La fotografía como afición y otras artes visuales

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Recomendaciones semanales - del 3 al 9 de julio de 2017

Vamos a ver si esta semana normalizamos la redacción de mis recomendaciones semanales... que en las últimas semanas ha sido un caos. Aunque voy a intentar ser rápido para que me cunda la mañana.

De entrada, como en los últimos días mi actividad fotográfica ha estado centrado en la toma de imágenes con medios argénticos y no he "pisado" el laboratorio, no tengo novedades para acompañar la entrada. Así que la ilustraré con alguna foto de la ciudad que voy tomando con la pequeña cámara digital, la Panasonic Lumix GM5, que llevo siempre encima.

El pictorialismo no es mi estilo fotográfico favorito. Ya lo adelanto. Es difícil que aparezcan por aquí fotógrafos con un estilo pictorialista. Pero los autocromos de Mervyn O'Gorman a esa misteriosa adolescente que hemos dado en llamar "Christina", sea o no su hija, tienen algo que atraen poderosamente. Ya los he comentado en alguna ocasión. Pero hoy, dejaré enlazado un vídeo que alguien ha realizado y con el que se disfruta bastante de estas fotografías de hace más de 100 años. Apareció en Fotografía Creativa.

André Kertész es uno de los fotógrafos que más han marcado la forma de ver y fotografiar las calles y los hechos cotidianos, sin dejar de lado la belleza e incluso cierto grado de poesía. En International Center of Photography, con motivo del aniversario de su nacimiento, me han dado una excusa para recordarlo y recomendarlo.

Uno de mis libros favoritos es el que nos habla del viaje que realizó la fotógrafa Inge Morath en compañía de Henri Cartier-Bresson desde Nueva York a Reno, donde se estaba rodando la película The Misfits, la última película en la que trabajó Clark Gable, y la última película completa de Marilyn Monroe. Pero las fotografías de este viaje, tomadas por la fotógrafa austriaca, nos hablan de muchas muchas cosas, y son un verdadero tratado de cómo fotografiar al carretera. Nos lo han mostrado en Magnum Photos.

Es época de festivales, en diversos lugares del mundo. En Albedo Media nos cuentan que podemos disfrutar en Madrid en estos momentos de las fotografías de Minor White, un fotógrafo cuya obra reconozco que no he visitado con la frecuencia debida. Esto puede ser una buena excusa.

Hace casi dos años, tuve la ocasión de disfrutar en Viena de una estupenda retrospectiva de la obra de Joel Meyerowitz, y me traje algún libro de este magnífico fotógrafo. Ahora, en L'Oeil de la Photographie nos recomiendan que repasemos sus obras más tempranas, y yo les pienso hacer caso.

En el arte contemporáneo, el apropiacionismo es una práctica frecuente. Algunas veces, me da la impresión de que es puro morro por parte del artista que se aprovecha del trabajo de otros. Pero en otras ocasiones, el artista, como es el caso de Silin Liu (no encuentro presencia propia en la red), aporta no poco valor a fotografías que por otro lado entran dentro de la categoría de fotografías vernáculas, aquellas que se realizan sin un interés artístico específico. Incluso si en ellas aparecen personas conocidas, con las que la fotógrafa china se "retrata" postumamente. Nos lo han contado en L'Oeil de la Photographie.

Uno de los dogmas irracionales de ciertos grupos ecologistas y de izquierda es la demonización de la tecnología de los transgénicos. Como si la especie humana no llevase milenios alterando genéticamente los seres vivos que les son útiles. La ciencia y la tecnología no son buenas ni malas en sí mismas, pese a las líneas de pensamiento anticientíficas que han surgido con la posmodernidad. Pero sí que hay perversidad en las multinacionales que las utilizan para su propio interés con desprecio de otros seres humanos o del medio. Y una de las más peligrosas, por su oscurantismo, probablemente sea Monsanto. En L'Oeil de la Photographie nos cuentan como el frances Mathieu Asselin reflexiona fotográficamente sobre las catástrofes causadas por esta multinacional.

Está causando cierta expectación la exposición de Yolanda Dominguez en el Museo del Traje de Madrid. Su trabajo, "Little black dress" le sirve para poner en solfa los estereotipos acaptados o consagrados por las modas o las tendencias en lo que se refiere a la representación del cuerpo o el aspecto de la mujer. Me parece una iniciativa valiente. Nos han hablado de ella en Clavoardiendo Magazine, y no me importaría visitar la exposición. No sé si será posible... pero me gustaría.

