Hace unos días, en uno de los canales de Youtube sobre fotografía con película tradicional que sigo, vi un par de vídeos en los que el autor de los vídeos, bastante ameno el hombre, británico, utilizaba la controlada luz de un panel de LED para fotografiar sencillas naturalezas muertas, y de paso comprobar la latitud de exposición real de algunas películas fotográficas. Con un único panel de LED, un difusor de la luz y una pantalla reflectante, podía ajustar el contraste de la escena, tomando en cuenta también las características del sujeto. Os dejo los enlaces a los vídeos por si os interesan.

Comenté el caso con algunos conocidos, y unos días más tarde, uno de ellos me cedía un pequeño panel de estos, con una potencia bastante inferior a la del que aparece en los vídeos, eso sí, y decidí hacer algunas pruebas.

Para ello, una tarde sábado un tanto monótona, monté un pequeño entorno de fotografía con una tela negra, en realidad una camiseta deportiva de tejido sintético que se arruga muy poquito, mi Hasselblad 500CM con algún que otro tubo de extensión y varios objetivos,... y como no tenía muy claro qué iba salir de ahí, me puse rácano y opté por un rollo de película barata en blanco y negro, Fomapan 200 Creative. Que conste que de la gama de Fomapan, es la que más me gusta. Las versiones de ISO 100 y 400 no me dicen nada, y en ocasiones no han tenido la longitud suficiente para las doce exposiciones que se obtienen con la Hasselblad, y detecto cierta inconsistencia en la calidad de estas películas. Que también subcontratan con otras marcas. Ahora no sé, pero antes la Lomography Earl Grey 100 era una Fomapan 100 Classic. Con las mismas inconsistencias en calidad, pero más cara.

¿Por qué tenía en casa esta Fomapan 200 si últimamente me centro en las películas de Ilford, con una calidad mucho más consistente entre todas sus unidades? Pues porque así como las de formato 135, o 35 mm, son fáciles de encontrar en un par de comercios de Zaragoza, las de formato 120, que no son 120 mm sino unos 60 mm, no tanto. Y en un momento dado, compré, por ser socorrido, dos rollos de la Fomapan 200. Que como digo no me había ido mal. Se dice que no tiene una estructura de grano tradicional, sino que entraría dentro del grupo de las de grano tabular, como las Delta de Ilford o las T-Max de Kodak... aunque en estos momentos no recuerdo dónde lo leí. Un momento que miro... Ya... lo dice el propio frabricante. Con una granularidad teórica marginalmente superior a la Fomapan 100, RMS = 14 de la ISO 200 frente a 13,5 de la ISO 100, mis resultados no han mostrado diferencia apreciable alguna... e incluso algún rollo menos granuloso en la Fomapan 200, aunque puede ser debido al mayor cuidado en su exposición y procesado.

Así pues, cogí el panel LED, una sombrilla translucida para que actuase como difusor de la luz, y una pantalla reflectora para rellenar las sombras y controlar el contraste. Algo muy simple y elemental. Monté la cámara... y medí la luz con el Sekonic L-408 Multimaster. La luz continua, con el montaje que hice, era suave y razonablemente agradable. Más fácil de controlar que con los flashes, en los que tienes que hacer pruebas para comprobar como van, o usar, si tienen, luces de modelado, que son más débiles. Pero el panel que me cedieron... es muy poquito potente. Y para un diafragma f/22, con objeto de incrementar la profundidad de campo, me sugería tiempos de exposición entre 8 y 20 segundos. A lo que había que sumar la corrección de los tubos de exposición... no muy importante, pero que ahí está, y el fallo de la reciprocidad para la película. Que es abundante. Y además, las correcciones que propone el fabricante son muy groseras. No te da un fórmula clara y precisa como Ilford. Sino intervalos, bastante amplios, de tiempos de exposición, que te dejan un poco frío... Según cómo los interpretes... los tiempos varían mucho.

En fin, tiré por la del medio, tomé mis decisiones, hice 12 fotos, colocando como modelos tanto ejemplares procedentes de mi vitrina de cámaras como del cajón de las frutas y verduras de mi frigorífico, y una vez expuestas las doce fotos del rollo, lo revelé con Kodak HC-110 a 20 ºC. Como la tarde en la que lo revelé andaba con prisas, acepté la propuesta de la dilución B, aunque fueran con un tiempo de revelado de sólo 3 minutos y 30 segundos. Prefiero siempre tiempos de 6 minutos o más, porque las variaciones de algunos segundos en el trasiego de líquidos tienen menos impacto que con tiempos cortos. Pero bueno... le puse interés y todo transcurrió sin problemas. O eso creía.

