La fotografía como afición y otras artes visuales

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Recomendaciones semanales - del 16 a 23 de octubre de 2016

Sinceramente, este domingo estaba convencido de que no iba a poder redactar mi entrada habitual de recomendaciones fotográficas. Que iba a estar liado todo el día. Pero mira por donde, que son casi las siete de la tarde y tengo un rato. Así que voy a ello, aunque sea de forma un poco esquemática. Desde luego, empezaremos por el tablero en Pinterest de la semana.

Las fotografías acompañantes son de un carrete que hice con la Agfa Jgestar o Agfa Billy, cámara de la que ya he hablado y que fue fabricada entre 1928 y 1930. Formato medio de 6 x 9 cm sobre carrete tipo 120. Justamente, ayer veía un vídeo de Ted Forbes en su canal de Youtube "The Art of Photography" que hablaba de la conveniencia de usar de vez en cuando aparatos fotográficos que nos constriñen y nos dejan pocos grados de libertad desde el punto de vista tecnológico, pero que pueden estimular nuestra imaginación y creatividad, dándonos otro tipo de libertad más interesantes. Os pongo el vídeo. En inglés.

Vamos con las recomendaciones, ya digo que hoy de modo muy esquemático. Chim fue uno de los fundadores de Magnum Photos, y quizá de los menos conocidos. Injustamente. Su nombre real es David Seymour, y en L'Oeil de la Photography nos muestran sus fotografías sobre los niños de la guerra en 1948 en Polonia y Hungría.

Francesca Woodman es una fotógrafa que está muy de moda, muy de actualidad, aunque nos dejó hace ya varias décadas, tras suicidarse cuando tenía solo 22 años. Por lo que la observación de su obra se cubre de cierta morbosidad, más cuando ella aparece autorretratada con frecuencia en sus fotografías. Por eso es muy interesante el artículo de Oscar Colorado en Oscar en Fotos, que va más allá de esta circunstancia para hacer un análisis más profundo. Casi diría que imprescindible.

El collage es una técnica fotográfica de la que se habla poco. Aunque en algunos momentos de la historia de la fotografía y del arte moderno ha sido muy importante como medio de expresión artística. En la revista en línea de Lomography han dedicado un artículo a los collages de Josef Albers, que es principalmente conocido por su labor docentes, entre otros lugares en la Bauhaus.

El mundo del cine y el de la fotografía están relacionados. Tecnológicamente, desde luego, pero también desde otros puntos de vista relacionados con la creatividad. Por ello, no son pocos en las gentes del cine que también hacen sus pinitos con la fotografía. En L'Oeil de la Photographie nos desvelan una de estas personas, la directora catalana Isabel Coixet.

Siempre me ha gustado el paisaje con un carácter minimalista, no en vano uno de mis paisajistas favoritos en fotografía es Michael Kenna. Por eso, el artículo en Emulsive, escrito y con fotografías de Darren Kelland me ha parecido especialmente interesante esta semana.

Interesante me ha parecido también el artículo de L'Oeil de la Photographie que nos habla del trabajo de Elsa Parra y Johanna Benaïnous, en el que ambas artistas utilizan la fotografía para representar entre ambas distintos estereotipos de personas, especialmente jóvenes, tanto de uno como otro sexo. Transformaciones camaleónicas de ambas fotógrafas, que trabajan a duo.

FK Magazine sigue mostrándonos la obra de interesantes fotógrafos, especialmente del este de Europa. En esta ocasión me he quedado con la obra de la rusa Irina Zadorozhnaia, que utiliza la fotografía para analizar el espacio, los materiales y la incidencia de la luz sobre los cuerpos y sus texturas. Entre la abstracción y un realismo poco habitual.