Con el principio del mes nos llega un nuevo número de Fraction Magazine, el número 100, número redondo. En el que nos muestran cuatro porfolios distintos de los que nos tienen acostumbrados, saliéndose de su zona de confort. Porfolios muy coloridos, que tiran de técnicas mixtas en algunas ocasiones, y conceptualmente distintos. Os recomiendo echarle un vistazo detallado.

Y en Another Magazine nos hacen la propuesta de conocer a cinco fotógrafas, chicas, contemporáneas japonesas. Con estilos muy distintos pero que mezclan lo tradicional en el País del Sol Naciente con lo realmente innovador, y que además aportan su visión como mujeres. En un país donde el dominio masculino en todos los campos es todavía muy notable a pesar de su aparentemente elevado índice de desarrollo. Las fotógrafas son Hiromi KakimotoTokyo RumandoMikiko Hara, Yukari Chikura y Akiko Takizawa. Mikiko Hara usa una vieja cámara de medio formato, relativamente sencilla, con la lente modificada para una mejor calidad, para sus notables retratos y paisajes. Me encanta.

Recomendaciones semanales - del 25 de junio al 3 de julio de 2017

Ayer estuve muy atareado. Por la mañana, con una actividad relacionada con la fotografía de la que os hablaré un día de estos. Por la tarde con otras historias. El caso es que cuando me quise poner al final de la tarde a redactar estas recomendaciones, más sencillas y breves que otras semanas, me encontré con que no tenía acceso a la actualización de este sitio web, porque estaban con tareas de mantenimiento en los servidores. Por lo tanto, lo traslado a este lunes, en el que todavía tengo menos tiempo para hacerlo. Pero bueno. Espero que sean interesantes a pesar de todo.

Lals fotografías que acompañan son los últimos fotogramas del carrete de Adox Supermax 100 que me llevé a Eje de los Caballeros, y que finalicé el domingo siguiente por la mañana en el Parque de la Granja de Zaragoza, con restos de la hoguera de San Juan incluidos.

En primer lugar contar que en su edición del 20 de junio de 2017, L'Oeil de la Photographie se dedica a destacar lo más relevante de la 20ª edición del festival PhotoEspaña, que ya lleva unas semanas celebrándose en Madrid y otras ciudades de la geografía española. De este modo, este medio de comunicación internacional nos presenta una guía más de cómo seleccionar u organizar una visita al festival. Inabarcable en general al visitante, salvo que viva en Madrid y pueda dedicar unos cuantos días a ir visitando las distintas exposiciones o participando en las distintas actividades.

En semanas pasadas he hablado en diversas ocasiones de la fotógrafa Joana Biarnés, que en los últimos años ha sido redescubierta como una interesante reportera gráfica en el mundo de la España del tardofranquismo. Pero hay muchos más fotógrafos anónimos, mujeres y hombres, que hicieron su trabajo en ese periodo oscuro de la historia del país que fue la dictadura fascista del general Franco, y que eventualmente son redescubiertos y sacados a la luz. No recuerdo donde encontré este vídeo que os presento ahora, en algún foro en facebook, me gustaría citar a la persona que lo aportó, y que nos habla de Piedad Isla, otra fotógrafa y etnóloga de la época que permanece relativamente olvidada.

Otra fotógrafa y más vídeos. En esta ocasión se trata de Graciela Iturbide, probablemente una de las más importantes fotógrafas de las últimas décadas no sólo de su país, Méjico, sino del mundo entero. Y no me refiero solamente a su posición entre las fotógrafas femeninas, sino a todos los fotógrafos, no importan el sexo. Ted Forbes, dentro de su canal The Art of Photography, que si no os asusta el inglés os recomiendo, lleva un año y medio realizando una serie de pequeños documentales de poco más de un cuarto de hora de duración, The Artist Series, financiados coletivamente, y que tratan de acercar al público la figura de fotógrafos todavía vivos y de innegable interés. Tras los tres que se emitieron el año pasado, ha comenzado a emitir los cinco de este año, empezando por la artista mejicana. Os dejo a continuación dos vídeos, el corto documental sobre la fotógrafa, y el comentario de cómo se realizó. Una ventaja en el documental, Graciela nos habla en castellano, por lo que en esta ocasión no hace falta llevarse bien con el inglés para disfrutarlo. Dejando aparte que las fotografías son un idioma universal.

