La fotografía como afición y otras artes visuales

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Recomendaciones semanales - del 4 al 11 de febrero de 2018

No tengo una gran "producción" propia fotográfica reciente. Tengo algún paisaje en blanco y negro, pero al que quiero dedicar un artículo propio, puesto que además supone un comentario de mi reencuentro con la película Ilford Delta 100, un reencuentro muy feliz, he de decir. Y también estoy esperando los resultados de algunos carretes en color de hace un par de semanas... Y bueno, ayer desempolvé la cámara de cajón, la Agfa Synchro Box, pero todavía no he revelado esos Ilford FP4 Plus expuestos a IE 200. Así que tiraré de archivo para ilustrar las recomendaciones semanales de este domingo, en el que ando modorro puesto que me ayer sábado me acosté tarde. El caso es que en la velada tras la cena, se habló de viajes recientes. Y a colación salió que algunos de nosotros, en distintos momentos del año visitamos la ciudad danesa de Aarhus. O Århus. En concreto una reinterpretación en blanco y negro del amplio paseo que nos dimos por el parque y el bosque de Moesgaard, o Moesgård, hasta la playa del mismo nombre.

Es carnaval. Nunca tengo clara la vigencia de esta fiesta, dado que nadie, o casi nadie, guarda los más o menos absurdos preceptos de la cuaresma cristiana. Pero bueno, si la gente se lo pasa bien... Pero podemos ver también algún ejemplo de como el carnaval tiene su reflejo en la fotografía. No nos iremos a ver las espectaculares garotas de las escuelas de samba cariocas. De acuerdo con la propuesta de Magnum Photos, acompañaremos a la fotógrafa Susan Meiselas (en Magnum Photos) por las modesta barracas de feria con espectáculos de striptease de los fríos y desangelados carnavales de Nueva Inglaterra en los años 70 del siglo XX. Un trabajo lleno de melancolía, pero también de humanidad, que ya es un clásico de la fotografía documental.

Por cierto, en LensCulture nos proponen un libro dedicado a esta fotógrafa, Susan Meiselas, On the Frontline, una antológica de alguna de sus obras más representativas publicadas o no hasta la fecha. Creo que me lo voy a agenciar, porque no tengo ningún libro de Meiselas en la biblioteca, y este tiene muy buena pinta. Siempre he tenido la sensación de que es una de las fotógrafas más honestas que conozco.

No se ha hablado mucho de la cuestión. Pero el año pasado fue el 80º aniversario del comienzo de la Segunda Guerra Sinojaponesa. La visión eurocéntrica u occidental de la historia, con el especial dominio del mundo anglosajón, hace que se considere que la Segunda Guerra Mundial comenzase un 1 de septiembre de 1939, un 7 de diciembre de 1941 para los estadounidenses. Pero diversas regiones del mundo ya estaban en guerra contra los fascismos desde años antes. Desde julio de 1936 en España, desde agosto de 1937 en China... por poner algunos ejemplos. En Photography of China nos lo recuerda con un vídeo con imágenes de Shanghái en la época.

Por cierto, recientemente se ha publicado en China el último libro de Haruki Murakami, que nos habla de lo que sucedió en Nanjin durante aquella horrible guerra. Y en un momento en que un gobierno conservador del País del Sol Naciente amenaza con el revisionismo de la historia, minimizando o negando las atrocidades niponas en territorio chino, Murakami escribe con sinceridad y sin tapujos. En España tendremos que esperar hasta otoño para disponer de una traducción al castellano. Hace casi un año que salió la versión original en japonés.

En Clavoardiendo entrevistan a Joan Fontcuberta. Fontcuberta es uno de los fotógrafos españoles con más reconocimiento internacional, habiendo ganado numerosos galardones que lo demuestran. No solamente es fotógrafo, un fotógrafo que muchas veces es deliberadamente provocador, sino que también ha escrito libros como teórico de la fotografía, como persona que reflexiona sobre la naturaleza de la misma. Con los cuales podrás estar más o menos de acuerdo, pero ahí están. Curiosamente, en los medios más o menos especializados de nuestro país, es criticado con bastante frecuencia. Diríase que algunos le tienen "paquete". Parece que no comparten su sentido del humor. O tal vez se aplique aquello de "nadie es profeta en su tierra". O es un ejemplo más del cainismo ibérico. A mí, sus obras unas veces me gustan más y otras menos, pero le tengo respeto. Y me alegro de la entrevista tranquila e interesante que aquí os propongo.

