Ayer estuve muy atareado. Por la mañana, con una actividad relacionada con la fotografía de la que os hablaré un día de estos. Por la tarde con otras historias. El caso es que cuando me quise poner al final de la tarde a redactar estas recomendaciones, más sencillas y breves que otras semanas, me encontré con que no tenía acceso a la actualización de este sitio web, porque estaban con tareas de mantenimiento en los servidores. Por lo tanto, lo traslado a este lunes, en el que todavía tengo menos tiempo para hacerlo. Pero bueno. Espero que sean interesantes a pesar de todo.
Lals fotografías que acompañan son los últimos fotogramas del carrete de Adox Supermax 100 que me llevé a Eje de los Caballeros, y que finalicé el domingo siguiente por la mañana en el Parque de la Granja de Zaragoza, con restos de la hoguera de San Juan incluidos.
En primer lugar contar que en su edición del 20 de junio de 2017, L'Oeil de la Photographie se dedica a destacar lo más relevante de la 20ª edición del festival PhotoEspaña, que ya lleva unas semanas celebrándose en Madrid y otras ciudades de la geografía española. De este modo, este medio de comunicación internacional nos presenta una guía más de cómo seleccionar u organizar una visita al festival. Inabarcable en general al visitante, salvo que viva en Madrid y pueda dedicar unos cuantos días a ir visitando las distintas exposiciones o participando en las distintas actividades.
En semanas pasadas he hablado en diversas ocasiones de la fotógrafa Joana Biarnés, que en los últimos años ha sido redescubierta como una interesante reportera gráfica en el mundo de la España del tardofranquismo. Pero hay muchos más fotógrafos anónimos, mujeres y hombres, que hicieron su trabajo en ese periodo oscuro de la historia del país que fue la dictadura fascista del general Franco, y que eventualmente son redescubiertos y sacados a la luz. No recuerdo donde encontré este vídeo que os presento ahora, en algún foro en facebook, me gustaría citar a la persona que lo aportó, y que nos habla de Piedad Isla, otra fotógrafa y etnóloga de la época que permanece relativamente olvidada.
Otra fotógrafa y más vídeos. En esta ocasión se trata de Graciela Iturbide, probablemente una de las más importantes fotógrafas de las últimas décadas no sólo de su país, Méjico, sino del mundo entero. Y no me refiero solamente a su posición entre las fotógrafas femeninas, sino a todos los fotógrafos, no importan el sexo. Ted Forbes, dentro de su canal The Art of Photography, que si no os asusta el inglés os recomiendo, lleva un año y medio realizando una serie de pequeños documentales de poco más de un cuarto de hora de duración, The Artist Series, financiados coletivamente, y que tratan de acercar al público la figura de fotógrafos todavía vivos y de innegable interés. Tras los tres que se emitieron el año pasado, ha comenzado a emitir los cinco de este año, empezando por la artista mejicana. Os dejo a continuación dos vídeos, el corto documental sobre la fotógrafa, y el comentario de cómo se realizó. Una ventaja en el documental, Graciela nos habla en castellano, por lo que en esta ocasión no hace falta llevarse bien con el inglés para disfrutarlo. Dejando aparte que las fotografías son un idioma universal.
Y finalmente un informe especial del también mejicano Oscar Colorado, que nos habla de las importantes relaciones entre el surrealismo y la fotografía. Un informe largo y detallado sobre un tema que a mí me apasiona por lo especialmente fructífera que ha sido la relación entre este movimiento artístico, cultural y filosófico que surgió en los años 20 del siglo pasado y que ha producido obras fotográficas notables, tanto de fotógrafos que abiertamente se adhirieron al movimiento y se definieron como surrealistas, como aquellos otros que sin hacerlo, se vieron fuertemente influenciados por el mismo. Y aquí la lista de fotógrafos importantes es notable. De hecho, no voy a citar a todos los fotógrafos de los que se habla en el informe,... porque me parece una ardua tarea interminable. Id al documento, que también se puede descargar en formato PDF, que es apasionante. Y de paso, veremos si la gente se aclara sobre de qué hablamos cuando hablamos de surrealismo. Con frecuencia, se aplica este calificativo a todo tipo de obras, desde el absurdo a cualquier tipo de obra conceptual o de difícil comprensión. Y creo que el surrealismo, como dice Colorado, tiene unas características concretas que lo diferencian de otros movimientos u otras situaciones. Como digo, a mí siempre me ha interesado mucho el tema.
Esta semana, aunque he recogido una diversidad de artículos o noticias relacionadas con el mundo de la fotografía, lo cierto es que me voy a centrar en las tres exposiciones que se pueden visitar en Zaragoza en estos momentos y que lucen el logotipo del certamen PHotoEspaña 2017. El más importante certamen de fotografía del país. Aunque sus actividades se celebran principalmente en Madrid, espero ir dentro de unas semanas de visita, también se reparte en pequeñas cantidades por el resto de la geografía peninsular. Y en Zaragoza también nos toca algo, aunque en ocasiones sean exposiciones de "reciclaje" como veremos.
