Primeras recomendaciones fotográficas del año 2018. Y también las últimas del 2017, ya que el domingo pasado lo dediqué a los resúmenes del año y no hubo recomendaciones. No tengo mucho tiempo para extenderme, así que intentaré ir rápido.
En cuanto a las fotografías acompañantes, las que he ido realizando estas dos últimas semanas tardarán unos días en estar disponible, así que tiraré de archivo. En concreto, algunas fotografías más de las que hice con la pequeña medio formato Olympus Pen EE3 con película Fujicolor Superia XTra 400, ya que me sorprendieron muy gratamente.
Hoy tengo varios clásicos en cartera. Y el primero de ellos no es un fotógrafo sino un pintor. Surrealista. Mi preferido. Y el de muchos. René Magritte. Pero es que, como nos cuentan en Flavorwire, como buen surrealista probó de todo tipo de salsas y también realizó películas experimentales y fotografías. Merece la pena echarles un vistazo.
Hay fotografías que, más allá de sus posible valores estéticos, tienen un enorme valor por el "aquí y ahora" de cuando se tomaron. Y algunas de ellas son las de Yoshito Matsushige, realizadas en Hiroshima el mismo día en que los norteamericanos arrojaron la bomba atómica. Con su cámara de medio formato, 6x6, con negativos revelados con el agua sucia de un riachuelo. Muy defectuosas, pero únicas. Y de gran valor. No hizo muchas. Cinco. No pudo, ante la vista del sufrimiento que le rodeaba. Nos lo contó Wayne Bremser.
Creo que nunca he hablado en estas páginas de Angus McBean. Y eso que tengo un libro suyo que me gusta mucho y hojeo con frecuencia. Lo compré en Lisboa. Muy barato. McBean se especializó en ser fotógrafo de teatro, en Londres. E inmortalizó a muchos grandes intérpretes y obras teatrales del West End. Me encantan sus retratos de Vivien Leigh. Y sus obras de carácter surrealista. También hizo una portada para The Beatles. Nos lo recordaron en On this Date in Photography, el día de Navidad.
Interesante experiencia la que nos cuentan en Magnum Photos. Sobre dos de sus buenos fotógrafos. Alex Majoli y Christopher Anderson (instagram). En un proyecto conjunto en la ciudad china de Shenzhen. Lo comparan a un diálogo similar al de los músicos de una sesión de jazz, pero con fotos. Miradlo vosotros mismo. Yo os dejo aquí un vídeo sobre el proyecto.
En Feature Shoot nos hablan sobre un trabajo muy notable del fotógrafo neoyorquino Andres Serrano, siempre incómodo, siempre directo, siempre denunciando. Y si el trabajo se denomina "Tortura", no hace falta ser un lince para saber de qué va. Fotografías de personas actuales que han sido torturadas, junto con lugares famosos por las torturas practicados en ellos, u objetos destinados a la tortura a lo largo de la historia. Una denuncia clara y concisa.
En un tono menos drástico, con más humor, aunque también con el lado irónico o negro de las calles, en Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos presentan a Todd Gross (instagram). Fotógrafo que se hizo famoso a través de los blogs... blogs que eran sin palabras, sólo fotos. También conocido como Quarlo, tras un viaje de ida y vuelta pasando por la toma digital, ahora sólo usa película fotográfica.
Vamos un poco al paisaje. Los vastos paisajes del oeste americano han estimulado siempre la imaginación de las gentes y han atraído a los fotógrafos. Más cuando estos han nacido allí, como es el caso de la fotógrafa Alexis Hagestad (instagram), apegada a su Montana natal. Nos lo han mostrado en Booooooom.
Sigo con frecuencia una serie de sitios donde se habla de fotografía con película tradicional. No los suelo mencionar porque están más destinado a los aficionados que otra cosa. Pero en esta ocasión me han llamado los paisajes de Johann Bottos, nativo italiano asentado en Austria que fotografía justamente lo que hay entre ambos países, es decir, los Alpes. Pero en riguroso blanco y negro con película tradicional. Los paisajes son bellos. Y los datos sobre cómo los realiza, inspiradores. Y nos lo han presentado en Emulsive, uno de esos sitios que mencionaba.
