La fotografía como afición y otras artes visuales

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Recomendaciones semanales - del 1 al 8 de mayo de 2016

Mañana lluviosa que parece que va a impedir que salga con un grupo de buenas gentes a hacer unas fotografías en uno de los barrios de Zaragoza. Bueno, así me puedo plantear la redacción de estas recomendaciones con más tranquilidad. En primer lugar, como de costumbre, el tablero de Pinterest con las fotografías que me han llamado la atención en internet en estos últimos siete días.

En segundo lugar, las fotografías acompañantes corresponden a la sesión de positivado que realizamos ayer de los negativos del II Encuentro "analógico" del que ya os he hablado en un par de ocasiones, o tres. En un momento dado, me di cuenta que hacía casi quince años que no ampliaba copias fotográficas en un cuarto oscuro con una ampliadora y con la húmeda liturgia de hacer pasar el papel fotográfico por los distintos baños que convertirán la imagen virtual en imagen real. Cuantos errores de principiante realizas cuando te desentrenas. Pero fotos obtuvimos. Porque sigo pensando que más allá de lo conveniente que sea la fotografía digital, las imágenes fotográficas tienen que acabar ampliadas en un papel, y la relación física e íntima que te otorgan los procesos fotoquímicos es más satisfactoria que los digitales. Y que la nitidez no lo es todo, que hay otros sentimientos de realización menos fáciles de explicar al obtener la imagen final.

Las dos fotografías sobre papel de 10 x 12 pulgadas, aproximadamente, 25 x 30 cm (un poquito más).

En cuanto a las recomendaciones fotográficas, como de costumbre empezamos retratrayéndonos hacia atrás en el tiempo, y nos vamos a los retratos psicológicos de Marcel Sternberger tal y como nos los muestran en American Photo. Frente al glamour de las fotografías de famosos en la época, nos encontramos con retratos mucho más directos e introspectivos. Es curioso que frente al uso de cámaras de medio y gran formato que dominaban el retrato en los años 30 y 40 del siglo XX, Sternberger se pusiera a los mandos de una pequeña Leica, adecuada para viajar ligero a la hora de realizar reportajes, pero sin la capacidad de registrar información que tenían las anteriores. A mí me han parecido muy interesantes. He encontrado poca información sobre este fotógrafo en la red.

Otro fotógrafo de quien tampoco conozco gran cosa, y que también podría calificarse entre los clásicos es Ian Berry, a quien Cartier-Bresson invitó a unirse a Magnum en 1962. Nos lo cuentan y nos muestran algunas fotografías en Camerafilia, donde comprobamos que tenía ese estilo de fotografía documental que podemos asociar a otros fotógrafos británicos de la época y que a mí me gusta bastante. Todavía se encuentra en activo.

Aunque algunos de los presentes teníamos alguna experiencia en la ampliación de fotografías, también había quien se acercaba por primera vez y tenía que avanzar calmado en todos sus pasos.

Un cuento de Julio Cortázar, que tuve ocasión de leer en su momento, inspiró una de las película sobre fotografía más interesantes que conozco, película que por otra parte es importante en la historia del cine por sí misma, independientemente de su relación con la fotografía. Pero es menos conocido que realizó un libro de viajes y fotografías con su mujer Carol DunlopLos autonautas de la cosmopista (o Un viaje atemporal París-Marsella). Después de leer el artículo que le han dedicado a este libro en Clavo Ardiendo, me han entrado muchas ganas de leer este libro. Dunlop murió pocos meses después. También fue el último libro que escribió Cortázar, que murió al año siguiente de publicarse el libro.

Otro clásico de la fotografía documental, Bruce Davidson. En este caso, fotógrafo documental de la más pura escuela norteamericana, aunque no le faltan influencias de los fotógrafos británicos y franceses, desde mi modesto punto de vista. Nos recuerdan en L'Oeil de la Photographie que se acaba de publicar una biografía ilustrada que puede ser interesante.

Tras realizar las hojas de contactos y seleccionar los mejores negativos, estos se colocan con cuidado en los portas.

Cindy Sherman es una de las fotógrafas más cotizadas en la actualidad, y una de las pocas que es mencionada sistemáticamente en los tratados de arte moderno y contemporáneo, que suelen relegar a la fotografía a un segundo plano. A mi, personalmente, me produce reacciones contrapuestas. Creo que su serie Untitled Film Stills es realmente muy interesante y supone una propuesta fundamental en la historia de la fotografía contemporánea, pero luego esta fotógrafa conceptual ha insistido con frecuencia en variaciones más o menos elaboradas sobre los mismos conceptos que no siempre me han convencido. En Flavorwire nos dan la oportunidad de comprobar cómo desarrolla estos conceptos en la actualidad, donde se ha alejado de las sencillas cámaras y pequeños negativos en blanco y negro, para adentrarse en el uso de la copia de gran formato digital sobre metal. No hay que defraudar a los coleccionistas, que prefieren grandes obras de más de un metro de largo que las pequeñas ampliaciones sobre papel en blanco y negro... uy, ya me ha salido el lado crítico.

