La fotografía como afición y otras artes visuales

CARLOSCARRETER.ES

Home / Essays / fotógrafos

Recomendaciones semanales - del 5 al 12 de noviembre de 2017 - fotógrafos coreanos

Lo comenté al poco de volver de mis vacaciones en Corea del Sur. Tenía una serie de enlaces con recomendaciones de fotógrafos coreanos que me parecía interesante repasar. Pero hasta esta semana no he podido hacerlo. Así que las recomendaciones de esta semana saldrán en su mayor medida de ahí. Aunque habrá alguna cosita más. Y eso que tenía muchas otras cosas. Ya veremos como me organizo para la semana que viene. Que si todo va bien dedicaré el sábado a visitar un bello hayedo del Pirineo aragonés. A ver si la luz es buena y traemos buenas fotografías.

Las fotografías que acompañan hoy... Hace unos días cogí por banda mi Yashica Mat 124G y le di un repaso. Como consecuencia de una caída, la lupa de enfoque no se podía utilizar bien, y sin ella, es difícil atinar con el enfoque en algunas tomas, con el sujeto próximo a la cámara o con aperturas grandes. El caso es que he llegado a una situación en la que se puede usar. Y he estado en estos últimos diez días haciendo algunos rollos con ella. Ayer en concreto, estuve en la presa de la Sotonera, en Tormos, provincia de Huesca. Una vez que terminé de hacer las fotografías sobre película tradicional, y con el sol ya prácticamente oculto tras unas nubes en el horizonte, aun hice unas cuantas fotografías con la digital Leica D-Lux,... y aquí os traigo unos ejemplos del aspecto de la ventosa tarde.

Recibí a principio de semana un libro que había encargado. Se trata de Chaotic Harmony: Contemporary Korean Photography  el catálogo de una exposición colectiva de fotógrafos de Corea del Sur, que parecía un buen punto de partida para conocer la fotografía contemporánea de ese país. Y el precio del libro era muy asequible. Como dice el artículo de LensCulture donde encontré la referencia del libro, la recopilación de fotografías sabe a poco. Una foto por autor de 40 fotógrafos distintos dice poco. Pero como también dice el artículo, el libro incluye un par de ensayos que son muy didácticos a la hora de contarnos quienes son estos fotógrafos. Y me ha sido útil para orientarme en la selección.

Otro artículo, aunque no el único, en el que me basé para seleccionar los autores que más me han llamado la atención es el publicado en junio de este año en The Culture Trip  dedicado a 12 de los fotógrafos coreanos más destacados del momento. He encontrado otras recopilaciones similares, también útiles, pero más antiguas, por lo que es esta la que he querido destacar.

Ji Yeo es una fotógrafa que conozco ya desde hace unos años, porque su trabajo me llamó mucho la atención en su momento. Las cuestiones identitarias, como pueblo y cultura, pesan mucho en la sociedad coreana. La colonización japonesa les afectó mucho, pues fue su traumática forma de salir al mundo, tras siglos de aislamiento en un régimen al que se llamó el reino ermitaño. Pero al mismo tiempo, en medio siglo han pasado de ser un sociedad agrícola y poco desarrollada, a ser el país con mayor porcentaje de población universitaria y con una industria tecnológica potente. Tienen mucha conciencia de país y de su cultura propia, pero también chocan con valores que llegan del resto del mundo. Ji Yeo realizó un trabajo que ya conocía sobre las jóvenes que recurren a la cirugía estética para aumentar sus posibilidades de tener un buen novio; muchas de ellas con la intención de occidentalizar sus rasgos faciales, puesto que ese es paradójicamente el nuevo estándar de belleza del país, que tanto sentimiento nacional tiene. No es el único trabajo en este sentido de la fotógrafa, que también ha realizado performances sobre el tema.

Nota: espero no meter la pata con el sexo de alguno o alguna de los fotógrafos y fotógrafas, porque con su simple nombre es difícil para un occidental saber si son hombres o mujeres. Ruego comprensión si me equivoco. Por cierto, utilizaré la norma oriental en los nombres; primero el apellido, luego el nombre de pila.

Oh Hein-kuhn es otro fotógrafo que ha trabajado sobre el sentido de la individualidad de la persona. Tiene una series en blanco y negro con retratos que son muy notables. Con una técnica muy limpia, grandes fotografías con una sutil gradación de grises, con un contraste moderado, nos presenta el aspecto de adolescentes femeninas, que quedan homogeneizadas por el monocromatismo de las fotografías y por vestir todas ellas su uniforme escolar. Pero a su vez muestran en su forma de mirar y en su actitud corporal tantos sus desafíos como sus inseguridades, en una sociedad de familias muy jerárquicas en la que está surgiendo una generación muy formada, que empieza a salir por el mundo, que empieza a hablar otros idiomas y a ser consciente de otras realidades.