Las fotografías que acompañan la entrada de hoy corresponden a los paseos hacia y por las exposiciones. En una semana de calor agobiante, nos hemos dirigido a visitar las mismas hacia la caída de la tarde con la esperanza, vana, de que el calor se hubiera aliviado. Por lo menos la luz de la ciudad había mejorado a esas horas.
Pero antes de pasar a las tres exposiciones que se celebran en Zaragoza, recordaré que el domingo pasado hablaba de la dedicada a Duane Michals que había visitado en Barcelona a la vuelta de mi viaje por Noruega. Justamente, esta semana han publicado en Albedo Media un artículo en el que lo comentan y explican de forma mucho más adecuada a lo que yo soy capaz, y por ello os traigo aquí la recomendación de leer el artículo.
De las exposiciones que se han traído a Zaragoza con motivo de la edición actual de PHotoEspaña, sin lugar a dudas la que ha recibido más publicidad y honores es la dedicada a la reportera gráfica Joana Biarnés, en el excelente espacio expositivo de la Lonja. Exposición que ya tuve ocasión de ver el año pasado en Madrid, en la edición anterior de PHotoEspaña. Lo que hablaba del reciclaje. En cualquier caso, debemos alegrarnos de que nos la hayan traído a la ciudad, porque es realmente una exposición interesante. Además ha coincidido con que en una de las actividades del III Encuentro fotográfico de Aragón, el ciclo de cine documental "Mujer, cámara, acción", se ha proyectado el documental dedicado a esta fotógrafa, que de alguna forma la rescató del olvido durante su realización. Existe una versión reducida en castellano de dicho documental en TVE, que os dejo aquí enlazada.
He de decir que la exposición merece mucho la pena, por la calidad de las fotografías así como por el reflejo que supone de la casposa España de la década final de la dictadura franquista. Casposa incluso si son fotografías que se realizaron para el diario Pueblo, a la Cadena del Prensa del Movimiento, que se supone que ofrecía una imagen amable de la dictadura. De este hecho deriva una de las principales quejas que tengo sobre el documental y sobre la verborrea "políticamente correcta" de los medios y los políticos actuales. El documental y muchas de las declaraciones que se hacen sobre la fotógrafa tienen una carácter fundamentalmente hagiográfico, con nulo contenido crítico. Considero a Biarnés una excelente y meritoria profesional de la fotografía, puesto que su trabajo lo demuestra. Pero su afinidad con tantas personas afines al franquismo es algo que no se discute, sino que se trata casi de forma anecdótica.
En otro tono de cosas, en el Centro de Historias se celebra la exposición por el 40º aniversario de la Galería Spectrum Sotos de Zaragoza, una de las instituciones más importantes de formación y promoción de la fotografía en nuestra ciudad, aun considerando que es una galería privada que por supuesto busca ser rentable. El primero de los artículos de estas páginas, que escribí allá por el 30 de marzo de 2014, ya hace más de tres años a lo tonto modorro, trataba precisamente de cómo me inicié en la fotografía de forma seria realizando un par de cursos en estas galería unos años después de haber comprado mi primera cámara réflex. Muy respetada dentro del mundillo fotográfico en Zaragoza, creo que la única crítica habitual que he oído hacia sus actividades es que los cursos no son baratos, debe mucho a su director, Julio Álvarez Sotos. En la exposición, encontraremos en las paredes expuesta la obra de algunos de sus principales profesores, y en un vídeo, la de los alumnos más destacados de la última década. Así como objetos que muestran la evolución en las actividades formativas de la galería. Hay que verla.
La tercera de las exposiciones la encontramos también en el Centro de Historias, y ha sido la última en ser inaugurada. Está dedicada al artista conceptual chino Cang Xin, conocido principalmente por sus performances, que suelen ser acompañadas de fotografías de altísima calidad tanto formal como conceptual, que componen la base de la exposición. Yo ya estaba familiarizado con algunas de sus fotografías, que sirven de vehículo a sus expresiones artísticas en las que usa su propio cuerpo y persona para dar un poco de frescura a la reprimida oficialmente escena artística china. No es fácil ser artista libre en una dictadura, incluso si es una dictadura "comunista" de la que quieres ser amigos todos los líderes políticos y empresarios del mundo capitalista. Ironías del mundo y de la especie humana. A mí me ha gustado mucho, siendo la que más me ha aportado de novedad y reflexión de las tres exposiciones.
Más allá de lo que acabo de comentar sobre las tres exposiciones, poco más que añadir, aunque sí que me gustaría rescatar algunas cosas de los enlaces que había marcado por la semana.
Hasta cierto punto coincidencia de temas en dos medios distintos. En L'Oeil de la Photographie dedicaron una artículo a La Cité Chocolat (La ciudad chocolate), un trabajo coordinado por Daniel Traub con los chinos Wu Yongfu y Zen Xianfang, fotógrafos ambulantes en Cantón, mastodóntica metrópoli china en la que encontramos un barrio, Xiaobeilu, en los que hay una mayoría de población de origen africana, lo cual es raro de ver en el gigante oriental. Una comunidad poco conocida y poco comprendida.
