Si echáis un vistazo hacia atrás en este blog, veréis que esta ha sido una semana muy activa y productiva, y para bien. Pero llega el domingo, y hay que ver lo que la red de redes tiene que ofrecernos tanto en noticias sobre el mundo de la fotografía como en descubrimiento de nuevas fotografías y nuevos fotógrafos. Empezaremos dejando aquí el enlace al tablero en Pinterest de la semana, donde encontraréis un colección de fotografías que me han interesado.

Respecto a las fotografías de la semana, seguiremos con una tanda derivada en cierta medida de la de ayer. Si ayer os mostraba las fotografías en blanco y negro que hice en Islandia con la pequeña Olympus mju-II y película Kodak Tri-X 400 Pro, las fotografías de hoy corresponden a los últimos fotogramas del cuarto y último de los carretes que ultimé ya de regreso en Zaragoza, así como a un carrete de Ilford FP4 Plus que llevaba desde hacía unas semanas en la Minox 35 GT-E. Esta también es una cámara pequeña, muy compacta, con una óptica fija de 35 mm 1:2,8, pero que tiene una filosofía de utilización distinta de la mju-II. Veo que no os he hablado de ella en estas páginas... así que tendré que hacer un artículo al respecto. Que las Minox fueron cámaras importantes para mí durante años.

Si generalmente comienzo mi recorrido con algún fotógrafo que considero clásico, en esta ocasión quiero hacer una reflexión sobre un concepto, qué es o consideramos una fotografía o imagen icónica.

Estas últimas semanas han sido turbulentas en las noticias y en el mundo. En el mundo, turbulencias las hay constantemente. Que se abran paso hasta los titulares de las noticias, menos. Así que  diremos que han sido semanas turbulentas en el mundo occidental,... ya que parece que las tribulaciones del resto del mundo importan menos, o son de segunda categoría. No. No todos los muertos son iguales, al igual que los vivos tampoco son todos iguales.

Como consecuencia de los excesos policiales en Estados Unidos contra los ciudadanos afroamericanos, hubo en este país una serie de manifestaciones que han dado lugar a todo tipo de imaginería y literatura,... y desgraciadamente a más muertes, ya que alguna acabó con más muertes, esta vez en el lado de la policía. En el tumblelog de SuperMassiveBlackHole vi una imagen que de repente empezó a recibir el calificativo de "icónica" en muchos medios. En ella vemos a una mujer, una manifestante afroamericana, de aspecto digno y elegante, vestida con un simple y vaporoso vestido de verano, sin armas de ningún tipo, que se mantiene de pie y firme ante un grupo de policía fuertemente equipados con material antidisturbios que acuden a retirarla de la calzada. Detrás, hay una línea con más policías fuertemente equipados. Es una fotografía potente, en la que apreciamos la desproporción de medios para el fin pretendido, así como la diferencia de actitudes ante la situación. Una buena fotografía periodística, sin duda. Pero ¿icónica?

De entrada, nos resulta familiar, en American Suburb X (ASX) publican un artículo sobre la misma en la que inmediatamente hacen referencia a la fotografía de Marc Riboud de 1967 en la que una joven de 17 años armada con una flor, se opone a una línea de soldados de la Guardia Nacional de los EE. UU. armados con fusiles y bayonetas, que han acudido a reprimir una manifestación contra la guerra del Vietnam. La fotografía del francés realmente se ha vuelto una fotografía icónica. Pero han pasado décadas, ha permanecido en la memoria de la comunidad, incluso con la perspectiva y los cambios en los valores de la sociedad que han acontecido desde entonces. ¿Podemos asegurar que la oportuna y actual fotografía de Jonathan Bachman será dentro de 4 o 5 décadas recordada y considerada como icónica? Más en un momento en el que el número de fotografías que se generan cotidianamente es inmenso.

Da la impresión de que se banalizan los conceptos. En este caso el concepto de "icónico". Sucede lo mismo con otros conceptos. Hace unos años estaba con dos amigas en el cine, esperando a que empezase la proyección de una película de ciencia ficción. Y escuchamos la conversación que llevaban dos chavales jóvenes acompañados de una chica de su edad a la que intentaban encandilar con sus conocimientos "cinéfilos"... la chica era muy mona, ciertamente, no era de extrañar el pavoneo de los dos maromillos. De repente, uno de ellos le dijo a la chica que esa película que íbamos a ver era "más de culto" que otra que había visto recientemente. ¿Una película es "más de culto" cuando estás en el día de su estreno y todavía no sabes cómo va a resultar, ni cómo va a ser acogida, ni su recorrido con los años? ¿Qué entendería aquel chaval por "película de culto"? Como anécdota... no puedo recordar ni aunque me maten del nombre de la película. Todo ese impacto nos dejó. Dejando aparte el comentario de mi amiga Maite que soltó un "este chico es tonto, y si encandila a la chica con sus chorradas, es que es más tonta todavía". Vamos a dejarlo en que eran jóvenes y carentes de referentes culturales. No seamos bordes, Maite. Pero refleja lo que quería decir sobre las desviaciones de estos conceptos de "fotografía icónica", "obra de referencia", "película de culto"... u otros que se deberían aplicar siempre con un sentido de impacto histórico de una obra de arte.

Tras este comentario que me apetecía hacer, voy un poco rápido con las recomendaciones:

El siempre interesante blog de Oscar en Fotos, nos ofrece una galería y una minibiografía del clásico fotógrafo japonés del siglo XX Shomei Tomatsu. Un fotógrafo que hay que conocer. De verdad. Esta al nivel de muchos fotógrafos documentales occidentales mucho más famosos o por encima. A por él.

