En las últimas semanas he tenido la oportunidad de ver desde la televisión de casa un par de interesantes películas documentales sobre dos fotógrafos del siglo XX, uno de ellos todavía vivo, que con estilos e intereses muy distintos, han marcado de alguna forma la historia y la evolución de la fotografía.
Este documental británico que ya tiene unos años, nos habla del compromiso del fotógrafo Don McCullin con la verdad y con la ética profesional del reportero gráfico de conflictos. Porque si por algo destaca el inglés no están por la calidad de sus imágenes, que es altísima, sino por la ética profesional que le ha acompañado a lo largo de su larga carrera de guerra en guerra, de catástrofe humanitaria en catástrofe humanitaria. Bien sea documentando las bandas callejeras londinenses, o durante años la guerra de Vietnam, la catástrofe humanitaria de Biafra, la demencia de la guerra civiel del Líbano, la intensidad del conflicto norilandés, diversas catástrofes ecológicas, o el drama de los primeros enfermos de sida.
Speaker's Corner en Londres, ciudad donde tenía su base de operaciones Don McCullin para salir por todo el mundo a documentar lo peor del ser humano.
Durante 20 años fue fotógrafo del Sunday Times Magazine, para quien realizó algunos de sus mejores reportajes de la mano del editor Harold Evans, que convirtieron a la publicación en un paradigma del periodismo de investigación. Hasta la llegada del magnate Rupert Murdoch, que dio un bandazo de carácter muy conservador al periódico, alineándose con el thatcherismo. A McCullin se le negó el pasaje para ir a las Malvinas, aduciendo cualquier excusa banal. Su forma de mostrar la realidad de lo que sucedía en los conflictos bélicos se llevaba mal con los nuevos gobernantes, mucho más cómodos con formas de censura, sino directas, cuando menos sutiles y efectivas.
Vive todavía McCullin, y su valía ha sido reconocida en numerosas ocasiones. Pero abandonó tiempo ha la primera línea de batalla. Y ahora se pasea con su cámara intentando reflejar las bondades del paisaje y la campiña inglmeses, que le otorgan la paz y el sosiego que los sangrientos conflictos de la mal llamada "guerra fría" le quitaron.
Documental absolutamente necesario. Imprescindible para los aficonados a la fotografía documental. Lo encontramos a nuestra disposición en Youtube subtitulado en castellano.
Recientemente se estrenó en determinados canales de televisión el documental proucido por la HBO dedicado al artista contemporáneo y fotógrafo Robert Mapplethorpe.
Mapplethorpe fue un artista muy discutido por los temas de algunas de sus fotografías y sus presuntas transgresiones, aunque no creo que él tuviese una especial intención de transgredir, sino simplemente de comunicar a través del mundo que le era familiar y en el que participaba. De hecho, el documental comienza con la intervención de un congresista norteamericano abogando por la censura y la ocultación de las obras de Mapplethorpe, algo que consiguió en cierta medida. Tuvieron que ser los tribunales los que corregieran la situación y establecieran el derecho a la exposición pública de la obra artística del neoyorquino.
Mapplethorpe era neoyorquino, y en Nueva York permaneció la mayor parte de su vida.
De hecho, Mapplethorpe no procede de ningún tipo de infancia o juventud compleja o conflictiva. Nacido en una familia católica muy religiosa, criado en un tranquilo suburbio residencial de Nueva York en Long Island, muy al contrario se crió en un ambiente seguro y querido por su familia. Desde muy joven mostro habiliadades artísticas y acabo matriculandose en el Pratt Institute de Brooklyn, institución universitaria que tiene un amplio programa de titulaciones y estudios en el ámbito de las bellas artes y la gestión de las actividades culturales y artísticas.
La fotografía no fue la opción inicial de Mapplethorpe, aunque estaba familiarizado con ella por ser la afición de su padre. Pero siempre estuvo presente en sus pinturas o en sus collages. A través de una cámara polaroid de fotografías instantáneas, especialmente durante su etapa de amistad con la cantante y poeta Patti Smith, es cuando Mapplethorpe empieza a encontrar las posibilidades del medio fotográfico como medio de expresión artística.
