La primera de las recomendaciones de esta semana es la que ha decidido cómo voy a acompañar fotográficamente esta entrada dominical. En Yorokubu nos hablaban hace unos días del proyecto de la fotógrafa norteamericana Jade Doskow, Lost Utopias, en el que recorre con su cámara los restos abandonados de antiguas exposiciones universales o internacionales. Algunos de esos "restos" se han ganado su permanencia y su admiración permanente, como la torre Eiffel en París o el Atomium en Bruselas, pero no es infrecuente que queden como olvidados restos oxidados y abandonados de algo que pudo ser y no fue. En mi ciudad, en Zaragoza, tuvimos en 2008 una exposición internacional que también nos dejó una serie de infraestructuras características. Con la crisis económica y financiera que surgía al mismo tiempo que se celebraba la exposición, algunas de esas infraestructuras han tenido utilidad, algún puente, parques, algunos edificios, un acuario fluvial,... pero otras son cáscaras vacías por muy emblemáticas que se consideraran o se consideren.

Recogidas con cámaras de pelicula tradicional en el último año, aparecerán en esta entrada algunos de esos paisajes.

Hace unos días dedicaron una serie de artículos en L'Oeil de la Photographie a Erwin Blumenfeld. Llegado a Estados Unidos en 1941 huyendo de los nazis que imperaba en su país natal, Alemania, y que estaban llevando la guerra y la destrucción por toda Europa, pronto se consolidó como uno de los fotógrafos más imaginativos y elegantes del mundo de la moda, con un maravilloso uso del color. No me suele atraer mucho la fotografía de moda, pero Blumenfeld me gusta mucho, especialmente desde que tuve la ocasión de ver una exposición dedicada a él en París hace unos años.

Hay tres artículos, uno dedicado a las fotografías realizadas en su estudio, quizá las formalmente más osadas y experimentales, otro dedicado a su carácter de pionero en el mundo de la moda editorial, y el tercero a las formas artísticas que usó para resaltar la belleza femenina.

El fin de semana pasado se celebró la entrega de los Óscar. Dejando de lado el excesivo impacto, desmesurado podríamos decir, que tuvo el error en la entrega de premios, lo cierto es que el evento ha dado lugar a unos cuantos artículos en los que la fotografía se une al cine.

Una de las candidatas a mejor actriz, y que en mi opinión hizo un trabajo tan merecedor del primer premio como la ganadora, fue la británica Ruth Negga. En AnOther Magazine nos muestran una serie de fotografías de la actriz realizadas por Collier Schorr, de stilo clásico, en un bello blanco y negro que sacan partido de la belleza natural de esta bella actriz de origen etíope e irlandés.

En American Photo nos muestran el trabajo de Mark Seliger para Vanity Fair con los retratos de los intérpretes ganadores de los Óscar con sus estatuillas y a otros protagonistas de la gala posando en una de las fiestas posteriores a la ceremonia de entrega de los premios. Color muy elegante y sobrio, con ciertos toques de decorado art deco, para destacar a estos protagonistas de la noche.

Algo más de profundidad tiene el artículo que dedicaron en Lens Culture a la cinematografía de Moonlight, película ganadora del premio gordo. Aun que no del premio a la mejor dirección de fotografía, que se fue a la colorida La La Land. En cualquier caso, además de mostrarnos algunos ejemplos de la excelente cinematografía de la película, nos muestran algunas de sus influencias fotográficas, como los trabajos de Viviane Sassen o los de Earlie Hudnall Jr.

Si ya hemos comentado la relación entre fotografía y cine en los párrafos anteriores, no hay que negar tampoco las que mantiene con otras artes. A distintos niveles.

Por ejemplo, en otro artículo de AnOther Magazine tratan de descodificar el estilo personal de la pintora norteamericana Georgia O'Keeffe, todo un carácter y un personaje, una de las artistas más importantes del siglo XX. Y lo hacen a través de los retratos que sus amigos fotógrafos le hicieron a través de su vida, más posados o más espontáneos, eso hasta punto da igual. Alfred Stieglitz, Ansel Adams, Todd Webb o Bruce Weber son algunos de los ejemplos de estos excelentes fotógrafos.

En otro extremo, es el propio artista plástico el que utiliza la fotografía para usarla en su obra o para documentar su obra. En L'Oeil de la Photographie nos mostraban hace unos días las polaroid de Duane Hanson en las que recoge sus esculturas hiperrealistas de gente corriente, pero también se sirve de ellas para adquirir ideas para el desarrollo de estas obras. Forman parte, de alguna forma, del proceso creativo del escultor.

Lo digo y lo repito con frecuencia en estas páginas. La fotografía en color me gusta tanto como la fotografía en blanco y negro, y me parece tan capaz como esta de conseguir grandes resultados. Sin embargo, eso no fue una verdad admitida durante mucho tiempo, y por ello admiro y me gusta contemplar la obra de los precursores coloristas.

