7 ASPH y el Olympus M.Zuiko Digital 45/1,8. Como cámara de respaldo, especialmente para ir ligero y discreto de noche, la Leica D-Lux (typ 109), que aunque compacta de objetivo fijo, tiene un sensor que procede del mundo micro cuatro tercios. Todas las fotografías intentan establecer un contraste entre lo tradicional y lo moderno en la ciudad de Hong Kong.
Empezaremos como siempre por lo más antiguo. En L'Oeil de la Photographie nos hablaron de la "Naturselbstdruck". Sí, ya sé que hay seis consonantes seguidas... Bueno sería el término alemán para hablar de las copias fotográficas directas obtenidas sin cámara de objetos de la naturaleza sobre material sensible a la luz. Por ejemplo, plantas. Y el científico alemán Andreas Freiherr von Ettingshausen, un barón, freiherr, fue un usuario habitual de estas técnicas dejando una importante colección de imágenes. Hoy los conservacionistas se tirarían de los pelos. Ya se sabe, en la naturaleza, no te lleves nada de lo que te encuentres, ni dejes nada de lo que llevas contigo. Y aquí arrancaron muuuuchas plantitas. Pero estamos hablando del siglo XIX. Otro mundo.
También en L'Oeil de la Photographie dedican un artículo a uno de sus más queridos compatriotas fotógrafos. Sin duda alguna, el optimismo y amor por la vida de Jacques Henri Lartigue le hace un favorito de muchos. Pero en esta ocasión nos descubre una faceta suya poco conocida, la de la fotografía en color. Siempre le atrajo. Práctico el autocromo en su juventud, aunque no se adaptaba a su estilo dinámico de fotografía, y en su madurez tiraría de Rolleiflex y Leica para fotografías en color muy cuidadas, con alma de pintor. Hace bien poco, Ted Forbes le dedicó a este tópico un vídeo en su serie de The Art of Photography. En inglés. Merece la pena. Os lo pongo.
Otro francés bien conocido es Robert Doisneau. Pero como nos dicen en Clavoardiendo, este fotógrafo es mucho más que su famoso beso ante al ayuntamiento parisino. Y hay mucha ironía y humor en su obra. Y nos proponen que los descubramos. A mí me parece una buena recomendación.
Pasemos ya a los tiempos contemporáneos, y nos vamos a ir moviendo por el mundo de la mano de diversos fotógrafos. Fundamentalmente fotógrafas. Empezamos por España, donde en la Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) realizan una entrevista a Laura Medrano, fotógrafa alicantina que se dedica especialmente al paisaje y al viaje, pero de formas poco convencionales. A conocer y descubrir.
Nos trasladamos ahora al norte de Europa. En FK Magazine nos proponen descubrir el trabajo Niina Vatanen, del siempre complejo panorama artístico audiovisual de Helsinki. En esta ocasión pasa por la apropiación del archivo de Helvi Ahonen, una aficionada que donó sus fotógrafías al Museo Finlandés de la Fotografía, para construir nuevas obras que discutan sobre el propio proceso fotográfico y sobre la naturaleza material de las fotografías. Tiene su cosa.
Todavía más al este, entre Europa y Asia, es donde la fotógrafa Laure Chichmanov busca en Siberia y otras de las antigua repúblicas soviéticas los restos y las influencias de la rusificación que la Unión Soviética introdujo hasta en el último rincón de tan extensa entidad sociopolítica. Nos lo cuentan y nos lo muestran en Format Magazine.
Y llegamos en nuestro viaje de hoy a extremo oriente, como no podía ser de otra forma si yo mismo me he acercado tímidamente a la inmensidad China en estas últimas semanas. En LensCulture nos proponen la serie de fotografías de Mankichi Shinshi, fotógrafo documental nacido en Japón, que en una visita a la ciudad china de Qingdao realizó en el ambiente de bruma y contaminación que caracteriza las grandes metrópolis de este país, dándoles un ambiente muy especial.
Y del extremo oriente nos trasladamos a África, donde la radio pública norteamerica NPR nos descubre el trabajo de la enfermera nigeriana Fati Abubakar, que vive en uno de los estados de Nigeria más afectados por los extremistas de Boko Haram. Esta mujer con su sencilla cámara réflex digital decidió hace un año comenzar a pasear y a hacer fotografías que recogieran su visión, dando rostro y ofreciendo la belleza de las gentes del lugar, tan atribuladas. Documentando lo cotidiano de un rincón del mundo problemático.
Y ha salido, como cada principio de mes, un nuevo número de la revista en línea Fraction Magazine, el 91, que no he tenido ocasión de hojear detenidamente, pero que en esta ocasión dedica sus porfolios a una serie de autores japoneses, por lo que casi seguro que es interesante dedicarle un tiempo.