Y como cada principio de mes, nos ha llegado el nuevo número, el 106, de Fraction Magazine. En esta ocasión, como de costumbre, presentan cuatro porfolios que, indudablemente, tienen buena calidad. Muy en el estilo de esta revista en línea. Pero ninguno de ellos ha conseguido llamarme la atención en especial, más allá de la buena calidad global de las obras. Pero bueno, echad un vistazo y decidid vosotros.
No tengo muchas posibles recomendaciones marcadas esta semana. Las suficientes para dejar una entrada digna, pero no sé si es que estado muy liado con cuestiones diversas o que el maldito "viernes negro" absorbe la energía del personal en esta orgía de compra-venta consumista importada de los EE.UU. Que conste que yo también he picado, que he comprado una mochila fotográfica más grande que la que tengo por un precio muy muy muy ajustadito. Ya veremos que tal sale. Y acabo de recibir un mensaje de correos diciendo que igual me la traen hoy domingo... pues no pienso estar pendiente. Si la traen mientras estoy en casa bien, pero si no... otro día. Que yo no les he pedido que trabajen en domingo.
En cuanto a las fotografías que acompañan... Desde que salió al mercado a principios de año, me he aficionado a la película Bergger Pancro 400, que actualmente se ha convertido en la que más uso para esta sensibilidad, los ISO 400. Pero hasta el momento sólo la había usado en formato medio. Hace unas semanas encargué algunos carretes en formato 135... ya haré un artículo específico al respecto, pero aquí os dejo algunas fotos realizadas con esta película con la Leica Minilux. Que me sigue pareciendo una cámara deliciosa de usar.
En primer lugar, desde la Photographers Gallery, un artículo sobre las polaroids de Wim Wenders. Es conocido, y lo he comentado en alguna ocasión en estas páginas o en mi Cuaderno de ruta, que el director de cine alemán también le da a la fotografía, siendo especialmente interesantes y llamativas sus panorámicas. También a veces trabaja esta faceta artística con su mujer, Donata. Bueno, pues también con las polaroids. Os dejo un vídeo sobre el tema (en inglés).
Nobuyoshi Araki es más que probablemente el más conocido de los fotógrafos japoneses. También uno de los más controvertidos, por sus temas, siempre con la sexualidad y la muerte a vueltas. También uno de los más prolíficos. Y también uno de los más sensibles... yo vuelvo una y otra vez sobre su Sentimental Journey. Pero también es uno de los que más han experimentado con la técnica fotográfica y con sus posibilidades. En Dazed nos muestran algunos de sus trabajos menos conocidos en los que las técnicas mixtas con la pintura estan a la orden del día.
Otro fotógrafo polémico por la forma en que trata sus temas es Andres Serrano, un neoyorkino con raíces latinoamericanas. Ha sido anatemizado por todo tipo de grupos religiosos por su forma de tratar el fenómeno de la religión, y sus retratos suelen tener un fuerte contenido político, comprometido. En Clavoardiendo Magazine lo han entrevistado para que lo conozcamos un poco mejor.
No conocía yo al argentino Pedro Luis Raota, fotógrafo que murió prematuramente hace ya unas décadas. En Iconic Photos nos hablan de él y dicen de él que es considerado el "Ansel Adams de Argentina"... No le veo muchos parecidos a la obra de ambos fotógrafos. pero lo que sí que es evidente que el carácter documental de su fotografía no está reñido con una estética absolutamente impresionante y con un dominio del blanco y negro y de la luz magistral.
Existe un grupo de países en la Penísula arábiga que marcan una serie inabarcable de contradicciones entre la naturaleza de sus conservadoras sociedades de inspiración islámica, la presencia impacable del desierto que domina el paisaje, y los cambios sociales y urbanísticos que derivan de la abundancia del dinero con origen en la explotación del petróleo. En Lensculture hemos podido ver algunos ejemplos del trabajo del fotógrafo Philip Cheung que ha trabajado en los Emiratos Árabes Unidos, poniendo de manifiesto las incongruencias del paisaje de estos países, que nos hablan de las incongruencias de las sociedades que albergan.
Desde el blog de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos llega la recomendación del trabajo de una fotógrafa de raíces multiculturales. Chieska Fortune Smith es estadounidense, de madre japonesa y padre afroamericano con antepasados nativos americanos. Ha vivido o vive en EE.UU., Japón y el Reino Unido. Bien sea a través de sus abstracciones, su estudio de las formas, o de sus retratos, la fotografía de Chieska Smith es muy expresiva y muy personal. Trabaja con película tradicional pero con procesado digital. A mí me ha interesado mucho.