Porque al poner a secar los negativos, observé que tenían una densidad muy escasa. Tenían toda la pinta de estar subexpuestos. Y no sabía muy bien qué iba a salir de ahí. Una vez secos, y con muchos reparos, los digitalice con la Panasonic Lumix G9 en modo de alta resolución, y ajusté los tonos de forma básica en Pixelmator Pro. Y lo cierto es que, pese a las apariencias, había imagen y detalle, tanto en las luces como en las sombras. Sin un especial aumento del grano. Muchas de las fotos se prestaban a una interpretación en clave baja... así que... tampoco había mucho problema. Lo cierto es que la Fomapan 200 Creative se comportó bien.

En cuanto al panel LED... pues sí que es una solución cómoda para este tipo de fotos... pero algún modelo con más potencia. No sé para qué lo usaría el amigo que me lo cedió. Supongo que para apuntar algo de luz en la grabación de vídeos. El modelo que se usa en los vídeos que he colocado al principio es claramente superior. Y el precio no es desmesurado ni mucho menos. Igual me animo con uno de esos paneles más potentes y más serios y dedico tiempo al bodegón. Ya veremos.

Con el final del verano han vuelto las actividades a Fotógraf@s en Zaragoza - FeZ, grupo de aficionados a la fotografía de esta ciudad, aunque hay "corresponsales" por otros rincones del mundo, que se articula y coordina a través de sus cuentas en Flickr y Facebook principalmente.

Hace ya un tiempo que se organizaron unos talleres dedicados al bodegón o naturaleza muerta, como prefiráis llamarlo, que tuvieron un gran éxito. Yo no pude realizarlos en su momento. Por ello, me alegré mucho al conocer que este mes de septiembre se iba a celebrar una nueva edición, impartida como la anteriores por Pilar Montes (pimontes en Flickr), incansable practicante de esta no-tan-fácil-como-parece modalidad artística.

Como de costumbre, el taller se celebró en el Centro Cívico Miralbueno, gracias a las buenas gestiones de Miguel Rubira. Un agradecimiento enorme a los dos.

El taller fue de 10 de la mañana a 6 de la tarde, con una pausa de un par de horas para comer. El programa, un introducción teórica sobre el bodegón o naturaleza muerta, la prácticas de toma fotográfica y, después de comer, el procesado en el ordenador.

Dicen que "cada maestrico tiene su librico". Es decir, cuando una persona transmite sus experiencias y su saber lo hace a través de su subjetividad, sus preferencias y sus valores. Lo cual no sólo no es malo, sino que está muy bien, porque te permite contrastar con los tuyos propios y, finalmente, te enriquecen. El estilo de Pilar a la hora de trabajar el bodegón implica dos cosas; una cuidadosa composición en el momento de la toma y un procesado minucioso y detallista en el ordenador sobre el archivo digital en formato RAW. El resultado tiende a tener un estilo pictorialista que se transmitió a los ejercicios que hicimos y a nuestros logros durante el taller.

Os dejo a continuación cuatro ejemplos del trabajo realizado. Es lo que hice durante las horas que duró la actividad. No he retocado nada posteriormente en casa, por lo que el resultado final quizá podría haber estado un poco más afinado de haber realizado el procesado en el ordenador de sobremesa en casa y no en el portátil "in situ".

Esta es una disciplina en la que yo me quiero ir introduciendo, como he venido diciendo desde que empezó el año, cada vez más. Aunque imagino mi estilo final menos pictorialista. Estoy reuniendo desde hace un par o tres de semanas en un tablero de Pinterest ejemplo de bodegones o naturalezas muertas que me atraen, con el fin de formar ideas y atraer un poquito, o un mucho, de inspiración. Ya os contaré.

Tímidamente, voy ensayando el tema del bodegón en fotografía, tema que quiero ir desarrollando poco a poco. En estos momentos, aunque voy haciendo algunas pruebas en casa con iluminación tanto natural como con con algún flash, lo cierto es que estoy dedicando más tiempo a ver fotografías. De distintos autores y con distintos motivos y soluciones técnicas. Mi idea es conseguir buenos resultados a partir de un equipamiento y una puesta en escena sencilla. Si hace un par de semanas mostraba unos juguetes de mi sobrino iluminados con un flash separado de la cámara, y hace unos días eran unas hortalizas fotografiadas con cámaras tradicionales de película fotográfica, las de hoy son setas y fresas, con cámara digital, un flash separado de la cámara y una cartulina blanca para rellenar la sombras.