Y finalmente un informe especial del también mejicano Oscar Colorado, que nos habla de las importantes relaciones entre el surrealismo y la fotografía. Un informe largo y detallado sobre un tema que a mí me apasiona por lo especialmente fructífera que ha sido la relación entre este movimiento artístico, cultural y filosófico que surgió en los años 20 del siglo pasado y que ha producido obras fotográficas notables, tanto de fotógrafos que abiertamente se adhirieron al movimiento y se definieron como surrealistas, como aquellos otros que sin hacerlo, se vieron fuertemente influenciados por el mismo. Y aquí la lista de fotógrafos importantes es notable. De hecho, no voy a citar a todos los fotógrafos de los que se habla en el informe,... porque me parece una ardua tarea interminable. Id al documento, que también se puede descargar en formato PDF, que es apasionante. Y de paso, veremos si la gente se aclara sobre de qué hablamos cuando hablamos de surrealismo. Con frecuencia, se aplica este calificativo a todo tipo de obras, desde el absurdo a cualquier tipo de obra conceptual o de difícil comprensión. Y creo que el surrealismo, como dice Colorado, tiene unas características concretas que lo diferencian de otros movimientos u otras situaciones. Como digo, a mí siempre me ha interesado mucho el tema.

Y por esta semana, lo dejamos.

Recomendaciones semanales - del 19 al 25 de junio de 2017, PhotoEspaña en Zaragoza

Esta semana, aunque he recogido una diversidad de artículos o noticias relacionadas con el mundo de la fotografía, lo cierto es que me voy a centrar en las tres exposiciones que se pueden visitar en Zaragoza en estos momentos y que lucen el logotipo del certamen PHotoEspaña 2017. El más importante certamen de fotografía del país. Aunque sus actividades se celebran principalmente en Madrid, espero ir dentro de unas semanas de visita, también se reparte en pequeñas cantidades por el resto de la geografía peninsular. Y en Zaragoza también nos toca algo, aunque en ocasiones sean exposiciones de "reciclaje" como veremos.

Las fotografías que acompañan la entrada de hoy corresponden a los paseos hacia y por las exposiciones. En una semana de calor agobiante, nos hemos dirigido a visitar las mismas hacia la caída de la tarde con la esperanza, vana, de que el calor se hubiera aliviado. Por lo menos la luz de la ciudad había mejorado a esas horas.

Pero antes de pasar a las tres exposiciones que se celebran en Zaragoza, recordaré que el domingo pasado hablaba de la dedicada a Duane Michals que había visitado en Barcelona a la vuelta de mi viaje por Noruega. Justamente, esta semana han publicado en Albedo Media un artículo en el que lo comentan y explican de forma mucho más adecuada a lo que yo soy capaz, y por ello os traigo aquí la recomendación de leer el artículo.

De las exposiciones que se han traído a  Zaragoza con motivo de la edición actual de PHotoEspaña, sin lugar a dudas la que ha recibido más publicidad y honores es la dedicada a la reportera gráfica Joana Biarnés, en el excelente espacio expositivo de la Lonja. Exposición que ya tuve ocasión de ver el año pasado en Madrid, en la edición anterior de PHotoEspaña. Lo que hablaba del reciclaje. En cualquier caso, debemos alegrarnos de que nos la hayan traído a la ciudad, porque es realmente una exposición interesante. Además ha coincidido con que en una de las actividades del III Encuentro fotográfico de Aragón, el ciclo de cine documental "Mujer, cámara, acción", se ha proyectado el documental dedicado a esta fotógrafa, que de alguna forma la rescató del olvido durante su realización. Existe una versión reducida en castellano de dicho documental en TVE, que os dejo aquí enlazada.

Joana Biarnés, una entre todos

He de decir que la exposición merece mucho la pena, por la calidad de las fotografías así como por el reflejo que supone de la casposa España de la década final de la dictadura franquista. Casposa incluso si son fotografías que se realizaron para el diario Pueblo, a la Cadena del Prensa del Movimiento, que se supone que ofrecía una imagen amable de la dictadura. De este hecho deriva una de las principales quejas que tengo sobre el documental y sobre la verborrea "políticamente correcta" de los medios y los políticos actuales. El documental y muchas de las declaraciones que se hacen sobre la fotógrafa tienen una carácter fundamentalmente hagiográfico, con nulo contenido crítico. Considero a Biarnés una excelente y meritoria profesional de la fotografía, puesto que su trabajo lo demuestra. Pero su afinidad con tantas personas afines al franquismo es algo que no se discute, sino que se trata casi de forma anecdótica.