Para terminar, hablaré de RECO, un colectivo de jóvenes fotógrafos japoneses que van a la suya, encantados de haberse conocido. Con trabajos que muchas veces no trascienden de lo anecdótico, pero que siempre son elegantes y estéticamente cuidados. Y ocasionalmente, más allá del buen rollo que desprenden, publican alguna serie de fotografías que te hace detener un poco más. Como una de esta semana que titulan Surréalisme, de uno de ellos que he llegado a la conclusión que se llama Tetsuya Nomura (instagram). Tengo mis dudas de que tengan claro el concepto de surrealismo, pero... Como digo, la mayor parte de las veces son anecdóticos, pero simpáticos y con buen rollo. Y a veces nos muestran bonitos paisajes del otoño en Kioto o de la primavera en otras ciudades del País del Sol naciente. Todo lo escriben en japonés. Si tiráis de traductor de Google y os defendéis con el inglés, os recomiendo que traduzcáis al idioma de Shakespeare, que es muchísimo más comprensible que intentar traducir del nipón al castellano.
Esta semana, que he estado de vacaciones, se suponía que podría recolectar un mayor número de recomendaciones fotográficas, y con más tranquilidad. Lo cierto es que no. No sé si porque he estado muy entretenido con otras actividades, o porque el verano se va notando y el número de noticias disminuye. Aunque también el verano se presta a las actividades culturales. No sé. Igual ha sido un fenómeno casual. Azaroso. El caso es que ha afectado tanto al número de recomendaciones seleccionadas, como al número de fotografías recolectadas en el tablero de Pinterest de la semana.
Las fotografías que acompañan la edición de esta semana de mis recomendaciones son de ayer mismo, sábado. Pasé toda la mañana con mi sobrino Diego, de siete años. Y nos fuimos a visitar el Acuario de Zaragoza, que está especializado en especies fluviales fundamentalmente. Alguna hay marina, especialmente las que tienen su habitat relacionado con la desembocadura de los cinco ríos representados en esta exposición permanente; el Nilo por África, el Mekong por Asia, el Amazonas por América, el Darling-Murray por Oceanía y el Ebro por Europa. A mi me gustaría ir con más frecuencia. Pero es caro. 14 euros la entrada normal y 7 euros para los niños hasta 12 años. Y no existen posibilidades de abonos anuales o iniciativas tipo "amigos del acuario" ni nada por el estilo. Siempre lo digo. Con esos precios, la mayor parte de la gente va una vez cada mucho tiempo, y el acuario suele estar con poquita gente. Desangelado. Con un abono anual equivalente a dos entradas, estarían ingresando más dinero, y la gente iría a pasar la mañana o la tarde y habría ambiente. Por el mundo esto se da... ¿por qué en los museos y entidades culturales de Zaragoza no es así? Absurdo. En cualquier caso, como llevaba mi Leica D-Lux, hice algunas fotografías de las que os dejo una muestra en esta entrada.
Seguimos encabezando estas entradas de recomendaciones con entradas luctuosas. Gentes de la fotografía que se van al otro barrio.
Yo no conocía a este fotógrafo, que tampoco parece muy popular fuera de Estados Unidos. Incluso en su país no es de los más conocidos. Sin embargo, las muestras de su trabajo que ofrece Forbes y lo que luego he podido ver me hacen pensar en un fotógrafo muy intimista, que se introduce mucho en sus sujetos. Con un estilo fotoperiodístico, parece que una de sus influencias fundamentales fue W. Eugene Smith, sin embargo no trabajó para los medios de comunicación, y vendió su trabajo a través de galerías de arte o de libros de fotografía. Merece la pena darse una vuelta por su obra.
Otro de los fallecidos esta semana ha sido el director de cine iraní, muy interesante como cineasta, Abbas Kiarostami (1940-2016). Hubo una referencia a su trabajo como fotógrafo hace un par de años en Cada día un fotógrafo, que os recomiendo repaséis. También es un fotógrafo muy intimista, muy apegado a los paisajes, lo cual sucede también en su obra cinematográfica. Muchas de sus fotografías son realizadas al vuelo, mientras conduce. En una observación permanente de esos paisajes. A conocer, también. Como fotógrafo y como cineasta.