Solo alguna estancia en San Francisco y su muerte en Boston distrajeron a Mapplethorpe de su residencia habitual en la Gran Manzana.
Con posterioridad adquiriría una Hasselblad de formato medio, que le impulsaría definitivamente en el medio fotográfico, aunque experimentaría con una variedad de procesos más allá del cuarto oscuro convencional a partir de los negativos cuadrados de la Hasselblad. Dado que desde muy joven manifestó afinidad y atracción por el homoerotismo, en todas sus vertientes, este tema aparece con frecuencia en sus fotografías. Y es lo que le colocó la etiqueta de artista transgresor, demonizado por las facciones más conservadoras y religiosas de la sociedad. Pero también dominó el arte de la naturaleza muerta, que elevó a cotas estéticas notables, así como el del retrato. En realidad, lo que caracteriza a Mapplethorpe como fotográfico, más que sus temas, que siempre son importantes, son su búsqueda de la perfección y de los hallazgos estéticos, adquiriendo gran maestría en el dominio de la luz, de los tonos, luces y sombras, y de la composición, siendo un referente estético para las generaciones venideras. Se constituyó como uno de los artistas contemporáneos más importantes de su tiempo, y su obra es un verdadero tratado de fotografía.
Como consecuencia de sus relaciones homoerótica a finales de los años 70 y principios de los 80, se infectó con el virus del sida, falleciendo por la enfermedad en 1989, antes de que esta pudiera ser controlada y cronificada con los medicamentos modernos, privándonos de un artista importante, que hasta el final tuvo cosas interesantes que decir en el mundo del arte.
Un imprescindible por lo tanto. No disponemos libremente de la película para enlazarla aquí, pero sí del trailer, que os dejo para dejaros con la miel en la boca.
Esta semana, que he estado de vacaciones, se suponía que podría recolectar un mayor número de recomendaciones fotográficas, y con más tranquilidad. Lo cierto es que no. No sé si porque he estado muy entretenido con otras actividades, o porque el verano se va notando y el número de noticias disminuye. Aunque también el verano se presta a las actividades culturales. No sé. Igual ha sido un fenómeno casual. Azaroso. El caso es que ha afectado tanto al número de recomendaciones seleccionadas, como al número de fotografías recolectadas en el tablero de Pinterest de la semana.
Las fotografías que acompañan la edición de esta semana de mis recomendaciones son de ayer mismo, sábado. Pasé toda la mañana con mi sobrino Diego, de siete años. Y nos fuimos a visitar el Acuario de Zaragoza, que está especializado en especies fluviales fundamentalmente. Alguna hay marina, especialmente las que tienen su habitat relacionado con la desembocadura de los cinco ríos representados en esta exposición permanente; el Nilo por África, el Mekong por Asia, el Amazonas por América, el Darling-Murray por Oceanía y el Ebro por Europa. A mi me gustaría ir con más frecuencia. Pero es caro. 14 euros la entrada normal y 7 euros para los niños hasta 12 años. Y no existen posibilidades de abonos anuales o iniciativas tipo "amigos del acuario" ni nada por el estilo. Siempre lo digo. Con esos precios, la mayor parte de la gente va una vez cada mucho tiempo, y el acuario suele estar con poquita gente. Desangelado. Con un abono anual equivalente a dos entradas, estarían ingresando más dinero, y la gente iría a pasar la mañana o la tarde y habría ambiente. Por el mundo esto se da... ¿por qué en los museos y entidades culturales de Zaragoza no es así? Absurdo. En cualquier caso, como llevaba mi Leica D-Lux, hice algunas fotografías de las que os dejo una muestra en esta entrada.
Seguimos encabezando estas entradas de recomendaciones con entradas luctuosas. Gentes de la fotografía que se van al otro barrio.