Para Koo Sung-soo también son los adolescentes su objeto de interés. Pero en esta ocasión será una cámara de gran formato y grandes copias en color las que servirán para reflejar las actitudes de estos jóvenes, también con sus uniformes colegiales, pero lejos del aspecto pulcro e inmaculado de las anteriores. Nuevamente es el tema que preocupa a muchos fotógrafos contemporáneos contemporáneos. La tensión entre la personalidad individual y el sentimiento de colectividad que tiene este pueblo.

En el caso de la fotógrafa In Hyo-jin  la cosa va un poco más allá. Siendo sus sujetos también adolescentes, en esta ocasión no aparecen solos, sino con sus parejas. Retratos en los que la fotógrafo en no pocas ocasiones se fija sobretodo en el elemento femenino de la misma, permaneciendo semioculto el varón, y en el que se percibe una actitud de desafío sexual de estas jóvenes hacia una sociedad muy conservadora. Más cuando la fotógrafa no ha dudado en seleccionar también parejas de jóvenes amantes, ambas femeninas. Como digo, la sociedad coreana es muy tradicional y conservadora, en la que no han faltado en los últimos setenta años las dictaduras militares con más o menos apoyo popular, aunque desde hace algo más de 25 años sea una democracia, siendo las opciones políticas dominantes las de derechas, más ante la amenaza constante de la República Popular de Corea, o Corea del norte.

Pasemos a otros puntos de vista. Por ejemplo el de Lee Jungjin. Este fotógrafo se centra mucho más en los objetos y en los lugares. Objetos que son en la mayor parte de las ocasiones objetos cotidianos, vulgares, del día a día, que con frecuencia son reflejados en sus fotografías de modo parcial. Y es esa cotidianidad la que define también un modo de ser y el carácter de la sociedad. También los paisajes significativos. No los más llamativos, ni los más bellos, ni los más históricos, sino los que tienen que ver con el día a día. Un fotógrafo de la cotidianidad, como digo.

Noh Suntag es considerado como uno de los fotógrafos más importantes del país, y uno de los pocos que tiene la capacidad de trabajar en ambas divisiones de la península coreana, centrándose en las realidades sociales y políticas de ambos países. Mezclando la fotografía documental con la ficción, sus series se desarrollan durante muchos años, estando la mayor parte de ellas todavía en desarrollo. Y tratan mucho de la importancia del punto de vista. En la medida en que este varía, cambia nuestra percepción del mundo.

Park Hasisi (blog en Tumblr) comenzó siendo modelo y musa tanto de su padre como de su antiguo novio. Pero ha acabado siendo una de las fotógrafas jóvenes más destacadas. Su trabajo tiene una doble vertiente. Como fotógrafa comercial, se encuentra presente en las principales revistas de moda coreanas y de otros países del extremo oriente asiático. Como artista personal, se centra en los paisajes, tanto naturales como urbanos y en las personas de forma muy íntima, y a la vez muy directa. Sin artificios ni tapujos.

Sin embargo, Lee JeeYoung ofrece un trabajo que trasciende el mundo de la fotografía, aunque se le considere en muchos sitios como fotógrafa. En realidad, Lee JeeYoung utiliza su fotografía para reflejar e inmortalizar sus complejas y coloridas instalaciones, que desde un punto de vista muy teatral nos llevan al mundo de la realidad vista de una forma muy subjetiva.

Y alguna mención convendrá hacer a la numerosa comunidad de coreanos en el mundo. Son muchos los que en los momentos más difíciles de la economía del país optaron por salir del mismo, algo que incluso se incentivó por el propio gobierno, encuentro muchos paralelismos entre la historia de Corea del Sur y de España en el siglo XX, y ahora se encuentran dispersos por el mundo. Uno de ellos en Mina Cheon  aquí uso la convención occidental en los nombres por estar radicada en occidente, en Estados Unidos, fotógrafa que utiliza técnicas mixtas con el collage y la pintura para realizar una obra de aspecto muy pop, pero de contenido muy político. En el que no falta la presencia de sus hermanos de Corea del norte, con imágenes de ella misma vestida con trajes típicos y en las que busca contrarrestar la figura del dictador norcoreano.

Y hasta aquí el repaso a la fotografía norcoreana... Sólo me queda mencionar que como en todo principio de mes, tenemos nuevo número de Fraction Magazine, el 104. Destacaré de los cuatro portafolios el dedicado a las personas con trastornos del espectro autista de Victor Ramos. Aparte de que el tema puede ser interesante para muchas personas, su forma de tratarlo, con una interesante fotografía en blanco y negro, se sale un poco de lo que es habitual en esta publicación.