En otro tono de cosas, en el Centro de Historias se celebra la exposición por el 40º aniversario de la Galería Spectrum Sotos de Zaragoza, una de las instituciones más importantes de formación y promoción de la fotografía en nuestra ciudad, aun considerando que es una galería privada que por supuesto busca ser rentable. El primero de los artículos de estas páginas, que escribí allá por el 30 de marzo de 2014, ya hace más de tres años a lo tonto modorro, trataba precisamente de cómo me inicié en la fotografía de forma seria realizando un par de cursos en estas galería unos años después de haber comprado mi primera cámara réflex. Muy respetada dentro del mundillo fotográfico en Zaragoza, creo que la única crítica habitual que he oído hacia sus actividades es que los cursos no son baratos, debe mucho a su director, Julio Álvarez Sotos. En la exposición, encontraremos en las paredes expuesta la obra de algunos de sus principales profesores, y en un vídeo, la de los alumnos más destacados de la última década. Así como objetos que muestran la evolución en las actividades formativas de la galería. Hay que verla.

La tercera de las exposiciones la encontramos también en el Centro de Historias, y ha sido la última en ser inaugurada. Está dedicada al artista conceptual chino Cang Xin, conocido principalmente por sus performances, que suelen ser acompañadas de fotografías de altísima calidad tanto formal como conceptual, que componen la base de la exposición. Yo ya estaba familiarizado con algunas de sus fotografías, que sirven de vehículo a sus expresiones artísticas en las que usa su propio cuerpo y persona para dar un poco de frescura a la reprimida oficialmente escena artística china. No es fácil ser artista libre en una dictadura, incluso si es una dictadura "comunista" de la que quieres ser amigos todos los líderes políticos y empresarios del mundo capitalista. Ironías del mundo y de la especie humana. A mí me ha gustado mucho, siendo la que más me ha aportado de novedad y reflexión de las tres exposiciones.

Más allá de lo que acabo de comentar sobre las tres exposiciones, poco más que añadir, aunque sí que me gustaría rescatar algunas cosas de los enlaces que había marcado por la semana.

Hasta cierto punto coincidencia de temas en dos medios distintos. En L'Oeil de la Photographie dedicaron una artículo a La Cité Chocolat (La ciudad chocolate), un trabajo coordinado por Daniel Traub con los chinos Wu Yongfu y Zen Xianfang, fotógrafos ambulantes en Cantón, mastodóntica metrópoli china en la que encontramos un barrio, Xiaobeilu, en los que hay una mayoría de población de origen africana, lo cual es raro de ver en el gigante oriental. Una comunidad poco conocida y poco comprendida.

Curiosamente, en The New Yorker sacaron esta semana un artículo dedicado a los mejicanos de origen africano. Una minoría también muy poco conocida y poco reconocida, a partir del trabajo de la fotógrafo francodanesa Cécile Smetana Baudier. Un trabajo también muy interesante.

Hemos hablado de Joana Biarnés ampliamente, y algo que he contado es que su exposición ya la vi el año pasado en Madrid. En aquellos momentos compartía espacio expositivo con otra de las exposiciones más valoradas y de moda en la edición pasada de PHotoEspaña, la dedicada a Cristina de Middel. Una fotógrafa que poco antes se consideraba emergente, y que de repente estaba en boca de todo el mundo, parecía que poco a poco había ascendido al olimpo fotográfico español. Y sí que ha debido de llegar a algún sitio importante como artista porque justamente desde hace un año he empezado a escuchar voces que la empiezan a poner a caldo. Incluso por parte de alguno que en algún momento escribió alabanzas de la alicantina (creo que es alicantina o de esa provincia). Pero con la tradición de cainismo que arrastramos en nuestro país, no sería de extrañar que mientras rescatamos a una fotógrafa olvidada y la colocamos en un pedestal, derribemos a quien estando en activo parece llegar a algún sitio, incluso con reconocimientos internacionales. Hace bien poco pude ver obra reciente suya en el Foto Museum de la Fotostiftung Schweiz en Winterthur (Suiza). Hace unos días escribía de Middel para Clavoardiendo Margazine, un artículo con el irónico título Detesto escribir, un artículo en el que hace un repaso del panorama de la fotografía española actual, mencionando a un buen número de colegas tanto de su propia generación como de anteriores. A ver si no nos olvidamos de ninguno, y luego le tengamos que hacer homenajes cuando ya se nos vuelvan octogenarios preguntándonos "¿Cómo se nos había pasado este fotógrafo/a tan bueno/a?". El burro que tropieza dos veces con la misma piedra. O tres, o tres docenas.