En L'Oeil de la Photographie, que están a punto de entrar en modo verano, dedicaron un día a las fotografías de Pierre Jamet en el entorno de las actividades del Frente Popular frances en 1936, especialmente documentando los campamentos de jóvenes, con imágenes muy refrescantes, que reflejan alegría de vivir, y un desparpajo y libertad que se vería interrumpida por las guerras por venir.

Ya hace unos años que me gusta bastante el sudafricano Pieter Hugo, especialmente después de visitar hace cuatro años una exposición suya en el Museo de l'Elysée en Lausana. Muy comprometido con la turbulenta realidad de su país, pero sin abandonar su personal forma de hacer fotografía, en Art Ruby, blog dedicado al arte contemporáneo, nos invitan a ver sus obras más recientes, que tienen que ver con el mundo de los adolescentes. Que pena que su página web sea tan austera.

Mi visita reciente a Islandia me ha despertado el interés por los paisajes. Más de la habitual. Y esto me ha hecho fijarme en algunos artículos que de otro modo igual me hubieran pasado más desapercibidos. En Proof de National Geographic, encontramos el trabajo de Magda Biernat, que pone en paralelo fotografías en color de icebergs procedentes de los deshielos de los glaciares árticos o antárticos, con fotografías en blanco y negro de asentamientos humanos en esas latitudes, mostrando la fragilidad de los ecosistemas y de las relaciones del ser humano con la naturaleza, amenazadas por el cambio climático.

La visita a las playas islandesas también me dio para reflexionar sobre la estética del mar y de las olas, el movimiento en especial, tanto si lo queremos fijar, como si lo difuminamos. Y casualmente, en Feature Shoot nos han mostrado en esta semana el trabajo del australiano Warren Keelan. Bellas imágenes, muy dinámicas, en las que se diría que las olas son el resultado de cepillar con cuidado la superficie marina. Muy bellos paisajes marinos.

Está de moda encontrar y recuperar antiguos rollos de película fotográfica. Los lomógrafos, que de vez en cuando publican algo interesante entre sus chorradicas, ciertamente parece que últimamente quieren subir un poquito en calidad fotográfica de lo que publican, nos hablan de los rollos perdidos de Ron Haviv, que a lo largo de su vida como reportero de conflictos acumuló 200 carretes de película no revelada y olvidada. Y se ha puesto a ver lo que había hay. Fotografía. Muchas muy interesantes. Algunas sobre las que recuerda perfectamente el momento en el que las tomó, otras... realmente olvidadas, las películas y los momentos. Hay que recuperar los negativos perdidos...

El collage... de vez en cuando traigo alguna recomendación sobre esta técnica con la que no me atrevo yo mismo, pero que me encanta. En esta ocasión, os traigo un artículo del tumblelog de Criterion Colección, con los interesantes collages de Guy Maddin. Estupendos. Por cierto, Maddin es más cineasta que otra cosa.. pero no dejemos que eso nos impida disfrutar de sus collages.

Hace unas semanas se celebró el día mundial de la fotografía estenopeica. Yo estuve liado aquel día y no pude salir a celebrarlo como hubiese sido oportuno. Pero tengo pendientes de enseñaros algunas estenopeicas recientes, y de salir a fotografiar con un aparato nuevo. Pero de momento, me apetece con un artículo de Film Shooters Collective, en los que vemos las cámaras estenopeicas de algunos fotógrafos y sus obras. Las flores de Chris Faust me han encantado.

Finalmente, en Japan Camera Hunter me ha gustado el articulo dedicado a Cahute, un laboratorio de Helsinki especializado en realizar retratos con cámara de gran formato, en papel directo positivo, son únicos, procesado con Caffenol, revelador artesanal que se elabora uno en su casa a partir del café. Estupendo resultados, con obras únicas, realmente.

Esta semana, que he estado de vacaciones, se suponía que podría recolectar un mayor número de recomendaciones fotográficas, y con más tranquilidad. Lo cierto es que no. No sé si porque he estado muy entretenido con otras actividades, o porque el verano se va notando y el número de noticias disminuye. Aunque también el verano se presta a las actividades culturales. No sé. Igual ha sido un fenómeno casual. Azaroso. El caso es que ha afectado tanto al número de recomendaciones seleccionadas, como al número de fotografías recolectadas en el tablero de Pinterest de la semana.

Las fotografías que acompañan la edición de esta semana de mis recomendaciones son de ayer mismo, sábado. Pasé toda la mañana con mi sobrino Diego, de siete años. Y nos fuimos a visitar el Acuario de Zaragoza, que está especializado en especies fluviales fundamentalmente. Alguna hay marina, especialmente las que tienen su habitat relacionado con la desembocadura de los cinco ríos representados en esta exposición permanente; el Nilo por África, el Mekong por Asia, el Amazonas por América, el Darling-Murray por Oceanía y el Ebro por Europa. A mi me gustaría ir con más frecuencia. Pero es caro. 14 euros la entrada normal y 7 euros para los niños hasta 12 años. Y no existen posibilidades de abonos anuales o iniciativas tipo "amigos del acuario" ni nada por el estilo. Siempre lo digo. Con esos precios, la mayor parte de la gente va una vez cada mucho tiempo, y el acuario suele estar con poquita gente. Desangelado. Con un abono anual equivalente a dos entradas, estarían ingresando más dinero, y la gente iría a pasar la mañana o la tarde y habría ambiente. Por el mundo esto se da... ¿por qué en los museos y entidades culturales de Zaragoza no es así? Absurdo. En cualquier caso, como llevaba mi Leica D-Lux, hice algunas fotografías de las que os dejo una muestra en esta entrada.