Hemos hablado de Joana Biarnés ampliamente, y algo que he contado es que su exposición ya la vi el año pasado en Madrid. En aquellos momentos compartía espacio expositivo con otra de las exposiciones más valoradas y de moda en la edición pasada de PHotoEspaña, la dedicada a Cristina de Middel. Una fotógrafa que poco antes se consideraba emergente, y que de repente estaba en boca de todo el mundo, parecía que poco a poco había ascendido al olimpo fotográfico español. Y sí que ha debido de llegar a algún sitio importante como artista porque justamente desde hace un año he empezado a escuchar voces que la empiezan a poner a caldo. Incluso por parte de alguno que en algún momento escribió alabanzas de la alicantina (creo que es alicantina o de esa provincia). Pero con la tradición de cainismo que arrastramos en nuestro país, no sería de extrañar que mientras rescatamos a una fotógrafa olvidada y la colocamos en un pedestal, derribemos a quien estando en activo parece llegar a algún sitio, incluso con reconocimientos internacionales. Hace bien poco pude ver obra reciente suya en el Foto Museum de la Fotostiftung Schweiz en Winterthur (Suiza). Hace unos días escribía de Middel para Clavoardiendo Margazine, un artículo con el irónico título Detesto escribir, un artículo en el que hace un repaso del panorama de la fotografía española actual, mencionando a un buen número de colegas tanto de su propia generación como de anteriores. A ver si no nos olvidamos de ninguno, y luego le tengamos que hacer homenajes cuando ya se nos vuelvan octogenarios preguntándonos "¿Cómo se nos había pasado este fotógrafo/a tan bueno/a?". El burro que tropieza dos veces con la misma piedra. O tres, o tres docenas.
Sí, es lunes. Y las recomendaciones semanales aparecen en estas páginas los domingos. Y además el domingo de la semana anterior no hubo por estar de viaje en el norte de Noruega, en el archipiélago de las Lofoten. Pero ayer se celebró el "paseico" y comida de confraternización del III Encuentro fotográfico de Aragón, evento festivo y de promoción de la fotografía que organizado por varias asociaciones y grupos de fotografía se viene celebrando cada dos años desde el 2013.
Todo el día fuera, con mucho calor, cuando volvía a casa no me quedaban ganas de ponerme a escribir ante el ordenador. Sí que diré que en un momento dado del encuentro, intercambiamos fotografías. Una de las dos que aporté al intercambio era un fotografía de aproximación de una mariposa, lo cual sorprendió porque se supone "que no haces este tipo de fotos". Dicho con el mayor de los cariños. Y para defenderme de cualquier encasillamiento,... hoy,... mariposas. De los invernaderos de la isla de Mainau en el lago Constanza, Alemania, realizadas hace unas semanas.
La fotografía que llevé al intercambio.
Las recomendaciones de esta semana vienen dominadas por el último acto de mi viaje por las Lofoten,... que fue en Barcelona. Como el avión que nos traía de Noruega, desde Oslo, llegaba muy tarde a la capital catalana, y encima con dos horas de retraso, habíamos previsto hacer noche en la ciudad antes de volver al día siguiente. A Zaragoza o a Sevilla, cada cual según su domicilio actual. Situación que yo aproveché para hacer cosas por la agobiante Barcelona estival antes de coger el AVE a las 2 de la tarde.
Primer una visita a Casanova Foto. Había que repone el parasol de mi M.Zuiko Digital ED 12-40/2,8 Pro, que se quedó paseando a orillas de algún fiordo noruego. También aproveché para comprar un segundo respaldo A12 para mi Hasselblad, que ya me vino bien ayer en el "paseico", aunque de eso os hablaré otro día. Y conversé un rato con su servicio técnico para evaluar su capacidad para reparar cámaras de antaño. Fueron muy amables y atentos. Los tendré en cuenta.
Michals es uno de mis fotógrafos favoritos. Es uno de los que más me llegan, de los que más me hablan directamente, tanto a la razón como a los sentimientos. Que no están reñidos la una con los otros pese a los que muchos se empeñen. Duane Michals no hizo formación como fotógrafo. Procedente del mundo de las bellas artes y del diseño, llega a la fotografía tras un viaje a la Unión Soviética, para el que un amigo le presta una cámara fotográfica, y se dedica a retratar a aquellos con los que se encuentra. Claramente, Michals, pese a la teoría oficial de que los "rusos son el diablo" en los años cincuenta en Norteamérica, con una visión humanista y profunda, lo que ve son personas, con las que empatiza. Podemos ver algunos de estos retratos en la exposición.
Y empieza el recorrido y la carrera fotográfica de este autor, que pronto muestra sus influencias procedentes del mundo de la pintura y las bellas artes, como Magritte o Balthus.