Recomendaciones semanales - del 4 al 19 de junio de 2017, con especial atención a Duane Michals

Sí, es lunes. Y las recomendaciones semanales aparecen en estas páginas los domingos. Y además el domingo de la semana anterior no hubo por estar de viaje en el norte de Noruega, en el archipiélago de las Lofoten. Pero ayer se celebró el "paseico" y comida de confraternización del III Encuentro fotográfico de Aragón, evento festivo y de promoción de la fotografía que organizado por varias asociaciones y grupos de fotografía se viene celebrando cada dos años desde el 2013.

Todo el día fuera, con mucho calor, cuando volvía a casa no me quedaban ganas de ponerme a escribir ante el ordenador. Sí que diré que en un momento dado del encuentro, intercambiamos fotografías. Una de las dos que aporté al intercambio era un fotografía de aproximación de una mariposa, lo cual sorprendió porque se supone "que no haces este tipo de fotos". Dicho con el mayor de los cariños. Y para defenderme de cualquier encasillamiento,... hoy,... mariposas. De los invernaderos de la isla de Mainau en el lago Constanza, Alemania, realizadas hace unas semanas.

La fotografía que llevé al intercambio.

Las recomendaciones de esta semana vienen dominadas por el último acto de mi viaje por las Lofoten,... que fue en Barcelona. Como el avión que nos traía de Noruega, desde Oslo, llegaba muy tarde a la capital catalana, y encima con dos horas de retraso, habíamos previsto hacer noche en la ciudad antes de volver al día siguiente. A Zaragoza o a Sevilla, cada cual según su domicilio actual. Situación que yo aproveché para hacer cosas por la agobiante Barcelona estival antes de coger el AVE a las 2 de la tarde.

Primer una visita a Casanova Foto. Había que repone el parasol de mi M.Zuiko Digital ED 12-40/2,8 Pro, que se quedó paseando a orillas de algún fiordo noruego. También aproveché para comprar un segundo respaldo A12 para mi Hasselblad, que ya me vino bien ayer en el "paseico", aunque de eso os hablaré otro día. Y conversé un rato con su servicio técnico para evaluar su capacidad para reparar cámaras de antaño. Fueron muy amables y atentos. Los tendré en cuenta.

Y después... a la Fundación Mapfre, en la Casa Garriga i Nogués de la Calle Diputación 250, donde se celebra ahora una interesantísima retrospectiva dedicada a Duane Michals (blog no oficial con algunas de sus obras).

Michals es uno de mis fotógrafos favoritos. Es uno de los que más me llegan, de los que más me hablan directamente, tanto a la razón como a los sentimientos. Que no están reñidos la una con los otros pese a los que muchos se empeñen. Duane Michals no hizo formación como fotógrafo. Procedente del mundo de las bellas artes y del diseño, llega a la fotografía tras un viaje a la Unión Soviética, para el que un amigo le presta una cámara fotográfica, y se dedica a retratar a aquellos con los que se encuentra. Claramente, Michals, pese a la teoría oficial de que los "rusos son el diablo" en los años cincuenta en Norteamérica, con una visión humanista y profunda, lo que ve son personas, con las que empatiza. Podemos ver algunos de estos retratos en la exposición.

Y empieza el recorrido y la carrera fotográfica de este autor, que pronto muestra sus influencias procedentes del mundo de la pintura y las bellas artes, como Magritte o Balthus.

Desde muy temprano, y especialmente a finales de los años 60 y en los 70, se le etiqueta como fotógrafo y artista conceptual. Etiqueta peliaguda, pero que si en un fotógrafo alcanza condición de nobleza es en Michals. Con frecuencia, la etiqueta de "fotografía conceptual" se aplica o es autoaplicada para definir obra de carácter más o menos arcano. En Michals, sin embargo, los conceptos surgen claros y diáfanos de sus fotografía, de sus secuencias o de los textos que las acompañan.

Aunque también tiene una vertiente de fotografía comercial, de moda, retrato y productos, en las que domina el uso predominante y magistral de la luz ambiente y la ausencia de todo artificio, donde destaca son en sus secuencias, en muchas ocasiones acompañadas de textos, no descriptivos sino complementarios, en los que nos transmite emociones, sueños o realidades alternativas. Temas como la muerte, la soledad, las relaciones, la imagen de sí mismo, aparecen con frecuencia en su obra. Pero lo hacen de forma clara. No hay dudas sobre el mensaje que nos transmite, independientemente de que la subjetividad del observador lo matice o lo complemente. Se convierte en muchas ocasiones en una obra de carácter ideológico o político, en el mejor de los sentidos de ambas palabras.

