Semana muy entretenida, en la que he tenido que atender a una multiplicidad de compromisos, y que me ha dejado con otros sin atender. Fotográficamente hablando, en estas páginas hubo un par de entradas, aparte de las recomendaciones del fin de semana, que van desde fotografiar con viejas cámaras de fuelle y objetivo retráctil, hasta "cazar" aves con un moderno teleobjetivo y un duplicador de focal.
Fotográficamente, aparte de pasear algún rato con alguna cámara, con resultados aún no revisados, estuve probando las capacidades del macro con mi nueva Panasonic Lumix G9, fotografías que podéis ver hoy ilustrando esta entrada, y fracasamos de nuevo por culpa de las condiciones meteorológicas en un cierto proyecto que debemos realizar en los alrededores de Fuendetodos. Alguna foto hice... nada que ver con los propósitos iniciales.
Las macrofotografías están realizadas con el Panasonic Leica DG Macro-Elmarit 45/2,8 ASPH, y la escala de reproducción está en el 1:1 o sus cercanías.
Hoy empezaremos por lo castizo. Por lo hispano. Especialmente cuando llama la atención de los de fuera. Como es el caso de una de las fotógrafas de moda en España, de la que ya he hablado en varias ocasiones, Cristina de Middel. De Middel es en estos momentos candidata a ser miembro de pleno derecho de Magnum Photos. "Candidata", no "nominada"; "nominee" se traduce como "candidata"... aviso a todos esos periodistas listos que son incapaces de diferencia un "falso amigo" cuando traducen del inglés, y no digamos ya de otros idiomas. Y en Magnum Photos le han dedicado un artículo a "la de Middel", con algunos de sus trabajos más destacados.
No sabía si hablar de este vídeo que apareció en el canal de Eīhwaz hace unos días, dedicado a la fotografía callejera en Barcelona. El caso es que acreditan la música del vídeo, pero no el autor o los autores de las fotografías. Lo cual me parece un olvido lamentable. Bueno. Las fotografías están muy bien. Os dejo puesto el vídeo. He dejado un comentario, para ver si corrigen la omisión.
Finalmente, en Albedo Media nos hablan de un antiguo proyecto de Joan Fontcuberta y Pere Formiguera, que pone de relieve la afición de Fontcuberta a poner en solfa el concepto de realidad a través de su obra fotográfica. No son pocas las series en las que ha dado una patina de realidad a eventos, personas u objetos que son invenciones. Y no son pocos los que se han tragado el engaño. Histórica la metedura de pata de cierto farsante de la radio y la televisión, "especializado" en fenómenos paranormales, ovnis y memeces por el estilo, que con toda seriedad habló del cosmonauta Ivan Istochnikov, una de las invenciones de Fontcuberta.
Una de las cosas que me gusta hacer cuando visito un museo es hacer fotos. Los museos son un lugar excelente para hacer fotografías, no de las obras de arte, sino de la interacción de los visitantes con las mismas. Se crea una atmósfera y una relación especial. Que no pocos fotógrafos han aprovechado. Uno de los que lo ha hecho con maestría es Elliott Erwitt, como nos muestran en el correspondiente artículo de Magnum Photos.
Corea del Norte es uno de los lugares del mundo más inaccesibles y, quizá por ello, uno de los más deseados por los fotógrafos. De vez en cuando encontramos el trabajo de uno de ellos que de una forma u otra, siguiendo canales más oficiales o más clandestinos, nos muestra imágenes de esta distopía hecha realidad. En Lens Culture nos muestran las fotografías que el fotógrafo Filippo Venturi (instagram) ha realizado, situando como protagonistas a los jóvenes del país.
En aCurator nos han mostrado el trabajo de la noruega Anette Asbjørnrød que nos muestra las imágenes ucrónicas de un lugar de vacaciones de verano en la costa durante los rigores meteorológicos del invierno, mostrando paisajes minimalistas y llenos de significado.
Un aspecto extraño tienen también las fotografías de un artículo que aparece en Creative Boom, realizadas en las modernas ciudades chinas. Fotografías de Yan Wang Preston que nos presenta los árboles que son plantados o trasplantados a las modernas megalópolis de cemento que, por otro lado, tan graves desastres están causando a la ecología del país y del planeta. También esta transplante es una metáfora de la inmigración continua de personas desde sus regiones a estas megalópolis, transplante en el que también acaban fuera de lugar, con frecuencia.
En Lenscratch han estado de concursos. Y nos están mostrando algunos de los trabajos premiados.