Recomendaciones semanales - del 29 de octubre al 5 de noviembre de 2017

Los principios de noviembre, de unos años a esta parte, empiezan a ponerme melancólico. No es que el otoño me afecte. De hecho es mi estación preferida. Especialmente por su luz, al menos en la latitud en la que yo vivo. Pero antaño era la época en la que empezaban las celebraciones,... cumpleaños, principalmente, que se prolongaban por tres meses. Pero ha habido ya muchas bajas, nos empieza a faltar mucha gente. Toda una generación. Y ya no es lo mismo. En fin, que esta mañana me está costando ponerme a escribir y ya veremos cuando termino de hacerlo si no quiero quedarme apoltronado en casa todo el domingo.

Tengo unas cuantas recomendaciones. No pocas proceden de las tres exposiciones que he visitado esta semana en mi ciudad, Zaragoza. Pero hay alguna cosa más. Las fotografías acompañantes procede del último carrete de Rollei Superpan 200 Pro que hice ya hace un tiempo, expuesto con filtro Hoya IR72 con la Fujifilm GS645S Wide 60, con el fin de utilizar son la radiación procedente del rojo profundo y el infrarrojo cercano para realizar las fotografías. Tenía un par de carretes más para esta temporada. Uno de formato medio y otro de 35 mm. Pero se me está echando el frío... Mientras haya verde y luz de sol abundante no pasa nada, pero no coincide el tiempo adecuado con mi disponibilidad de tiempo. Hoy que podría hacer algún carrete y hace sol,... sopla mucho viento en Zaragoza... bueno. Ya veremos.

Exposiciones de fotografía en Zaragoza que hemos visto esta semana:

Pasando un tanto desapercibida, en el Museo Pablo Gargallo hay una estupenda exposición de Nadav Kander con fotografías pertenecientes a su serie Bodies. 6 women, 1 man, sobre todo. Estudios sobre el cuerpo humano. Cuerpos realistas, nada de modelos anorexias o despampanantes.

En un tono muy diferente, en la sala de exposiciones Cuarto Espacio de la Diputación Provincial de Zaragoza, encontramos paisajes y reportajes etnográficos de Otto Wunderlich  un alemán que se afincó en Madrid en 1913, y que realizó varios viajes por Aragón. Fotografías de gran calidad que realizó con placas de gran formato, tanto con cámaras portables como de banco, y que se presentan en excelentes ampliaciones modernas con gran detalle. También hay un espacio para copias de época, que siempre se agradecen por el valor histórico y artístico que conllevan. Me compré el catálogo, que está bastante bien.

Y finalmente, algo más cercano, pero de gran calidad también. En el Centro Cívico Esquinas del Psiquiátrico de Zaragoza  ahí al lado donde voy a trabajar todos los días, Cris Aznar nos presentó este viernes, día de la inauguración, una exposición titulada AlterNativa. Muy comprometida socialmente, nos presenta fotografías del sudeste asiático, de los campos de refugiados tibetanos en India, y de las regiones más deprimidas de Senegal, así como de las playas mediterráneas española, donde pone de manifiesto distintas situaciones de injusticia en distintos lugares del mundo. También juega con las ausencias, especialmente en lo que se refiere a su preocupación por la trata de personas, mujeres especialmente. El hecho de que se mezcle lo comprometido de la exposición con la cercanía con la autora a la que veo y aprecio con frecuencia, hacen que sea la exposición que más me ha llegado.

En Magnum Photos apareció esta semana el interesante trabajo del británico David Hurn  fotógrafo basado en Cardiff, la capital de País de Gales. Y es a esta nación, una de las componentes del Reino Unido a la que dedica esta serie de fotografías que abarcan cinco décadas de trabajo, demostrando cómo lo que tenemos más cercano puede ser también uno de nuestros principales motivos de trabajo fotográfico, si sabemos ver y entender lo que vemos.

En su diario, Elizabeth Avedon nos presenta el trabajo de la fotógrafa Lizzie Sadin  que se ha dedicado a documentar la realidad de la esclavitud moderna entre las mujeres, especialmente con la trata en Nepal, donde son a veces los propios familiares o "amigos" de las jóvenes, adolescentes o prácticamente niñas, las que las venden para distintos tipos de explotación: sexual, trabajo forzado, esclavitud doméstica,...

Y vamos ahora con otros fotógrafos contemporáneos que practican una visión intimista del mundo que les rodea.

En la edición digital de Dazed nos han presentado esta semana el trabajo del fotógrafo británico Sam Hiscox  que fija su mirada en el entorno que le rodea. Las personas, los objetos, los árboles, el agua, los lugares,... todos ellos matizados por las variaciones de la luz que reciben en distintos momentos del día, para componer una obra intimista, más destinada a transmitir emociones que información.

Son muchos los fotógrafos que se inspiran en el claroscuro, en la iluminación que reflejaban los pintores del renacimiento y del barroco a la hora de presentar sus trabajos. La escuela flamenca de pintura es una de las fuentes de inspiración más mencionadas cuando se habla del retrato. Pero lo que sorprende es que retratos robados en el metro de Londres puedan tener esa inspiración y esa apariencia. Pero así no los muestran en Lensculture, donde nos han hablado del trabajo de Matt Crabtree  Fotografías realizadas discretamente con el teléfono móvil, y procesadas para obtener esa luz de la que hablábamos. No todas están igual de conseguidas, pero bastantes.