No falta tampoco la crítica al mundo del arte. Y algunos de los fotógrafos "conceptuales" más conocidos de la época contemporánea reciben el azote fotográfico de Michals. En la exposición vemos como les zurra especialmente a una tal Sherman y los aburridillos alumnos germánicos de fotografía de la escuela de Düsseldorf.

Aunque ya tenía en mi biblioteca un interesante libro de este autor, por supuesto me vine con el catálogo de la exposición. Siempre hacen excelentes ediciones con sus catálogos en la Fundación Mapfre.

En fin. Pasemos a otros temas que han surgido estos días. Aunque sea de modo muy esquemático.

El blog de Y C Photographye nos recordó hace unos días el peculiar y personal estilo de practicar el retrato y la fotografía de moda de la francesa Sarah Moon. Que siempre me ha llamado la atención.

PhotoEspaña 2017 está calentando motores. Mejor dicho, está ya en marcha, aunque supongo que aún faltará por inaugurar alguna exposición. Pensando estoy en acudir en julio junto con otros aficionados de AFZ (Asociación de Fotógrafos de Zaragoza) en excursión colectiva. De momento, en Clavoardiendo Magazine nos comentan que este año se ha concedido el premio revelación a Bego Antón. De la que ya he comentado en alguna ocasión en estas páginas.

Un par de fotógrafos japoneses muy distintos.

En Absolution-V pudimos contemplar hace unos días la obra fotográfica de carácter poético a veces, surrealista en otras ocasiones de Kansuke Yamamoto. Artista que también escribió poesía, de la literaria. Con palabras en lugar de imágenes. Hace tiempo que me siento atraído por este autor, y no me importaría incluir algún libro suyo en mi biblioteca, aunque no están muy a mano, me parece. Que tonto estoy, acabo de darme cuenta de que ya tengo un libro con obra suya...

Frente al Yamamoto surrealista, nos cuentan en AnOther sobre la obra de Ken Domon, un fotógrafo poco conocido fuera de sus fronteras y que justamente se caracteriza por un potente realismo social en su fotografía. Casi emparentada con el realismo italiano. De este fotógrafo sí que hay que aprender más porque sé poco.

Y terminaré diciendo que apareció hace unos días ya el número 99 de Fraction Magazine, que llega a la web como de costumbre a principios de cada mes.

Si os soy sincero, no he tenido tiempo para hojearlo con detenimiento, por lo que no puedo comentar de forma cabal nada sobre los porfolios de este mes. Así que, simplemente, os vais al enlace y los veis vosotros mismos.

Recomendaciones semanales - del 29 de mayo al 4 de junio de 2017

En una mañana de domingo lluviosa y tormentosa, parece que ha de haber tiempo para redactar las recomendaciones fotográficas de lo que he visto por internet por la semana con más tranquilidad. Porque no parece un día apropiado para salir por ahí. Las tormentas están pasando en sucesión, así que te arriesgas a un buen remojón.

Empezaré hablando de una cuestión técnica. Google ha anunciado que no va a actualizar su colección de software para tratamiento de imágenes fotográficas Nik Collection. Mucha gente ya se está lamentando y se toman iniciativas para evitar la desaparición de este buen conjunto de aplicaciones, muy útiles para el fotógrafo digital. Pero ya era previsible desde el momento en que las liberaron y las hicieron gratis para todo el mundo. Cuando adquirieron este software, fue cuando se interesaron por Snapseed, en cuya aplicación móvil se han volcado, y en la que probablemente están repercutiendo toda la tecnología acompañante a todo el conjunto de programas. Realmente, ya en su momento abandonaron la rama de Snapseed para el ordenador de sobremesa. Y estaba cantado que con la Nik Collection iban a hacer lo mismo. Las compañías actuales suelen ser destructivas en sus adquisiciones. Compran otras compañías que han hecho cosas buenas y constructivas y han desarrollado tecnologías, no porque les interesen esos productos, sino por las tecnologías. Compañías como Google, son generalistas, dirigidas a las masas, por lo que las aplican a los productos para esas masas, y acaban abandonando y destruyendo el producto específico que interesaba a los fotógrafos de verdad y no a las personas que enredan con la cámara del móvil. Sucede también en otras ramas empresariales. La empresa capitalista no genera valor salvo si les genera muchos beneficios. Los beneficios marginales o los beneficios para la comunidad de personas non les interesan. Causa perdida la recuperación y avance de la Nik Collection.