Desde el otro lado de los Pirineos, las noticias que nos llegan no tienen todas relación con el fútbol. Porque se han puesto en marcha ya los encuentros fotográficos de Arles que es uno de los festivales más importantes de fotografía en el mundo. Algún día habría que ir. Total está "aquí al lado", al otro lado de la frontera. Por eso han llegado abundantes noticias sobre exposiciones en la ciudad provenzal, de las cuales he seleccionado algunas.
Una curiosa, y estremecedora, es la serie de Andres Serrano sobre la tortura. Aunque representada en ocasiones en sus fotografías, algunas de las cuales podemos ver en L'Oeil de la Photographie, en forma de objetos utilizados en épocas remotas, también encontramos fotografías que nos muestran el mundo de la tortura hoy en día o en los terribles acontecimientos bélicos o totalitarios que se sucedieron durante el siglo XX. Me vale como elemento de reflexión. Porque evita caer en un morbo excesivo, con fotografías directas sencillas y que hablan por si mismas.
También podemos ver en L'Oeil de la Photographie fotografías de la serie Phenomena de Peter, Sara & Tobias. Es decir los fotógrafos Tobias Selnaes Markussen, Sara Galbiati y Peter Helles Eriksen. Leía esta mañana el artículo en Xataka Ciencia "El ovni de los agujeros". Un artículo en el que explica cómo el "fenómeno ovni" se ha convertido en el nuevo "dios" de la modernidad para explicar aquello a lo que mucha gente no encuentra explicación. Y en lugar de tomar la vía ardua y difícil de investigar, estudiar, analizar... opta por abrazar los modernos mitos de los extraterrestres y las naves espaciales de otros mundos. Como antaño sucedía con los dioses. Los fotógrafos, con su investigación y trabajo, recogen las manifestaciones culturales de la acogida de estos nuevos mitos por partes de las sociedades actuales. Con un punto de vista entre documental e irónico, sin que falte una cierta dosis de cariño.
Don McCullin es uno de los grandes de los fotórreporteros de las últimas décadas, especialmente en tiempos de guerra. Pero en Arles han optado por exponer su obra menos relacionada con el fenómeno bélico, y mostrando sus facetas como paisajista y fotógrafo documental de la realidad social de las ciudades occidentales. Tan buenas como su trabajos más conocidos. También en L'Oeil de la Photographie.
Cambiando de tercio, el paisaje. En esta semana he estado metido a fondo en esta práctica. De Islandia me he traído una abundancia de paisajes, no siempre obtenidos en las mejores condiciones de luz. Frente a la tendencia que se observa en algunos sitios a transformar mediante el procesado digital los paisajes en algo muy distinto de lo que había en el momento de la toma, mi ética personal me lleva a que el procesado, que siempre existe, no seamos hipócritas y digamos que no, intenta recuperar las sensaciones del momento de la toma sin añadir nada más. O por lo menos eso espero. En cualquier caso, hay que mirar muchos paisajes para tener una idea clara de por donde hay que tirar. En el tumblelog de If You Leave, nos han mostrado los paisajes de la serie "Plethora" de Cody Cobb, que se aproximan mucho a mi ideal. Paisajes con poco elementos, bien distribuidos en el cuadro. Colores naturales, sin estridencias y que devuelven un ambiente sin ninguna sensación de artificiosidad. Pero es más difícil de lo que parece... Llevo dos días revisando la primera versión del libro de fotos de Islandia, y aunque la selección de fotografías me parece adecuada, el tratamiento que les he dado me hace dudar... Habrá que revisar más.
De niño, en clase de manualidades, nos ponían hacer collages. Algo que nos divertía pero nos parecía banal. Problemas del sistema educativo español a lo largo de las décadas. Sin embargo, de vez en cuando encuentro artistas del collage que no dejan de atraerme. Algo así me ha pasado con la propuesta que nos ha traído esta semana Lenscratch. Se trata del trabajo de Nadine Boughton, que ha través de sus collages con la imaginería de los años 50 en Estados Unidos, intenta establecer una exploración crítica de los valores de esa sociedad, que se han transmitido a la actualidad con más fuerza de lo que pensamos. Las ideas de los papeles asociados a los sexos, la belleza, el poder, la ciencia y la tecnología, el miedo al conflicto bélico o terrorista,... Muy interesante.