Yo no conocía a este fotógrafo, que tampoco parece muy popular fuera de Estados Unidos. Incluso en su país no es de los más conocidos. Sin embargo, las muestras de su trabajo que ofrece Forbes y lo que luego he podido ver me hacen pensar en un fotógrafo muy intimista, que se introduce mucho en sus sujetos. Con un estilo fotoperiodístico, parece que una de sus influencias fundamentales fue W. Eugene Smith, sin embargo no trabajó para los medios de comunicación, y vendió su trabajo a través de galerías de arte o de libros de fotografía. Merece la pena darse una vuelta por su obra.
Otro de los fallecidos esta semana ha sido el director de cine iraní, muy interesante como cineasta, Abbas Kiarostami (1940-2016). Hubo una referencia a su trabajo como fotógrafo hace un par de años en Cada día un fotógrafo, que os recomiendo repaséis. También es un fotógrafo muy intimista, muy apegado a los paisajes, lo cual sucede también en su obra cinematográfica. Muchas de sus fotografías son realizadas al vuelo, mientras conduce. En una observación permanente de esos paisajes. A conocer, también. Como fotógrafo y como cineasta.
Desde el otro lado de los Pirineos, las noticias que nos llegan no tienen todas relación con el fútbol. Porque se han puesto en marcha ya los encuentros fotográficos de Arles que es uno de los festivales más importantes de fotografía en el mundo. Algún día habría que ir. Total está "aquí al lado", al otro lado de la frontera. Por eso han llegado abundantes noticias sobre exposiciones en la ciudad provenzal, de las cuales he seleccionado algunas.
Una curiosa, y estremecedora, es la serie de Andres Serrano sobre la tortura. Aunque representada en ocasiones en sus fotografías, algunas de las cuales podemos ver en L'Oeil de la Photographie, en forma de objetos utilizados en épocas remotas, también encontramos fotografías que nos muestran el mundo de la tortura hoy en día o en los terribles acontecimientos bélicos o totalitarios que se sucedieron durante el siglo XX. Me vale como elemento de reflexión. Porque evita caer en un morbo excesivo, con fotografías directas sencillas y que hablan por si mismas.
También podemos ver en L'Oeil de la Photographie fotografías de la serie Phenomena de Peter, Sara & Tobias. Es decir los fotógrafos Tobias Selnaes Markussen, Sara Galbiati y Peter Helles Eriksen. Leía esta mañana el artículo en Xataka Ciencia "El ovni de los agujeros". Un artículo en el que explica cómo el "fenómeno ovni" se ha convertido en el nuevo "dios" de la modernidad para explicar aquello a lo que mucha gente no encuentra explicación. Y en lugar de tomar la vía ardua y difícil de investigar, estudiar, analizar... opta por abrazar los modernos mitos de los extraterrestres y las naves espaciales de otros mundos. Como antaño sucedía con los dioses. Los fotógrafos, con su investigación y trabajo, recogen las manifestaciones culturales de la acogida de estos nuevos mitos por partes de las sociedades actuales. Con un punto de vista entre documental e irónico, sin que falte una cierta dosis de cariño.
Don McCullin es uno de los grandes de los fotórreporteros de las últimas décadas, especialmente en tiempos de guerra. Pero en Arles han optado por exponer su obra menos relacionada con el fenómeno bélico, y mostrando sus facetas como paisajista y fotógrafo documental de la realidad social de las ciudades occidentales. Tan buenas como su trabajos más conocidos. También en L'Oeil de la Photographie.
Cambiando de tercio, el paisaje. En esta semana he estado metido a fondo en esta práctica. De Islandia me he traído una abundancia de paisajes, no siempre obtenidos en las mejores condiciones de luz. Frente a la tendencia que se observa en algunos sitios a transformar mediante el procesado digital los paisajes en algo muy distinto de lo que había en el momento de la toma, mi ética personal me lleva a que el procesado, que siempre existe, no seamos hipócritas y digamos que no, intenta recuperar las sensaciones del momento de la toma sin añadir nada más. O por lo menos eso espero. En cualquier caso, hay que mirar muchos paisajes para tener una idea clara de por donde hay que tirar. En el tumblelog de If You Leave, nos han mostrado los paisajes de la serie "Plethora" de Cody Cobb, que se aproximan mucho a mi ideal. Paisajes con poco elementos, bien distribuidos en el cuadro. Colores naturales, sin estridencias y que devuelven un ambiente sin ninguna sensación de artificiosidad. Pero es más difícil de lo que parece... Llevo dos días revisando la primera versión del libro de fotos de Islandia, y aunque la selección de fotografías me parece adecuada, el tratamiento que les he dado me hace dudar... Habrá que revisar más.