Por ejemplo, la reflexión sobre las xenofobias y los rechazos culturales en Estados Unidos. Un país que lleva casi 250 años presumiendo de "democracia liberal", y que todavía no tiene resuelto el tratamiento igualitario ante la ley y equitativo en relación a la justicia social a las minorías étnicas. Jerry Takigawa, nortamericano que por apellido supondréis correctamente un origen nipón, trabaja sobre antiguas fotografías y documentos para poner en crítica el tratamiento de sus ancestros durante la guerra mundial y el racismo y xenofobia puesto de manifiesto, incluso por personalidades políticas de esa "democracia liberal".
Otro trabajo que también se basa en una denuncia. El tratamiento que se realizó a los nativos norteamericanos cuando se les recluyó en reservas, despojándoles de sus territorios y tradicionales medios de vida para repartirlos entre los inmigrantes de origen europeo. Jeffrey Heyne combina creativamente fotografías traídas de las expediciones a la luna con las fotografías que él realiza de los recorridos que los nativos realizaban para ir a sus cazaderos, en imágenes llenos de dobles significados.
En más de una ocasión he manifestado mi admiración por el collage, esa disciplina que tanto creció en el nacimiento del surrealismo, que me gustaría practicar, pero para la que no me siento dotado. Combinando antiguos retratos y postales, John Stezaker, artista apropiacionista, conseguir modificar por completo el significado de las imágenes de las que parte, en una acción destructiva que me parece que emparenta más con el dada que con lo surreal. Lo hemos visto en Hunter Art Magazine.
Y a través de The Online Photographer me entero de que en The Atlantic, prestigiosa revista cuya sección de fotografía sigo, dedican un artículo a una focal fotográfica, el 50 mm. Como dicen en T.O.P., el artículo tiene algún error conceptual. Se pueden hacer muchas disquisiciones, de hecho constantemente las podemos leer y escuchar, de porqué esta focal es la considerada "normal" o "estándar"... Siempre he tenido la sensación de que en su momento no fue más que una conjunción de conveniencias en las que la sencillez y los bajos costos derivados en su fabricación tuvieron mucho que ver. Durante mucho tiempo ha sido mi focal preferida, aunque ahora prefiero moverme en las focales entre los 28 y los 40 mm. Todas estas cifras relativas al formato de fotograma de 24 x 36 mm, porque en otro formatos, esas longitudes focales no valen... hay que hacer las traslaciones de escala correspondientes.
Se notan las semanas en las que ando muy liado con cosas y me fijo menos en lo que sale en mis agregadores de noticias y otras fuentes de recomendaciones fotográficas. Y esta semana me he encontrado con un número más reducido de estas. Pero que espero que sea interesantes.
En lo que se refiere a la práctica fotográfica personal, mientras espero pacientemente a que se produzcan novedades en lo que se refiere a mi equipo personal, no he hecho muchas fotos. Y además tengo ya acumulados unos cuantos carretes. En blanco y negro para revelar yo mismo. En color, para mandar. Y algunos que tengo ya revelados y que no he encontrado momento para comentarlos. Mientras, hoy os dejaré ilustrando esta entrada fotografías de dos momentos. Un atardecer junto al Ebro en un amplio paseo, de los de salir a pensar, pero en el que encontré un momento para sacar la pequeña Lumix GM5 a trabajar, y también algunas fotos que ilustran en parte el taller de grabado que hicimos ayer en Fuendetodos con la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ). Era salida "analógica", lo que implica que tengo más carretes para revelar.
Esta semana se ha comunicado el ganador del Premio Internacional de Fotografía de la Fundación Hasselblad 2018. Uno de esos diversos premios que se anuncian como "los oscars" de la fotografía. Hay varios premios que reciben este apelativo... En cualquier caso, el rol de premiados a lo largo de los años de estos premios, que tienen en común con otros, los Nobel, que son suecos, es bastante prestigioso. Desde 1980 se ha entregado este premio a unos cuantos ilustres. En Clavoardiendo Magazine, igual que en otros medios, nos han informado que este año el galardón se lo ha llevado el colombiano Óscar Muñoz, un artista contemporáneo que parte de la fotografía para generar obras en las que se mezclan diversas técnicas para trabajar el concepto de memoria y del paso del tiempo. Nos dicen.
Saul Leiter es uno de mis fotógrafos favoritos. Especialmente como precursor de los fotógrafos coloristas del siglo XX, los que hicieron o demostraron que la fotografía en color tiene el mismo nivel comunicativo y artístico que el tradicional blanco y negro. En Casual Photophile nos proponen en esta ocasión cinco fotografía seleccionadas para iniciarse en la obra del discreto fotógrafo norteamericano. Alguna es en blanco y negro. Que sirva como aperitivo y para iniciarse en la obra de este fotógrafo.