Esta semana me suscribí a la cuenta de Instagram del British Journal of Photography. Todas las publicaciones vinculadas a esta veterana revista, la más antigua sobre fotografía en el mundo ya que se viene publicando desde 1854 nada menos. Estoy suscrito a la edición electrónica de la revista, que hojeo tranquilamente en mi tableta electrónica, y me sorprende hasta que punto una revista tan antigua mantiene sin embargo un contacto firme con la fotografía más contemporánea, lejos de agarrarse a los tradicionalismos de otros medios de antaño, especialmente si viene de un país tan lleno de tradicionalismos como el Reino Unido. En estos días, ha estado publicando fotografías del fotógrafo Colin Pantall (Instagram), especialmente de su trabajo All Quiet on the Home Front, que trata sobre la hija del fotógrafo y su lugar en el paisaje. Muy interesante, y siguiendo los temas intimistas que mencionaba anteriormente.

Finalmente, en la revista Der Greif han perfilado y mostrado el trabajo de una joven fotógrafa nortemericana, todavía en su veintena. Se trata de Rachel Jump, que también vuelve su cámara hacia sí misma y su corta historia personal. En esta ocasión utiliza el blanco y negro para establecer una distancia y sublimar los conflictos familiares con los que ha tenido que lidiar en su vida.

Recomendaciones semanales - del 15 al 29 de octubre de 2017

Han pasado dos semanas desde mis últimas recomendaciones semanales. Mi animado fin de semana pasado, lleno de actividades relacionadas con la fotografía, me impidió tener tiempo suficiente para redactar las correspondientes a la semana pasada. El caso es que ha habido muchas noticias y propuestas interesantes estas dos semanas, por lo que he tenido que hacer una fuerte purga, para llegar a un número, que sin ser pequeño, es más asumible. Aunque para que no se haga demasiado larga la entrada, intentaré redactar de forma ágil.

En el apartado de las fotografías que tradicionalmente acompañan mis recomendaciones semanales, mostraré una serie procedente de un paseo al atardecer en el entorno del puente de la Almozara y la avenida de Ranillas de Zaragoza. En parte paisaje urbano, en parte fotografía de arquitectura, realizadas las fotografías con la Hasselblad 503CX y el fiel Carl Zeiss Planar 80/2,8 T*, sigo encantado con el comportamiento que muestra la Bergger Pancro 400, película en blanco y negro de nacionalidad francesa que se puso a la venta como nuevo desarrollo a principios de año. Para quien quiera el dato técnico, expuesta a su sensibilidad nominal de ISO 400, y revelada en Rodinal 1+25 durante 8 minutos a 20 ºC. Como de costumbre, llamo "rodinal" a todo aquel revelador con la misma fórmula que el antiguo Rodinal de Agfa, o lo suficientemente próxima para usarlo en exactamente las mismas condiciones. Que es el caso, porque en realidad he usado el ADOX APH09, que tiene la fórmula de Rodinal hasta mitad del siglo XX.

Indudablemente, por cercanía, la noticia más notable en estos últimos días fue el fallo del Premio Nacional de Fotografía 2017 (a fecha de 29 de octubre de 2017, el enlace funciona mal), que en este año ha recaído en una mujer por segundo año consecutivo. La premiada es Cristina de Middel; la de Middel, como titula su página web. Muy joven en términos relativos con respecto a otros premiados en convocatorias previas, relativamente joven en términos más absolutos, su presencia en el medio fotográfico ha aumentado a gran velocidad en los últimos años, aunque lleva bastantes trabajando. A mí me interesa bastante, aunque hay trabajos suyos que me gustan más que otros. Quizá la identificaron como un referente importante antes fuera de nuestras fronteras, es una fotógrafa a la que hay que conocer. La noticia ha aparecido en muchos medios nacionales, de los cuales he seleccionado Clavoardiendo Magazine y Photolari.

Weegee (Arthur Fellig) es en estos momentos uno de los fotógrafos de antaño más populares que hay. Este descarado reportero le cae simpático a muchos medios y a mucha gente. En Timeline nos muestran un interesante trabajo de este osado fotógrafo. Usando película infrarroja y armado de un flash de lámparas filtrado, a principios de los años 40 del siglo XX se dedicó a fotografiar a los espectadores de los cines de Manhattan en la oscuridad sin que estos se enterasen. No. No todas las fotos son de parejas montándoselo. Aunque algunas, sí.