En cuanto a las fotografías acompañantes, reflejan la llegada de la primavera. Poco a poco, parece que este año no tiene tanta prisa por llegar a pesar del excesivamente benévolo invierno que hemos tenido. Pero está aquí... y con ella las plantas florecen. Aunque no le he dedicado de momento mucho tiempo, estoy tratando de implantar algunos de los conceptos aprendidos en el curso de macro que hice en febrero. Por ejemplo, el enfoque manual ayudándome de la ampliación de la imagen sobre las pantallas electrónicas de la cámara en lugar de fiarme del visor óptico de algunas de ellas. O el uso de láminas translúcidas de color neutro como difusor de la luz del sol cuando no queda más remedio que hacer las fotografías en las horas centrales del día y la luz es excesivamente dura.
En primer lugar, vamos con un clásico. Y uno del que he hablado poco en estas páginas es el ruso Aleksandr Ródchenko. Artista muy polifacético, pintor, diseñador gráfico, cinematógrafo,... entre otras cosas. Una de ellas fotógrafo. Muy creativo, representó como uno de los impulsores del constructivismo el espíritu de innovación artística que acompañó a la revolución rusa en los años 20. Por lo menos, antes de que el stalinismo se empezase a cargar como un bulldozer cualquier inquietud de pensamiento libre en la Unión Soviética. En L'Oeil de la Photographie podemos encontrar un muestrario de su actividad como fotógrafo, con sus atrevidas composiciones y puntos de vistas, muy dinámicos y muy gráficos.
Cambiando de "imperio" o "superpotencia", nos iremos a conocer la obra de Andrés Serrano, que a pesar de su nombre tan hispano, nació en Nueva York en 1950. Serrano utiliza la fotografía en color para producir una obra fotográfica muy expresiva, que gusta de provocar tratando temas que para mucho son tabúes, como la religión, la muerte, el sexo o la violencia, o mezclas de ellos. También en L'Oeil de la Photographie podremos encontrar un muestrario de fotografías del este autor que lucha con su obra contra el oscurantismo, las censuras y las intolerancias. Y para eso, a veces es necesario provocar o transgredir.
Desde hace ya un tiempo sigo el blog OscarenFotos.com, mantenido por el mejicano Óscar Colorado, fotógrafo y profesor de fotografía en una de las universidades de ciudad de Méjico. El caso es que poco a poco me estoy dando cuenta que de vez en cuando nos trae galerías de fotografías de grandes fotógrafos, con o sin sus biografías o análisis de sus obras que son realmente muy interesantes. Por ejemplo, en estas tres últimas semanas podemos encontrar:
Una galería dedicada al alemán Heinz Hajek-Halke, fotógrafo muy innovador en el periodo de entreguerras, que experimentaba con el fotomontaje, la fotografía sin cámara, y la manipulación de la luz y de la química fotográfica.
Otro de los sitios que ha aparecido recientemente y que voy siguiendo es el magacín en línea Clavo Ardiendo. Mucho más orientado a la fotografía contemporánea, nos ofrece la posibilidad de conocer la obra y logros de fotógrafos españoles actuales, que de otra forma alcanza escasa visibilidad, siendo como son artistas muy interesantes. En estas últimas semanas me gustaría destacar, por ejemplo:
Un artículo dedicado a la madrileña Elisa González Miralles, fotógrafa a tiempo completo, bien sea en el campo de la fotografía comercial, bien con sus proyectos más personales o bien con su actividad docente. Por su puesto, son sus trabajos más personales los que probablemente nos van a interesar más.
Una propuesta muy diferente es la que nos ofrecen con la entrevista a Emilio Pemjean, artista que combina dos disciplinas, es arquitecto y fotógrafo. La fotografía de arquitectura es una disciplina fácilmente banalizada, pero que cuando se enfoca bien puede dar lugar a obras de un grafismo y una estética que a mí me gustan mucho.
El paisaje en blanco y negro, especialmente con el formato cuadrado, siempre me ha llamado mucho la atención. En el tumblelog de Cross Connect Magazine encontramos los paisajes marinos de Zoltan Bekefy, bellamente compuestos, con un excelente dominio de la luz y la sombra y de la dinámica de la meteorología y de las olas y las mareas.