Y otra recomendación en retrospectiva y repasando el conjunto de la obra de otro fotógrafo nos llega de LensCulture. En esta ocasión se trata de Joel Meyerowitz (instagram), otro de mis favoritos, y otro de los que hizo grande la fotografía en color. También ayudó en su momento a redefinir la fotografía documental. Pero igualmente puedes disfrutar con sus paisajes crepusculares y con sus naturalezas muertas. Vamos, que no tiene desperdicio.
Es indudable que Cristina de Middel (instagram) es una fotógrafa de moda en España, si no, la fotógrafa de moda. Y en Albedo Media nos han hablado de su último trabajo, The Perfect Man, un trabajo lleno de crítica social e ironías, que no es fácil de leer. Con fotografías en la India, de trabajadores, parte de la deshumanización que mostró Charles Chaplin en sus Modern Times (Tiempos modernos). Lleva rondando un tiempo por mi cabeza adquirir el libro, pero todavía no me he decidido. Todavía no tengo una opinión clara sobre si me llega o no este trabajo.
La fotografía de niños y adolescentes jóvenes no falla. Si el fotógrafo consigue captar la espontaneidad de los rapaces, y para ello tiene que ser aceptado entre ellos, el éxito está asegurado. Como podemos ver en la obra de la fotógrafa norteamericana Jamie Johnson que se infiltró entre una peculiar minoría étnica, la de los nómadas irlandeses (irish travelers) o tinkers, poco conocida, que se da en Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos. Lo hemos visto en Feature Shoot.
Si Johnson intenta acercarse y humanizar a un colectivo poco conocido y sobre el que se ejercen prejuicios, algo parecido sucede con el fotógrafo Steve Davis que se acerca a otro colectivo sobre el que surgen numerosas desconfianzas y rechazos. El de los presos. Que algún día pueden dejar de serlo e intentar integrarse en la sociedad, donde se produce el rechazo. Para humanizar a estas personas les propuso realizar retratos en los que visten... como cualquier otra persona. Aunque dejándoles libertad de pose dentro del minimalismo de los retratos en color que plantea Davis. Lo hemos visto en Lenscratch.
Hace siete años nos estábamos planteando viajar en la primavera de ese año a Japón. Pero dos situaciones lo impidieron. Una personal, algunos progenitores de quienes íbamos a viajar cayeron enfermos por aquel entonces, y otra catastrófica, el terremoto y el accidente nuclear de Fukishima. Tardamos tres años y medio en viajar finalmente al País del Sol Naciente. Son muchos los trabajos fotográficos que han surgido con los años sobre esa catástrofe humana y natural. En Magnum Photos nos muestran una visión más, la de Moises Saman explorando el paisaje cuando la presencia humana no le afecta, visitando las zonas de exclusión por el riesgo de radiación. 300 000 personas abandonaron la zona que rodea a la central nuclear de Fukushima Dai-Ichi, y no han vuelto. 1 600 muertes se atribuyen a la evacuación, y en los próximos años 600 personas más morirán de cáncer por el exceso de esta enfermedad debido a la exposición a la radiación.
Y para finalizar, también en extremo oriente, nos vamos a las páginas de Photography of China donde nos muestran una selección de fotografías de la popular actriz de la China republicana de entreguerras, Hu Die "Butterfly Wu". Siempre he tenido debilidad por las fotografías de las gentes del cine, y estas de la guapa actriz china, poco conocida en nuestros lares, me han encantado.
Han pasado dos semanas desde mis últimas recomendaciones semanales. Mi animado fin de semana pasado, lleno de actividades relacionadas con la fotografía, me impidió tener tiempo suficiente para redactar las correspondientes a la semana pasada. El caso es que ha habido muchas noticias y propuestas interesantes estas dos semanas, por lo que he tenido que hacer una fuerte purga, para llegar a un número, que sin ser pequeño, es más asumible. Aunque para que no se haga demasiado larga la entrada, intentaré redactar de forma ágil.
En el apartado de las fotografías que tradicionalmente acompañan mis recomendaciones semanales, mostraré una serie procedente de un paseo al atardecer en el entorno del puente de la Almozara y la avenida de Ranillas de Zaragoza. En parte paisaje urbano, en parte fotografía de arquitectura, realizadas las fotografías con la Hasselblad 503CX y el fiel Carl Zeiss Planar 80/2,8 T*, sigo encantado con el comportamiento que muestra la Bergger Pancro 400, película en blanco y negro de nacionalidad francesa que se puso a la venta como nuevo desarrollo a principios de año. Para quien quiera el dato técnico, expuesta a su sensibilidad nominal de ISO 400, y revelada en Rodinal 1+25 durante 8 minutos a 20 ºC. Como de costumbre, llamo "rodinal" a todo aquel revelador con la misma fórmula que el antiguo Rodinal de Agfa, o lo suficientemente próxima para usarlo en exactamente las mismas condiciones. Que es el caso, porque en realidad he usado el ADOX APH09, que tiene la fórmula de Rodinal hasta mitad del siglo XX.