Bueno, la entrada de hoy, la estoy ilustrando con fotografías realizadas con una de las películas negativas en color más baratas del mercado, si no la más barata. Es la Fujicolor C200 de Fujifilm. Probablemente una redenominación de alguna antigua versión de las Superia de 200 ISO u otra serie parecida. Una tecnología amortizada y fácil de producir, que probablemente se vende también bajo otras marcas, se habla de las Agfacolor Vista 200 como una versión de la misma película, y que por lo tanto se puede vender barata. El caso es que tiene un comportamiento digno. Las fotografías de hoy están hechas con dos cámaras distintas. Algunas proceden de la Canon EOS 100 con el objetivo Olympus Zuiko 21/3,5 adaptado con una montura Canon EF, y otras proceden de un carrete que le puse a mis sobrino Diego de 8 años en la "patatera" Cámara Safari Indiana Jones, una versión de las Werlisas más básicas de plástico, que compré hace un tiempo en un mercadillo por dos euros. Como Diego no hizo las 36 exposiciones, las terminé yo hace unos días para llevarlo a revelar. Supongo que podréis adivinar qué fotos vienen de cada cámara.

En cuanto a las recomendaciones de hoy, empezar por una noticia luctuosa, la del fallecimiento de la fotógrafa norteamericana Marie Cosindas, de la que además hablé hace poco en este sección que aparece casi todos los domingos en estas páginas. Marie Cosindas fue una pionera del color, y se destacó por su habilidoso y artístico uso de las grandes cámaras para película polaroid de formato grande. Tanto en bodegones como en retrato. Una fotógrafa interesante y menos conocida de lo que merecería. Nos informaron de la noticia en L'Oeil de la Photographie.

Marie Cosindas llegó a estas páginas gracias un artículo de los que publica el mejicano Oscar Colorado en su blog Oscar en fotos. Con cierta frecuencia, yo creo que todas o casi todas las semanas, publica algún artículo con una galería de fotografías y una pequeña biografía de algún fotógrafo de interés. No necesariamente de los más conocidos.

Por ejemplo, para esta semana tengo dos de ellos. Uno que apareció hace ya unos días, que trata sobre el rumano establecido en Francia, creo que también nació en Francia pero creció en Rumania, Éli Lotar. Aunque poco conocido por el público en general, se movió activamente por los círculos surrealistas, y también le dio a la filmación cinematográfica, colaborando eventualmente incluso con Luis Buñuel. No era un surrealista puro, y en sus fotografías no dejaba de incluir un contenido social importante. Largo tiempo olvidado, parece que poco a poco vuelve a ser conocido, por lo menos en los medios interesados por la fotografía.

En fechas más recientes, Colorado nos ha ofrecido un artículo sobre el fotógrafo italiano Giuseppe Cavalli. Encuadrado dentro de lo que se denomina el formalismo italiano, fue un defensor a ultranza de la fotografía como una de las bellas artes, repudiando la fotografía documental y, especialmente, aquella que se ponía al servicio de la propaganda fascista. Buscaba la belleza y la poesía en los objetos cotidianos, y por ello fue autor de bellos bodegones muy minimalistas con predominio de las claves altas. A mi me gustan bastante estos bodegones.

Se nos echa encima PhotoEspaña 2017, marcando aniversarios redondos. 20 años, ya. Yo visité alguna de sus primeras ediciones en los años 90. Por lo tanto, irán apareciendo por aquí recomendaciones de algunos de los artistas expuestos. Aspiro a viajar a la capital y visitar algunas de las exposiciones, además de las que puedan aterrizar en Zaragoza. Que alguna habrá. De momento, de algunas de las exposiciones se hacen en eco incluso en el extranjero. Porque parece que durante la duración del certamen, la Fundación MAPFRE en Madrid va a tener abierta una amplia retrospectiva de la mejicana Graciela Iturbide, probablemente la más influyente fotógrafa contemporánea mejicana. Tanto en su país como fuera de él. Habrá que hacer por ir a verla.

En Clavoardiendo Magazine nos han hablado esta semana, y han entrevistado, al fotógrafo español Ciuco Gutiérrez, que también va a tener su espacio en PhotoEspaña, en lo que se llama Festival Off. Es decir, no en una de las exposiciones oficiales del certamen, sino en alguna de las galerías que se suman al mismo y que organizan su propia exposición. Su colorido trabajo, de carácter conceptual y muy ligado a la cultura pop me parece muy interesante y conviene ser conocido para estar al tanto del panorama de la fotografía actual en España.