Desde muy temprano, y especialmente a finales de los años 60 y en los 70, se le etiqueta como fotógrafo y artista conceptual. Etiqueta peliaguda, pero que si en un fotógrafo alcanza condición de nobleza es en Michals. Con frecuencia, la etiqueta de "fotografía conceptual" se aplica o es autoaplicada para definir obra de carácter más o menos arcano. En Michals, sin embargo, los conceptos surgen claros y diáfanos de sus fotografía, de sus secuencias o de los textos que las acompañan.
Aunque también tiene una vertiente de fotografía comercial, de moda, retrato y productos, en las que domina el uso predominante y magistral de la luz ambiente y la ausencia de todo artificio, donde destaca son en sus secuencias, en muchas ocasiones acompañadas de textos, no descriptivos sino complementarios, en los que nos transmite emociones, sueños o realidades alternativas. Temas como la muerte, la soledad, las relaciones, la imagen de sí mismo, aparecen con frecuencia en su obra. Pero lo hacen de forma clara. No hay dudas sobre el mensaje que nos transmite, independientemente de que la subjetividad del observador lo matice o lo complemente. Se convierte en muchas ocasiones en una obra de carácter ideológico o político, en el mejor de los sentidos de ambas palabras.
No falta tampoco la crítica al mundo del arte. Y algunos de los fotógrafos "conceptuales" más conocidos de la época contemporánea reciben el azote fotográfico de Michals. En la exposición vemos como les zurra especialmente a una tal Sherman y los aburridillos alumnos germánicos de fotografía de la escuela de Düsseldorf.
Aunque ya tenía en mi biblioteca un interesante libro de este autor, por supuesto me vine con el catálogo de la exposición. Siempre hacen excelentes ediciones con sus catálogos en la Fundación Mapfre.
En fin. Pasemos a otros temas que han surgido estos días. Aunque sea de modo muy esquemático.
El blog de Y C Photographye nos recordó hace unos días el peculiar y personal estilo de practicar el retrato y la fotografía de moda de la francesa Sarah Moon. Que siempre me ha llamado la atención.
PhotoEspaña 2017 está calentando motores. Mejor dicho, está ya en marcha, aunque supongo que aún faltará por inaugurar alguna exposición. Pensando estoy en acudir en julio junto con otros aficionados de AFZ (Asociación de Fotógrafos de Zaragoza) en excursión colectiva. De momento, en Clavoardiendo Magazine nos comentan que este año se ha concedido el premio revelación a Bego Antón. De la que ya he comentado en alguna ocasión en estas páginas.
Un par de fotógrafos japoneses muy distintos.
En Absolution-V pudimos contemplar hace unos días la obra fotográfica de carácter poético a veces, surrealista en otras ocasiones de Kansuke Yamamoto. Artista que también escribió poesía, de la literaria. Con palabras en lugar de imágenes. Hace tiempo que me siento atraído por este autor, y no me importaría incluir algún libro suyo en mi biblioteca, aunque no están muy a mano, me parece. Que tonto estoy, acabo de darme cuenta de que ya tengo un libro con obra suya...
Frente al Yamamoto surrealista, nos cuentan en AnOther sobre la obra de Ken Domon, un fotógrafo poco conocido fuera de sus fronteras y que justamente se caracteriza por un potente realismo social en su fotografía. Casi emparentada con el realismo italiano. De este fotógrafo sí que hay que aprender más porque sé poco.
Y terminaré diciendo que apareció hace unos días ya el número 99 de Fraction Magazine, que llega a la web como de costumbre a principios de cada mes.
Si os soy sincero, no he tenido tiempo para hojearlo con detenimiento, por lo que no puedo comentar de forma cabal nada sobre los porfolios de este mes. Así que, simplemente, os vais al enlace y los veis vosotros mismos.
En una mañana de domingo lluviosa y tormentosa, parece que ha de haber tiempo para redactar las recomendaciones fotográficas de lo que he visto por internet por la semana con más tranquilidad. Porque no parece un día apropiado para salir por ahí. Las tormentas están pasando en sucesión, así que te arriesgas a un buen remojón.
Empezaré hablando de una cuestión técnica. Google ha anunciado que no va a actualizar su colección de software para tratamiento de imágenes fotográficas Nik Collection. Mucha gente ya se está lamentando y se toman iniciativas para evitar la desaparición de este buen conjunto de aplicaciones, muy útiles para el fotógrafo digital. Pero ya era previsible desde el momento en que las liberaron y las hicieron gratis para todo el mundo. Cuando adquirieron este software, fue cuando se interesaron por Snapseed, en cuya aplicación móvil se han volcado, y en la que probablemente están repercutiendo toda la tecnología acompañante a todo el conjunto de programas. Realmente, ya en su momento abandonaron la rama de Snapseed para el ordenador de sobremesa. Y estaba cantado que con la Nik Collection iban a hacer lo mismo. Las compañías actuales suelen ser destructivas en sus adquisiciones. Compran otras compañías que han hecho cosas buenas y constructivas y han desarrollado tecnologías, no porque les interesen esos productos, sino por las tecnologías. Compañías como Google, son generalistas, dirigidas a las masas, por lo que las aplican a los productos para esas masas, y acaban abandonando y destruyendo el producto específico que interesaba a los fotógrafos de verdad y no a las personas que enredan con la cámara del móvil. Sucede también en otras ramas empresariales. La empresa capitalista no genera valor salvo si les genera muchos beneficios. Los beneficios marginales o los beneficios para la comunidad de personas non les interesan. Causa perdida la recuperación y avance de la Nik Collection.