Weegee no tomó la fotografía de la que voy a hablar ahora, aunque lo hubiera hecho a su estilo. Lo hizo un estudiante de fotografía, Robert Wiles. En 1947. Se titula El suicidio de Evelyn McHale, y es una de las fotografías más estremecedoras que conozco. Un 1 de mayo, Evelyn se arrojó al vacío desde la planta 83 del Empire State Building. Todo el mundo la consideraba una mujer joven feliz, a punto de contraer matrimonio. La cuestión es que dentro de lo estremecedora y triste que es la situación, la fotografía es bella. Y como nos dicen en el artículo de Albedo Media donde la he conocido, nos parece casi una "bella durmiente" esperando a ser despertada. Que poderosa puede llegar a ser la fotografía.

Una de las herramientas más poderosas para expresarse en fotografía es mostrar y controlar los contrastes. Contrastes que pueden ser físicos, de la luz y sus propiedades, o socio políticos o culturales, y ahí está la habilidad del fotógrafo para concebir y presentar sus creaciones. En Magnum Photos nos han presentado una serie con contrastes. Harry Gruyaert es un fotógrafo francés que ha realizado notables reportajes sobre temas diversos. Nos presentan en este artículo los contrastes en dos de sus series, la de Las Vegas en 1982 y la de Moscú a finales de los años 80, a punto de derrumbarse la Unión Soviética. Dos mundos prácticamente opuestos. Aunque quizá ambos sean igualmente alienantes.

Cambiaremos ahora de entorno. Y viajaremos al extremo oriente asiático, a Japón. Primero, y gracias a Lomography, que poco a poco va mejorando sus contenidos en su página web, conoceremos los minimalistas e introspectivos paisajes de Masao Yamamoto. Procedente del mundo de las bellas artes, sus fotografías tienen un carácter pictorialista, pero sin renunciar a su esencia fotográfica basada en procesos fotoquímicos tradicionales.

Y ya que estamos en el extremo oriente asiático, nos movemos un poquito y nos situamos en las numerosas islas del sur de la península de Corea, donde el fotógrafo Michael Kenna trabajó durante varios años. Kenna es uno de mis fotógrafos paisajistas favoritos, y sus fotografías realizadas con una Hasselblad para película de formato medio, cuadradas, sobrias, elegantes, me parecen muy inspiradoras. Aunque luego sea incapaz de poner en disposición de emularlas. Os dejaré un vídeo de media hora de duración sobre este trabajo, en inglés, lo siento, que muestra la forma de trabajar del fotógrafo... y que es un tipo simpático.

Los fotógrafos de la Farm Security Administration como Walker Evans o Dorothea Lange fueron precursores que mostraron cómo la fotografía documental podía llevar al mismo tiempo un mensaje y unas virtudes estéticas notables. Inspirado por ellos, el lituano Tadas Kazakevičius nos muestra los problemas y el declive de las áreas rurales de su país, llevando a fenómenos migratorios a las ciudades y fuera del país, y a la desaparición de modos de vida, que él intenta documentar. Lo podemos ver en FK magazine.

Otro vídeo. Esta vez propuesto por el canal de Youtube Eīhwaz, y que nos muestra el trabajo de la fotógrafa Anni Leppälä. Un trabajo muy introspectivo también que nos lleva a los bosques y las orillas de los lagos de su país, como al interior de las casas y las cabañas, donde tenemos sensación de transitoriedad y de situaciones o hechos efímeros.

Seguimos muy introspectivos. En esta ocasión con el trabajo del fotógrafo de origen japonés pero radicado en Estados Unidos Osamu James Nakagawa. Nos muestran en LensCulture la unión de dos de sus series que se comunican, hablándonos del ciclo vital. Aquella que el fotógrafo realizó en relación con la muerte de su padre, y la que realizó en relación con la gestación y el nacimiento de su hija. Un trabajo muy coherente.

Y también procedente de LensCulture, me ha llamado la atención la serie de Aleksey Kondratyev, sobre los pescadores en el hielo kazajos sobre el río Ishim.  La sencillez conceptual, el minimalismo estético, la transmisión de un clima físico y humano, llaman necesariamente la atención. O por lo menos a mí.

Y nos llega un anuncio de parte de Oscar Colorado, que ha sido una importante fuente de información para esta sección semanal de recomendaciones fotográficas. Colorado va a estar más próximo físicamente, se traslada de Méjico a Madrid para trabajar en su tesis doctoral, pero más lejano intelectualmente, ya que por problemas de disponibilidad de tiempo va a poner su magnífico blog en stand by. En fin. Un pena para mí, pero que le vaya bien a él.

Recomendaciones semanales - del 24 de septiembre al 15 de octubre de 2017

Teniendo en cuenta que hace tres semanas que no publico esta sección dominical en estas páginas, lo de "recomendaciones semanales" del título me suena raro. Por otra parte, dado que de esas tres semanas, casi dos de ellas he estado fuera, de viaje, en Corea del Sur, pues sí podemos considerar que el número de días activos para recopilar recomendaciones ha sido, efectivamente, aproximadamente una semana. Y las ha habido, o las he buscado.