De niño, en clase de manualidades, nos ponían hacer collages. Algo que nos divertía pero nos parecía banal. Problemas del sistema educativo español a lo largo de las décadas. Sin embargo, de vez en cuando encuentro artistas del collage que no dejan de atraerme. Algo así me ha pasado con la propuesta que nos ha traído esta semana Lenscratch. Se trata del trabajo de Nadine Boughton, que ha través de sus collages con la imaginería de los años 50 en Estados Unidos, intenta establecer una exploración crítica de los valores de esa sociedad, que se han transmitido a la actualidad con más fuerza de lo que pensamos. Las ideas de los papeles asociados a los sexos, la belleza, el poder, la ciencia y la tecnología, el miedo al conflicto bélico o terrorista,... Muy interesante.
Segunda semana de dedicación a la fotografía entre moderada y baja. Ni he hecho muchas fotos, algunas sí de carácter principalmente documental, ni he retenido muchas recomendaciones para el fin de semana. Por supuesto, tengo mi tablero de Pinterest con fotografías que me han llamado la atención durante estos días mientras recorría internet.
Y desde luego entre la selección de enlaces que viene a continuación los hay muy interesantes. Así que a ello. Estos días estoy de vacaciones. En la medida de lo posible quería hacer fotos, y mi primer día de libertad, aunque tuve que dedicar bastante tiempo a asuntos domésticos, me di un paseo con una Pentax digital y algunos objetivos de la marca de los antiguos, de los de enfoque manual, para aprovechar el buen día. Os dejo aquí algunas fotografías. Lamentablemente, después de ese día, el tiempo no está acompañando tanto. Y la semana se pasará enseguida, ya veréis.
Empezando como de costumbre por los clásicos. Y un clásico entre los clásicos de la fotografía norteamericana, y mundial, es Walker Evans, especialmente reverenciado en los museos de arte moderno en los Estados Unidos, MoMA al frente. Para que no nos olvidemos de él, ha aparecido esta semana en un artículo de L'Oeil de la Photographie.
Bastante más moderno, todavía en activo, pero desde muchos puntos de vista pudiéndose considerar un clásico también, tenemos a Larry Clark. Clark es un fotógrafo controvertida porque sus series de los años 70 muestran, a veces de forma muy explícita, la vida sexual de los adolescentes (Teenage Lust) o el consumo de drogas entre estos (Tulsa). Con posterioridad se ha dedicado más al cine, manteniendo el interés en los mismos temas, con suerte diversa. En American Suburb X le hacen una entrevista en la que se explica perfectamente, y nos permite conocer mejor el porqué de su aproximación a temas tan difíciles. El motivo de la entrevista es el vigésimo aniversario de su película Kids, donde surgieron nombres actualmente conocidos en el mundo del cine o la televisión como Chloë Sevigny o Rosario Dawson, en papeles muy difíciles y comprometidos. Siempre he tenido la sensación de que la intención del director es que el título de la película se escribiese KIDS y no Kids. Viéndola se entiende el porqué de esta apreciación.
Ya que hemos rozado el mundo del cine y la televisión, el otro día estaba leyendo cosas sobre Alexa Davalos, la protagonista de la excelente serie de televisión The Man in the High Castle. Bien, pues en estas me entero que la guapa actriz es hija del fotógrafo Jeff Dunas. Y me puse a ver que tal... porque me sonaba pero sin recordar nada en concreto. Probablemente resulten conocidas algunas de sus fotografías sobre celebridades del mundo del cine o de la música. Sin embargo, a mí me resultan más interesantes las fotografías de carácter documental, bien sea en blanco y negro o en color. No está de más pasarse un rato por su sitio en internet.