Bueno, la entrada de hoy, la estoy ilustrando con fotografías realizadas con una de las películas negativas en color más baratas del mercado, si no la más barata. Es la Fujicolor C200 de Fujifilm. Probablemente una redenominación de alguna antigua versión de las Superia de 200 ISO u otra serie parecida. Una tecnología amortizada y fácil de producir, que probablemente se vende también bajo otras marcas, se habla de las Agfacolor Vista 200 como una versión de la misma película, y que por lo tanto se puede vender barata. El caso es que tiene un comportamiento digno. Las fotografías de hoy están hechas con dos cámaras distintas. Algunas proceden de la Canon EOS 100 con el objetivo Olympus Zuiko 21/3,5 adaptado con una montura Canon EF, y otras proceden de un carrete que le puse a mis sobrino Diego de 8 años en la "patatera" Cámara Safari Indiana Jones, una versión de las Werlisas más básicas de plástico, que compré hace un tiempo en un mercadillo por dos euros. Como Diego no hizo las 36 exposiciones, las terminé yo hace unos días para llevarlo a revelar. Supongo que podréis adivinar qué fotos vienen de cada cámara.
En cuanto a las recomendaciones de hoy, empezar por una noticia luctuosa, la del fallecimiento de la fotógrafa norteamericana Marie Cosindas, de la que además hablé hace poco en este sección que aparece casi todos los domingos en estas páginas. Marie Cosindas fue una pionera del color, y se destacó por su habilidoso y artístico uso de las grandes cámaras para película polaroid de formato grande. Tanto en bodegones como en retrato. Una fotógrafa interesante y menos conocida de lo que merecería. Nos informaron de la noticia en L'Oeil de la Photographie.
Marie Cosindas llegó a estas páginas gracias un artículo de los que publica el mejicano Oscar Colorado en su blog Oscar en fotos. Con cierta frecuencia, yo creo que todas o casi todas las semanas, publica algún artículo con una galería de fotografías y una pequeña biografía de algún fotógrafo de interés. No necesariamente de los más conocidos.
Por ejemplo, para esta semana tengo dos de ellos. Uno que apareció hace ya unos días, que trata sobre el rumano establecido en Francia, creo que también nació en Francia pero creció en Rumania, Éli Lotar. Aunque poco conocido por el público en general, se movió activamente por los círculos surrealistas, y también le dio a la filmación cinematográfica, colaborando eventualmente incluso con Luis Buñuel. No era un surrealista puro, y en sus fotografías no dejaba de incluir un contenido social importante. Largo tiempo olvidado, parece que poco a poco vuelve a ser conocido, por lo menos en los medios interesados por la fotografía.
En fechas más recientes, Colorado nos ha ofrecido un artículo sobre el fotógrafo italiano Giuseppe Cavalli. Encuadrado dentro de lo que se denomina el formalismo italiano, fue un defensor a ultranza de la fotografía como una de las bellas artes, repudiando la fotografía documental y, especialmente, aquella que se ponía al servicio de la propaganda fascista. Buscaba la belleza y la poesía en los objetos cotidianos, y por ello fue autor de bellos bodegones muy minimalistas con predominio de las claves altas. A mi me gustan bastante estos bodegones.
Se nos echa encima PhotoEspaña 2017, marcando aniversarios redondos. 20 años, ya. Yo visité alguna de sus primeras ediciones en los años 90. Por lo tanto, irán apareciendo por aquí recomendaciones de algunos de los artistas expuestos. Aspiro a viajar a la capital y visitar algunas de las exposiciones, además de las que puedan aterrizar en Zaragoza. Que alguna habrá. De momento, de algunas de las exposiciones se hacen en eco incluso en el extranjero. Porque parece que durante la duración del certamen, la Fundación MAPFRE en Madrid va a tener abierta una amplia retrospectiva de la mejicana Graciela Iturbide, probablemente la más influyente fotógrafa contemporánea mejicana. Tanto en su país como fuera de él. Habrá que hacer por ir a verla.
En Clavoardiendo Magazine nos han hablado esta semana, y han entrevistado, al fotógrafo español Ciuco Gutiérrez, que también va a tener su espacio en PhotoEspaña, en lo que se llama Festival Off. Es decir, no en una de las exposiciones oficiales del certamen, sino en alguna de las galerías que se suman al mismo y que organizan su propia exposición. Su colorido trabajo, de carácter conceptual y muy ligado a la cultura pop me parece muy interesante y conviene ser conocido para estar al tanto del panorama de la fotografía actual en España.