Seguimos encabezando estas entradas de recomendaciones con entradas luctuosas. Gentes de la fotografía que se van al otro barrio.

Esta semana, Ted Forbes dedicaba un vídeo a la memoria de Dave Heath (1931-2016). Os lo dejo aquí. Está en inglés.

Yo no conocía a este fotógrafo, que tampoco parece muy popular fuera de Estados Unidos. Incluso en su país no es de los más conocidos. Sin embargo, las muestras de su trabajo que ofrece Forbes y lo que luego he podido ver me hacen pensar en un fotógrafo muy intimista, que se introduce mucho en sus sujetos. Con un estilo fotoperiodístico, parece que una de sus influencias fundamentales fue W. Eugene Smith, sin embargo no trabajó para los medios de comunicación, y vendió su trabajo a través de galerías de arte o de libros de fotografía. Merece la pena darse una vuelta por su obra.

Otro de los fallecidos esta semana ha sido el director de cine iraní, muy interesante como cineasta, Abbas Kiarostami (1940-2016). Hubo una referencia a su trabajo como fotógrafo hace un par de años en Cada día un fotógrafo, que os recomiendo repaséis. También es un fotógrafo muy intimista, muy apegado a los paisajes, lo cual sucede también en su obra cinematográfica. Muchas de sus fotografías son realizadas al vuelo, mientras conduce. En una observación permanente de esos paisajes. A conocer, también. Como fotógrafo y como cineasta.

Desde el otro lado de los Pirineos, las noticias que nos llegan no tienen todas relación con el fútbol. Porque se han puesto en marcha ya los encuentros fotográficos de Arles que es uno de los festivales más importantes de fotografía en el mundo. Algún día habría que ir. Total está "aquí al lado", al otro lado de la frontera. Por eso han llegado abundantes noticias sobre exposiciones en la ciudad provenzal, de las cuales he seleccionado algunas.

Una curiosa, y estremecedora, es la serie de Andres Serrano sobre la tortura. Aunque representada en ocasiones en sus fotografías, algunas de las cuales podemos ver en L'Oeil de la Photographie, en forma de objetos utilizados en épocas remotas, también encontramos fotografías que nos muestran el mundo de la tortura hoy en día o en los terribles acontecimientos bélicos o totalitarios que se sucedieron durante el siglo XX. Me vale como elemento de reflexión. Porque evita caer en un morbo excesivo, con fotografías directas sencillas y que hablan por si mismas.

También podemos ver en L'Oeil de la Photographie fotografías de la serie Phenomena de Peter, Sara & Tobias. Es decir los fotógrafos Tobias Selnaes Markussen, Sara Galbiati y Peter Helles Eriksen. Leía esta mañana el artículo en Xataka Ciencia "El ovni de los agujeros". Un artículo en el que explica cómo el "fenómeno ovni" se ha convertido en el nuevo "dios" de la modernidad para explicar aquello a lo que mucha gente no encuentra explicación. Y en lugar de tomar la vía ardua y difícil de investigar, estudiar, analizar... opta por abrazar los modernos mitos de los extraterrestres y las naves espaciales de otros mundos. Como antaño sucedía con los dioses. Los fotógrafos, con su investigación y trabajo, recogen las manifestaciones culturales de la acogida de estos nuevos mitos por partes de las sociedades actuales. Con un punto de vista entre documental e irónico, sin que falte una cierta dosis de cariño.

Don McCullin es uno de los grandes de los fotórreporteros de las últimas décadas, especialmente en tiempos de guerra. Pero en Arles han optado por exponer su obra menos relacionada con el fenómeno bélico, y mostrando sus facetas como paisajista y fotógrafo documental de la realidad social de las ciudades occidentales. Tan buenas como su trabajos más conocidos. También en L'Oeil de la Photographie.

Cambiando de tercio, el paisaje. En esta semana he estado metido a fondo en esta práctica. De Islandia me he traído una abundancia de paisajes, no siempre obtenidos en las mejores condiciones de luz. Frente a la tendencia que se observa en algunos sitios a transformar mediante el procesado digital los paisajes en algo muy distinto de lo que había en el momento de la toma, mi ética personal me lleva a que el procesado, que siempre existe, no seamos hipócritas y digamos que no, intenta recuperar las sensaciones del momento de la toma sin añadir nada más. O por lo menos eso espero. En cualquier caso, hay que mirar muchos paisajes para tener una idea clara de por donde hay que tirar. En el tumblelog de If You Leave, nos han mostrado los paisajes de la serie "Plethora" de Cody Cobb, que se aproximan mucho a mi ideal. Paisajes con poco elementos, bien distribuidos en el cuadro. Colores naturales, sin estridencias y que devuelven un ambiente sin ninguna sensación de artificiosidad. Pero es más difícil de lo que parece... Llevo dos días revisando la primera versión del libro de fotos de Islandia, y aunque la selección de fotografías me parece adecuada, el tratamiento que les he dado me hace dudar... Habrá que revisar más.

De niño, en clase de manualidades, nos ponían hacer collages. Algo que nos divertía pero nos parecía banal. Problemas del sistema educativo español a lo largo de las décadas. Sin embargo, de vez en cuando encuentro artistas del collage que no dejan de atraerme. Algo así me ha pasado con la propuesta que nos ha traído esta semana Lenscratch. Se trata del trabajo de Nadine Boughton, que ha través de sus collages con la imaginería de los años 50 en Estados Unidos, intenta establecer una exploración crítica de los valores de esa sociedad, que se han transmitido a la actualidad con más fuerza de lo que pensamos. Las ideas de los papeles asociados a los sexos, la belleza, el poder, la ciencia y la tecnología, el miedo al conflicto bélico o terrorista,... Muy interesante.