Por último, quería proponer la lectura de un artículo de Yorokobu, que reflexiona sobre la importancia del encuadre en la fotografía, y de la decisión del fotógrafo, o del editor de fotografía en el caso de la prensa, de qué información se incluye en la copia final. y nos proponen varios ejemplos. De ellos, el caso más curioso es la de la famosa fotografía de Nick Ut de la niña afectada por el napalm en Vietnam. La inclusión o no en el encuadre del soldado de la derecha, absolutamente indiferente en aparencia al horror que le rodea, cambia por completo nuestra percepción de la fotografía. Y todo el artículo a propósito de un nuevo monitor para ordenador... qué cosas. Porque se trata de un artículo patrocinado... es decir, publicidad. Lo cual debería quedar más claro. En grande... "ARTÍCULO PATROCINADO"... Mejorando esa ética, gente de Yorokubu.
Como el domingo pasado dediqué el artículo de esta serie a los "cacharros" fotográficos presentados en la Photokina 2016, las recomendaciones de esta semana se han acumulado en las dos últimas semanas. Quizá de una forma un poco caótica, aunque les intentaré dar cierta estructura. En cualquier caso, a continuación el tablero de Pinterest que si se corresponde exclusivamente a la última semana, entre el 25 de septiembre y el 2 de octubre.
Las fotografías que van a acompañar la entrada de hoy son una prueba técnica que estuve haciendo hace unas semanas. Antaño nos decían que se podía forzar la película negativa en blanco y negro y la película diapositiva en color o en blanco y negro. Pero no la película negativa en color, porque aparecían alteraciones de los colores potencialmente desagradables. Con las emulsiones modernas, nos dicen que esto no es así.
Forzar una película consiste en aumentar el tiempo de revelado recomendado. Con eso se consigue, en primer lugar, aumentar el contraste. Por lo que puede ser adecuado en situaciones de luz muy plana. Pero con frecuencia se usa para fotografiar en condiciones de poca luz con película de sensibilidad insuficiente. Si una película de 400 ISO se utiliza con un índice de exposición 1600, subexposición de dos pasos, se puede aumentar el tiempo de revelado de modo que los tonos medios y las luces se sitúan en su lugar. Aunque las sombras sea difícil recuperarlas, porque donde no hay materia no puede obtenerse imagen. El otro efecto secundario es que el grano de la película se hace más grande y notorio.
El forzado lo he practicado ocasionalmente con película negativa en blanco y negro, pero nunca con negativos en color. Así que cogí un carrete de Kodak Portra 400 y lo puse en la Canon EOS 100 calzada con el EF 40/2,8 STM. Y me puse a hacer fotos. Estos son los resultados.
En cuestión de unos días salgo de viaje hacia extremo oriente. Ya os contaré. Quizá por eso en las recomendaciones de hoy hay varias que tienen que ver con esa región del mundo. En primer lugar, en L'Oeil de la Photographie, hace unos días nos mostraron tres artículos (1, 2 y 3) con fotografías de la revista Provoke, una revista que nació en los años sesenta como reacción a los cambios que se estaban produciendo en Japón en la posguerra. Revista contestataria que produjo algunos notables fotógrafos modernos japoneses con unos estilos propios muy interesantes, como Takuma Nakahira, Yutaka Takanashi, Daido Moriyama, Koji Taki o Yusuke Taki.... entre otros. También permitió mostrar el auge de la "performance" en aquel momento en el país nipón. Duró poco pero dejó legado.
En Clavoardiendo nos han hablado de otro fotógrafo japonés contemporáneo, Masao Yamamoto. Fotografía de pequeño tamaño con el minimalismo propio de la cultura japonesa aplicado tanto a paisajes, como retratos, como desnudos o bodegones. Está en una exposición en Avilés.... ay, me pilla un poco a desmano.
En L'Oeil de la Photographie nos han traído esta semana un par de artículos sobre Xiao Quan, fotógrafo chino que de alguna forma nos recuerda al esfuerzo de August Sander por retratar a la sociedad de su país. Si aquel fue la Alemania de entreguerras, este es la China, llena de contradicciones de la actualidad. En el primero de los artículos nos muestran los retratos de personas importantes en la cultura y las artes chinas actuales. En el segundo son las gentes comunes y diversas las que se hacen protagonistas. Ambos son interesantes. Y me gusta que haya humor en muchos de los retratos. Humor sano, en complicidad con los propios retratados.