Nobuyoshi Araki es sin duda el fotógrafo japonés más conocido, y con frecuencia lo traigo a estas páginas. Es muy controvertido por la forma en que aborda la sexualidad y el modo en que a veces aparecen las mujeres en su prolífica obra. En Dazed publican un artículo sobre la obra más erótica de Araki, y la entroncan con la tradición de los grabados Shunga. Representaciones pornográficas, a veces muy extravagantes, que aun estando prohibidas durante siglos, abundan, y en su autoría participaron gente tan importante como Katsushika Hokusai. Creo que las reflexiones son interesantes. Y determinados trabajos muestran que siente un respeto por las mujeres probablemente mayor de lo que muchos que lo censuran tienen. Siempre he admirado los trabajos relacionados con su malograda esposa, fallecida a una edad temprana, y que son una tremenda declaración de amor y de duelo.

España tiene su cara oscura. Esa España profunda que muchas veces se asocia a las zonas rurales, donde persisten costumbres atávicas, a veces brutales, que cada vez nos asombran más. Siempre he creído que son más propias de la incultura que del hecho rural. Conozco demasiada buena gente que vive en los pueblos como para pensar de otra forma. Pero es cierto que ahí hay todavía un resquicio de la España más bruta y sin sentido. Probablemente sea así en todos los países en mayor o menor medida; sea algo humano y no exclusivamente ibérico. En Yorokobu nos propone un recorrido por los duros y descarnados pueblos del Mestrazgo de Castellón y Teruel, comarca de gran belleza, pero donde un tierra poble, el clima duro y el aislamiento ha condicionado el carácter y las costumbres de las gentes. El fotógrafo es Jesús Monterde que, si no le he entendido mal, es un nativo de la zona, del pueblo castellonense de Benassal. Fotografías ásperas, duras, directas en ocasiones, metafóricas en otras.

En mi Cuaderno de ruta os hablaba hace unos días del Atlas de las Islas Remotas de la alemana Judith Schalansky. Un libro que me gustó mucho. Una de las islas de las que habla es la isla de Pingelap, un atolón perdido en algún lugar del Oceano Pacífico con menos de 300 habitantes permanentes. Y en la que hay una elevada proporción de personas con acromatopsia, una forma de ceguera al color, transmitida genéticamente. En LensCulture me he encontrado esta semana con un artículo que habla del trabajo que ha realizado la fotógrafa belga radicada en Amsterdam Sanne De Wilde al respecto. Tirando de la alteración del color en la fotografía digital en el ámbito del infrarrojo o de la fotografía monocroma.

Para finalizar, de la mano de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, os traigo la recomendación de la fotógrafa australiana Prue Stent. El artículo habla del "surrealismo" de las imágenes... aunque yo no las veo así. Creo que es más bien una reflexión sobre la estética y el cuerpo de la feminidad a partir de performances de la propia autora y otras mujeres cercanas a ellas que quedan reflejadas en las fotografías que las documentan de forma magistral. Y lo que es más, consigue que el rosa y sus derivados dejen de ser unos colores absolutamente estomagantes, tal y como se utilizan habitualmente en nuestra sociedad.

Recomendaciones semanales - del 16 al 30 de julio de 2017

La semana pasada esta sección dominical dedicada a mis recomendaciones fotográficas se dedicó a las exposiciones de PHotoEspaña. Por lo tanto, para este último domingo de julio, tengo acumulados enlaces de prácticamente toda la segunda quincena de julio. Espero poder irlos exponiendo sin que se haga muy pesado.

En cuanto a las fotografías acompañantes,... pues he tenido visita foránea este fin de semana. De esas que cuando llegan el viernes se te calienta el corazón, y que cuando se van el domingo, te queda una vacío muy dentro. Pero que se le va a hacer, mejor disfrutar durante un par de días que nunca. El caso es que ayer salimos por la tarde a encontrarnos con alguien que veranea en la provincia de Huesca. Y nos acercamos al castillo de Loarre. No entramos. Eran más de las siete y media cuando llegamos. Fue un paseo. Mi cámara digital fracasó estrepitosamente... porque olvidé ponerle tarjeta. Menos mal que eché a la bolsa la Pentax MX con un carrete de negativos en color y la Polaroid Image System con un cartucho de Impossible Project en blanco y negro. Os dejo algunas fotografías de este último, y os recuerdo que mi cuenta de Instagram está dedicada en exclusiva a la fotografía instantánea.

Empecemos primero por lo más antiguo cronológicamente, que no tiene porque serlo socialmente. Alice Austen fue una fotógrafa que vivió a caballo entre los siglos XIX y XX, y que a los 18 años ya dominaba el oficio aunque nunca fue una profesional porque no era concebible en esa época que una mujer se dedicase profesionalmente a la fotografía. Sin embargo, sus fotografías eran mucho más frescas, espontáneas y modernas que los de sus contemporáneos. Existe la sospecha de su naturaleza homosexual, derivado del contenido de muchas de sus fotografías con mujeres que muestran afecto entre sí, realizan actividades que rompen las normas de la época o se disfrazan de hombres. Pero dadas las restricciones de esa época, es difícil de decir, o si las etiquetas simples actuales valen para definirlas. En cualquier caso, lo hemos visto y leído en Artsy y nos ha interesado.