En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos han anunciado que andan muy apretados de tiempo, y que van a alternar las reseñas nuevas de fotógrafos con las que publicaron hace unos años. Realmente, puede estar bien recuperar o dar segundos vistazos a fotógrafos ya conocidos. De los que han mostrado esta semana yo me quedo con la japonesa Kimiko Yoshida. Con el autorretrato conceptual como punto de partida, con el que viaja por todo el mundo, transformándose en mujeres de todo tipo de culturas. Nos ofrece un trabajo que está a caballo entre la fotografía, la performance y otras artes contemporáneas. Me parece muy interesante, y su página web da para perderse mucho rato.

Andábamos escasos de marginadores, y había que encuadrar un poco a ojo o con ayuda de hojas del tamaño adecuado.

Les Krims es otro fotógrafo que no es fácil. También moviéndose en el terreno de lo conceptual, sus fotografías con frecuentes desnudos, e incluso con escenas sexuales relativamente explícitas, suponen afiladas y profundas críticas a la sociedad occidental y específicamente a la norteamericana. A medio camino entre la parodia y el drama su visión no es especialmente esperanzadora, puesto que nos habla más de hipocresías que de evoluciones positivas.Nos lo han contado en Hunter Art Magazine.

Yo creo que ya he hablado en alguna ocasión del trabajo de Mihaela Noroc. O sus fotografías aparecen con frecuencia en mis tableros de Pinterest. Esta semana han mostrado su trabajo en Feature Shoot. Noroc es una fotógrafa romana que lleva varios años viajando por el mundo con su cámara de fotos reflejando la belleza femenina sin prejuicios raciales. Con frecuencia, en los medios hay un sesgo eurocéntrico a la hora de definir los canones de belleza en las personas. Incluso cuando se trata de personas con rasgos propios de otras latitudes, generalmente se aceptan como bellas aquellas que se acercan más a las formas caucásicas. El trabajo de Noroc, The Atlas of Beauty, trata de romper esta visión. Realmente, sus retratos son técnicamente excelentes dado que los toma al vuelo. Pero sigo pensando que, aunque se esfuerza, y hay una notable variedad de rostros femeninos, todavía hay un sesgo sobre a lo que los europeos nos parece una mujer bella aun en otras latitudes del mundo. Pero bueno, merece la pena bucear en sus archivos para dar con aquellos ejemplos donde afortunadamente se rompe este sesgo y tenemos la auténtica sensación de estar ante bellezas originales y distintas. Bien por la diversidad.

Importante el cuidadose enfoque de la imagen, para conseguir la mayor nitidez posible.

Un poco de concienciación social. En Lenscratch nos proponen conocer el trabajo de Jennifer Little, una fotógrafa que se ha ido a Owens Lake, un lago seco que encontramos en California, y que se encuentra seco debido al trasvase masivo de agua para consumo humano hacia Los Ángeles. La consecuencia ha sido la desecación del lugar, y el acúmulo de sustancias en forma de polvo que es transportado por el viento, y que es la principal fuente de contaminación de partículas carcinogénicas en Estados Unidos. La sobreexplotación de los acuíferos, tanto de aguas superficiales como profundas, siempre da lugar a consecuencias indeseadas, de las que los políticos más populistas que prometen todo tipo de trasvases y regadíos masivos no se dan por enterados, constituyendo amenazas ambientales de primer nivel. Los políticos, digo. Curiosamente, las fotografías de Little no carecen de belleza paisajística.

Y os dejo para terminar dos recomendaciones que no he tenido tiempo de revisar a fondo. Por un lado la página del colectivo Nophoto, un colectivo de fotógrafos que nace en España hace ya más de diez años con el fin de impulsar proyectos individuales o colectivos no convencionales. A ver si le puedo dedicar un poco de tiempo y extraigo alguna recomendación personal concreta. Por otro lado, en A Photo Editor nos cuentan que ha salido el cuarto número de Photographer's Quarterly, que también promete revisar las obras de algunos fotógrafos destacados, unos más conocidos que otros. Lo dicho,... si encuentro algo de tiempo, lo reviso, y os propongo alguna recomendación personal.

Luego ya viene la "magia" de ver aparecer la imagen en la bandeja del revelador... "magia" que no es magia, sino ciencia combinada con arte, la mejor clase de "magia".

Recomendaciones semanales - del 24 de abril al 1 de mayo de 2016

En primer lugar, me he quedado sorprendido al comprobar que esta semana he marcado un grupo realmente reducido de posibles recomendaciones para lo que suele ser habitual. Normalmente, desecho unas cuantas de las que he guardado en Getpocket, y hablo de las que me parecen más significativas o han atraído más mi atencion. Pero en esta ocasión, hablaré de las siete que he guardado.