Para finalizar, estamos a pocas semanas de las elecciones presidenciales, donde incomprensiblemente en un país que se tiene a sí mismo como estandarte de la democracia y de las libertades, aunque no siempre está la altura de ello en sus relaciones exteriores, ha permitido que pueda optar a su más alta magistratura un individuo, de cuyo nombre no quiero acordarme ni nombrar, que basa su campaña en el racismo y la xenofobia, la misoginia y el sexismo, y otras intolerancias diversas de tono ultraconservador, que lo acercan claramente a las ideologías de corte fascista. En Magnum Photos, siempre comprometidos con las libertades, nos muestran el trabajo de Peter van Agtmael sobre las consecuencias de los muros fronterizos con Méjico, y la inutilidad y la inhumanidad de los mismos.

Recomendaciones semanales - del 2 al 16 de octubre de 2016

Cuando mi ritmo de recogida de posibles recomendaciones para el domingo se ve interrumpido por algún acontecimiento, como unas vacaciones, estas siempre quedan dispersas o deslavazadas. De alguna forma, cada semana hay cierta unidad de interés entre las recomendaciones que recojo y selecciono. Por los temas del momento, por mis lecturas, por mis expectativas próximas,... por lo que sea. De todos modos, intentaré armas un conjunto de recomendaciones razonablemente coherente para este domingo que recoge artículos de las dos últimas semanas, aunque entrecortados por mis vacaciones en Hong Kong y Macao. Por supuesto, para empezar, el tablero en Pinterest de estas dos semanas.

Acompañando las entradas de hoy, algunas fotografías del viaje a Extremo Oriente. Aunque en general tomé las fotografías pensando en color, he querido revelar algunas en blanco y negro cuando me ha parecido apropiado. Recuerdo que mi equipo habitual de viaje tiene que ver con el estándar micro cuatro tercios. Me he llevado la Olympus OM-D E-M5, que con cuatro años a cuestas se está convirtiendo en una veterana, con varios objetivos de focal fija y variable. Lo cierto es que, salvo los dos primeros días, he usado sobretodo las focales fijas, el Panasonic Leica DG Summilux 15/1,7 ASPH y el Olympus M.Zuiko Digital 45/1,8. Como cámara de respaldo, especialmente para ir ligero y discreto de noche, la Leica D-Lux (typ 109), que aunque compacta de objetivo fijo, tiene un sensor que procede del mundo micro cuatro tercios. Todas las fotografías intentan establecer un contraste entre lo tradicional y lo moderno en la ciudad de Hong Kong.

Empezaremos como siempre por lo más antiguo. En L'Oeil de la Photographie nos hablaron de la "Naturselbstdruck". Sí, ya sé que hay seis consonantes seguidas... Bueno sería el término alemán para hablar de las copias fotográficas directas obtenidas sin cámara de objetos de la naturaleza sobre material sensible a la luz. Por ejemplo, plantas. Y el científico alemán Andreas Freiherr von Ettingshausen, un barón, freiherr, fue un usuario habitual de estas técnicas dejando una importante colección de imágenes. Hoy los conservacionistas se tirarían de los pelos. Ya se sabe, en la naturaleza, no te lleves nada de lo que te encuentres, ni dejes nada de lo que llevas contigo. Y aquí arrancaron muuuuchas plantitas. Pero estamos hablando del siglo XIX. Otro mundo.

También en L'Oeil de la Photographie dedican un artículo a uno de sus más queridos compatriotas fotógrafos. Sin duda alguna, el optimismo y amor por la vida de Jacques Henri Lartigue le hace un favorito de muchos. Pero en esta ocasión nos descubre una faceta suya poco conocida, la de la fotografía en color. Siempre le atrajo. Práctico el autocromo en su juventud, aunque no se adaptaba a su estilo dinámico de fotografía, y en su madurez tiraría de Rolleiflex y Leica para fotografías en color muy cuidadas, con alma de pintor. Hace bien poco, Ted Forbes le dedicó a este tópico un vídeo en su serie de The Art of Photography. En inglés. Merece la pena. Os lo pongo.