En Barcelona, y también alojada por la Fundación Mapfre, fuera del festival, que no suele vincularse a la capital catalana, aunque sí a otras ciudades de la geografía española fuera de Madrid, vamos a tener un exposición dedicada a Duane Michals. Uno de los fotógrafos conceptuales más importantes, influyentes y prestigiosos de las últimas décadas en Estados Unidos. A mí me gusta bastante, y aprovecharé mi regreso de un próximo viaje de vacaciones para hacer noche en la ciudad condal y dedicar una mañana a ver la exposición. Que seguro que me gusta mucho. Encontré la noticia de forma casi simultánea en Clavoardiendo Magazine y en Albedo Media (DSLR Magazine). Si se puede visitar, considero que es una exposición imprescindible, aunque no la haya visitado todavía.
Sí que me llamó la atención un artículo dedicado hace unos días en L'Oeil de la Photographie a los franceses Pierre et Gilles. Esta pareja de fotógrafos mantienen una estética y estilo muy característicos a lo largo de su carrera. Grandes formatos, muy coloridos, a partir de escenografías muy barrocas y elaboradas, que se complementan con pintura a mano, para unas obras que se aproximan al kitsch, pero que no dejan de llevar una carga conceptual notable. Muy comprometidos con la causa y la cultura gay, tiran de referencias que se pueden obtener de la historia del arte, con frecuencia de la imaginería religiosa, para exponer su visión. Quizá no es el estilo de fotografía que más me atrae, pero no dejo de reconocer el importante trabajo de esta pareja, que conozco desde que en diciembre de 1996 pude visitar una exposición suya en la Maison Européene de la Photographie en Paris y que ya me dejó bastante sorprendido. No caen bien en los medios más conservadores, especialmente en los católicos, por esa apropiación de la imaginería religiosa para llevársela al campo de la cultura y los valores gays.
Sicilia es una isla, un territorio, apasionante. Cargado de historia y cultura, que se remontan a la Magna Grecia y aun más atrás, hoy en día es un lugar cargado de contrastes, que todo el mundo me recomienda visitar aunque no he encontrado ocasión todavía. En cualquier caso, la vida de la población ha estado marcada durante décadas por la corrupción del poder, el crimen organizado y el abuso sobre la población y el territorio. Muchas veces se asocia a las mafias con crímenes como el tráfico de drogas, el proxenetismo y tráfico de mujeres y otros similares. Pero probablemente lo peor es la corrupción que ejercen sobre la clase política y el parasitismo sobre los fondos públicos. Eso es lo que intenta trasmitir el fotógrafo Mimi Mollica con su descarnado trabajo en el que sus fotografías muestran una mezcla de vida cotidiana, la influencia de la religión, los desastres urbanísticos y el ambiente mediterráneo de la isla en un blanco y negro expresivo y contrastado. Nos lo contaron en American Suburb X (ASX).
Una sensual y voyeuristica fotografía que apareció en el twitter de Semiotic Apocalypse, también conviene seguir su Tumblr porque no siempre coincide lo que aparece en ambas cuentas, me llevó a conocer el trabajo del japonés Noritoshi Hirakawa. Aunque con un estilo propio y distintivo, parece que Noritoshi quiere seguir la senda abierta por Nobuyoshi Araki, de abordar el mundo del erotismo y la sensualidad de una forma directa y con ese tono de voyeur que ya he mencionado. No obstante, más aireado por el mundo, residente en Nueva York, y abierto a otras disciplinas como la filmación, las performances o las instalaciones, su visión es más universal y próxima al mundo occidental.
Terminaré con una recomendación colectiva. Hace un par de días The British Journal of Photography Online, la más veterana de las revistas de fotografía del mundo, nos hablaba de un conjunto de 10 fotógrafos emergentes, jóvenes, pero ya establecidos y reconocidos, que siguen utilizando la película tradicional. Es interesante leer el artículo. La idea básica que transmiten las minientrevistas a los diez autores es que, si bien la fotografía digital es más conveniente por economía y cuestiones prácticas en los trabajos más comerciales y por encargo, la película tradicional, la materialidad del medio, parece de elección para muchos fotógrafos artísticos que prefieren hacer su trabajo más personal con estos materiales. Lo entiendo, y me parece interesante. Cada vez me doy cuenta más que la inmediatez de lo digital suele acompañarse de imágenes efímeras, que no duran, que no cuentan, y que conllevan poca reflexión y una carencia de experiencia interior. Pero por supuesto cada cual lo vive a su manera.
Después de un domingo de descanso en esta sección casi semanal debida a mi viaje por el norte de Italia y por las regiones adyacentes a la frontera germanosuiza, vengo con una nueva edición de mis recomendaciones semanales, muy asociada a este viaje. Aunque habrá alguna cosita más. Lo que pasa es que la noche de este sábado al domingo, trasnochamos mucho para ir a hacer fotografías nocturnas de la bóveda celeste. Y me daban casi las seis de la madrugada cuando me acostaba. Así que he ido todo el día como los zombis. Y además con una novedad fotográfica en la familia de la que os hablaré en unos días. Por ello, he trasladado mis recomendaciones fotográficas al lunes.
Todo ello aderezado con algunas fotografías del viaje.