Acompaño la entrada con fotografías mías. En esta ocasión corresponde a un carrete de Bergger Pancro 400 que expuse con la Fujifilm GS645S Wide 60 antes de ir de viaje. Los de Fujifilm se podrían ir cambiando el nombre. Parece que en 2018 nos van a dar el disgusto de finiquitar con la que puede ser la mejor película en blanco y negro de sensibilidad media-baja que existe, la Fujifilm Neopan 100 Acros. Desde luego, mi favorita. Hace tiempo que los nipones han renunciado a su compromiso con la película tradicional, salvo que sea en forma de consumibles de uso inmediato como son las cámaras y las películas de la serie Instax. Una pena. En cualquier caso, aquí estamos con una película francesa, la Pancro 400, que se ha instalado en mis preferencias a la chita callando. Salió al mercado a principios de año,... y me gusta. En las fotografías de hoy, sin embargo, por no disponer casi de tiempo cuando las revelé, utilicé un revelado desatendido en Rodinal a 1:100 durante una hora a 20 ºC que ha dejado efectos secundarios no deseados. Se aprecia algo de arrastre de bromo en algunas fotografías. Así que ya que con esta película tengo que evitar esta práctica de revelado.

En el boletín de noticia de Cultura Fotográfica de hace unas semanas me llegó una recomendación de las de siempre. De las que son válidas en todo momento y que seguro que ya ha aparecido en estas páginas. Se trata de la aportación del norteamericano William Eggleston a la fotografía artística elevando a este nivel la fotografía en color. Quizá no fue el primero. Quizá otros gusten más, y eso que Egglesto es buenísimo. Pero indudablemente fue quien impulsó el color a las galerías de arte y los museos de arte moderno como nadie lo había hecho previamente, cuando todavía se pensaba que la fotografía en color era para los aficionados y la fotografía familiar y la fotografía "seria" era en blanco y negro. Cuán equivocados están. Y cuán más difícil es el color a la hora de crear...

Durante mi viaje a Milán hace unos meses, tuve ocasión de ver fotografías del italiano Ugo Mulas en mi visita al Museo del Novecento, correspondientes a su libro "New York New York". Hace un par de semanas fue Oscar Colorado quien en una de sus pedagógicas "galerías+mini bio" nos hablaba del italiano y nos mostraba una amplia selección de imágenes que nos permite conocer y comprender la valía de este fotógrafo que se codeo con lo más granado de la escena artística de los años 60 del siglo XX.

He estado de viaje en Corea del Sur. Salí de viaje el domingo el 1 de octubre para llegar al país asiático al día siguiente, donde he permanecido hasta el 12 a las 0:55 de la mañana. Visitando Seul, Suwon, Incheon, Busan y Gyeongju. Por ello, cuando unos pocos días antes del viaje apareció en Feature Shoot este artículo sobre cómo fue antaño el pequeño país peninsular, me hizo mucha ilusión. En él se habla y se muestra el trabajo del fotógrafo coreano Han Youngsoo. Según las costumbres asiáticas, el apellido va delante del nombre. Con una estética sencilla pero eficaz, Han documentó la vida cotidiana de los coreanos tras la devastadora guerra que padecieron a los años 50. El país pasó de la pobreza a ser la cuarta economía asiática en las décadas que siguieron. Pero quedan restos de lo que fue antes de ese tremendo cambio, que sin duda ha producido desajustes en la sociedad coreana. Y el testimonio fotográfico de este fotógrafo nos permite establecer puentes entre el pasado y el presente.

Dicho lo cual, en estos días que han pasado desde que regresé a casa el día 12, he buscado algunas referencias sobre fotógrafos contemporáneos coreanos, y no me han faltado referencias. Tengo la intención de dedicar tiempo esta semana que viene a revisarlas, os las enlazaré a continuación, y quizá el domingo que viene sea un monográfico de fotografía contemporánea coreana. Del sur, claro. Quizá.

Art Radar (26/10/2011)

Dazed (2/6/2014)

Hunger (6/10/2016)

The culture trip (14/6/2017)

Por último, en estos primeros días de octubre ha salido publicado el número 103 de Fraction Magazine. Que curiosamente también está dedicado a fotógrafos orientales. Es curioso, Fraction Magazine tenía una edición japonesa muy interesante, desde mi punto de vista más que la americana, pero que no publica nada nuevo desde junio de 2016. Una pena. Bueno, os comento lo que más me ha interesado de este número "asiático".

The East Was Red, de la china Sheila Zhao. Fotografías antiguas chinas de la época de la Revolución cultural modificadas para eliminar los elementos propagandísticos del régimen, que sin embargo es obvio que están ahí. Visitad su página web, que tiene otras cosas muy interesantes.

Limbo, del filipino Kenji Mercado. Fotografía expresionista en blanco y negro, que muestra una época vital de indecisión y frustración. Entre el paisaje y la experiencia cotidiana.