Durante este verano, en Magnum Photos están saliendo reportajes de fotógrafos que emprenden viajes importantes y los reflejan en sus fotografías. En estas dos últimas semanas hemos podido conocer el viaje por carretera a Nueva Orleans del francoiraní Abbas cuando tenía 24 años y que resultó en su primer ensayo fotográfico, y el viaje de Dennis Stock a California en 1968, año especialmente revuelto en la historia del siglo XX. Ambos están muy bien, me gusta mucho este género de la road photography, y alguna vez he pensado en practicarlo yo un poco. Coger unas vacaciones el coche y recorrer un territorio, parando de vez en cuando a fotografiar algo que me parezca significativo o representativo. El problema es que no me gusta mucho conducir. ¿Quizá practicar la railroad photography? Eso estaría bien, aunque hoy en día los trenes van demasiado rápidos...

El mejicano Oscar Colorado nos ha realizado varias propuestas interesantes en las dos últimas semanas. Series fotográficas comentadas en profundidad y biografías de fotógrafos siempre interesantes. Recomiendo mucho seguir el blog de este profesor universitario de fotografía.

Si el pasado domingo hablaba de la obra de Antoine D'Agata en la que se sitúa a sí mismo y su atribulada vida en el centro de su obra fotográfica, no podemos olvidar que probablemente la fotógrafa más destacada en este aspecto es Nan Goldin con su seminal serie La Balada de la Dependencia Sexual, que supuso un antes y un después de cómo afrontar el reportaje fotográfico en los años 80.

Otra fotógrafa destacada en su campo es la francesa Sarah Moon (Marielle Warin), y su etérea fotografía que abraza un pictorialismo conntemporáneo para una forma distinta de afrontar la fotografía de moda. No siendo este un género que me atraiga especialmente, hay varios motivos para ello en los que no entraré ahora, y no siendo el pictorialismo mi estilo fotográfico favorito tampoco, la obra de Moon siempre me ha parecido muy interesante. Ya sabéis, la nitidez es un concepto burgués... dijo Cartier-Bresson.

Por último, ha presentado la galería dedicada a Takuma Nakahira, un fotógrafo japonés de los que asumieron las propuestas visuales de la revista Provoke. Are, bure, boke,... grano, barrido y desenfoque. Y un fuerte contraste, para una fotografía muy enganchada a la realidad social y política del país en los años 60. Un fotógrafo muy crítico y muy comprometido políticamente.

Me gusta desde hace ya un tiempo el trabajo de la fotógrafa británica Olivia Arthur. Y si ya en ocasiones había encontrado motivos para ello, su presencia el año pasado en la exposición homenaje a Inge Morath en la que recorría el Danubio acompañada de otras fotógrafas ganadoras del premio que lleva el nombre de la fotógrafa austriaca organizado por Magnum Photos. En las páginas de esta agencia ha aparecido estos días un artículo dedica a Little Mogadishu, sobre la vida de las mujeres emprendedoras en la comunidad somalí en Estados Unidos. Tienen mucha alma las fotos de Olivia Arthur, si perder su visión precisa de la realidad.

Joan Fontcuberta hay quienes lo aman y hay quienes lo odian. Estamos en un país muy cainita. Unido al hecho de que fuera de nuestras fronteras mantiene cierto prestigio, me hace sospechar un poco de los que lo odian. Pero es cierto que de vez en cuando toma caminos arriesgados. A través de Facebook llegué a un artículo de El nacional.cat, que hablaba del reportaje sobre las vedettes del Molino realizado por un olvidado fotógrafo de los años sesenta y setenta, Ximo Berenguer. Ahora sabemos que se trata de fotos tempranas en la carrera de Fontcuberta, y que el tal Ximo Berenguer es un invento suyo. Una provocación para poner en solfa a los medios de comunicación actuales en la era de la posverdad. Es decir en la hora en la que muchos sueltan sus mentiras y nadie las pone en duda. A mí sí me convence el planteamiento, aunque no faltan como he dicho las voces críticas o dubitativas contra el fotógrafo catalán con crudeza. Pero realmente es necesario luchar duramente contra las falsedades de la época y contra la connivencia que los medios de comunicación tradicionales muestran. Y que conste que arriesgo a las iras de alguien por enlazar un artículo publicado en un medio catalán proindependentista, lo cual quiere decir que también sucumbe con frecuencia diaria en el engaño de la posverdad.