Y con el principio del mes de julio nos ha llegado el nuevo número de Fraction Magazine, el 88.

Tengo la sensación de haber revisado ya las coloridas fotografías de Manuel Armenis, que desde Alemania nos ofrece su visión de los lugares que son habituales en nuestra vida cotidiana, lugares sin ningún tipo de glamour, pero que son constantes en nuestras vidas.

Mary Chairetaki y Panos Charalampidis nos dan su visión de las mesetas del interior de la isla de Creta, donde se suponía que estaba la Cornucopia de los dioses, el cuerno de la abundancia. Una reflexión sobre el mundo agrario griego, que se podría extender fácilmente a otros países mediterráneos.

También desde Grecia nos llega el trabajo de Mehran Khalili, que intenta trasladarnos cómo ha afectado al país heleno la profunda crisis económica y financiera, y social, de la última década.

Madeleine Kukic, desde los países bajos, con un blanco y negro muy elegante, nos transmite su visión del mundo de la infancia, a través del mundo de su hija.

Y con esto lo dejamos por hoy...

Vuelvo a mis recomendaciones semanales tras mi semana de parón por vacaciones. No hay mucho que contar,... porque no he estado en internet tan apenas. Pero algo hay. Lamentablemente, un par de noticias luctuosas. Pero de momento, para abrir boca, mi tablero en Pinterest de estas "dos semanas".

Las fotografías acompañantes en esta ocasión son del viaje por Islandia durante una semana que he realizado en este principio de vacaciones. En concreto, son algunos paisajes, ejemplos de los numerosos saltos de agua, algunos de ellos de los más vistosos otros más discretos, que encontramos en el país nórdico. Como información técnica del viaje, diré que como de costumbre he llevado por el mundo cámaras del sistema micro cuatro tercios por su ligereza y competencia. Me he llevado dos, la Olympus OM-D EM-5 y la rojilla Panasonic Lumix GM5. La primera ha sido la titular, especialmente combinada con el objetivo de focal variable Olympus M.Zuiko Digital ED 12-40mm F2.8 PRO. No soy muy aficionado a las focales variables. Además este objetivo es relativamente grande dentro del sistema y desequilibra un poco el uso de la cámara. Pero la EM-5 y el 12-40/2,8 tienen un atributo fundamental en estos viajes. Son resistentes al agua en situaciones de mal tiempo. Se pueden usar bajo la lluvia. Y no sabéis lo bien que viene en un país donde parece que todos los días llueve, o cuando te acercas al aerosol levantado por un potente salto de agua.

En cuanto a ópticas, la GM5, que iba como cámara de reserva, ha ido calzada la mayor parte del tiempo con el compacto teleobjetivo de focal variable Panasonic Lumix G Vario 35-100mm F4.0-5.6 ASPH. MEGA O.I.S. Este es muy compacto y económico. No soy muy de usar teleobjetivos, así que para un uso ocasional me conformo con una óptica honesta pero que no cueste mucho. Además es realmente pequeño para lo que ofrece. Y diafragmando a f/8 su calidad es bastante razonable. También a plena apertura, pero salvo que no haya luz o sea un retrato, prefiero cerrar algo el diafragma. Y además está estabilizado. Lo he usado. Y creo que con ventaja. Para situaciones en las que necesitase mucha luminosidad o un objetivo más discreto he llevado el siempre competente Panasonic Leica DG Summilux 15mm F1.7 ASPH, y como "tapa" de la Olympus para el transporte, y en un par de situaciones que lo he usado, el Olympus Fisheye Body Cap (9mm F8.0 ojo de pez).

Poco antes de salir de viaje, nos podíamos enterar del fallecimiento del fotógrafo chino Fan Ho (1931 - 2016) de quien ya había hablado previamente en estas páginas. O en el Cuaderno de ruta, no recuerdo. Fotógrafo documental que recorrió las calles de Hong Kong con su cámara, especialmente durante las décadas de los 50 y los 60 del siglo XX, con un estilo muy personal de fotografía en blanco y negro, muy estilizada y con unos valores estéticos muy notables. Dominaba como pocos la composición, el tratamiento de las formas y la armonía entre luces y sombras. Un fotógrafo cuyas imágenes deben ser estudiadas por todos los aficionados a la fotografía. La noticia apareció en múltiples medios, pero yo la traigo aquí de la mano de Quesabesde.

Y al regreso de la vacaciones, esta vez a través de PetaPixel, aunque también la noticia apareció en múltiples medios, me entero del fallecimiento del fotógrafo de moda radicado en Nueva York Bill Cunnigham (1929 - 2016). Octogenario como el anterior, este ha estado en activo hasta el final, con columna propia desde hace décadas en The New York Times. Su presencia, con un equipo muy simple, permanecía fiel a una Nikon FM2 para película tradicional con un objetivo de focal sencilla, probablemente un 50 mm pero no estoy seguro, y su característica chaqueta azul, era habitual de las calles de la Gran Manzana y en las pasarelas, donde se le trataba con un respeto cercano a la reverencia. Toda una institución a pesar de su carácter excéntrico. Hablé de él hace unos años a propósito de un documental que realizaron sobre el personaje.