Dejemos el extremo oriente. En Cultura Inquieta nos hablan de una serie de fotografías no publicadas y desconocidas de Dennis Hopper. El conocido actor fue también un notable fotógrafo. Y aquí lo tenemos con imágenes realizadas al vuelo, con cámaras de un solo uso, reveladas en tiendas normales y corrientes, lejos de los circuitos profesionales. Blanco y negro, con escenas propias de cualquiera que quiera conservar recuerdo de viajes, situaciones familiares, entre amigos,... pero reflejando también la cultura de ansia de libertad que marcó el final de los años 60. Hopper tuvo muchas cosas que decir a lo largo de su vida, y se supo expresar de muchas formas. Contrasta de todos modos ese ambiente de libertad y ausencia de represión de las fotografías de esa época con su evolución posterior a posturas derechistas y consevadoras en política.
Susan Meiselas es una fotógrafa de la agencia Magnum que sin duda ha mostrado a lo largo de su vida su compromiso social y político. En vísperas de las elecciones presidenciales norteamericanas, donde uno de los candidatos, el más conservador, está usando el racismo y la xenofobia para atraer el voto de los sectores más intolerantes de la sociedad norteamericana, la fotógrafa como nos cuentan en el propio blog de Magnum Photos ha realizado un reportaje de la ceremonia de naturalización masiva de 298 nuevos ciudadanos de Estados Unidos, celebrada en el emblemático lugar de la Isla de Ellis, por donde entraron muchísimos inmigrantes en el país. Porque es irónico usar el arma de la inmigración en un país donde la casi totalidad de los habitantes son hijos de inmigrantes. Los nativos fueron casi totalmente exterminados por estos.
Y siguiendo con Estados Unidos, se siguen produciendo situaciones de tensión social por las muertes violentas de ciudadanos afroamericanos por actuaciones de las fuerzas de policía, que cada vez desencadenan más protestas bajo el eslogan "Black Lives Matter". En Format Magazine nos hablaron hace unos días de las protestas que se desencadenaron en Charlotte, Carolina del Norte, y que fueron documentados por el fotógrafo Justin Smith, que dota a las fotografías de un aspecto formal que las emparenta con las fotografías que conocemos de la lucha por los derechos civiles en los años 50 y 60 del siglo XX. Muy serenas, y muy expresivas, con un uso magnífico del blanco y negro.
Ayer hablaba en una entrada vespertina de mi Cuaderno de Ruta del momento de envejecer visto desde el punto de vista del cine. En Cada día un fotógrafo nos hablaban hace unos días de la fotógrafa Jane Paradise, que también incide en su obra en el envejecimiento, especialmente el de las mujeres, a las que dota de un aire mixto de belleza y melancolía. Interesante como reflexión sobre el envejecimiento en las sociedades modernas.
Un poco de paisaje entre tanta reflexión social. En L'Oeil de la Photographie nos han hablado de los paisajes en blanco y negro de Michael Kahn, que me han recordado a los de uno de mis favoritos, Michael Kenna, nombres muy parecidos. Sus estilos tienen elementos comunes pero también diferenciadores. Con una preferencia de Kahn por los paisajes marinos y menos por las larguísimas exposiciones de Kenna. También gusta de trabajar con aparatos mecánicos de formato medio 6 x 6. Es decir, Hasselblad.
Creo que ha gustado mucho esta semana el artículo de Fernando Puche en DSLR Magazine titulado "La fotografía no es analógica ni digital", en la que nos anima a no clasificar las imágenes fotográficas por la tecnología del momento de la toma, sino a reflexionar sobre las características que les dan significado o sentimiento, las que las convierten en producto de la creatividad y en potenciales obras de arte. Trascendiendo los elementos tecnológicos.
Curiosamente, eso me ha recordado una iniciativa del Rochester Institute of Technology que se publicó hace unos días. Un grupo de fotógrafos se subió a una terraza con el fin de fotografiar en la ciudad de Rochester el emblemático edificio Kodak. Y utilizaron una diversidad de medios. Una cámara de gran formato se usó para exponer una placa de colodión húmedo de 28 x 35 cm. Dos cámaras de gran formato para película de gelatino-bromuro de 12 x 9 cm similares a las que hubiera usado George Eastman en la década de los años 80 del siglo XIX. Y cámaras para película moderna de formato 135, 120 y gran formato de 12 x 9 cm y 25 x 20 cm exponiendo película Kodak Portra 160. Dos cámaras digitales documentaron todo el proceso. La torre fue iluminada por un grupo de voluntarios a pie de calle que apuntaron con los flashes y diodos de sus teléfonos móviles, con linternas, o con flashes de mano al edificio durante unos cuantos minutos, mientras los fotógrafos realizaban su exposición. Muchas formas de hacerlo, un solo sujeto, una diversidad de visiones. Creo que tiene que ver con lo que cuenta Puche.