Pero pasemos a cuestiones más ligeras. Chris Lowell (Instagram) es un actor frecuente en las series de televisión norteamericanas al que últimamente hemos podido ver en GLOW, cuya primera temporada comenté recientemente en mi Cuaderno de Ruta. Pues bien, hay que añadirlo a la nómina de gentes del mundo de la interpretación a las que gusta hacer sus pinitos con la cámara de fotos. Nos lo han contado en Lomography Magazine. Armado con una Hasselblad 503CX o una Leica M7, y película Kodak Tri-X 400, hace unas fotografías que no están nada mal. Incluso nos ha ofrecido unas fotografías tras las bambalinas de GLOW. Y están bastante bien, incluso en color. O en blanco y negro.

También en el Lomography Magazine nos sorprendieron con unas curiosas fotografías de Miles Aldridge en las cuales los personajes de Game of Thrones cambiaban de época y de ambientación, trasladándonos más a las décadas de la posguerra mundial con la fuerte saturación de la Ektar 100 usada con una Rolleiflex 6001. Originalmente aparecieron en Time.com, y aunque tienden ligeramente al kitsch, como buena parte del trabajo de Aldridge, no me disgustan nada.

Hace unas semanas os hablaba de cómo recuperamos el contenido de un carrete de 50 años de antigüedad encontrado en un Kodak Duaflex II. Pues bien, en PetaPixel nos cuentan una historia parecida de cómo alguien se encuentra un rollo de Kodachrome en el interior de una Zeiss Ikon 520/2, yo tengo una cámara muy similar. El fotógrafo que las recuperó, Martijn van Oers nos cuenta superficialmente que recuperar los fotogramas fue un proceso que requirió "conocimiento, sincronización, paciencia y exactitud"... pero no nos dice cómo lo hizo. Desde nuestra experiencia, exige ciertas habilidades, pero al alcance de cualquiera que no sea un absoluto chapucero. Sí que hace falta cierto conocimiento, pero las otras tres virtudes son relativas. Desde luego exactitud o precisión, no. Vamos, que se da su propio autobombo.

Recomendaciones semanales - del 11 al 18 de septiembre de 2016

En esta mañana de domingo, me encuentro con una buena noticia y una mala noticia. La buena noticia es que desde hace un par de días tenemos nuevo álbum de Madeleine Peyroux, titulado Secular Hymns, y que por lo tanto llevo un rato ya disfrutando de la voz de la nortemericana de nombre con resonancias tan francesas. Todavía no tengo una opinión definida sobre el nuevo trabajo de la "georgiana", pero de momento aquí estoy tan feliz. La mala noticia es que por motivos que desconozco me he puesto morado de reservar artículos sobre fotografía para repasar hoy domingo, y estoy un poquito sobrepasado. Voy a tener que hacer una primera escabechina antes de centrarme en los que me parecen más interesantes. Pero no sé si podré sacar el artículo por la mañana, o tendrá que esperar a la tarde. Ya se verá. De momento, os pongo el tablero de Pinterest de la semana.

En cuanto a las fotografías acompañantes, si ayer os presentaba la salida a la comarca del Matarraña con Fotógraf@s en Zaragoza, con una selección de fotografías en color, hoy seleccionaré algunas para convertirlas a blanco y negro. A ver que tal.

En primer lugar decir que en Proyecto FC (Fotografía Creativa) destacaban que el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2016 había ido a parar al fotógrafo James NachtweyCitando una entrada de Periodismo en vena, en la que podemos ver algunas de las fotografías más destacadas del fotógrafo, siempre me ha impresionado mucho los machetazos de la guerra civil en Ruanda, a mí me parece que los siempre caprichosos jurados de este tipo de premios han estado acertados en esta ocasión, premiando a uno de los testigos de excepción de lo que no funciona bien en el mundo en las últimas cuatro décadas.

Si estuviésemos en Berlín, como nos cuentan en L'Oeil de la Photographie, podríamos acercarnos a contemplar una exposición de Berenice Abbott, una de las fotógrafas que más hizo por definir un lenguaje propio para la fotografía, distinto de otras artes visuales, en las primeras décadas del siglo XX. Un personaje fundamental en la historia de la fotografía, sobre el cual hay que volver de vez en cuando.

La fotografía de moda no suele ser lo mío, no es el género que más me atrae. Sin embargo hay fotógrafos de moda que son referencia en la historia de la fotografía por derecho propio. Como nos proponen en SMBH Mag, uno de ellos es Herb Ritts. Probablemente, porque con sus planteamientos trasciende en numerosas ocasiones el género en el que han elaborado su prestigio. En este caso, debemos agradecerle por sus retratos y desnudos, llenos de elegancia conceptual y estética.