El número de fotografías guardas en mi tablero de Pinterest de la semana también están un poco por debajo de lo habitual en los últimos tiempos. Pero hay un número suficiente como para que puedan resultar interesantes un grupo variado de aficionados a la fotografía.

En cuanto a las fotografías acompañante... Ayer os comentaba algunos carretes de película del último lote que mandé a revelar a Carmencita Film Lab. Entre ellos había uno del que no os hablé puesto que no entraba dentro del tema de objetivos y cámaras con montura M42, principalmente de la Europa del Este. Y es que por una vez, un carrete de película tradicional en blanco y negro lo envíe a revelar a Carmencita en lugar de procesarlo yo integramente. Quería probar a ver que tal. Se trata de un Fujifilm Neopan 100 Acros que expuse durante un paseo mañanero hace un par de meses, más o menos, con la veterana Leica IIIf que llevaba montada la segunda versión del Canon 50 mm f/1,8 para montura de rosca de 39 mm. La adecuada para la cámara alemana.

He de decir que los resultados son buenos, pero no acabo de reconocer en los archivos digitalizados el aspecto de gradación muy progresiva de grises que suele dar la Acros. Y eso que ya digo que no los encuentro mal. Simplemente, no lo esperado. De todas formas, aquella mañana la luz era muy dura y el contraste elevado.

Para fotografía en blanco y negro interesante y llena de matices, la del alemán Peter KeetmanEn Oscar en fotos nos traen una galería y un breve comentario biográfico de este fotógrafo. Aunque formado en la Bauhaus y en la Nueva Objetividad de antes de la guerra mundial, la segunda, tras este conflicto su fotografía coqueteo con la abstracción y se le adscribió a la fotografía subjetiva, en el que el punto de vista creativo se superpone al utilitarista. Y eso que son muy reconocidas sus series de fotografías industrial. Un buen fotógrafo para aprender de composición y de reconocimiento de formas y patrones.

Nos vamos a hora al mundo del glamour y las bambalinas. En algún sitio he encontrado un enlace que me ha llevado a un artículo en Nowness que ya tiene un tiempo sobre el fotógrafo George Hurrell. Fotógrafo en activo durante buena parte del siglo XX, siempre vinculado al mundo del cine y la televisión, su época dorada coincide con la época del Star-System en los grandes estudios de Hollywood. Basado este sistema en la atracción que las grandes estrellas de la interpretación ejercían sobre el público, fue un momento idóneo para que grandes fotógrafos inmortalizaran a muchas de ellas con fotografías de gran calidad, de factura muy cuidada, que servían para elevar a un estado divino a los simples mortales que alcanzaban la fama a través de la gran pantalla y los sistemas propagandísticos de las grandes productoras. El plus de Hurrell está quizá en que realmente muchas de las estrellas que pasaron ante su objetivo alcanzaban esa imagen de dioses y especialmente diosas, de gran sensualidad, y erotismo en muchos casos, con un aura de seres inalcanzables. 

Más de una vez he comentado de mi preferencia por la fotografía en color, aunque hoy este artículo me esté saliendo hasta ahora muy en blanco y negro. Y especialmente me gusta traer a estas páginas a los pioneros que impulsaron el medio en una cultura que identificaba el blanco y negro con lo profesional y artístico y el color con la fotografía familiar y los aficionados. En esta ocasión os traigo a través de un artículo en OldSkull las Kodachromes de Fred Herzog, fotógrafo alemán que tras diversas peripecias en el momento de la Segunda Guerra Mundial, acabó enrolándose de marinero en un barco, y finalmente en la ciudad canadiense de Vancouver, donde se instaló. Y allí empezó a documentar la vida de la ciudad a través de la fotografía. En color. El maravilloso color de la Kodachrome de la época.

En un orden de cosas casi similar, aunque nos volvamos a pasar al blanco y negro, Rafael Roa nos recuerda el trabajo de un fotógrafo documental, Paco Gómez, que a pesar de su influencia en la fotografía de su época y posterior tengo la sensación de que no es muy conocido. Su enfoque de la fotografía en las calles tiene mucho que ver con lo mínimo, y con una creatividad alejada de la agresividad hacia las personas con la que hoy en día se suele identificar el género. A conocer y reivindicar. No confundir con el Paco Gómez más actual del que tal vez convenga hablar otro día.

La contaminación de los mares con plásticos es un problema mucho más grave e importante de lo que habitualmente nos parece. Por ello tiene especial valor el trabajo de la fotógrafa británica Mandy Barker. Como nos cuentan en Feature Shoot, durante un viaje por el Pacífico Septentrional recorrieron un conjunto de playas en los alrededores de Hong-Kong en los que recogió una cantidad notable de desechos plásticos que le permitieron realizar un conjunto de bellas y al mismo tiempo siniestras naturalezas muertas. La variedad es tal, que incluso se agrupan por temáticas de lo más diverso.