La tribu de los Nuba en el sur de Sudán, fue objeto del interés de distintos fotógrafos en la segunda mitad del siglo XX. Es relativamente conocido el trabajo de Leni Riefensthal, cuando tras abandonar el cine como consecuencia de su caída en desgracia por su colaboración descarada con el régimen nazi, intentó rehabilitarse mediante la fotografía y un interés etnográfico. Pero antes que ella, fue George Rodger, como nos informa en Magnum Photos, uno de los pioneros en acercarse a la región de Kordofán para fotografiar a esta interesante etnia, hoy en día en peligro por los conflictos violentos que asuelan esta parte del mundo. Y utilizar el color a finales de los años 40 lo convierte en uno de los pioneros de estas técnicas a tener en cuenta.

Conocía ya el trabajo de Gordon Parks, uno de los fotógrafos afroamericanos más comprometidos con los temas relacionados con el movimiento de los derechos civiles, aunque principalmente lo he asociado siempre al reportaje en blanco y negro. Pero como podemos ver en L'Oeil de la Photographie, Parks, que también hacía la fotografía de moda y se movía en el mundo de las artes, dominó también con maestría el color, y es realmente interesante conocer esa parte de su obra.

Y vamos con un poco de miscelánea.

En verano de 2012 hice un viaje breve a Ginebra, desde donde conocí algunas de las localidades y de los paisajes de la llamada Riviera Suiza, a orillas del lago Lemán. Un lugar absolutamente privilegiado desde muchos puntos de vista. Pero en FotoRoom podemos ver el interesante trabajo de Elsa Guillet, una joven fotógrafa natural de esa región, que no puede evitar reflexionar entre los distintos mundos que representan esos paisajes. El de los ricos y ociosos que disfrutan de las belleza y encantos del lugar, y la de los trabajadores que se ufanan para salir adelante y para servir a los anteriores. Y reflexiona con fotografías, que es lo suyo.

Sonia Sieff, la hija del desaparecido y celebrado Jeanloup Sieff, está siguiendo los pasos de su padre y se ha hecho fotógrafa. Hace un par de años ya lo comprobé en una pequeña exposición en París donde se mezclaban los trabajos de padre e hija. En L'Oeil de la Photographie han publicado un artículo a propósito del primer libro de Sonia Sieff. Y se confirma lo que ya percibí. Aunque sigue con los temas del padre, fotografiar a la mujer de forma sensual y de la forma más natural posible, sus fotografías son correctas pero no llegan a la intensidad de las de su progenitor.

Finalizaremos con otro reportaje que nos llega desde L'Oeil de la Photographie, esta vez dedicado al trabajo de Marco Scozzaro, italiano radicado en Nueva York, que mezca la fotografía con la inclusión de elementos digitales en sus fotografías. Pero sin estridencias, y aportando elementos estéticos y conceptuales a las imágenes. Y al mismo tiempo planteándonos dónde empieza o termina la fotografía, y dónde y cuándo hablamos de otras técnicas artísticas. O incluso, si eso es importante.

Ha sido una semana rara. La verdad es que he andado con muy poco tiempo entre unas cosas y otras. Trabajo, asuntos domésticos, fotografía como práctica personal,... Por lo tanto, me he encontrado con no muchas recomendaciones seleccionadas para hoy. Aunque creo que interesantes.

En cualquier caso, comenzaré por dejaros mi enlace al tablero de Pinterest correspondiente a esta semana.

En lo que se refiere a las fotografías que acompañan el artículo, he de decir que esta semana la he tenido marcada por la práctica del bodegón o naturaleza muerta. Ayer sábado estuve realizando un taller sobre este género de la fotografía, y de las artes en general, del que os hablaré otro día. Pronto. Espero. Pero hace unos días desempolvé la Hasselblad, la cargué con un carrete de Ilford FP4 Plus y estuve haciendo fotos, algunas de las cuales podréis viendo a lo largo de este artículo.

Esta semana he tenido varias noticias que relacionan el mundo de la fotografía y el cine o la literatura, coincidencia que siempre supone un plus de motivación para mí. L'Oeil de la Photographie nos trae algunos artículos al respecto en su edición del día 23 de septiembre de 2015.

En los años 30, Brassaï, un clásico absoluto, recorrió las calles de París dejándonos documentos absolutamente icónicos y que han marcado la visión que de la capital francesa han tenido las generaciones posteriores de fotógrafos. En 1956, algunas fotografía de Brassaï sirvieron para ilustrar la novela corta de Henry Miller Días tranquilos en Clichy (Quiet Days in Clchy). La novela ha sido llevada en un par de ocasiones al cine.

Recientemente se han descubierto algunas fotografías inéditas de un fotógrafo que estuvo especialmente activo con el surgimiento de la Nouvelle Vague francesa. Se trata de Raymond Cauchetier. La fotografías son fotos fijas del filme clásico Jules et Jim de François Truffaut. 

Pasemos ahora a un par de fotógrafos más actuales, y que dan importancia al color en sus obras.