Llevo unas cuantas semanas realizando el curso de introducción a la cultura visual fotográfica (Seeing Through Photographs) que el MoMa pone a disposición del público de forma gratuita a través de la plataforma Coursera, en inglés el curso, la plataforma está en castellano. En varias ocasiones se ha discutido durante el curso el concepto de fotografía vernácula, referida a la fotografía cuando tiene un uso distinto de la búsqueda específica de contenido artístico, estético o conceptual. La fotografía familiar de recuerdo, la documentación de lugares o acontecimientos, la fotografía científica, la fotografía en la propaganda... En LensCulture conocemos el trabajo de Kris Sanford que se apropia de imágenes que podemos incluir dentro del concepto de fotografía vernácula. Fotografías en los que vemos grupos de dos personas del mismo sexo, típicas fotografías de recuerdo realizadas entre los años 20 y 50 del siglo XX, y que con la modificación que Sandford realiza provoca un cambio en el posible significado de las mismas. Pequeños gestos en las personas, que hacen que nuestra mente lo asocie a relaciones mucho más íntimas que las de amistad o de familia, que fueron los contextos en las que fueron tomadas. O no. A lo mejor algunas de ellas oculta una auténtica relación homosexual, mal vista socialmente en la época... Eso queda a la imaginación del espectador.
No hace muchos días que comenté mis primeras experiencias con la Holga, una cámara que se ha convertido un clásico a pesar de su ínfima calidad, por la expresividad que puede dotar a las imágenes. Ya decía en su momento que estas cámaras han sido utilizadas por fotógrafos serios para proyectos serios, más allá de las frivolidades "lomográficas". Pero es justamente a través del magacín de Lomography por donde nos llega la obra del italiano Enrico Doria, que renuncia a la nitidez en beneficio de esa expresividad que comentaba antes. A mí me ha parecido interesante su propuesta.
Una iniciativa del gobierno de los Estados Unidos durante la Gran Depresión, la de contratar y mandar a algunos de los más grandes fotógrafos de la época para documentar este periodo de desasosiego económico y social, provocó que hoy en día tengamos verdaderas joyas fotográficas en la historia del medio. Pero estos días atrás nos hemos enterado que el programa estuvo al cargo de un editor, un tal Roy Stryker, que decidió mutilar muchas de las fotografías que no le satisfacían por el expeditivo medio de agujerear los negativos con un taladro. Además eligiendo zonas claves en los mismos. Y sin pararse a considerar que otras personas o en el futuro podrían tener otra visión o apreciación sobre las mismas. Fotografías de Dorothea Lange o Walker Evans arruinadas... Ha salido la noticia en diversos medios. Yo he elegido la versión de Petapixel para traérosla aquí. Estos negativos, no obstante, no desaparecieron y permanecen en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. Un tipo que pudo haber pasado a la historia como alguien que hizo algo importante, pero que ha quedado empañado por comportarse con un salvaje con la obra fotográfica, simplemente porque a él no le gustaba.
Finalmente, una curiosidad. Están de moda los selfis... los autorretratos realizados muchas veces con la cámara más a mano, que suele ser la del teléfono móvil. Parece algo de hoy en día. Algo actual. Algo que no se había hecho antes... salvo que miremos los archivos del pasado. Por ejemplo, los del Eastman Museum, donde encontramos una fotografía de 1932, con dos jóvenes con las cabezas juntas y una anotación... "We just held the camera in front of us". Ahí están. Las instrucciones para hacerse un selfi, redactadas ya en 1932. "Simplemente sostienes la cámara enfrente de tí".
No faltan contenidos para este domingo por la mañana. Ha sido una semana con una gran variedad de propuestas en la web. Empezaremos con los homenajes. Las fotografías que acompañan al artículo son pruebas digitales en color de una serie que he estado haciendo estos días en blanco y negro con carrete de película tradicional, pero que todavía no he acabado de procesar.
El primero de ellos ha de ser para LYNNE COHEN, un nombre importante de la fotografía contemporánea, fotógrafa canadiense que ha fallecido recientemente. Creo que podemos dedicar algún ratito a repasar su obra. No recuerdo muy bien por donde me llegó esta noticia. Supongo que apareció en varios medios.
BOB CARLOS CLARKE es un fotógrafo británico que también ha sido una figura improtante de la fotografía contemporánea de sus país y en general de la fotografía mundial. El lunes de esta semana, L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE dedicó varios artículos a las fotografías de este autor, que muchas veces oscilaban entre el humor y la sensualidad.