En Barcelona, y también alojada por la Fundación Mapfre, fuera del festival, que no suele vincularse a la capital catalana, aunque sí a otras ciudades de la geografía española fuera de Madrid, vamos a tener un exposición dedicada a Duane Michals. Uno de los fotógrafos conceptuales más importantes, influyentes y prestigiosos de las últimas décadas en Estados Unidos. A mí me gusta bastante, y aprovecharé mi regreso de un próximo viaje de vacaciones para hacer noche en la ciudad condal y dedicar una mañana a ver la exposición. Que seguro que me gusta mucho. Encontré la noticia de forma casi simultánea en Clavoardiendo Magazine y en Albedo Media (DSLR Magazine). Si se puede visitar, considero que es una exposición imprescindible, aunque no la haya visitado todavía.

Sí que me llamó la atención un artículo dedicado hace unos días en L'Oeil de la Photographie a los franceses Pierre et Gilles. Esta pareja de fotógrafos mantienen una estética y estilo muy característicos a lo largo de su carrera. Grandes formatos, muy coloridos, a partir de escenografías muy barrocas y elaboradas, que se complementan con pintura a mano, para unas obras que se aproximan al kitsch, pero que no dejan de llevar una carga conceptual notable. Muy comprometidos con la causa y la cultura gay, tiran de referencias que se pueden obtener de la historia del arte, con frecuencia de la imaginería religiosa, para exponer su visión. Quizá no es el estilo de fotografía que más me atrae, pero no dejo de reconocer el importante trabajo de esta pareja, que conozco desde que en diciembre de 1996 pude visitar una exposición suya en la Maison Européene de la Photographie en Paris y que ya me dejó bastante sorprendido. No caen bien en los medios más conservadores, especialmente en los católicos, por esa apropiación de la imaginería religiosa para llevársela al campo de la cultura y los valores gays.

Sicilia es una isla, un territorio, apasionante. Cargado de historia y cultura, que se remontan a la Magna Grecia y aun más atrás, hoy en día es un lugar cargado de contrastes, que todo el mundo me recomienda visitar aunque no he encontrado ocasión todavía. En cualquier caso, la vida de la población ha estado marcada durante décadas por la corrupción del poder, el crimen organizado y el abuso sobre la población y el territorio. Muchas veces se asocia a las mafias con crímenes como el tráfico de drogas, el proxenetismo y tráfico de mujeres y otros similares. Pero probablemente lo peor es la corrupción que ejercen sobre la clase política y el parasitismo sobre los fondos públicos. Eso es lo que intenta trasmitir el fotógrafo Mimi Mollica con su descarnado trabajo en el que sus fotografías muestran una mezcla de vida cotidiana, la influencia de la religión, los desastres urbanísticos y el ambiente mediterráneo de la isla en un blanco y negro expresivo y contrastado. Nos lo contaron en American Suburb X (ASX).

Una sensual y voyeuristica fotografía que apareció en el twitter de Semiotic Apocalypse, también conviene seguir su Tumblr porque no siempre coincide lo que aparece en ambas cuentas, me llevó a conocer el trabajo del japonés Noritoshi Hirakawa. Aunque con un estilo propio y distintivo, parece que Noritoshi quiere seguir la senda abierta por Nobuyoshi Araki, de abordar el mundo del erotismo y la sensualidad de una forma directa y con ese tono de voyeur que ya he mencionado. No obstante, más aireado por el mundo, residente en Nueva York, y abierto a otras disciplinas como la filmación, las performances o las instalaciones, su visión es más universal y próxima al mundo occidental.

Terminaré con una recomendación colectiva. Hace un par de días The British Journal of Photography Online, la más veterana de las revistas de fotografía del mundo, nos hablaba de un conjunto de 10 fotógrafos emergentes, jóvenes, pero ya establecidos y reconocidos, que siguen utilizando la película tradicional. Es interesante leer el artículo. La idea básica que transmiten las minientrevistas a los diez autores es que, si bien la fotografía digital es más conveniente por economía y cuestiones prácticas en los trabajos más comerciales y por encargo, la película tradicional, la materialidad del medio, parece de elección para muchos fotógrafos artísticos que prefieren hacer su trabajo más personal con estos materiales. Lo entiendo, y me parece interesante. Cada vez me doy cuenta más que la inmediatez de lo digital suele acompañarse de imágenes efímeras, que no duran, que no cuentan, y que conllevan poca reflexión y una carencia de experiencia interior. Pero por supuesto cada cual lo vive a su manera.