Uno de los fotógrafos españoles más discretos, pero que atesora una gran calidad, es Juan Manuel Castro PrietoNos hablan de él en Clavoardiendo a propósito de la presentación de su trabajo Cespedosa. Castro Prieto muchas veces es más recordado por ser uno de los mejores positivadores que se pueden encontrar, ampliando las fotografías en blanco y negro de algunos de los grandes del panorama fotográfico nacional. Pero también tiene muchas cosas que decir por sí mismo, y en esta ocasión tira de memorias para profundizar en su raíces en un pueblo de la provincia de Salamanca. De pasar por Madrid con tiempo suficiente en las próximas semanas convendría acercarse a ver este trabajo.

Como siempre, hemos ido más o menos de más atrás a más adelante en el tiempo. Más o menos. Ahora ya nos introducimos plenamente en propuestas contemporáneas. Como la de Dina Litovsky recorriendo la noche del Meatpacking District de Manhattan, donde se concentra una buena parte del ambiente nocturno de la ciudad, especialmente entre los más jovenes. Una reflexión sobre los actuales ritos de integración social y seducción en un entorno urbano, especialmente centrado en las códigos de conducta de las chicas, quizá más sometidas a presión que los varones. Viendo las fotografías, a veces me sorprendo cómo los enormes esfuerzos de personalización en el arreglo personal lleva a los adolescentes más mayores y los adultos más jóvenes a parecer todos iguales. Nos lo contaban en Feature Shoot.

En varios sitios, yo he elegido el artículo de Clavoardiendo, ha aparecido el trabajo de Pachi SantiagoCopyng Claudia, en el que el artista ha ido reproduciendo en su persona algunas de las fotografías e imágenes más conocidas y representativas de la modelo alemana Claudia Schiffer. A medio camino entre el apropiacionismo, el homenaje, la fotografía, el collage y el arte conceptual, nos proporciona una potente reflexión sobre el concepto de imagen personal, y sobre lo que es la personalidad propia y la inventada.

Sigo desde hace tiempo a Susan Burnstine como redactora en la revista inglesa Black and White Photography Magazine. Pero ella es fotógrafa en sí misma, fundamentalmente en blanco y negro, con una gran peculiaridad. Sus fotografías parten de su realización con cámaras de baja calidad, tipo Holga o similares, o de cámaras fabricadas por ella misma, con el fin de obtener imágenes muy expresivas aunque sacrifiquen la calidad intrínseca de la imagen, que no la estética o conceptual. Especialmente dedicada al paisaje urbano, sus fotografías son fácilmente reconocibles. Nos la han recordado en Lenscratch, a propósito de la publicación de su último libro.

Surgieron durante la guerra fría una serie de ciudades en la Unión Soviética, fundamentalmente en la inmensidad siberiana, que no existían oficialmente. Las direcciones de sus empresas, negocios o habitantes eran códigos postales de otras ciudades más o menos cercanas, aunque estas ciudades "inexistentes" se encontraban muy aisladas. En ellas se llevaban a cabo proyectos de investigación o militares de alto secreto, que hacían que fueran muy cuidadas por el régimen, por lo que sus habitantes no vivían mal. Más de 20 años después de la caída de la Unión Soviética, aunque ya no sean un secreto, algunas de ellas mantienen su estatus de excepcionalidad. El fotógrafo Sergey Novikov, como nos cuentan en FK Magazine, ha realizado un trabajo de investigación para poner en imágenes la realidad de estas ciudades cerradas.

Finalmente, una serie de artículo en los que se reflexiona sobre la naturaleza de la fotografía. El primero de ellos un documental de RTVE que hace tres años nos hablaba de Joan Fontcuberta, que además de fotógrafo es teórico de la misma. A ver si lo puedo poner aquí enlazado para que lo podáis ver.

Joan Fontcuberta-La Postfotografía

Si no aparece, el enlace es este.

Tino Soriano, también fotógrafo especializado en viajes, nos ha hecho una reflexión sobre la transformación de la fotografía en una especie de fast food visual. Al mismo tiempo que desvirtúa el medio, que ve sufrir agresiones como la que ya comentamos la semana pasada en Facebook.

Y con menos dramatismo, para terminar relajadamente, en su blog Visual Science Lab, Kirk Turk nos habla de que no necesariamente las fotografías técnicamente imperfectas lo son realmente desde el punto de vista del interés fotografíco, sea documental o estético. La perfección técnica en fotografía no es necesariamente una exigencia fuera determinadas aplicaciones comerciales muy definidas. Aunque son muchos los fotógrafos aficionados o profesionales que dan una excesiva revelancia a las mediciones "científicas" a la hora de valorar los nuevos chismes fotográficos, sin pensar que es más importante su capacidad de adaptarse a la tarea que nos llevemos entre manos.