Hace unos días leía, no guardé el enlace, una lista de situaciones en las que NO debíamos hacer una fotografía. Muchas de ellas eran situaciones tópicas, explotadas hasta la saciedad, y que parece que todo aficionado a la fotografía, si quiere aparentar seriedad, tiene que explorar. Una de ellas era "NO hacer fotografías de las personas sin techo". Salvo que fueras capaz de confrontarlas, de interaccionar con ellas y de contar sus historias. Que es lo difícil y lo interesante. Esto es lo que hace ANDRES SERRANO con los vagabundos de Nueva York. Y en las distancias cortas, con una cámara de formato medio y película en color nos ofrece unos retratos sinceros y humanos de estas personas. Nos lo contaron en el HUFFINGTON POST.
Con autorretratos y con el concepto de identidad juega STACEY TYRELL. De orígenes escoceses y caribeños, esta canadiense que por su aspecto calificaría como afroamericana, se maquilla como una persona blanca, y se viste y juega con la idea de su ascendencia europea, buscando la reflexión sobre las ideas raciales y la identidad más allá del aspecto externo de la persona. Nos lo contaron en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE.
Si seguimos con identificar la naturaleza de las personas y de sus interrelaciones, ALEC DAWSON nos propone unas imágenes de aspecto muy cinematográfico, a las que se les supone una historia detrás, pero en la que sus protagonistas son gentes corrientes, en su medio habitual, con sus casas y sus enseres. Escenas cotidianas de gente corriente, que tienen un cierto toque grotesco por lo cuidado de la iluminación y la puesta en escena. También nos lo contaron en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE.
Y vayamos poco a poco pasando del retrato al reportaje, aunque las personas sigan siendo la parte más importante de la imagen o de la historia. NORISLK es una de las siete ciudades más contaminadas del mundo. Ciudad rusa de 170.000 habitantes. Situada más allá del cículo polar ártico, su existencia viene determinada por la minería y por las industrias transformadoras de metales. ELENA CHERNYSHOVA, en su serie DAYS OF NIGHT - NIGHTS OF DAY, nos traslada el ambiente y las historias de los habitantes de esta ciudad extrema. Vía FEATURE SHOOT.
También dentro del ámbito de la fotografía documental, en su aspecto más humanista, hace unos días BERNARD PLOSSU nos presentaba en L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE a XAVIER ROY. Un fotógrafo que evidentemente está fuertemente relacionado o influenciado por PLOSSU en su forma de ver el mundo, en su forma de implicarse con el entorno que le rodea. A mí me ha interesado mucho este fotógrafo que no conocía.
Pasaremos ahora al paisaje. Primero, un paisaje lleno de color, el que nos presentaba ayer mismo L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE en su día dedicado a las fotografías de sus lectores. En la gran caldera del supervolcán que constituye el parque de YELLOWSTONE, es posible encontrar un mundo de color y de belleza con la colaboración de los fenómenos geológicos que allí se concentran. Unos fenómenos que no dejan de ser un recuerdo de la amenaza constante que es para la especie humana que uno de estos gigantes telúricos se despierte y entre en erupción. Las fotografías son de ALAIN ERNOULT.
Un paisaje mucho más apacible, más reflexivo, es el de RAFAL MALESZYK. Fotografía en blanco y negro, formato medio digital, largas exposiciones, recorriendo todo el mundo. Este es un tipo de paisaje que siempre me ha gustado mucho. Nos los recomendaron en CADA DÍA UN FOTÓGRAFO/FOTÓGRAFOS EN LA RED.
Y siguiendo con el blanco y negro, el paisaje, aunque con un material mucho menos sofisticado, las cámaras-juguete DIANA, no deja detener interés el trabajo de NANCY REXROTH. No sólo paisaje, también personas, interiores, entornos humanos, siempre con el aspecto irreal y onírico que da la baja calidad de las lentes de estas cámaras. También no la sugirieron en CADA DÍA UN FOTÓGRAFO/FOTÓGRAFOS EN LA RED.
Y terminaremos con los bodegones de JOEL MEYEROWITZ, naturalezas muertas que quizá no sean los trabajos más conocidos de este fotógrafo que ya es un clásico, pero que muestran la maestría del autor para dominar la luz y los colores. Es una última recomendación que traigo también de L'OEIL DE LA PHOTOGRAPHIE.