Lo podemos comprobar día tras día; en los viajes contemporáneos, el acto fotográfico por excelencia es el selfi, el autorretrato realizado con la cámara del teléfono móvil para anunciar al mundo "yo estoy aquí". Duomo de Milán.
En los días que estuve de viaje, los cinco primeros me alojé en Milán. En casa de unos amigos muy queridos, que me apetecía ver. En los últimos años, hemos coincidido en distintos viajes por Italia durante mis vacaciones de Pascua, pero este año no pudo ser. Así que lo he compensado haciéndoles una visita. No voy a entrar ahora en mis actividades en la ciudad "meneghina" y sus alrededores, que ya he comentado previamente. Decir que cursé visita al Museo del Novecento, situado en la Piazza del Duomo, adyacente a la majestuosa catedral milanesa. Tratándose de un museo dedicado al arte moderno y contemporánea, esperaba ver alguna muestra del arte fotográfico... pero mi gozo en un pozo. Hasta cierto punto... En las muestras de la colección permanente no había representantes de la fotografía. Pero con motivo de una exposición temporal denominada "New York, New York" sobre arte contemporáneo norteamericano, en el archivo del museo había una exposición dedicada al viaje y estancia del fotógrafo italiano Ugo Mulas, con un interesante libro de fotografías que publicó en el que nos muestra su relación con "The Factory" de Andy Warhol. Por cierto, que no me importaría hacerme con una copia de ese libro, pero sólo he encontrado de momento una, usada, es de 1967, y cuesta más de 1.100 euros. Va a ser que no.
Las fotografías de Ugo Mulas "salvaron" fotográficamente la visita al Museo del Novecento,... aunque el museo tiene otros muchos centros de interés dentro del arte moderno. Como el futurismo y el "arte povera", corrientes con mucho impacto en la península italiana, cada una en su momento.
Donde sí que pude disfrutar abundantemente de la fotografía fue en la Fotostiftung Schweiz, oficialmente Schweizerische Stiftung für die Photographie (Fundación Suiza para la Fotografía). Esta es una fundación privada, aunque colabora con los poderes públicos suizos para mantener el Fotomuseum Winterthur, museo de la fotografía de la ciudad de Winterthur, uno de los centros más prestigiosos para la conservación, el impulso y el estudio de la fotografía en Suiza y en Europa.
Voy a explicar la peripecia un poco más despacio. Cuando hace unos meses comprobé que mi Plaubel Makina 67 tenía algún problema que hacía que precisase un paso por un servicio técnico busqué y pregunté en Internet. Y hay trabe contacto virtual con una persona, un aficionado a la fotografía que yo estaba convencido era alemán. No doy sus detalles porque el es una persona muy privada y me pidió expresamente que lo mantuviese en el anonimato. De hecho, me enteré de su nombre, lo conocía por pseudónimo, cuando nos encontramos en Constanza para cenar un día. Pero resulta que no es alemán, sino suizo. Vive en Kreuzlingen, que es la ciudad fronteriza adyacente a Constanza. De hecho, cuando quedamos ese martes a cenar, vino a recogerme a la puerta del hotel caminando, porque le suponía un ligero paseo. Yo le hablé de mi interés por el museo de la fotografía de Winterthur. Y se ofreció a acompañarme. Me preguntó qué iba a hacer al día siguiente, y le hable de mi plan de coger un barco por la mañana para hacer la travesía del Rin hasta Schaffhausen y visitar las cataras del Rin (Rheinfall) en Neuhausen).
Manifestó que, si no me importaba, le gustaría acompañarme. Y así hablaríamos largo y tendido sobre fotografía. Me pareció estupendo. Esta persona es muy privada, pero he deducido que es en gran medida por timidez. Porque es absolutamente encantadora y amable. Así que tras visitar las cataratas, cogimos un tren a Winterthur. Y un poco después de las cinco de la tarde llegábamos al museo en Winterthur. Fuimos afortunados. Era miércoles. Y los miércoles el museo cierra a las 20:00 horas en lugar de las 18:00 horas, lo que nos permitía visitarlo con calma. Y encima, ese día, es gratuito. Que no es barato, habitualmente.
Tiene dos edificios, uno sería el de la fundación y el otro el del museo, aunque hay salas de exposición en ambos. Y un "bistro" muy mono, tienda-librería, etcétera, etcétera, etcétera. Bueno, y la para de trolebús más cercana se denomina "Fotozentrum". Así que no es difícil saber como ir.
Pero vamos a lo importante. Las exposiciones.
La primer que vimos fue una dedicada al fotorreportero suizo Dominic Nahr, bajo el título "Blind Spots", dedicada a lo conflictos en África que han perdido su "interés de actualidad" y permanecen como conflictos ignorados por la mayor parte de la gente y la prensa, aunque con graves consecuencias humanitarias para las poblaciones locales. Mali, Somalia, Sudán del Sur, República Centroafricana,... son algunos ejemplos.
Me gustó mucho, tanto por el compromiso del fotógrafo como por la calidad técnica y estética de la obra, con un dominio del color, de la composición y de la oportunidad excelentes.