Libros de fotografía: Nick Brandt, Reporteros sin fronteras y alguna cosa más

Comenté hace unos días mi visita a Fotografiska, durante la escapada que hice a Suecia a mitad del mes de agosto. Y decía en esa entrada que la exposición más interesante y de más nivel, sin menospreciar en absoluto el resto que también eran estupendas, era la del británico Nick Brandt, sobre su último trabajo Inherit the Dust (Heredaras el polvo). Amarga paráfrasis de la promesa divina, "Heredarás la Tierra", que el dios judeocristiano hace en los libros sagrados de estas religiones a distintos personajes que en ellos aparecen y, por extensión, a toda la humanidad creyente. Pero algo debemos estar haciendo mal... o en algo se equivocó la mencionada divinidad... porque estamos dejando la Tierra hecha un erial. Y eso es lo que quiere poner de manifiesto Brandt, mostrándonos los degradados paisajes de su amada África, donde hasta hace no tanto tiempo habitaban los magníficos mamíferos que acompañan las imágenes de esta serie.

Cuando salíamos de ver las exposiciones, realizamos la visita de rigor a la "butik" del centro de fotografía contemporánea de Estocolmo, donde nos guiñó el ojo el libro en el que se expone también de forma muy hermosa es contenido de la exposición. En la tienda en línea no lo venden, pero más o menos costaba en coronas suecas el equivalente a unos 75 €. Y su tamaño es respetable. Desde luego no te puedes meter con él en la cama para hojearlo mientras te entra la modorra del sueño. Así que precio más problemas para encajarlo en el reducido equipaje de cabina que llevábamos... no lo compré por mucho que me lo pidiese el alma.

Fotografías de animales en blanco y negro han hecho famoso a Nick Brandt... acompañaré la entrada de los animalitos nórdicos del parque Skansen de Estocolmo... en blanco y negro. Como la ardilla.

A la vuelta, me asomé a diversas librerías en línea y comprobé que los de los 75 "aurelios" no era broma. Aunque en Amazon.es la cosa se ponía en unos más moderados 62,5 €. Y en estas estábamos cuando vi que se ofrecía también "de segunda mano - como nuevo" por 42 € más unos moderados costes de envío por correo corriente y moliente, del que tarda unos cuantos días o semanas en llegar. ¿Merecería la pena el riesgo de pagar un 60% del precio base... o lo del "como nuevo" sería un eufemismo que iba a lamentar? Mientras me lo pensaba, volví a ver uno de los documentales sobre la exposición (en inglés, lo siento).

Finalmente, me decidí. Y esta me ha llegado el libro. No está "como nuevo". Está nuevo. Venía con el precinto de plástico incluido. Alguien lo compró y luego ni lo abrió y decidió venderlo. Con un tamaño de de 39 x 33,5 cm, y con las fotografías a doble página... incluso a tres páginas, mediante desplegables, las fotografías de Brandt aparecen en todo su esplendor, y con una calidad de impresión impecable. La experiencia de hojearlo es estupenda.

Los alces.

No sólo esto. Además hay textos del escritor y poeta estadounidense Wendell Berry, autor muy comprometido con la defensa de la naturaleza y del medio ambiente. También hay imágenes del "cómo se hizo", mostrando la selección de fotografías de animales que se incluyeron en los paisajes con figuras humanas que constituyen la serie, así como fotografías de los grupos humanos que aparecían en las mismas, y de la terrible condición de pobreza y degradación, acorde con la de los paisajes, en la que se encontraban.

Creo que es un libro altamente recomendable.

Los osos pardos.

Del viaje sí que viajaron de vuelta en la maleta tres libritos de tamaño y precio contenidos, publicados en algunos de los museos de arte moderno que visitamos. Tres libritos que no son de fotografía, aunque esta pueda tener alguna presencia en ellos:

The Dresing Donation, Arken Museum of Modern Art (en inglés), donde se da cuenta de los contenidos más destacados de la donación de arte contemporáneo que forma el núcleo principal de la colección y la exposición permanente de este museo danés.

Guide artistique, Moderna Museet (en francés), que comenta las obras más destacadas de la colección permanente del museo de arte moderno en Estocolmo.

草間彌生 Art Book - Hi, Konnichiwa, Yayoi Kusama (en inglés), pequeño y colorido libro que repasa la obra de la artista japonesa, que era objeto de una interesante exposición retrospectiva en el Moderna Museet de Estocolmo.

El carabó lapón.