Y desde las páginas de CADA DIA UN FOTÓGRAFO/FOTÓGRAFOS EN LA RED me llegaban unas cuantas propuestas cuando nos mostraron la obra de PILAR PEQUEÑO, una fotógrafa española que se dedica fundamentalmente al bodegón, aunque también hace paisajes, con especial interés en sus lugares más cercanos, por donde camina y pasea. Desde luego su obra es fuente de inspiración.

Pero es que además, esta semana el blog de MARC PETER DROLET nos ha mostrado varios ejemplos de bodegones o naturalezas muertas de diversos estilos que también pueden servir perfectamente de inspiración. Por un lado, nos dan ideas de distintos motivos. Por otro, afinan las preferencias sobre el estilo de las naturalezas muerta. Finalmente, suponen el desafío de imaginar, reconstruir, cómo se realizaron las fotografías. Os enlazo algunas de ellas.

Peter Puklus, jugando con las formas y las geometrías. 

Bastantes con motivos florales como las de Simone Truong, Noah Kalina, Harriet Esther Muntean, James Pearson-Howes o Casper Sejersen.

Son famosas las fotografías de pimientos de EDWARD WESTON, y una reinterpretación curiosa del motivo la encontramos gracias a Matthieu Lavanchy.

Y luego están los objetos banales, en su entorno cotidiano, como los de Romain Courtemanche, Katrina d'Autremont o Christian Protte.

Saliéndonos ya fuera del tema del bodegón o naturaleza muerta, en LENSCRATCH publicaron un artículo sobre la fotógrafa SIMONE LUECK y su trabajo AMERICAN MOVIE. En el reflexiona sobre como percibimos las identidades propias o ajenas influenciadas por los lugares y los caracteres que aparecen en las películas de cine.

También he encontrado un artículo en PBS NEWSHOUR donde nos hablan donde cómo la fotógrafa AMY LEIBRAND usa una vía larga y compleja para trasladar sus fotografías, tomadas con el teléfono móvil y que no carecen de parentesco con los surrealistas de los años 20 y 30, a soportes materiales diversos. Incluso nos proponen un vídeo para conocerlo mejor (en inglés).

Desde que los humanos somos más conscientes del fenómeno del cambio climático, son numerosos los fotógrafos que han vuelto sus ojos al paisaje con el fin de denunciar la degradación del planeta, inmortalizar paisajes en vías de desaparición para la posteridad, o hacer campañas para concienciar a las gentes de la necesidad de detener el consumo irresponsable de materia e energía. Pero también es aprovechado el trabajo de estos fotógrafos por muchas empresas bien sea con objetivos honorables dentro de su política de responsabilidad social corporativa, o por objetivos menos honorables como los de parecer que tienen algún tipo de interés por el medio ambiente. En cualquier caso, como nos muestran en LENS CULTURE, el trabajo TERRA FIRMA del fotógrafo RICHARD WAITE para los anuarios de cierta empresa británica es digno de contemplarse. Por que son bellos paisajes que realmente ofrecen un magnífico retrato de lo más bello del planeta.

No soy un especial creyente del "sueño americano" ese que dice que cualquiera puede conseguir lo que sea si se lo propone. En las sociedades capitalistas, la permeabilidad entre clases sociales es mucho más limitada de lo que nos hacen creer. Y en estos momentos, los sistemas políticos y económicos de muchos países son muy capitalistas, y la tendencia es extremar este hecho en detrimento de los estados del bienestar. Pero de vez en cuando conocemos casos de personas que consiguen mejorar su situación y nos hacen creer que las probabilidades son mayores de los que son. En cualquier caso nos podríamos alegrar del caso de XYZA CRUZ BACANI, una chica filipina, trabajadora doméstica de una familia china adinerada de Hong Kong, que en sus ratos libres se ha dedicado a realizar fotografía documental con un contenido social paseando por las calles de dicha ciudad. Y esta joven, como nos informan en PETAPIXEL ha recibido una beca de la FUNDACIÓN MAGNUM para realizar un programa de estudios intensivos en fotografía en NUEVA YORK. Con lo que quizá pueda dedicar el resto de su vida a la profesión de fotógrafo. En cualquier caso, por qué no echar un vistazo a su trabajo hasta ahora.

Finalmente, os dejo con un pequeño documental de un cuarto de hora de duración que ha realizado TED FORBES desde THE ART OF PHOTOGRAPHY sobre FRANK LOPEZ, un fotógrafo que ha experimentado con la fotografía documental con una cámara estenopeica, y que es capaz de pasar imágenes fotografiando la pantalla de su iPad a soportes alternativos usando una cámara de gran formato, con técnicas como el colodión húmedo, los ambrotipos o los ferrotipos. A mí me da mucha envidia no tener habilidades para hacer ese tipo de cosas.

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Y con una última fotografía, me despido hasta la semana que viene.