Indudablemente, por cercanía, la noticia más notable en estos últimos días fue el fallo del Premio Nacional de Fotografía 2017 (a fecha de 29 de octubre de 2017, el enlace funciona mal), que en este año ha recaído en una mujer por segundo año consecutivo. La premiada es Cristina de Middel; la de Middel, como titula su página web. Muy joven en términos relativos con respecto a otros premiados en convocatorias previas, relativamente joven en términos más absolutos, su presencia en el medio fotográfico ha aumentado a gran velocidad en los últimos años, aunque lleva bastantes trabajando. A mí me interesa bastante, aunque hay trabajos suyos que me gustan más que otros. Quizá la identificaron como un referente importante antes fuera de nuestras fronteras, es una fotógrafa a la que hay que conocer. La noticia ha aparecido en muchos medios nacionales, de los cuales he seleccionado Clavoardiendo Magazine y Photolari.
Weegee (Arthur Fellig) es en estos momentos uno de los fotógrafos de antaño más populares que hay. Este descarado reportero le cae simpático a muchos medios y a mucha gente. En Timeline nos muestran un interesante trabajo de este osado fotógrafo. Usando película infrarroja y armado de un flash de lámparas filtrado, a principios de los años 40 del siglo XX se dedicó a fotografiar a los espectadores de los cines de Manhattan en la oscuridad sin que estos se enterasen. No. No todas las fotos son de parejas montándoselo. Aunque algunas, sí.
Weegee no tomó la fotografía de la que voy a hablar ahora, aunque lo hubiera hecho a su estilo. Lo hizo un estudiante de fotografía, Robert Wiles. En 1947. Se titula El suicidio de Evelyn McHale, y es una de las fotografías más estremecedoras que conozco. Un 1 de mayo, Evelyn se arrojó al vacío desde la planta 83 del Empire State Building. Todo el mundo la consideraba una mujer joven feliz, a punto de contraer matrimonio. La cuestión es que dentro de lo estremecedora y triste que es la situación, la fotografía es bella. Y como nos dicen en el artículo de Albedo Media donde la he conocido, nos parece casi una "bella durmiente" esperando a ser despertada. Que poderosa puede llegar a ser la fotografía.
Una de las herramientas más poderosas para expresarse en fotografía es mostrar y controlar los contrastes. Contrastes que pueden ser físicos, de la luz y sus propiedades, o socio políticos o culturales, y ahí está la habilidad del fotógrafo para concebir y presentar sus creaciones. En Magnum Photos nos han presentado una serie con contrastes. Harry Gruyaert es un fotógrafo francés que ha realizado notables reportajes sobre temas diversos. Nos presentan en este artículo los contrastes en dos de sus series, la de Las Vegas en 1982 y la de Moscú a finales de los años 80, a punto de derrumbarse la Unión Soviética. Dos mundos prácticamente opuestos. Aunque quizá ambos sean igualmente alienantes.
Cambiaremos ahora de entorno. Y viajaremos al extremo oriente asiático, a Japón. Primero, y gracias a Lomography, que poco a poco va mejorando sus contenidos en su página web, conoceremos los minimalistas e introspectivos paisajes de Masao Yamamoto. Procedente del mundo de las bellas artes, sus fotografías tienen un carácter pictorialista, pero sin renunciar a su esencia fotográfica basada en procesos fotoquímicos tradicionales.
Y ya que estamos en el extremo oriente asiático, nos movemos un poquito y nos situamos en las numerosas islas del sur de la península de Corea, donde el fotógrafo Michael Kenna trabajó durante varios años. Kenna es uno de mis fotógrafos paisajistas favoritos, y sus fotografías realizadas con una Hasselblad para película de formato medio, cuadradas, sobrias, elegantes, me parecen muy inspiradoras. Aunque luego sea incapaz de poner en disposición de emularlas. Os dejaré un vídeo de media hora de duración sobre este trabajo, en inglés, lo siento, que muestra la forma de trabajar del fotógrafo... y que es un tipo simpático.