Otro francés bien conocido es Robert Doisneau. Pero como nos dicen en Clavoardiendo, este fotógrafo es mucho más que su famoso beso ante al ayuntamiento parisino. Y hay mucha ironía y humor en su obra. Y nos proponen que los descubramos. A mí me parece una buena recomendación.

Pasemos ya a los tiempos contemporáneos, y nos vamos a ir moviendo por el mundo de la mano de diversos fotógrafos. Fundamentalmente fotógrafas. Empezamos por España, donde en la Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) realizan una entrevista a Laura Medrano, fotógrafa alicantina que se dedica especialmente al paisaje y al viaje, pero de formas poco convencionales. A conocer y descubrir.

Nos trasladamos ahora al norte de Europa. En FK Magazine nos proponen descubrir el trabajo Niina Vatanen, del siempre complejo panorama artístico audiovisual de Helsinki. En esta ocasión pasa por la apropiación del archivo de Helvi Ahonen, una aficionada que donó sus fotógrafías al Museo Finlandés de la Fotografía, para construir nuevas obras que discutan sobre el propio proceso fotográfico y sobre la naturaleza material de las fotografías. Tiene su cosa.

Todavía más al este, entre Europa y Asia, es donde la fotógrafa Laure Chichmanov busca en Siberia y otras de las antigua repúblicas soviéticas los restos y las influencias de la rusificación que la Unión Soviética introdujo hasta en el último rincón de tan extensa entidad sociopolítica. Nos lo cuentan y nos lo muestran en Format Magazine.

Y llegamos en nuestro viaje de hoy a extremo oriente, como no podía ser de otra forma si yo mismo me he acercado tímidamente a la inmensidad China en estas últimas semanas. En LensCulture nos proponen la serie de fotografías de Mankichi Shinshi, fotógrafo documental nacido en Japón, que en una visita a la ciudad china de Qingdao realizó en el ambiente de bruma y contaminación que caracteriza las grandes metrópolis de este país, dándoles un ambiente muy especial.

Y del extremo oriente nos trasladamos a África, donde la radio pública norteamerica NPR nos descubre el trabajo de la enfermera nigeriana Fati Abubakar, que vive en uno de los estados de Nigeria más afectados por los extremistas de Boko Haram. Esta mujer con su sencilla cámara réflex digital decidió hace un año comenzar a pasear y a hacer fotografías que recogieran su visión, dando rostro y ofreciendo la belleza de las gentes del lugar, tan atribuladas. Documentando lo cotidiano de un rincón del mundo problemático.

Y ha salido, como cada principio de mes, un nuevo número de la revista en línea Fraction Magazine, el 91, que no he tenido ocasión de hojear detenidamente, pero que en esta ocasión dedica sus porfolios a una serie de autores japoneses, por lo que casi seguro que es interesante dedicarle un tiempo.

Por último, quería proponer la lectura de un artículo de Yorokobu, que reflexiona sobre la importancia del encuadre en la fotografía, y de la decisión del fotógrafo, o del editor de fotografía en el caso de la prensa, de qué información se incluye en la copia final. y nos proponen varios ejemplos. De ellos, el caso más curioso es la de la famosa fotografía de Nick Ut de la niña afectada por el napalm en Vietnam. La inclusión o no en el encuadre del soldado de la derecha, absolutamente indiferente en aparencia al horror que le rodea, cambia por completo nuestra percepción de la fotografía. Y todo el artículo a propósito de un nuevo monitor para ordenador... qué cosas. Porque se trata de un artículo patrocinado... es decir, publicidad. Lo cual debería quedar más claro. En grande... "ARTÍCULO PATROCINADO"... Mejorando esa ética, gente de Yorokubu.

Recomendaciones semanales - del 18 de septiembre al 2 de octubre de 2016

Como el domingo pasado dediqué el artículo de esta serie a los "cacharros" fotográficos presentados en la Photokina 2016, las recomendaciones de esta semana se han acumulado en las dos últimas semanas. Quizá de una forma un poco caótica, aunque les intentaré dar cierta estructura. En cualquier caso, a continuación el tablero de Pinterest que si se corresponde exclusivamente a la última semana, entre el 25 de septiembre y el 2 de octubre.