Saori, del japonés Taro Karibe. La vida de relación en pareja desde hace seis años de un hombre de 61 años con "Saori", una "love doll", una muñeca que reproduce a tamaño real las características de una mujer, con fines de autosatisfacción sexual, pero que lleva a dar un paso más allá en este hombre solitario. Este reportaje me ha parecido tremendo, desde múltiples puntos de vista.

Y por hoy... esto es todo.

Recomendaciones semanales - del 17 a 24 de septiembre de 2017

Como desde hace una semana estoy en mi periodo de vacaciones laborales reglamentarias, dispongo de más tiempo para dedicar a la afición fotográfica. Lo que incluye, por supuesto, hace fotos de diversas formas, y bajo distintos estímulos. Probar carrete de origen extraño en los que el resultado final no deja de estar sometido al elemento sorpresa. Seguir con mis series de fotografías en blanco y negro en el espectro del infrarrojo. Comprobar las capacidades de un filtro de color naranja, de origen soviético, mal identificado en sus características, como potencialmente adecuado para corregir la dominante de color de un carrete de negativos en color equilibrados para la luz de tungsteno cuando se exponen a la luz de día. Cosas diversas, de las que os iré hablando las próximas semanas. Salvo aquellas que dedique dentro de mis vacaciones a conocer un poco de mundo.

En cualquier caso, también he tenido una buena cosecha de recomendaciones fotográficas. Y las voy a ilustrar con fotografías de entorno urbano realizadas estás últimas semanas. Casi todas ellas procedentes de cámaras Canon EOS, digitales o para película tradicional, con el pequeño pero eficaz EF 40/2,8 STM o con el veterano y también eficaz EF 70-210/3,5-4,5. Bueno, vamos a ello.

Muchos medios, yo os dejo el enlace al artículo de PetaPixel, se han hecho eco esta semana de la muerte del fotógrafo Pete Turner, ya a una avanzada edad. Algunos medios lo consideran como uno de los 20 fotógrafos más influyentes de todos los tiempos,... especialmente aquellos que tienen una visión en la que el "mundo" limita al norte con Canadá, al sur con Méjico y a este y oeste con sendos océanos. En cualquier caso, fue uno de los grandes impulsores y maestros de la fotografía en color, disciplina que me atrae especialmente como he dicho en más de una ocasión, razón por la que me parece interesante recordarlo y conocer su obra, colores manipulados e intensamente saturados. Os pongo también un vídeo, en inglés, donde se nos habla sobre obra.

Hace unos días os hablaba del certamen Portrait of Britain y sus ganadores. En la página del British Journal of Photography nos hablan también del trabajo de una fotógrafa que me gusta bastante, Laura Pannack, que ya ha aparecido en alguna ocasión en estas páginas, y que también tiene un puesto destacado en este tipo de certamen. Aunque nos informan que el retrato está realizado con una Nikon, cola de los patrocinios, lo cierto es que me consta que Pannack, para sus trabajos más personales, suele salir a pasear con una Hasselblad y un 80 mm buscando extraños que le llamen la atención para retratarlos en su medio. Os busco un vídeo sobre el tema (en inglés, también, lo siento).

Pierre Gonnord es un fotógrafo francés, pero que tenemos instalado por España desde hace un tiempo. Dedicado fundamentalmente al retrato, con una estilo fácilmente identificable, inspirado en la pintura barroca del Siglo de Oro español, nos cuentan en ClavoArdiendo que en los últimos tiempos ha empeado a diversificar su obra y empieza a incluir paisajes entre sus obras. Paisajes sobrios, intimistas, detrás de los cuales también hay personas que han decidido alejarse del mundanal ruido urbano. Está en exposición en Madrid. No sé si podrá ser, pero me gustaría acercarme por la capital un día de estos, y junto con alguna otra exposición, me gustaría visitar esta obra. No sé si podrá ser.

Cristina de Middel es también, como he comentado muchas veces en estas páginas, una de las fotógrafas de moda en España, y reconocidas internacionalmente. Pero también tiene un pasado de batallar para hacerse un duro hueco en el mundo de la fotografía. Hace cinco años era poco conocida todavía, pero ya se realizaban audiovisuales sobre su obra que merecen la pena verse. Por ejemplo, de la época en la que China y los chinos le fascinaban por motivos diversos. Os dejo un vídeo. No recuerdo donde encontré esta recomendación.

Tampoco recuerdo dónde encontré la recomendación sobre el trabajo de Aglaé Bory dedicado a una joven madre inmigrante que ha de sacar por sí sola adelante a un niña pequeña. Lo cierto es que las fotografías me parecieron curiosas, y por ello decidí realizar un vistazo más profundo al conjunto de su obra, que tiene cosas muy interesantes.