Los fotógrafos de la Farm Security Administration como Walker Evans o Dorothea Lange fueron precursores que mostraron cómo la fotografía documental podía llevar al mismo tiempo un mensaje y unas virtudes estéticas notables. Inspirado por ellos, el lituano Tadas Kazakevičius nos muestra los problemas y el declive de las áreas rurales de su país, llevando a fenómenos migratorios a las ciudades y fuera del país, y a la desaparición de modos de vida, que él intenta documentar. Lo podemos ver en FK magazine.
Otro vídeo. Esta vez propuesto por el canal de Youtube Eīhwaz, y que nos muestra el trabajo de la fotógrafa Anni Leppälä. Un trabajo muy introspectivo también que nos lleva a los bosques y las orillas de los lagos de su país, como al interior de las casas y las cabañas, donde tenemos sensación de transitoriedad y de situaciones o hechos efímeros.
Seguimos muy introspectivos. En esta ocasión con el trabajo del fotógrafo de origen japonés pero radicado en Estados Unidos Osamu James Nakagawa. Nos muestran en LensCulture la unión de dos de sus series que se comunican, hablándonos del ciclo vital. Aquella que el fotógrafo realizó en relación con la muerte de su padre, y la que realizó en relación con la gestación y el nacimiento de su hija. Un trabajo muy coherente.
Y también procedente de LensCulture, me ha llamado la atención la serie de Aleksey Kondratyev, sobre los pescadores en el hielo kazajos sobre el río Ishim. La sencillez conceptual, el minimalismo estético, la transmisión de un clima físico y humano, llaman necesariamente la atención. O por lo menos a mí.
Y nos llega un anuncio de parte de Oscar Colorado, que ha sido una importante fuente de información para esta sección semanal de recomendaciones fotográficas. Colorado va a estar más próximo físicamente, se traslada de Méjico a Madrid para trabajar en su tesis doctoral, pero más lejano intelectualmente, ya que por problemas de disponibilidad de tiempo va a poner su magnífico blog en stand by. En fin. Un pena para mí, pero que le vaya bien a él.
Como desde hace una semana estoy en mi periodo de vacaciones laborales reglamentarias, dispongo de más tiempo para dedicar a la afición fotográfica. Lo que incluye, por supuesto, hace fotos de diversas formas, y bajo distintos estímulos. Probar carrete de origen extraño en los que el resultado final no deja de estar sometido al elemento sorpresa. Seguir con mis series de fotografías en blanco y negro en el espectro del infrarrojo. Comprobar las capacidades de un filtro de color naranja, de origen soviético, mal identificado en sus características, como potencialmente adecuado para corregir la dominante de color de un carrete de negativos en color equilibrados para la luz de tungsteno cuando se exponen a la luz de día. Cosas diversas, de las que os iré hablando las próximas semanas. Salvo aquellas que dedique dentro de mis vacaciones a conocer un poco de mundo.
En cualquier caso, también he tenido una buena cosecha de recomendaciones fotográficas. Y las voy a ilustrar con fotografías de entorno urbano realizadas estás últimas semanas. Casi todas ellas procedentes de cámaras Canon EOS, digitales o para película tradicional, con el pequeño pero eficaz EF 40/2,8 STM o con el veterano y también eficaz EF 70-210/3,5-4,5. Bueno, vamos a ello.
Muchos medios, yo os dejo el enlace al artículo de PetaPixel, se han hecho eco esta semana de la muerte del fotógrafo Pete Turner, ya a una avanzada edad. Algunos medios lo consideran como uno de los 20 fotógrafos más influyentes de todos los tiempos,... especialmente aquellos que tienen una visión en la que el "mundo" limita al norte con Canadá, al sur con Méjico y a este y oeste con sendos océanos. En cualquier caso, fue uno de los grandes impulsores y maestros de la fotografía en color, disciplina que me atrae especialmente como he dicho en más de una ocasión, razón por la que me parece interesante recordarlo y conocer su obra, colores manipulados e intensamente saturados. Os pongo también un vídeo, en inglés, donde se nos habla sobre obra.
Hace unos días os hablaba del certamen Portrait of Britain y sus ganadores. En la página del British Journal of Photography nos hablan también del trabajo de una fotógrafa que me gusta bastante, Laura Pannack, que ya ha aparecido en alguna ocasión en estas páginas, y que también tiene un puesto destacado en este tipo de certamen. Aunque nos informan que el retrato está realizado con una Nikon, cola de los patrocinios, lo cierto es que me consta que Pannack, para sus trabajos más personales, suele salir a pasear con una Hasselblad y un 80 mm buscando extraños que le llamen la atención para retratarlos en su medio. Os busco un vídeo sobre el tema (en inglés, también, lo siento).