Las fotografías que van a acompañar la entrada de hoy son una prueba técnica que estuve haciendo hace unas semanas. Antaño nos decían que se podía forzar la película negativa en blanco y negro y la película diapositiva en color o en blanco y negro. Pero no la película negativa en color, porque aparecían alteraciones de los colores potencialmente desagradables. Con las emulsiones modernas, nos dicen que esto no es así.

Forzar una película consiste en aumentar el tiempo de revelado recomendado. Con eso se consigue, en primer lugar, aumentar el contraste. Por lo que puede ser adecuado en situaciones de luz muy plana. Pero con frecuencia se usa para fotografiar en condiciones de poca luz con película de sensibilidad insuficiente. Si una película de 400 ISO se utiliza con un índice de exposición 1600, subexposición de dos pasos, se puede aumentar el tiempo de revelado de modo que los tonos medios y las luces se sitúan en su lugar. Aunque las sombras sea difícil recuperarlas, porque donde no hay materia no puede obtenerse imagen. El otro efecto secundario es que el grano de la película se hace más grande y notorio.

El forzado lo he practicado ocasionalmente con película negativa en blanco y negro, pero nunca con negativos en color. Así que cogí un carrete de Kodak Portra 400 y lo puse en la Canon EOS 100 calzada con el EF 40/2,8 STM. Y me puse a hacer fotos. Estos son los resultados.

En cuestión de unos días salgo de viaje hacia extremo oriente. Ya os contaré. Quizá por eso en las recomendaciones de hoy hay varias que tienen que ver con esa región del mundo. En primer lugar, en L'Oeil de la Photographie, hace unos días nos mostraron tres artículos (12 y 3) con fotografías de la revista Provoke, una revista que nació en los años sesenta como reacción a los cambios que se estaban produciendo en Japón en la posguerra. Revista contestataria que produjo algunos notables fotógrafos modernos japoneses con unos estilos propios muy interesantes, como Takuma Nakahira, Yutaka Takanashi, Daido Moriyama, Koji Taki o Yusuke Taki.... entre otros. También permitió mostrar el auge de la "performance" en aquel momento en el país nipón. Duró poco pero dejó legado.

En Clavoardiendo nos han hablado de otro fotógrafo japonés contemporáneo, Masao Yamamoto. Fotografía de pequeño tamaño con el minimalismo propio de la cultura japonesa aplicado tanto a paisajes, como retratos, como desnudos o bodegones. Está en una exposición en Avilés.... ay, me pilla un poco a desmano.

En L'Oeil de la Photographie nos han traído esta semana un par de artículos sobre Xiao Quan, fotógrafo chino que de alguna forma nos recuerda al esfuerzo de August Sander por retratar a la sociedad de su país. Si aquel fue la Alemania de entreguerras, este es la China, llena de contradicciones de la actualidad. En el primero de los artículos nos muestran los retratos de personas importantes en la cultura y las artes chinas actuales. En el segundo son las gentes comunes y diversas las que se hacen protagonistas. Ambos son interesantes. Y me gusta que haya humor en muchos de los retratos. Humor sano, en complicidad con los propios retratados.

Dejemos el extremo oriente. En Cultura Inquieta nos hablan de una serie de fotografías no publicadas y desconocidas de Dennis Hopper. El conocido actor fue también un notable fotógrafo. Y aquí lo tenemos con imágenes realizadas al vuelo, con cámaras de un solo uso, reveladas en tiendas normales y corrientes, lejos de los circuitos profesionales. Blanco y negro, con escenas propias de cualquiera que quiera conservar recuerdo de viajes, situaciones familiares, entre amigos,... pero reflejando también la cultura de ansia de libertad que marcó el final de los años 60. Hopper tuvo muchas cosas que decir a lo largo de su vida, y se supo expresar de muchas formas. Contrasta de todos modos ese ambiente de libertad y ausencia de represión de las fotografías de esa época con su evolución posterior a posturas derechistas y consevadoras en política.