También en L'Oeil de la Photographie nos hablan de la obra de Hans Feurer, fotógrafo de moda que en algunos de sus trabajos mezcla el desnudo, la pintura corporal, la abstracción y un intenso tratamiento del color, con resultados notables desde mi punto de vista. Un estética más propia en algunas ocasiones de los años 70 y 80, pero que no deja de ser interesante recuperar hoy en día, si no de forma sistemática sí en sus representaciones más conseguidas.

Dejando el mundo de la moda y la belleza, nos vamos a la fotografía documental. En este caso, LensCulture nos transporta al Ártico siberiano, a la ciudad de Norilsk, la más septentrional de las que sobrepasan los 100.000 habitantes en el mundo. Absolutamente gélida, especialmente en los meses de invierno, en los que durante dos meses se sume en la noche ártica, fue construida por prisioneros de un gulag próximo durante el régimen de Stalin. La fotógrafa Elena Chernyshova intenta investigar la adaptación humana al clima extremo, al aislamiento y al desastre ambiental en un lugar único. Pero no dejéis de visitar el resto de sus reportajes de fotografía documental, que combinan el interés humano, social y antropológico, con un gran dominio del color y la composición.

Finalmente, quiero traeros aquí un recurso que he descubierto esta semana, The Red List. Se definen a sí mismos como un sitio diseñado a modo de libro de tendencias, en el que las artes visuales tienden puentes con creativos tanto históricos como contemporáneos en el mundo de las bellas artes, del diseño, del interiorismo, de la moda, o de la arquitectura entre otras disciplinas. tienen gran presencia el cine y, como no, la fotografía. No hay grandes artículos en profundidad, más bien son colecciones o porfolios de fotografías sobre la obra de los muchos artistas representados, con el fin de que sirvan de inspiración a otros artístas. Si uno se da de alta con Facebook, puede ir construyendo su propia lista de intereses. De entrada te proponen una lista de artistas de distintas materias, que tu puedes modificar quitando y añadiendo.

Como estamos en el mundo de la fotografía y las artes visuales, de las propuestas iniciales he dejado varias entre las que destacaré las dedicadas a Larry Clark y Joseph Szabo, ambos fotógrafos que se han acercado al mundo de la adolescencia, y a la emblemática serie televisiva Twin Peaks, cuyos últimos capítulos emitidos, hace ya casi 25 años, estoy viendo estos días, y cuya riqueza visual es uno de sus principales atributos.

Entre las novedades que nos han presentado esta semana tenemos un clásico del mundo de la fotografía de la moda como es Erwin Blumenfeld, y una clásica contemporánea también del mundo de la moda, con un estilo y una visión muy personales, como es la francesa Sarah Moon.

La revista alemana STERN (enlace en alemán) publica desde hace ya un tiempo unos monográficos de fotografía en el que cada uno de ellos está dedicado a un fotógrafo destacado, actual o clásico. Son muchos los nombres significativos que han sido publicados en esta colección, cuyos textos están en alemán e inglés. Los primeros números tenían el formato de una revista de gran tamaño, con tapas blandas, mientras que desde hace un tiempo han pasado ha tener la encuadernación en cartoné, aunque siguen con el formato de página grande. Bastante más grande que el de una revista habitual. A la hora de colocarlo en una estantería hay que contar con casi 40 centímetros de alto, frente a los casi 30 de las revistas habituales. Yo tengo varios ejemplares de esta colección de distintos fotógrafos. Acompaño esta entrada de un par de diapositivas de hace 25 años. Así... fotografía "clásica"

Recientemente, en un comercio de Zaragoza han aparecido algunos números de esta colección ha precio reducido. De los 29,90 euros que son su precio habitual a 9,90 euros. Lo cual está muy bien, una ocasión que no hay que perder para incrementar la biblioteca de libros de fotografía. He elegido dos fotógrafos de quienes no tenía nada.

ERWIN BLUMENFELD fue un fotógrafo alemán, que tras vivir en los Países Bajos y París, huyó de Europa durante la Segunda Guerra Mundial y acabó naturalizándose ciudadano de los Estados Unidos. Su principal trabajo fue para el mundo editorial, especialmente para el mundo de la moda y la publicidad, siendo desde muy joven un gran innovador y experimentador, con una visión muy personal, trabajando tanto la fotografía en blanco y negro como el color. Siempre me ha parecido un fotógrafo muy elegante, que se sale habitualmente de la norma establecida. Ha influido mucho en otros fotógrafos.

NADAV KANDER es un fotógrafo actual, en activo, de origen israelí y establecido en el Reino Unido tras haber vivido bastante años en Sudáfrica. Aunque es muy conocido por sus retratos de gente famosa, por sus muy personales desnudos de formas rotundas y palideces de otras épocas, las fotografías que más me llaman la atención tienen que ver con los paisajes, muy pulidos, desprovistos de elementos de distracción y en los que no falta la presencia humana, muchas veces muy empequeñecida por su entorno. En esta faceta de su trabajo, su forma de ver el mundo, me parece un autor muy inspirador.

Bueno, ya sabéis. Si vivís en Zaragoza, tenéis que aprovechar la ocasión, que supongo que también se encontrará en los establecimientos de esta cadena comercial de otras ciudades españolas.