Yéndonos ya a las recomendaciones de carácter habitual, y empezando como casi siempre por un clásico, conoceremos al fotógrafo belga Léonard Misonne, que vivió y trabajó a caballo entre los siglos XIX y XX, y fue adepto al pictorialismo, como nos muestran en L'Oeil de la Photographie. Aunque este estilo fue especialmente utilizado por los retratistas, especialmente aquellos que querían separarse de la fotografía de aficionado que empezaron a surgir con la popularización del medio por parte de Kodak, buscando un calidad de "obra de arte" en sus fotografías, Missone lo utiliza para documentar el paisaje natural, urbano y social de la Europa de su tiempo. Realizó y perfeccionó sus propios procesos fotoquímicos, cuidando mucho tanto la composición, como la iluminación y el resultado final.

Como vemos en las fotografías de hoy, en un viaje a Islandia el paisaje es el motivo fundamental de la fotografía del viajero. Pero frente al fresco y agreste paisaje de la isla próxima al Ártico, en Feature Shoot nos mostraron el trabajo del fotógrafo australiano Gabriel Scanu sobre las playas y costas próximas a Sidney. Los drones teledirigidos con un aparato de grabación de vídeo o fotográfico incluido se van popularizando poco a poco, lo cual permite al fotógrafo nuevos puntos de vista. Lo cual no quiere decir que todo lo que se haga de esta forma sea significativo, aunque sea más o menos espectacular. Pero el trabajo de Scanu, además de refrescante para las veraniegas fechas en las que nos movemos, me ha parecido que tiene un punto de vista interesante y que nos puede aportar algo más que unas vista bonitas.

Sigue siendo actualidad el festival PHotoEspaña 2016. Ya os hablé de mis visitas hace unas semanas a algunas de sus exposiciones en Madrid. Todavía tengo intención de volver en los días que me quedan de vacaciones. Ya tengo prevista la fecha, con billetes de tren incluido y entrada al Prado para ver al Bosco, que no solo de fotografía se alimenta uno artísticamente hablando. Pero hay otras cosas que ver en fotografía. En Clavoardiendo Magazine nos van hablando de la oferta del festival de este año.

Me extrañó en mi desplazamiento a la villa y corte en el mes de junio que la Fundación Mapfre no tuviera nada que ofrecer. Bueno, pues sí. Nada menos que al japonés Hiroshi Sugimoto, un fotógrafo muy sugestivo, del que ya he comprado algún libro. No faltaré a la cita con esta exposición.

Hace tiempo que me considero un fan incondicional de la fotografía del francés Bernard Plossu. No pudo ser en la visita anterior, me quedé corto de tiempo, pero no faltaré a mi cita con el francés en el Real Jardín Botánico.

Como ando siempre corto de tiempo, pocas veces suelo salirme de las exposiciones de la sección oficial del festival. Pero está la sección off del mismo, que puede ser también interesante, generalmente en galerías privadas. El premio de este año en esta sección va para el proyecto "Cuando aún nevaba" de Jesús Labandeira. Si puedo me acerco.

También ha salido recientemente el número 21 de Fraction Magazine Japan. Que me sigue pareciendo más interesante que el proyecto original norteamericano. Parece que en esta ocasión está especialmente dedicado a la fotografía de paisaje, y me ha resultado muy interesante. No voy a destacar ningún porfolio en especial, y sugiero que visitéis todos ellos. Bueno sí que voy a destacar alguno... Cómo no, acorde a las fotos de hoy, el trabajo de Ryotaro Horiuchi, que trabaja en blanco y negro la estética de los saltos de agua. Y también el singapureño Hui Hsien Ng, que nos ofrece paisajes de Islandia, aunque de tiempos más fríos que los que he tenido yo.

Terminaremos con una recomendación más anecdótica, que nos llega desde el facebook de Revela-T. Blade Runner fue una película que constituyó un referente fundamental para toda la ciencia ficción posterior,... aunque si que haya sido superada desde mi punto de vista. Ciertas fotografías tienen un papel importante en la película... pero no hablaré de eso. La protagonista femenina, Sean Young, parece que acarreó consigo por el rodaje una Polaroid, cuyas fotografía se pueden contemplar, no tanto por su calidad como por su cinefilia y por el hecho de que son un claro antecedente de la moda del selfi de famosa tal y como lo conocemos en la actualidad.

Últimas recomendaciones semanales de la primavera, antes de entrar en modo vacacional durante una quincena. Es seguro que dentro de una semana no saldrá esta sección cuasisemanal, y ya veremos lo que pasa dentro de quince días. Dentro de tres semanas espero haber recobrado la "normalidad". En cualquier caso, vamos a lo que ha pasado esta semana. Y para eso nada mejor que empezar por el tablero de Pinterest de estos últimos días.

Las fotografías que acompañan hoy las recomendaciones semanales entran dentro del territorio macro. Realizadas con la Olympus OM-D EM-5 y dos de los objetivos más modestos dentro del sistema micro cuatro tercios. El modesto gran angular de Panasonic G 14 mm 1:2,5 ASPH, pequeñito pero matón, y el teleobjetivo de focal variable también de Panasonic G VARIO 35-100 1:4-5,6 ASPH MACRO O.I.S., que adquirí recientemente por un 60% de su ya de por sí modesto coste en una "outlet" por internet. Ambos tienen una rosca para filtros de 46 mm, y a ambos les coloqué ayer por turno mediante un adaptador de paso de rosca de 46 a 49 mm la lente de aproximación Cosina que tengo desde hace una década acompañando al plasticoso Cosina MC 100 mm 1:3,5 Macro para montura Canon EF. El casos es que esta lente de aproximación de 3 1/3 dioptrías, permite que el teleobjetivo de focal variable, a su máxima longitud focal de 100 mm, obtenga una escalas de reproducción entre 1:3 y 1:2. Si contamos además con el factor de recorte del formato micro cuatro tercios frente al denominado "formato completo", tenemos que registra la misma escena que un objetivo para ese formato con una escala de reproducción entre 2:3 y 1:1... No está mal... ¿verdad? Con el 14 mm el efecto es muy pequeño, muy sutil, aunque tiene cierto efecto en el nivel de desenfoque del fondo, que es más acusado. Por lo tanto, servirá más a propósitos estéticos que de adentrarse en la fotografía de aproximación.