No relacionados con el viaje a Suecia, me he dado cuenta que no he comentado en los últimos tiempos la adquisición de los números 51 y 52 de la colección "100 fotos por la libertad de prensa" que edita Reporteros sin fronteras. Estos dos últimos números han venido con una innovación. Con una maquetación y estilo similar a los anteriores, han aumentado de tamaño, por lo que podemos disfrutar de las 100 fotografías de turno también a mayor tamaño. Sin que haya supuesto un aumento del precio, que sigue por debajo de los 10 €. Siempre he dicho que esta colección es ideal para hacerse con una modesta pero digna y completa biblioteca de libros de fotografía. El número 51 estuvo dedicado nada más y nada menos que a Sebastão Salgado, y el número 52 se titula "On the Road" (En la carretera), he incluye fotografías de cinco ilustres; Martin ParrHarry GruyaertDennis StockInge Morath y Larry Towell. Este último pensaba que se trataba de una versión resumida de un libro en castellano editado por La Fábrica con el mismo título... pero lo cierto es que la única autora en común entre los dos es Morath. Un libro que tiene una pinta magnífica pero que no me he decidido a comprar porque las obras que contiene aparecen ya en monográficos de algunos de los autores que participan en este volumen,... y me resultaría redundante.

El jabalí (o el cerdo asilvestrado, según lo que ponía).

Otras entradas recientes, que no comentaré con detalle...

Jazz de Bob Willoughby, oferta de libraco por debajo de los diez euros con estupendas fotografías de cantantes de jazz y soul. Imposible resistirse.

Chema Conesa, Obras Maestras, volumen de la prestigiosa serie de La Fábrica, que sirve como catálogo a la exposición que todavía se puede ver en La Lonja de Zaragoza.

Número 123 de la revista Arte y parte, dedicado a László Moholy-Nagy, un artista multidisciplinar, fotógrafo también, que se involucró en la Bauhaus alemana. Para ir leyendo poco a poco.

Finalmente, hace un par de días entró en mi biblioteca un libro del que todavía no he tenido ocasión de empaparme. Ha sido un regalo que me han hecho por un favor que hice. Inmerecido, pero bien recibido, el regalo. Muchas gracias, una vez más. Se trata de Imago de Joan Fontcuberta, editado por La Fábrica y la Comunidad de Madrid. Fontcuberta es un fotógrafo del que vi alguna exposición en los años 90, del que luego oigo hablar mucho, pero sé poco de la obra que está haciendo. Por lo que leo, es un fotógrafo que parece más admirado y valorado en el extranjero, en el British Journal of Photography han publicado algún artículo sobre él y su obra poniéndolo por las nubes, que en España. Donde con frecuencia veo que se le da bastante caña. ¿Justificada o un reflejo más de la tradición cainita de los naturales de las Españas? Espero que la lectura y contemplación de este libro me permita obtener conclusiones propias.

Bueno... a ver si no dejo pasar tanto tiempo entre publicaciones sobre libros... que escribir estas entradas es agotador. Hasta la próxima... y no olvidéis comprar libros de fotografía... que mirando la obra de los mejores es como más se aprende y viene la inspiración.

El glotón.

Recomendaciones semanales - del 17 al 24 de mayo de 2015

Día de elecciones. Los españoles armados con un "arma de autodestrucción masiva" llamada papeleta de voto en sus manos. El menos malo de los sistemas políticos en acción. Todos aquellos que tienen un mínimo de sentido común, temblando ante los resultados. Sean los que sean. Los ilusionados, o ilusos, cargados de emoción... En fin, en estas páginas no se habla de política sino de fotografía y otras artes visuales. Así que os voy a hablar de mis recomendaciones para esta semana, además de poneros unas cuantas fotografías de cuando tenía un apartamento a medias con mi hermana en Peñíscola en el que ella vivía, y yo visitaba. Esporádicamente. Entendámonos, mi hermana me cae muy muy bien. Pero lo que políticos, constructores y otros especuladores han hecho con las costa mediterránea española, no.

Como hoy no va a tener mucho tiempo, e iré redactando esta entra cuando pueda, no traeré muchas recomendaciones. Aunque alguna tendrá un contenido serio, todas en realidad, sí que va a predominar el sentido de la anécdota y la curiosidad. Que viene bien de cuando en cuando.

Por ejemplo, me parecen estupendas las fotografías coloreadas de Felice Beato, que realizó en Japón entre 1863 y 1877, justo al final de la era Edo y el principio de la restauración Meiji. En el momento en que Japón decide abandonar la tradición y la edad media para introducirse a una velocidad de vértigo en la modernidad. El fotógrafo italiano se deja llevar no obstante por el tipismo, y retrata sobretodo tipos en forma de cortesanas, geishas y samurais. Pero no faltan tipos más corrientes y populares. Lo pudimos ver en un artículo del Daily Mail.