En alguna ocasión he hablado en estas páginas de la malograda Francesca Woodman. Y parece que la joven fotógrafa norteamericana hizo escuela. En esta ocasión, también en Feature Shoot, nos presentan el trabajo de la fotógrafa eslovaca Viktória Kollerová. En esta ocasión, la fotógrafa se presenta a sí misma como sujeto de sus imágenes, pero fundiéndose hasta casi desaparecer con el medio o el paisaje en el que realiza sus fotografías, usando las texturas, la luz y la posición de su propio cuerpo desnudo. Por supuesto, el uso del blanco y negro ayuda al efecto al despojar su cuerpo del característico color de la piel humana en personas de origen europeo.

Y por último juntaremos dos de mis aficiones, la fotografía y el cine, en un único artículo. En Lenscratch nos hablan de la Society of Motion Picture Still Photographers. Es decir, en el entorno de la producción de películas fotográficas, la sociedad que agrupa a los llamados foto fijas o fotógrafos de plató. Un grupo de profesionales de la fotografía poco conocido, poco reconocidos, pero que son responsables de muchas fotografías que todos reconocemos, creyendo que se trata de fotogramas extraidos de nuestras películas favoritas, cuando no. Cuando se trata del trabajo de fotógrafos que tienen que trabajar muchas veces con discreción y desconocidos del gran público. Pues echad un vistazo, que las fotografías son estupendas.

Recomendaciones semanales - del 17 al 24 de abril de 2016

Este domingo redacto las recomendaciones semanales por la tarde, después de haber dedicado toda la mañana a la fotografía activa. Un grupo de gentes involucradas en la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ) y/o Fotógraf@s en Zaragoza (FeZ) nos hemos juntado para rescatar viejas cámaras para película fotográfica tradicional y fotografiar juntos por el área de la Expo Zaragoza 2008. Unos poquitos estamos familiarizados con este tipo de fotografía desde tiempo ha, mientras que otros se atrevían hoy a recuperarla y con más o menos inseguridad a utilizar sus cámaras luchando contra los reflejos adquiridos con la toma de imágenes digital. Pero de eso hablaré otro día... cuando tengamos los carretes revelados y disponibles. Os dejo con una de la media docena de fotos que he hecho con una pequeña cámara digital que me he llevado. Por recordar el entorno

Por supuesto, hoy también tenemos el tablero de Pinterest de la semana, con las fotografías que me han gustado o me han llamado la atención por algún motivo en estos últimos siete días de navegación esporádica por internet. Hay algunas que me parece muy interesantes... no os las perdáis.

En cuanto a las fotografías que acompañarán el resto de la entrada, tengo que recordar que ayer fue el día de San Jorge, festividad oficial de la Comunidad Autónoma de Aragón. Lo cual, unido al buen tiempo, hizo que las diversas actividades festivas estuvieran muy animadas. No es que sea ni un pálido reflejo de lo que era antes de que comenzase la crisis en el año 2008... pero menos da una piedra.

Yo he estado probando un pequeño y entretenido objetivo de hace unas décadas del que os hablaré dentro de unos días. De momento, sabed que el pequeño Meyer-Optik Görlitz Trioplan V 50/2,9 iba ayer montado sobre la ya veterana Canon EOS 40D, una cámara que salvo por el hecho de que su mecanismo de captura digital y su electrónica está hoy en día muy superada está muy bien hecha y es agradable de usar. En un momento dado entramos en el Museo Pablo Gargallo, del cual ya os he mostrado fotografías en otras ocasiones, que estaba en jornada gratuita de puertas abiertas, e hice unas cuantas fotografías a las obras del maestro de Maella.

Desde hace unos años, uno de mis libros favoritos es The Nature of Photography de Stephen Shore, que al castellano se tradujo un tiempo después de comprarlo yo en versión original en inglés como Lección de fotografía. En su portada hay una fotografía de un barco trasatlántico muy característica. Y nunca me acuerdo quién es su autor. Bien, pues esta semana en Vantage nos han recordado que es de Kenneth Josephson, un importante fotógrafo conceptual que es poco conocido y que creo que esto es injusto. Por eso, lo traigo aquí y os animo a conocer más de la obra de este artista norteamericano.

Llevamos unas semanas discutiendo sobre donde y cuándo nos vamos de vacaciones, y este año parece que nos está costando decidirnos por motivos ajenos a mi voluntad... nuestra voluntad... quería decir. Lo siento. En cualquier caso, esta semana han coincidido dos artículos sobre viajes en tren muy diferentes. Uno de ellos en Quesabesde, de la fotógrafa alemana Tamina-Florentine Zuch que se ha hecho 20.000 kilómetros de viaje en tren por la India, mezclándose con sus gentes, y con resultados fotográficos excelentes. Prometedora fotógrafa documentalista. El otro nos llega desde The New Yorker, las fotografías se las debemos a McNair Evans, y nos habla de las gentes que usan los trenes de pasajeros de Amtrak en Estados Unidos. El tren de pasajeros, que en su momento fue clave para el desarrollo del país, actualmente es poco usado y tiene escaso prestigio frente al avión. Pero está ahí, y es usado por una cierta cantidad de estadounidenses.