Empecemos como de costumbre remontándonos al pasado. Antes de que se comercializará y se volvieran relativamente comunes los procesos más conocidos para película positiva o negativa en color, ya existía un proceso para obtener fotografías en color, que era el Autochrome o Placa Autocroma, patentado por los hermanos Lumière, los del cinematógrafo. Si os vais al tablero de Pinterest encontraréis un ejemplo, bastante pícaro, de las fotos que hacían estos hermanos con sus autocromos. Un retweet de Believe in Film me ha llevado a un artículo en Mashable en el que nos muestran el trabajo de 1927 del fotógrafo de National Geographic Clifton R. Adams, que documentó los modos de vida de la Irlanda rural en la época con las complejas transparencias que se conseguían mediante este proceso.

Yéndonos ya en otro tono totalmente distintos a una fotógrafa que se puede considerar ya un clásico de la fotografía mundial en general y de la mejicana en particular, En L'Oeil de la Photographie nos han recordado esta semana el trabajo de Graciela Iturbide. Desde mi punto de vista una fotógrafa excelente que ha sabido transmitir con fidelidad muchos aspectos de la compleja cultura de la sociedad mejicana y latinoamericana en general. Un trabajo etnográfico a conocer por todos los aficionados a la fotografía. Necesariamente.

De mi visita a Madrid el sábado de la semana pasada tengo todavía pendiente de hojear con calma un libro que compré sobre el trabajo en color, menos conocido, del nipón Daido Moriyama. Una parte de este trabajo en color forma parte de un conjunto de fotografías de la que nos hablan en American Suburb X bajo el epígrafe de Daido Tokyo y que constituyen una exposición que se está empezando a poder contemplar por distintos puntos del mundo. Muy interesado en la visión alternativa de un fotógrafo al que se suele relacionar con sus fotografías en blanco y negro fuertemente contrastadas y de atrevidos encuadres.

Ya hablaba hace unos días de algunas exposiciones del festival PHotoEspaña de este año. Luego saldré a visitar las otras dos que se han abierto aquí en Zaragoza en los últimos días. El festival otorga distintos premios y reconocimientos a fotógrafos en distintos estadios de su desarrollo profesional y artístico, con especial interés en los más jóvenes. Y ahí tenemos el premio Descubrimientos, que en esta edición ha ido a parar al chileno Andrés Durán Dávila. Mediante una cuidadosa e ingeniosa manipulación digital, Durán Dávila nos reinterpreta monumentos dedicados a próceres de la patria o de las ciudades, poniendo en cuestión sus méritos o las sociedades a las que han dado lugar. Nos lo contaron en Quesabesde, entre otros sitios.

Un par de propuestas que nos llegan desde Clavoardiendo, una revista en línea de fotografía que cada día está más interesante.

En primer lugar, tenemos el proyecto "Piel de otoño" de David Inclán, un proyecto muy introspectivo en el que se da un repaso a los temas universales de los acontecimientos fundamentales de la vida de una persona. Fotografías de aspecto muy melancólico, en las que la copia es muy trabajada, y con inspiración de artistas de origen japonés. Supongo que podemos considerar a Inclán como un fotógrafo a seguir en un futuro.

En segundo lugar, tenemos el proyecto "La balsa de piedra" de José Cavana, inspirado por el relato del mismo título de José Saramago. Cavana sitúa su balsa de piedra en el peculiar entorno del Cabo de Gata, con una mezcla fotografía de arquitectura y paisaje, muy manipulada para conseguir unas simetrías forzadas, aunque eventualmente rotas por pequeños detalles.

Del trabajo de Kelly Hofer me enteré si no recuerdo mal a través de un twitter, pero no recuerdo de quien. El fotógrafo empezó su vida en una colonia huterita, uno de estos grupos ultraortodoxos de denominaciones protestantes que se anclan a modos de vida muy tradicionales, rechazando la tecnología y viviendo en comunidades cerradas. En cualquier caso, uno de los proyectos de Hofer, "Hutterite", tiene que ver con sus vivencias de sus primeros años de vida, y nos traslada a una de estas colonias, especialmente a sus niños y adolescentes, ofreciéndonos una visión amable de este modo de vida al que parece que él a renunciado. En cualquier caso, con una mezcla de fotografías en blanco y negro y fotografías en color en que este ha tenido un tratamiento que nos retrotrae a los tonos y saturaciones de las películas de antaño, especialmente las kodachrome. Lo cierto es que me ha gustado... aunque me haya dejado la duda de cuál es la tesis real de Hofer sobre estas comunidades.

Acerquémonos al mundo del retrato. En Cada día un fotógrafo nos sugieren que nos acerquemos al trabajo de Margo Ovcharenko, un joven fotógrafa rusa afincada en Nueva York que de momento ha centrado su trabajo en los jóvenes rusos de su generación. Como muchos de sus coetáneos, transmite esa languidez que tan de moda está en esos grupos de edad y en los fotógrafos de esas edades. Pero sin duda, en el trabajo de Ovacharenko se aprecia un mayor dominio y cuidado en los encuadres, los temas y el tratamiento del color que hace que la podamos destacar de la marea corriente común.