Seguimos en el siglo XIX, donde en Inglaterra triunfan los prerrafaelistas, pintores, poetas y otras gentes del mundo de las artes que se fijan en los antiguos pintores italianos y flamencos previos a Rafael. A mí... no es mi pintura favorita. Pero en DSLR Magazine, dejando de lado sus concienzudos artículos sobre la tecnología de los chismes fotográficos, nos hablan de una de las musas de los prerrafaelistas, Jane Burden, que posó para ellos apareciendo en muchos de sus cuadros, pero que también fue modelos para los fotógrafos de la época. Quizá la podamos considerar la precursora de las top-models... No sé. Belleza lánguida y melancólica, al menos en apariencia.

Hace unos cuantos años ya, en una edición de Sonimagfoto en Barcelona, conocí uno de los trabajos más curiosos de Joan Fontcuberta. Aquel que hace referencia al cosmonauta ficticio Iván Istochnikov, que por el fracaso de su misión habría sido condenado al olvido y a desaparecer de todos los documentos históricos o gráficos de la antigua Unión Soviética. Ficción ideada por Fontcuberta con el fin de hacernos reflexionar sobre el concepto de "realidad" en lo que se refiere a la fotografía y el periodismo. Nos lo cuentan también en DSLR Magazine, porque este trabajo vuelve a ser objeto de exposición. Como curiosidad, el caradura de Iker Jiménez lo sacó en uno de sus vergonzosos programas como si fuese una historia real. Lo que ya no me atrevo a decir si se tragó la historia, o simplemente en su desvergüenza la presentó como real, a pesar de saber que era una creación artística y conceptual.

Yoko Ono es conocida por ser la segunda esposa de John Lennon. Para muchos beatlemaniacos, en un acto de tremendo machismo desde mi punto de vista, es la bruja que se llevó por delante el primer matrimonio de Lennon y a los Beatles. El caso es que esta mujer en origen fue una chica pija japonesa que decidió tirar por el mundo del arte en el que se llevaba moviendo mucho tiempo antes de encontrarse con el de Liverpool. Los de la Lomographic Society publican en su tumblr muchas tontadas y fotos de coloricos estridentes. Pero de vez en cuando "se equivocan" y nos muestran algo interesante, motivo por el que les sigo. Por ejemplo una colección de fotos de Ono en su juventud y en los primeros 60s, antes de ser la pareja de Lennon.

Vamos con algunos ejemplos de fotografía contemporánea. Por ejemplo, la que nos muestran en Lens Culture del fotógrafo alemán Heiko Tiemann de su serie "Infliction" en la que muestra unos intimistas retratos de niños y adolescentes con distintos grados de problemas de aprendizaje debido a condiciones como el síndrome de Asperger, distintas formas de autismo o síndromes de estrés postraumático por distintos motivos. Retrato dignos y bellos para chicos y chicas con una difícil integración social.

También interesantes son las escenas urbanas de Brad Hamilton. Son imágenes compuestas, combinando otras varias de viandantes que pasan por un determinado lugar, y que generan de esta forma nuevas interrelaciones entre sí aunque ficticias. Paciencia y habilidad para captar y combinar las expresiones de los viandantes como nos muestran en Lenscratch.

Hace ya un tiempo que siglo el fotoblog de The Six Shooters. Este es un grupo formado por Nancy BaronNoelle Swan GilbertCat GwynnHeidi LenderAline Smithson y Ashly Stohl, que comenzaron hace un tiempo un diálogo con imágenes. Considerando que sus actos creativos son fruto de una situación de aislamiento, decidieron crear algo de forma colectivo. Fotografías que se van subiendo al fotoblog las una en respuesta de las otras tirando de los archivos de cada una de las fotógrafas. Lo raro es que hasta ahora no había hablado de este proyecto a pesar de que hace por lo menos dos años que lo sigo. Me lo han recordado en Lenscratch. Y visitar las páginas individuales de cada una de las seis fotógrafas también merece la pena.

Finalmente, hace unos días comenté en CineFoto la película 10.000 km, en la que la protagonista femenina es una chica que se va a Estados Unidos donde comienza un proyecto en el que fotografía las anomalías del paisaje americano, como los dinosaurios anunciando restaurantes o las antenas móviles camufladas como plantas. Tal vez inspiraron en la obra de Robert Voit, "New Trees", que trata ese tema, como nos mostró esta semana en su blog Mark Peter DroletRobert Voit es un fotógrafo aleman, que también trabaja con cámara de gran formato como la chica de la película, y que fue artista residente en Los Ángeles en 2010, como la chica de la película. Sí. Definitivamente, salvo por el cambio de sexo, debieron inspirarse en él para darle vida artística a la protagonista. En alguna ocasión me había interesado ya por la obra de Voit, por su serie "The Alphabet of New Plants".