Pierre Gonnord es un fotógrafo francés, pero que tenemos instalado por España desde hace un tiempo. Dedicado fundamentalmente al retrato, con una estilo fácilmente identificable, inspirado en la pintura barroca del Siglo de Oro español, nos cuentan en ClavoArdiendo que en los últimos tiempos ha empeado a diversificar su obra y empieza a incluir paisajes entre sus obras. Paisajes sobrios, intimistas, detrás de los cuales también hay personas que han decidido alejarse del mundanal ruido urbano. Está en exposición en Madrid. No sé si podrá ser, pero me gustaría acercarme por la capital un día de estos, y junto con alguna otra exposición, me gustaría visitar esta obra. No sé si podrá ser.
Cristina de Middel es también, como he comentado muchas veces en estas páginas, una de las fotógrafas de moda en España, y reconocidas internacionalmente. Pero también tiene un pasado de batallar para hacerse un duro hueco en el mundo de la fotografía. Hace cinco años era poco conocida todavía, pero ya se realizaban audiovisuales sobre su obra que merecen la pena verse. Por ejemplo, de la época en la que China y los chinos le fascinaban por motivos diversos. Os dejo un vídeo. No recuerdo donde encontré esta recomendación.
Uno de los platos fuertes de PhotoEspaña 2017 fue el Café Lehmnitz de Anders Petersen, obra de hace ya unas décadas que se centraba en los seres humanos de todo tipo que se daban cita en uno de los cafés de Sankt Pauli en la ciudad de Hamburgo. En Yorokobu nos han traido esta semana la obra del fotógrafo Klaus Pichler, en los Branntweiner (de la palabra brandy), bares de mala muerte de la ciudad de Viena, donde sólo se permiten bebidas de alta graduación, y que frecuentan personas en exclusión social o en riesgo de exclusión social. Claramente emparentada con la obra de Petersen, pero otra visión más actual, más enraizada en el problema del alcoholismo, y de personas que no dejan de ser restos de naufragios humanos.
Últimamente traigo pocas recomendación de L'Oeil de la Photographie. Y con razón. La politica de esta página ha cambiado, y las noticias están a disposición de todo el mundo unos días, para luego pasar a un archivo al que sólo se puede acceder pagando una cuota. Modelo de negocio orientado a dar servicio a los profesionales del mundo de la fotografía, tiene menos sentido para quienes somos simples aficionados. Para quienes este modelo no tiene sentido. Podemos recibir abiertamente recomendaciones que luego pueden conllevar un consumo de obra fotográfica a través del pago de entradas a una exposición, la compra de un libro y, los mas afortunados y entendidos, la compra de obra. Está claro cuál es el punto donde hacemos el desembolso. Por lo tanto se traigo alguna recomendación procedente de ese sitio, no la enlazaré... porque muchos de vosotros, en unos días, no podréis acceder al enlace. Como sucederá con el comentario sobre la obra de Memymom, seudónimo que esconde la obra de una fotógrafa, Marilène Coolens, en colaboración con su hija, Lysa De Boeck, que pasó de ser su modelo infantil o adolescente en sus fotografías escenificadas, a ser ella misma también fotógrafa y creativa en las mismas. Interesará especialmente a quienes gusten de fotografías escenificadas que nos hablan de una historia o un fragmento de una historia que quien contempla la diapositiva tendrá que completar. Por cierto, el seudónimo viene de la frase inglesa "me and my mom", "yo y mi mamá".
En Lensculture nos han presentado el trabajo de Sophie Klafter. Esta fotógrafa sufre una enfermedad rara de carácter congénito, que si bien no pone en riesgo su vida, si que la condiciona. Empezó realizando una notable serie de autorretratos con sólo 18 años, y poco a poco ha ido profundizando en el tema de la relación con el cuerpo fotografiando a otras personas con discapacidades físicas. Una obra honesta y respetuosa, que no se recrea en el sufrimiento, sino en la humanidad de los que sufren estas discapacidades.
Cambiando de tercio, en Creative Boom nos traen un artículo con fotografías de Rob Evans en colaboración con el director artístico Chris Roberts que ha través de sus viajes van encontrando y documentando la actividad de aquellas personas que están involucradas en la producción de alimento para sus semejantes, pero de forma comprometida, generando calidad y cercanía con el medio y los productos que ofrece.