En ese sentido, creo que todavía destacan más los retratos de Daria Amaranth, otra fotógrafa rusa, en San Petersburgo, a la que entrevistan en Women in Photography. Sus retratos son cualquier cosa menos improvisados, con composiciones muy cuidadas, e iluminaciones sencillas pero también muy sutiles, dominando las claves bajas. También me ha parecido muy interesante. Aunque es cierto que la selección de fotografías realizada en la entrevista influye mucho en esta impresión. Sus sitios web nos hablan de un trabajo más indiscriminado, con fotografías más conseguidas y otras más anodinas, independientemente de sus habilidades técnicas.

Un artículo del Showcase de If You Leave, otra revista en línea, nos da a conocer el trabajo de un grupo de fotógrafas londinenses que se presentan colectivamente con el nombre de Skin & Blister Collective, constituido por Louise Oates, Laura Solomons, Alex Wheeler, Sophie Davis, Marta Gut, Francesca Oldfield y Dafne Salis. Con frecuencia me parece más interesante el diálogo que estableces las fotógrafas entre sí dentro del colectivo que el trabajo presentado en individual por cada una de ellas, aunque hay de todo. Me parecen interesante estos trabajos colectivos.

Finalmente, un artículo que despertó uno de mis cabreos redundantes. Yo soy un chico de ciencias. Y creo que en estos momentos, la ciencia es una de las herramientas que tenemos para poder revertir algunas de las catástrofes que el ser humano, como depredador difícil de contener que es, ha producido. Especialmente los desastres ambientales entre otros. Sin embargo, estamos en la época de la postmodernidad. Que al igual que el romanticismo en el siglo XIX, difunde una ideología colectiva, y en este caso de carácter global, muy anticientífica. Con frecuencia se satanizan los descubrimientos científicos y algunas de sus aplicaciones tecnológicas. Aunque todo el mundo vaya colgado de sus dispositivos electrónicos móviles. Y se transmiten con facilidad los bulos sobre las "maldades" de distintas cuestiones. Esos mismos que no pueden prescindir de su teléfono celular, protestan por "las enfermedades" no demostradas que producen las antenas de telefonía móvil. Una de las ciencias y tecnologías más atacadas es la genética y los transgénicos. La modificación genética de las especies domésticas es algo que viene haciendo el ser humano de hace decenas de miles de años. Si no, de qué habría la variedad de razas perrunas que vemos, o la variedad de tomates, o de melocotones... Pero ahora se conocen los mecanismos íntimos y se pueden hacer de forma más dirigida. Esto, no es ni bueno ni malo, depende de quién lo utilice y para qué. Y en el caso de los transgénicos el problema está en una serie de empresas con mucho poder y ausencia total de transparencia que se aprovechan de la total desregulación del sistema capitalista liberal. El caso más conocido es Monsanto. El fotógrafo Mathieu Asselin nos muestra en Lens Culture su investigación sobre las consecuencias de la falta de ética y escrúpulos de los responsables de esta empresa. A la cual habría que meterle mano a fondo. Pero insisto, el mal uso de estas ciencias y tecnologías por algunos seres humanos nos habla de que la especie humana es peligrosa para su entorno... no la ciencia o la tecnología. Que en un momento dado, pueden ser las herramientas que nos salven de nosotros mismo. Por favor, no confundamos.

Y estoy aquí de nuevo un domingo por la mañana recopilando aquellas noticias o artículos que he encontrado durante la semana en internet relacionadas con el mundo de la fotografía y que me han parecido interesantes, y que creo que pueden interesar a otros aficionados. Pero en primer lugar, como siempre, el tablero de Pinterest de la semana.

Intento poner en estos tableros todo lo que veo y me gusta o me llama la atención... pero a veces no es posible. Uno de mis fotógrafos conceptuales favoritos es Duane Michals, de quien ya he hablado por aquí en otras ocasiones. El caso es que en muchas ocasiones no tiene sentido "pinear" una fotografía aislada suya... ni aunque lo haga con una de sus series entera... hay que verlas juntas y en orden, algo que es difícil de conseguir en Pinterest. Por ejemplo en el tumblelog de Only Old Photography, el 11 de junio pusieron una notabilísima serie de Michals, llena de signficados, surrealista, profunda, cíclica... titulada "Things are Queer, 1973". Esto no se puede "pinear" de forma coherente. ¿Tendré que abrir un tumblelog para este tipo de situaciones? Me lo pensaré. Aunque últimamente no voy precisamente sobrado de tiempo.

Ayer estuve en Madrid. Llevaba casi dos años sin ir. Desde octubre de 2014. Y me he saltado dos ediciones de PhotoEspaña, desde la que visité en junio de 2013. Que me trae malos recuerdos. No por la visita en sí misma, sino por las consecuencias inmediatas al regreso. Las fotos que acompañan la entrada de hoy proceden de la visita, a la que me llevé mi pequeña, discreta y fiel Leica D-Lux. En principio, había pensado dedicar la entrada de hoy a las exposiciones de PhotoEspaña que visité. Pero he decidido que les dedicaré una entrada en exclusiva. De momento, como aperitivo, diré que una de las más interesantes, o que a mí más me gustó, ha sido la de Cristina De Middel en Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa. Ya hablaré de ella. Pero de momento, os dejo una entrevista que le hicieron esta semana en Clavoardiendo. Es la fotógrafa de moda en España. Y creo que con motivos...