Un fotógrafo, también norteamericano, que ha aparecido en alguna que otra ocasión en estas páginas es David Burnett. En un momento dado, un primo de su esposa le retó. Sí, está muy bien eso de hacer estupendas fotografías de acontecimientos por todo el mundo. Pero ¿qué tal lo de mirar a la ciudad dónde uno vive, a sus problemas, a los de sus vecinos, a lo cotidiano? Así que Burnett se puso en contacto con Photographers for Hope (Facebook, por si todavía no está en marcha la página principal), y se pusieron a la tarea. Esta organización busca impulsar el cambio social a lo largo y ancho del mundo mediante la fotografía. Además de Burnet, en el proyecto de Newburgh, han participado Benjamin Moldenhauer, Sarah Bones, Patricia Goldschmid, Katarina Premfors, Anna Wang, Joe Oppedisano, Jack Marash y Matteo Cardin. Y todo estos nos lo contaron en Lens - The New York Times.
Y ahora vayamos un poco al tema ambiental. Porque ya hemos visto en otras ocasiones que la fotografía puede ser un arma de denuncia y testimonio de las consecuencias de los desastres ambientales por causa de la acción del ser humano. Una de las zonas del mundo donde más está llamando la atención el calentamiento climático es el Ártico. En L'Oeil de la Photographie nos muestran el bello trabajo de Sebastian Copeland, The Vanishing North. El norte que se desvanece. Notables paisajes árticos en blanco y negro y color para denunciar estas afectaciones.
Menos vistosos pero quizá más significativos son los dípticos de la serie The Spring Thaw (el deshielo de primavera) de Katie Orlinsky, que nos muestran el anormalmente rápido e intenso deshielo que se a producido este año en el norte de Alaska, que además ha coincidido con el hecho de que el invierno 2014-2015 ha sido el más templado de los registrados hasta la fecha. Más allá de la anécdota puntual, lo cierto es que la afección de los ecosistemas por el retraso del invierno, el adelanto de la primavera, los fuegos forestales y las tormentas intensas ha sido muy grande. Nos lo han contado en The Prime Collective.
Y vamos ahora con la denuncia dentro del mundo de la fotografía. Cuando algunos fotógrafos denuncian lo que hacen otros fotógrafos.
Ha sido muy reflejado en los medios interesados las declaraciones del veterano y conocido fotógrafo de prensa Don McCullin que ha afirmado que el dominio de la tecnología digital en el medio fotográfico ha llevado a que la fotografía documental sea "una mentira", que ya no es digna de confianza. Veterano del Vietnam, cuya Nikon F le salvó la vida al para un bala que le iba destinada, sus fotografías son conocidas y muy duras y gráficas. Prácticamente siempre en blanco y negro, recorrió numerosos conflictos. Sus declaraciones son duras. Sin embargo, se podría argumentar que lo que es falso no es la tecnología, sino las personas que la usan. Y eso vale tanto ahora con lo digital, como con la película tradicional. Lo que pasa es que ahora es más fácil y más rápido. Nos lo han contado, entre otros, en Bokeh de DigitalRev.
Y ha sido anunciado y mostrado al público el calendario Pirelli de 2016. Calendario exclusivo que regala la empresa de neumáticos a unos cuantos VIP's, tradicionalmente contenía fotografías de bellas mujeres desnudas parcial o totalmente. Aunque ha habido una tendencia en los últimos años a alejarse de ese tipo de calendario. Este año no es una excepción, ya que la responsable del calendario de 2016, Annie Leibovitz, decidió retratar mujeres de todas las edades y condición famosas por sus logros y no por sus belleza física. Loable. Lo irónico del caso es que la mayoría de los sitios donde he visto la noticia, la han ilustrado con una de las fotografías de la serie en la que aparece la actriz Amy Schumer casi totalmente desnuda. Han aclarado algunos medios que esa fotografía era una ironía a los formatos de décadas pasadas. Lo hemos visto, entre otros muchos sitios, en The Guardian.