Uno de los platos fuertes de PhotoEspaña 2017 fue el Café Lehmnitz de Anders Petersen, obra de hace ya unas décadas que se centraba en los seres humanos de todo tipo que se daban cita en uno de los cafés de Sankt Pauli en la ciudad de Hamburgo. En Yorokobu nos han traido esta semana la obra del fotógrafo Klaus Pichler, en los Branntweiner (de la palabra brandy), bares de mala muerte de la ciudad de Viena, donde sólo se permiten bebidas de alta graduación, y que frecuentan personas en exclusión social o en riesgo de exclusión social. Claramente emparentada con la obra de Petersen, pero otra visión más actual, más enraizada en el problema del alcoholismo, y de personas que no dejan de ser restos de naufragios humanos.

Últimamente traigo pocas recomendación de L'Oeil de la Photographie. Y con razón. La politica de esta página ha cambiado, y las noticias están a disposición de todo el mundo unos días, para luego pasar a un archivo al que sólo se puede acceder pagando una cuota. Modelo de negocio orientado a dar servicio a los profesionales del mundo de la fotografía, tiene menos sentido para quienes somos simples aficionados. Para quienes este modelo no tiene sentido. Podemos recibir abiertamente recomendaciones que luego pueden conllevar un consumo de obra fotográfica a través del pago de entradas a una exposición, la compra de un libro y, los mas afortunados y entendidos, la compra de obra. Está claro cuál es el punto donde hacemos el desembolso. Por lo tanto se traigo alguna recomendación procedente de ese sitio, no la enlazaré... porque muchos de vosotros, en unos días, no podréis acceder al enlace. Como sucederá con el comentario sobre la obra de Memymom, seudónimo que esconde la obra de una fotógrafa, Marilène Coolens, en colaboración con su hija, Lysa De Boeck, que pasó de ser su modelo infantil o adolescente en sus fotografías escenificadas, a ser ella misma también fotógrafa y creativa en las mismas. Interesará especialmente a quienes gusten de fotografías escenificadas que nos hablan de una historia o un fragmento de una historia que quien contempla la diapositiva tendrá que completar. Por cierto, el seudónimo viene de la frase inglesa "me and my mom", "yo y mi mamá".

En Lensculture nos han presentado el trabajo de Sophie Klafter. Esta fotógrafa sufre una enfermedad rara de carácter congénito, que si bien no pone en riesgo su vida, si que la condiciona. Empezó realizando una notable serie de autorretratos con sólo 18 años, y poco a poco ha ido profundizando en el tema de la relación con el cuerpo fotografiando a otras personas con discapacidades físicas. Una obra honesta y respetuosa, que no se recrea en el sufrimiento, sino en la humanidad de los que sufren estas discapacidades.

Cambiando de tercio, en Creative Boom nos traen un artículo con fotografías de Rob Evans en colaboración con el director artístico Chris Roberts que ha través de sus viajes van encontrando y documentando la actividad de aquellas personas que están involucradas en la producción de alimento para sus semejantes, pero de forma comprometida, generando calidad y cercanía con el medio y los productos que ofrece.

Curiosa me ha parecido la propuesta de Damon Sauer y Julie Anand tal y como nos la han presentado en Lenscratch. Estos dos artistas colaborativos que residen en Arizona han trabajado fotografiando en los desiertos y llanuras de su país, buscando las marcas en el suelo que en su momento servían para calibrar las capacidades de los satélites artificiales, muchos de ellos con misiones de satélites espías. Sobre la bóveda celeste en estas fotografías, sobreimprimen las trayectorias de los satélites que sobrevuelan estos lugares, creando una única imagen de notable simbolismo. A mí me ha gustado el concepto que encontramos detrás del proyecto.

Y terminaré con un homenaje a la Sonda Cassini, que recientemente, el 15 de septiembre, terminó su misión, no sé si decir estrellándose o sepultándose en las capas superiores de la atmósfera del planeta Saturno, el más vistoso de nuestro sistema solar, por la espectacularidad del sistema de anillos que lo rodean. Ha sido más de una década de exploración del sistema saturnino durante la cual nos ha enviado algunas de las más bellas fotografías que un artefacto humano ha tomado en el espacio exterior. Lo cual casi cabe decir al unos de los más bellos y espectaculares paisajes de la historia de la fotografía. Yo he alucinado con la belleza de muchas de estas fotografías, inimaginables para la mayor parte de la población hasta que empezaron a llegar y a hacerse públicas gracias a la política de la NASA de poner sus imágenes en el dominio público, como hacen las agencias gubernamentales norteamericanas, financiadas con fondos públicos.

Se están preparando diversos vídeos, algunos de altísima resolución para resumir y celebrar la ya terminada misión. Terminada en cuanto que la sonda ya no existe ni remite información. Pero hay enormes cantidades de esta que alimentarán proyectos científicos durante un tiempo todavía. En cualquier caso, yo os pongo una de ellas. Que muestra bien a las claras que la "estrella de la muerte" del Imperio Galáctico está aparcada y en órbita alrededor del dios romano del tiempo. Así, confidencialmente, se trata del satélite natural Japeto...