Curiosa me ha parecido la propuesta de Damon Sauer y Julie Anand tal y como nos la han presentado en Lenscratch. Estos dos artistas colaborativos que residen en Arizona han trabajado fotografiando en los desiertos y llanuras de su país, buscando las marcas en el suelo que en su momento servían para calibrar las capacidades de los satélites artificiales, muchos de ellos con misiones de satélites espías. Sobre la bóveda celeste en estas fotografías, sobreimprimen las trayectorias de los satélites que sobrevuelan estos lugares, creando una única imagen de notable simbolismo. A mí me ha gustado el concepto que encontramos detrás del proyecto.
Y terminaré con un homenaje a la Sonda Cassini, que recientemente, el 15 de septiembre, terminó su misión, no sé si decir estrellándose o sepultándose en las capas superiores de la atmósfera del planeta Saturno, el más vistoso de nuestro sistema solar, por la espectacularidad del sistema de anillos que lo rodean. Ha sido más de una década de exploración del sistema saturnino durante la cual nos ha enviado algunas de las más bellas fotografías que un artefacto humano ha tomado en el espacio exterior. Lo cual casi cabe decir al unos de los más bellos y espectaculares paisajes de la historia de la fotografía. Yo he alucinado con la belleza de muchas de estas fotografías, inimaginables para la mayor parte de la población hasta que empezaron a llegar y a hacerse públicas gracias a la política de la NASA de poner sus imágenes en el dominio público, como hacen las agencias gubernamentales norteamericanas, financiadas con fondos públicos.
Se están preparando diversos vídeos, algunos de altísima resolución para resumir y celebrar la ya terminada misión. Terminada en cuanto que la sonda ya no existe ni remite información. Pero hay enormes cantidades de esta que alimentarán proyectos científicos durante un tiempo todavía. En cualquier caso, yo os pongo una de ellas. Que muestra bien a las claras que la "estrella de la muerte" del Imperio Galáctico está aparcada y en órbita alrededor del dios romano del tiempo. Así, confidencialmente, se trata del satélite natural Japeto...
Esta semana, aunque he recogido una diversidad de artículos o noticias relacionadas con el mundo de la fotografía, lo cierto es que me voy a centrar en las tres exposiciones que se pueden visitar en Zaragoza en estos momentos y que lucen el logotipo del certamen PHotoEspaña 2017. El más importante certamen de fotografía del país. Aunque sus actividades se celebran principalmente en Madrid, espero ir dentro de unas semanas de visita, también se reparte en pequeñas cantidades por el resto de la geografía peninsular. Y en Zaragoza también nos toca algo, aunque en ocasiones sean exposiciones de "reciclaje" como veremos.
Las fotografías que acompañan la entrada de hoy corresponden a los paseos hacia y por las exposiciones. En una semana de calor agobiante, nos hemos dirigido a visitar las mismas hacia la caída de la tarde con la esperanza, vana, de que el calor se hubiera aliviado. Por lo menos la luz de la ciudad había mejorado a esas horas.
Pero antes de pasar a las tres exposiciones que se celebran en Zaragoza, recordaré que el domingo pasado hablaba de la dedicada a Duane Michals que había visitado en Barcelona a la vuelta de mi viaje por Noruega. Justamente, esta semana han publicado en Albedo Media un artículo en el que lo comentan y explican de forma mucho más adecuada a lo que yo soy capaz, y por ello os traigo aquí la recomendación de leer el artículo.
De las exposiciones que se han traído a Zaragoza con motivo de la edición actual de PHotoEspaña, sin lugar a dudas la que ha recibido más publicidad y honores es la dedicada a la reportera gráfica Joana Biarnés, en el excelente espacio expositivo de la Lonja. Exposición que ya tuve ocasión de ver el año pasado en Madrid, en la edición anterior de PHotoEspaña. Lo que hablaba del reciclaje. En cualquier caso, debemos alegrarnos de que nos la hayan traído a la ciudad, porque es realmente una exposición interesante. Además ha coincidido con que en una de las actividades del III Encuentro fotográfico de Aragón, el ciclo de cine documental "Mujer, cámara, acción", se ha proyectado el documental dedicado a esta fotógrafa, que de alguna forma la rescató del olvido durante su realización. Existe una versión reducida en castellano de dicho documental en TVE, que os dejo aquí enlazada.
He de decir que la exposición merece mucho la pena, por la calidad de las fotografías así como por el reflejo que supone de la casposa España de la década final de la dictadura franquista. Casposa incluso si son fotografías que se realizaron para el diario Pueblo, a la Cadena del Prensa del Movimiento, que se supone que ofrecía una imagen amable de la dictadura. De este hecho deriva una de las principales quejas que tengo sobre el documental y sobre la verborrea "políticamente correcta" de los medios y los políticos actuales. El documental y muchas de las declaraciones que se hacen sobre la fotógrafa tienen una carácter fundamentalmente hagiográfico, con nulo contenido crítico. Considero a Biarnés una excelente y meritoria profesional de la fotografía, puesto que su trabajo lo demuestra. Pero su afinidad con tantas personas afines al franquismo es algo que no se discute, sino que se trata casi de forma anecdótica.