Rodney Smith es un fotógrafo de moda especialmente activo cuyo estilo me traslada a un pasado de forma doble. En primer lugar porque en lo que se refiere a su forma de presentar las creaciones y los modelos me recuerda más a colegas suyos de los años 50 o 60, que a sus coetáneos de los años 70 y posteriores. Lo cual hace que sus fotografías son indudablemente elegantes, muy elegantes. Pero también nos echa la mirada hacia atrás por la indudable influencia que el surrealismo, especialmente René Magritte, tiene en sus imágenes, lo que hace que se salgan de los caminos trillados. Hay un humor y aparente desenfado, pero también hay espacio para la reflexión. Nos lo han contando en Hunter Art Magazine.

Mary Ellen Mark también es una fotógrafa de la que hemos hablado de vez en cuando en estas páginas. Pero en esta ocasión nos recuerdan en American Photo que dedicó muchos años de su vida a mantener el contacto, seguir y documentar la vida de Tiny, mujer a la que conoció en 1983 cuando era una adolescente de 13 años huída que se prostituía para conseguir dinero, y con quien permaneció en contacto hasta la muerte de la fotógrafa recientemente, justo antes de terminar de preparar un libro sobre la mujer, que no pudo ver publicado. Muchas de las más icónicas fotografías de Mark son de Tiny, especialmente en su juventud. Una vida difícil, reflejada en las fotografías de una fotógrafa de primera.

Nicholas Nixon es un fotógrafo que también me gusta mucho. Si la anterior es una mujer conocida por muchos sus aspectos de su trabajo entre los que incluía el proyecto sobre Tiny, Nixon es conocido fundamentalmente por su proyecto de toda la vida sobre las hermanas Brown, pero tiene otros proyectos que también son muy interesantes. En las páginas de The New York Times nos hablan de "A photographer's eye" en el cual toma fotografías de su propio ojo. Fotografías difíciles de realizar, pero que adquieren gracias a la creatividad del fotógrafo nuevo significados.

De Middel, en la entrevista que he mencionado antes dice algo que puede resultar provocador. En general, creo que le gusta ser provocadora... 

La foto de calle, a menos que seas Bruce Gilden con un trabajo tan faraónico, no dice nada.

Santo cielo... con lo importantes que se creen muchísimos con esto de la "street photography"... en inglés, para desmarcarse de los que simplemente documentan el mundo cuando pasean por la calle, sin asumirlo como un género en sí mismo. Bien. Que conste que a mí el estilo de Gilden no me gusta. Nada. Sus fotos... depende. En cualquier caso, en Cada día un fotógrafo nos hablan de Ando Fuchs, fotógrafo austriaco al que asignan de forma indirecta la etiqueta de "fotógrafo de calle". Aunque no voy a ser tan radical como De Middel, ni tengo tanta autoridad para serlo, lo cierto es que si hubiera reconocido a Fuchs como tal, probablemente no estaría aquí. Pero para mí... mi sensación es que es un paisajista. Lo único que en ocasiones el paisaje es el de la calle. También hace unos retratos estupendos. ¿O serán paisajes del rostro de las personas? ¿Tendrá algo que ver en esa sensación el formato cuadrado y los encuadres cerrados? Que cada uno juzgue.

Volvamos al surrealismo y a la prolongada sombre de René Magritte. Que como nos cuentan en Feature Shoot, podemos encontrar en la serie "SUITS" de Ben Zank. Fotografía escenificada en riguroso blanco y negro, que tiene momentos más conseguidos y otros menos, pero que merece la pena un vistazo. Por cierto... que no toda fotografía de un señor con traje y sombrero y al que no se le ve la cara va a ser un "magritte", ¿verdad? A ver si nos ponemos un poquito más exigentes.

Un trabajo documental puro, pero lleno de cariño y sensibilidad, el de Julia Cybularz, tal y como nos lo presentan en American Photo. Su serie "Breaking the Girl" acompaña la odisea de su sobrina Hannah durante cinco años en tratamiento con una compleja escoliosis idiopática, durante los difíciles años del paso de la infancia a la adolescencia. Ser familia supongo que habrá facilitado la comunicación y las fotografías, pero no me parece una serie nada fácil. Especialmente por el dolor físico y moral que puede tener la niña, de tan serena mirada.

Antes de cerrar con una curiosidad las recomendaciones de hoy, cerraremos el ciclo también con una noticia sobre una fotógrafa española joven, PhotoEspaña, y el hecho de que la noticia nos la proporcione Clavoardiendo, una revista en línea de fotografía que no puedo dejar de recomendar a todos los aficionados a la fotografía. Y se trata de que en el certamen han concedido el Premio Revelación PhotoEspaña 2016 a la fotógrafa catalana Laia Abril. Esta fotógrafa también se ha asomado a estas páginas en alguna ocasión. Una fotógrafa que ha centrado buena parte de su trabajo en la mujer y en la sexualidad. Siempre con respeto, con mucho respeto, y con especial interés en mostrar y defender la diversidad. Pues me parece muy bien.

Decía que iba a terminar con una curiosidad. Que tal si uno pudiese introducirse en una cámara fotografica. Con un objetivo de 3000 mm de longitud focal, para una imagen redonda de aproximadamente 2400 mm de diámetro. Como vemos esos 3000 mm hay que situarlos en el terreno de las focales estándar en este caso... Si queréis conocer más detalles de este "aparato" visitad Cooph Magazine. Sí, se trata de una cámara oscura, en la que la luz entra a través de una lente en lugar de un estenopo... Como decía, curioso. Se debe a Heinrich & Palmer (Anna y Leon).