Por supuesto, la propiedad intelectual de las obras reproducidas es de sus autores, en este caso, Dominic Nahr.
En la segunda exposición, "Situations", nos encontramos con presencia española. Entre otros autores, ya que se trata de una colectiva, encontramos a Cristina de Middel, con un trabajo que me recordó mucho a su proyecto Party. Si en aquel partía de los textos de Libro Rojo de Mao Ze Dong para reconstruir la realidad de la población china actual, eliminando párrafos enteros y dejando algunas palabras que formaban frases totalmente fuera del contexto original, en esta ocasión este trabajo lo hace con las primeras planas de grandes periódicos. En los que además, sustituye las fotografías originales por otras cuyo contenido son gatitos, flores o brécol. El tema de la exposición es la falsedad en los mensajes de los medios de comunicación y de los políticos en el mundo actual. Eso que han llamado algunos la época de la "posverdad", no sé muy bien porque no le llaman directamente "época de las mentiras". Los mensajes se maquillan, las noticias que interesan se ocultan y se nos hace creer que vivimos en un mundo diferente. Puro Orwell. El problema es que tienen razón.
Obra de Cristina de Middel, sobre una portada de un antaño prestigioso diario españo. Ya no. Lo del prestigio, digo.
Había otros fotógrafos y autores presentando su obra sobre el mismo tema pero con distintos enfoques. Me interesó especialmente el trabajo audiovisual "Cloud Bomb Atlas" de Forensic Architecture, en el que este colectivo evalúa a partir de los vídeos tomados con los omnipresentes móviles, los puntos de impacto de los bombardeos en distintas partes del mundo, y que muchas veces llevan a lo que se llaman "daños colaterales". Es decir, muerte de civiles, a veces equipos humanitarios en hospitales y escuelas, con muerte de niños, por bombas que no necesariamente son lanzadas por los "malos". Con frecuencia son bombardeos de aquellos países que dicen defender la democracia.
Estudio de "Forensic Architecture" de un bombardeo con 25 muertos a un hospital de Médicos sin Fronteras en Siria, llevado a cabo probablemente por Rusia por las fuerzas gubernamentales sirias, aunque ambos lo han negado. No fue obra de los radicales islamistas.
Pero sin duda, la exposición estrella del momento es la dedicada al fotógrafo nortemericano Danny Lyon. Con 75 años que cuenta actualmente, todavía está en activo, desde la década de los años 60, en la que es conocido por su profunda implicación y compromiso con el movimiento de los derechos civiles, siendo un defensor destacado de la causa de las comunidades afroamericanas a través de sus fotografías, que tuvieron un impacto real en varias ocasiones. Véase el caso de las adolescentes retenidas ilegalmente conocido como Leesburg Stockade. Un caso como muchos otros que debería avergonzar profundamente a un país como Estados Unidos que en la posguerra mundial se autoproclamaba defensor de la democracia. Y no. Lyon estudió también algunos grupos de la cultura "underground", fue crítico con la guerra, allá donde se produjese, analizó y criticó los destrozos urbanísticos en Nueva York, se involucró con los grupos estudiantiles críticos con el sistema o se introdujo en las cárceles más duras del sur de los Estados Unidos. Desde mi punto de vista, un auténtico defensor de la democracia y la libertad, y un excelente fotógrafo documental. También ha realizado a lo largo de su vida varios cortometrajes.
Autorretrato de Danny Lyon.
Uso de una de sus fotografías para material de protesta contra la actitud de las fuerzas policiales en la represión de movimientos civiles.
Con respecto al viaje, no tengo más que decir. Un par de comentarios, aunque sean breves, sobre cuestiones que han surgido en estas dos semanas.
En el blog de Vantage nos hablan de cinco colectivos de fotógrafos, procedentes de centros educativos del Reino Unido, que nos comentan será interesante seguir en los próximos tiempos. Se trata de los siguientes:
Es interesante conocer lo que hace la gente más joven en el mundo de la fotografía.
Finalmente, en Believe In Film, nos hablan del saber aparentemente desaparecido con el colapso de algunas empresas que en su momento fueron importante o lo fueron todo en su campo, y en este caso en el de la fotografía. Es el caso de Eastman Kodak, empresa casi sinónimo de fotografía en otros tiempos y que hoy está convertida en una sombra de lo que fue. Sin embargo, acumuló mucha experiencia y mucho saber, que están en riesgo de desaparecer. Afortunadamente, en internet se pueden encontrar mucchos documentos. En particular nos recomiendan buscar en archive.org los documentos de Eastman Kodak, y nos ofrecen los enlaces a siete de ellos, como ejemplos de documentos de interés. Dada la naturaleza de la página que lo hace, relacionados con el mundo de la fotografía argéntica y fotoquímica. Desde luego, hay para pasarse muchas hora revisando documentos de todo tipo.
Me despido con un ejemplo de la imaginación creativa de los habitantes de Winterthur, encontrada mientras caminábamos por la ciudad de vuelta a la estación de tren, camino de Kreuzlingen y Constanza.