En otro tono de cosas, en el Centro de Historias se celebra la exposición por el 40º aniversario de la Galería Spectrum Sotos de Zaragoza, una de las instituciones más importantes de formación y promoción de la fotografía en nuestra ciudad, aun considerando que es una galería privada que por supuesto busca ser rentable. El primero de los artículos de estas páginas, que escribí allá por el 30 de marzo de 2014, ya hace más de tres años a lo tonto modorro, trataba precisamente de cómo me inicié en la fotografía de forma seria realizando un par de cursos en estas galería unos años después de haber comprado mi primera cámara réflex. Muy respetada dentro del mundillo fotográfico en Zaragoza, creo que la única crítica habitual que he oído hacia sus actividades es que los cursos no son baratos, debe mucho a su director, Julio Álvarez Sotos. En la exposición, encontraremos en las paredes expuesta la obra de algunos de sus principales profesores, y en un vídeo, la de los alumnos más destacados de la última década. Así como objetos que muestran la evolución en las actividades formativas de la galería. Hay que verla.
La tercera de las exposiciones la encontramos también en el Centro de Historias, y ha sido la última en ser inaugurada. Está dedicada al artista conceptual chino Cang Xin, conocido principalmente por sus performances, que suelen ser acompañadas de fotografías de altísima calidad tanto formal como conceptual, que componen la base de la exposición. Yo ya estaba familiarizado con algunas de sus fotografías, que sirven de vehículo a sus expresiones artísticas en las que usa su propio cuerpo y persona para dar un poco de frescura a la reprimida oficialmente escena artística china. No es fácil ser artista libre en una dictadura, incluso si es una dictadura "comunista" de la que quieres ser amigos todos los líderes políticos y empresarios del mundo capitalista. Ironías del mundo y de la especie humana. A mí me ha gustado mucho, siendo la que más me ha aportado de novedad y reflexión de las tres exposiciones.
Más allá de lo que acabo de comentar sobre las tres exposiciones, poco más que añadir, aunque sí que me gustaría rescatar algunas cosas de los enlaces que había marcado por la semana.
Hasta cierto punto coincidencia de temas en dos medios distintos. En L'Oeil de la Photographie dedicaron una artículo a La Cité Chocolat (La ciudad chocolate), un trabajo coordinado por Daniel Traub con los chinos Wu Yongfu y Zen Xianfang, fotógrafos ambulantes en Cantón, mastodóntica metrópoli china en la que encontramos un barrio, Xiaobeilu, en los que hay una mayoría de población de origen africana, lo cual es raro de ver en el gigante oriental. Una comunidad poco conocida y poco comprendida.
Hemos hablado de Joana Biarnés ampliamente, y algo que he contado es que su exposición ya la vi el año pasado en Madrid. En aquellos momentos compartía espacio expositivo con otra de las exposiciones más valoradas y de moda en la edición pasada de PHotoEspaña, la dedicada a Cristina de Middel. Una fotógrafa que poco antes se consideraba emergente, y que de repente estaba en boca de todo el mundo, parecía que poco a poco había ascendido al olimpo fotográfico español. Y sí que ha debido de llegar a algún sitio importante como artista porque justamente desde hace un año he empezado a escuchar voces que la empiezan a poner a caldo. Incluso por parte de alguno que en algún momento escribió alabanzas de la alicantina (creo que es alicantina o de esa provincia). Pero con la tradición de cainismo que arrastramos en nuestro país, no sería de extrañar que mientras rescatamos a una fotógrafa olvidada y la colocamos en un pedestal, derribemos a quien estando en activo parece llegar a algún sitio, incluso con reconocimientos internacionales. Hace bien poco pude ver obra reciente suya en el Foto Museum de la Fotostiftung Schweiz en Winterthur (Suiza). Hace unos días escribía de Middel para Clavoardiendo Margazine, un artículo con el irónico título Detesto escribir, un artículo en el que hace un repaso del panorama de la fotografía española actual, mencionando a un buen número de colegas tanto de su propia generación como de anteriores. A ver si no nos olvidamos de ninguno, y luego le tengamos que hacer homenajes cuando ya se nos vuelvan octogenarios preguntándonos "¿Cómo se nos había pasado este fotógrafo/a tan bueno/a?". El burro que tropieza dos veces con la misma piedra. O tres, o tres docenas.