En estos días se han hecho también públicos los Sony World Photography Awards 2016, que algunos definen algo así como los "oscar" de la fotografía... o como sea... Hay muchas fotos y fotógrafos interesantes, pero yo que he estado en un particular estado de humor esta semana, me he fijado sobretodo en los desérticos y polvorientos paisajes que la belga Maroesjka Lavigne ha realizado en Namibia, un país que recibe el nombre a partir del desierto que ocupa la mayor parte de su superficie. Y que desde luego no está exento en absoluto de belleza. Yo me fijé en el artículo que le dedicaron en L'Oeil de la Photographie.

Esta semana he marcado como interesantes, curiosos o anecdóticos varios artículos que tienen que ver con la mujer o con el cuerpo de la mujer. Vamos a darles un somero repaso.

En Plataforma de arte contemporáneo ha aparecido un artículo dedicado a la feminidad tal y como es capturada por la mallorquina Marta Pujades, una fotógrafa joven, todavía en sus veintitantos, pero que me ha parecido en lo que he visto de ella muy inquieta y muy interesante. Habrá que estar al tanto.

En Feature Shoot tenemos el particular trabajo de 3cm (instagram), nombre de batalla del taiwanés Yung Chen Lin. Los cuerpos de mujer literalmente cosidos, atravesados por gruesos hilos de color rojo, en imágenes convencionalmente bellas, pero que al mismo tiempo nos trasladan la idea de sufrimiento o dolor, al mismo tiempo que identificamos el rojo de los hilos con la sangre que no vemos.

En otro orden de cosas, y aquí mezclamos hombres y mujeres, en Bokeh by DigitalRev nos presentan el trabajo realizado por el fotógrafo Patrick Struys bajo el título Porn Portraits. Sí, "retratos pornográficos". Este fotógrafo, utilizando un pedazo camarón de medio formato realiza unos retratos sencillos, de personas aparentemente desnudas, que están visualizando películas pornográficas. Los retratos son para todos los públicos. Lo importante son los gestos, las reacciones, la variedad de ellas, desde las que denotan sorpresa o diversión, hasta las que muestran incredulidad o desagrado. Sencillo, pero interesante.

Y ya que estamos, en American Photo, antaño excelente revista de fotografía hoy arrinconada a la existencia virtual en internet, nos hablan del cambio que se ha producido en una revista icónica en la cultura popular; Playboy. Esta revista se ha dedicado durante décadas a vender un estilo de vida al alcance de pocos de sus lectores. Suponiendo que estos se dedicaran a leerla, puesto que entre sus artículos se intercalaban reportajes de modelos desnudas, en los que poco había que leer. Todo quedaba muy a la vista. Todo. Pues ya no. Desde hace un mes, no más desnudo. Siguen saliendo chicas, pero ya no muestran sus "vergüenzas" sino que las insinúan. Pero además han cambiado el estilo de las fotografías... ¿Una reorientación de la revista buscando respetabilidad? ¿Un reflejo del conservadurismo que está introduciéndose en las sociedades occidentales, principalmente en Norteamérica? ¿O sencillamente que no pueden competir con internet como dispensador de carne femenina y buscan otra clientela para subsistir? Nunca han sido santos de mi devoción. Siempre he opinado que tratan con poco respeto a la humanidad, tanto a mujeres, convertidas en meros objetos de deseo, como a hombres, convertidos en seres sin cerebro obsesionados con tetas y culos. Y no me considero nada mojigato.

Y finalmente, otra visión de la mujer la del japonés Yoshiro Tatsuki, con fotografías en las que se muestra una versión tradicional de la mujer japonesa basada en los cuentos de ficción tradicionales, pero introduciendo elementos modernos, sorprendentes o fetichistas, en imágenes muy narrativas. Y bellamente realizadas. Las hemos visto en L'Oeil de la Photographie.

Recomendaciones semanales - del 10 al 17 de abril de 2016

Comenzamos como todas las semanas presentando el tablero de Pinterest de estos últimos siete días, que muestra aquellas fotografías que, perteneciendo a autores consagrados o totalmente desconocidos, me han llamado la atención.

Una de las recomendaciones de hoy tiene que ver con arquitectura religiosa en Europa, nos la trajo el British Journal of Photography - online y se trata de la serie Façades de Markus Brunetti. Me llamó la atención porque la primera fotografía de las que aparecen en el artículo la reconocí de inmediato, ya que se trata la fachada de la catedral de Orvieto, delante de la cual me pase un buen rato hace unas semanas, pensando como conseguir una buena fotografía de tan notable obra arquitectónica. No creáis que no me he planteado veces lo de viajas con un objetivo de los llamados "tilt and shift", capaces de corregir perspectivas y cambiar la orientación del plano de enfoque. Porque lo de viajar con una cámara de gran formato, que permiten estos movimientos técnicos,... pues no. Si tiendo a viajar cada vez más con cámaras muy compactas. En fin, como consecuencia, traigo hoy algunos ejemplos de arquitectura religiosa de las últimas vacaciones en Italia. Empezando por la catedral de Orvieto. Claro.

Fachada de la catedral de Orvieto.

La semana ha estado marcada por una noticia luctuosa, el fallecimiento del fotógrafo maliense Malick Sidibé, uno de los fotógrafos más conocidos de la fotografía africana. Aunque ha sido comentada en muchos medios, recibí la noticia en el tumblelog de SuperMassiveBlackHole magazine (SMBHmag). Es conocido sobretodo por su trabajo en el los años sesenta del siglo XX sobre la sociedad y la juventud de Bamako, la capital de Malí, presentando una imagen muy fresca, y abriendo el continente africano al mundo con una imagen muy distinta del paternalismo o las catástrofes que hasta ese momento eran norma por parte de la visión eurocentrista del mundo. Posteriormente se dedicó sobretodo al retrato en estudio, recogiendo un amplio catálogo de tipos malienses. Sus fotografías en blanco y negro de formato cuadrado son muy características.

En uno de esos blogs pensados a mayor gloria de alguna marca fotográfica de postín encontramos de vez en cuando artículos que merece la pena atender. En un artículo escrito en portugués e inglés, da un repaso a la figura de Martine Franck, fotógrafa belga, que para muchos a pasado a la historia de la fotografía más por ser la segunda esposa de Cartier-Bresson que por méritos fotográficos propios, que son muchos. Dedicada sobre todo a la fotografía documental y al retrato, tenía un estilo muy elegante y discreto, siempre con el ser humano como primera preocupación. Merece la pena dedicar un tiempo a conocer su obra.

San Pietro en Assisi.

Podemos considerar a Robert Mapplethorpe ya como un clásico cuando ya han pasado más de 25 años tras su muerte. Un fotógrafo que tendría que haber dado mucho mal todavía si no hubiese cortado su carrera la enfermedad. Con frecuencia es recordado por sus desnudos y sus retratos de celebridades. Pero Mapplethorpe fue un fotógrafo que se preocupó mucho por la forma y la luz, y encontró en los motivos florales un tema que le permitió investigar en profundidad y conseguir potentes imágenes. Más conocidas sus fotografías en blanco y negro, utilizó una diversidad de técnicas fotográficas, incluyendo algunas en color. Nos lo contaron en L'Oeil de la Photographie, y merece la pena acercarse. Además, estas fotografías de Mapplethorpe son para todos los públicos.

Hay una serie de recomendaciones en esta semana que coinciden en varias cosas. La primera es que se trata de mujeres fotógrafas. La segunda es que se preocupan principalmente por el ser humano, y en determinadas ocasiones por las mujeres, otras por los más desfavorecidos socialmente. También las hay con una mirada introspectivas. Todas ellas fotógrafas actuales con miradas contemporáneas a su mundo.

San Pietro en Perugia.

En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos hablaron del trabajo de la norteamericana Sara Naomi Lewkowicz, cuyo trabajo se centra sobretodo en las personas con conflictos personales, exconvictos, drogadictos, víctimas de violencia doméstica o de género,... personas con difícil encaje en la sociedad. Lewkowicz se coloca en la posición de testigo y su fotografías, de testimonio de una sociedad actual con sus propias taras. El reportaje Shane and Maggie es muy impresionante.

Con un tono menos dramático pero igualmente de reflejo de una sociedad compleja, en LensCulture nos presentan el trabajo de Michaela Spurna, fotógrafa checa, en la que el régimen de convivencia de una pareja con una hija es de una mitad de la familia juntos en la casa del padre, mientras que la otra mitad viven la madre y la hija solas en una casa a 500 metros de la anterior. Con la propia hija como motivo, la fotógrafa reflexiona sobre las consecuencias que para la hija pueda tener conforme crezca.

Santa Maria della Pieve en Arezzo.

En la sección semanal de porfolios de los lectores de L'Oeil de la Photographie, me ha interesado el trabajo de Marie-Claire Saille, en el que reflexiona sobre la cuestión de la lactancia natural. Práctica que en estos momentos está fuertemente recomendada por muchos expertos y organismos sanitarios, no deja de producir un importante grado de estrés en muchas que se ven condicionadas por un lado por sus obligaciones laborales o de otro tipo que les llevan a la lactancia artificial, pero que al mismo tiempo siente el rechazo social por no procurar a sus hijos con la lactancia maternal. Situaciones diversas, mujeres diversas. Incluso hombres que se hacen cargo de la alimentación de sus bebés por las obligaciones de sus parejas. Todo ello expuesto de una forma muy sencilla, con retratos muy clásicos de mujeres, y algunos hombres, alimentando, con el pecho o con el biberón, a sus bebés. Y es que nada es blanco y negro en una sociedad compleja como la actual.

Me ha llamado mucho la atención el siguiente vídeo sobre el trabajo de la fotógrafa Laurie Simmons, propuesto por el canal de vídeos de la Tate. Fotografías de un mundo en miniatura que reflexionan sobre el papel de la mujer en la sociedad. Muy conceptual, pero muy interesante. En ocasiones, aun con aspecto de muñecas son mujeres reales las protagonistas de las fotografías.

También ha realizado trabajos cinematográficos con un estilo y temas similares a sus fotografías fijas. Un trabajo muy contemporáneo, en el que la puesta en práctica de la obra trasciende a lo meramente fotográfico.

Catedral de Gubbio.

Ana Casas Broda es una fotógrafa española, o como dice el artículo de Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red que nos la presenta, una fotógrafa mejicana nacida en España... no sé. Por su biografía, más bien una artista con muchas influencias culturales. Es una de estas fotógrafas que tiene un carácter muy introspectivo, situándose como tema de sus fotografías. A veces puede explorar sus cambios, su evolución como persona, otras veces sus peripecias personales puntuales, en ocasiones investiga sobre la memoria y el recuerdo. Aunque se sitúa ella misma como objeto de interés de su obra, muchas de sus investigaciones personales pueden ser similares a las de otras muchas personas.

Y por último, una escritora que se nos vuelve fotógrafa. Se trata de Elvira Lindo, que ha presentado un libro de fotografías sobre el tiempo que ha vivido en Nueva York. También hay que decir que en su último libro de carácter literario, utilizaba sus propias fotografías como ilustración. Nos lo han contado en ClavoArdiendo, que algo han tenido que ver con la edición de este libro. El libro es muy baratito... ganas me están dando de comprarlo... aunque no sé yo si me va a acabar gustando. Y lo que pasa es que los gastos de envío son más caros que el propio libro... ¡¡¡???

San Niccolò en Cortona.

Recomendaciones semanales - del 3 al 10 de abril de 2016

Vuelvo a mi ritmo habitual de publicación semanal de recomendaciones fotográficas semanales. Empezando por el tablero en Pinterest de estos últimos siete días donde espero que encontréis fuentes de inspiración si sois aficionados a la fotografía.

Para acompañar la entrada de hoy, os mostraré algunas fotografías tomadas con teleobjetivo, un 200 mm, al que como complemente se ha añadido un duplicador de focal y eventualmente un anillo de extensión. Os hablé de esta configuración hace unas semanas, pero hasta ahora no había tenido ocasión de probarla en el campo. Este fin de semana, con un menos viento, también la hubiera usado. No soy fotógrafo de teleobjetivo. Me muevo en el 90 o 90 % de las situaciones entre los 24 y los 90 mm. Aunque los he usado, especialmente en fotografía de aproximación, en cuanto paso de los 135 o 150 mm de focal (equivalente en el llamado "formato completo"), me siento muy poco cómodo e inseguro. De todas formas, cometí varios errores al salir de casa en la selección y preparación del material, y no pude poner en acción lo que tenía en mente. Tengo mucho que practicar.

Empezaramos las recomendaciones yéndonos más de un siglo atrás en el tiempo. Me han parecido muy curiosas las fotografías que han rescatado en Mashable tomadas entre 1898 y 1900 por Charles Gustavus Walline, un empleado de unos grandes almacenes de Chattanooga, que aprovechaba las pausas para el almuerzo para retratar a sus compañeros de trabajo. El excelente estado de conservación de los negativos nos permiten una gran calidad de imagen que nos hacen sospechar que aquellas y aquellos jóvenes de hace más de 115 años igual no eran muy distintas en lo esencial de las jóvenes y los jóvenes actuales. Por lo menos las chicas. Que los maromos parecen todos muy envarados, con sus bigotazos y esas cosas.

En LensCulture dedican un artículo al concepto de educar el ojo. La mirada, más bien. Esto me recuerda que tengo pendiente de terminar el curso "Seeing Through Photographs" organizado por el MoMA a través de Coursera. Volviendo al artículo, para mostrar lo importante que es educar la mirada, especialmente en los aspectos de composición, capacidad de mostrar empatía y valentía, acuden al siempre notable trabajo de Marc Riboud. Muy recomendable.

En L'Oeil de la Photographie ha aparecido esta semana un artículo sobre una exposición en la que se incide en aquellas fotografías que muestran un contenido relacionado con el expresionismo, el surrealismo, lo singular, lo étnico,... lo bruto,... y en la que aparecen fotografías de Joël-Peter Witkin (fotografías, no aptas para todos los públicos). Recuerdo que cuando empezaba a interesarme en serio por la fotografía, cuatro o cinco años después de comprar mi primera cámara réflex y tras haber realizado algún curso serio de formación, llegó a Zaragoza, al Torreón Fortea, una exposición de este neoyorquino que me impactó mucho. Su incidencia en temas como la muerte, el sexo más fetichista, la deformidad, y sus relaciones con lo bíblico o con las representaciones artísticas del pasado producen un efecto muy desasosegante, y una curiosidad morbosa. En realidad es un fotógrafo excelente.

Nos cuentan en American Photo que el maestro Stephen Shore ha publicado recientemente su último libro, para el cual ha viajado a Ucrania. El tema ha sido las gentes que tuvieron que huir y luchar contra la opresión nazi, pero que luego tampoco lo tuvieron fácil en la Unión Soviética, incluso cuando fueron considerados héroes de guerra. Una vez más, el estilo de Shore es directo, sin manipulaciones, con una técnica muy depurada que, sin embargo, apenas se nota por la carencia absoluta de artifiosidad. Y siempre dedicado a mostrar la realidad, más que a intervenir sobre ella.

El caso de la talidomida fue célebre en los años 60. Un medicamento que se comenzó a comercializar a finales de los años 50 en toda Europa, pero que en los 60 se comprobó que cuando era tomado por mujeres embarazadas producía graves deformidades en el feto. Sin embargo, en España consta que todavía se podía encontrar en 1970 y algunas personas están afectadas en esa época, a pesar de la prohibición de comercialización. Las corruptelas inherentes a un régimen dictatorial permitieron la existencia de personas con graves malformaciones cuando estas ya habían desaparecido del mapa del resto de Europa. Y aún hay algunos que añoran el franquismo. El fotógrafo César Dezfuli se ha interesado por estas personas tras enterarse que el Tribunal Supremo ha fallado, nunca mejor dicho, que estas personas no tienen derecho a reconocimiento, compensación o cobertura legal alguna. Todavía no nos hemos liberado de las corruptelas del franquismo, cuando ya hemos llegado a la segunda década del siglo XXI. Es bueno que hay fotógrafos comprometidos con estas causas. Nos lo contaron en Quesabesde.

Otro caso de vergüenza social, esta de ámbito europeo, es el de la "jungla de Calais", un campo de refugiados establecido en la costa francesa del Canal de la Mancha, en su punto más cercano con el Reino Unido de la Gran Bretaña. Establecido en 1999, creció de forma espontánea, con especial fuerza a partir de 2005, al margen de la legalidad, sin que las autoridades se preocuparan mucho por las condiciones y la situación de este lugar. Recientemente se ha producido el enésimo intento de desmantelamiento, aunque ya hay indicios de que vuelve a surgir entre las dunas de las playas del Canal de la Mancha. En LensCulture encontramos un porfolio del fotógrafo Henk Wildschut que analiza y denuncia el fenómeno con sus imágenes. Aunque lleva tiempo siendo un tema adoptado por creadores en distintos medios audiovisuales.

En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red han dedicado un artículo a David Martín Castán, que es un fotógrafo local, de aquí, de Zaragoza (España). Así que me ha parecido ineludible su inclusión en estas recomendaciones. Especialmente por la belleza de sus paisajes y fotografías de viajes.

Terminaré con una polémica. En The New York Times publicaron hace una semana un artículo titulado "A Too-Perfect Picture", en el que daban estopa al conocido fotógrafo Steve McCurry, que de vez en cuando aparece por estas páginas. Soy seguidor de su blog, y cuando alguna entrada me gusta la traigo. A propósito de su último libro dedicado a la India, se quejan de que la imagen que McCurry nos proporciona de este gigante asiático está muy idealizada y estereotipada, y se aleja de la realidad del país actual. Contrastan sus fotografías con las de Raghubir Singh, fotógrafo indio ya fallecido, mucho más comprometido con la realidad del país. Cuando hace unas semanas escribía para Fotógraf@s en Zaragoza un artículo sobre la exposición de Gervasio Sánchez y Mònica Bernabé "Mujeres, Afganistan", ya decía que en un momento dado de la visita guiada, Gervasio emitía una crítica, sin dar nombres, a los fotógrafos que presentan imágenes idealizadas de un país con tremendos problemas. Y algunos creímos oír el nombre del fotógrafo de National Geographic, aunque Gervasio no lo mencionase.

Ciertamente creo que el artículo de The New York Times tiene su buena parte de razón. Lo que pasa es que puede que aquí haya un problema de expectativas. Ya he dicho que yo sigo el blog de McCurry. Pero nunca lo he visto como el blog de un fotorreportero que busca reflejar o denunciar una realidad. A ver... que es un fotógrafo de National Geographic. Esta institución se ha sentido más interesada en mostrar las bellezas, las curiosidad y las maravillas del mundo y los viajes que de denunciar la realidad social del mundo. Aunque haya ocasiones en las que se interese por ella. Por lo tanto, si ajustas tus expectativas, McCurry cumple con lo que se espera de él. Quien quiera otra cosa, que busque en otro sitio. Es decisión del artista sobre dónde sitúa el foco de su visión. Si te gusta te lo quedas. Si no, te buscas otra cosa. Y si McCurry tiene más éxito que otros fotógrafos más comprometidos, no es más que un síntoma de por dónde va la humanidad, mal que nos pese. En PetaPixel escribieron un artículo a favor de McCurry. Para que podamos tener argumentos en todos los sentidos.