Susan Meiselas es una fotógrafa de la agencia Magnum que sin duda ha mostrado a lo largo de su vida su compromiso social y político. En vísperas de las elecciones presidenciales norteamericanas, donde uno de los candidatos, el más conservador, está usando el racismo y la xenofobia para atraer el voto de los sectores más intolerantes de la sociedad norteamericana, la fotógrafa como nos cuentan en el propio blog de Magnum Photos ha realizado un reportaje de la ceremonia de naturalización masiva de 298 nuevos ciudadanos de Estados Unidos, celebrada en el emblemático lugar de la Isla de Ellis, por donde entraron muchísimos inmigrantes en el país. Porque es irónico usar el arma de la inmigración en un país donde la casi totalidad de los habitantes son hijos de inmigrantes. Los nativos fueron casi totalmente exterminados por estos.

Y siguiendo con Estados Unidos, se siguen produciendo situaciones de tensión social por las muertes violentas de ciudadanos afroamericanos por actuaciones de las fuerzas de policía, que cada vez desencadenan más protestas bajo el eslogan "Black Lives Matter". En Format Magazine nos hablaron hace unos días de las protestas que se desencadenaron en Charlotte, Carolina del Norte, y que fueron documentados por el fotógrafo Justin Smith, que dota a las fotografías de un aspecto formal que las emparenta con las fotografías que conocemos de la lucha por los derechos civiles en los años 50 y 60 del siglo XX. Muy serenas, y muy expresivas, con un uso magnífico del blanco y negro.

Ayer hablaba en una entrada vespertina de mi Cuaderno de Ruta del momento de envejecer visto desde el punto de vista del cine. En Cada día un fotógrafo nos hablaban hace unos días de la fotógrafa Jane Paradise, que también incide en su obra en el envejecimiento, especialmente el de las mujeres, a las que dota de un aire mixto de belleza y melancolía. Interesante como reflexión sobre el envejecimiento en las sociedades modernas.

Un poco de paisaje entre tanta reflexión social. En L'Oeil de la Photographie nos han hablado de los paisajes en blanco y negro de Michael Kahn, que me han recordado a los de uno de mis favoritos, Michael Kenna, nombres muy parecidos. Sus estilos tienen elementos comunes pero también diferenciadores. Con una preferencia de Kahn por los paisajes marinos y menos por las larguísimas exposiciones de Kenna. También gusta de trabajar con aparatos mecánicos de formato medio 6 x 6. Es decir, Hasselblad.

Creo que ha gustado mucho esta semana el artículo de Fernando Puche en DSLR Magazine titulado "La fotografía no es analógica ni digital", en la que nos anima a no clasificar las imágenes fotográficas por la tecnología del momento de la toma, sino a reflexionar sobre las características que les dan significado o sentimiento, las que las convierten en producto de la creatividad y en potenciales obras de arte. Trascendiendo los elementos tecnológicos.

Curiosamente, eso me ha recordado una iniciativa del Rochester Institute of Technology que se publicó hace unos días. Un grupo de fotógrafos se subió a una terraza con el fin de fotografiar en la ciudad de Rochester el emblemático edificio Kodak. Y utilizaron una diversidad de medios. Una cámara de gran formato se usó para exponer una placa de colodión húmedo de 28 x 35 cm. Dos cámaras de gran formato para película de gelatino-bromuro de 12 x 9 cm similares a las que hubiera usado George Eastman en la década de los años 80 del siglo XIX. Y cámaras para película moderna de formato 135, 120 y gran formato de 12 x 9 cm y 25 x 20 cm exponiendo película Kodak Portra 160. Dos cámaras digitales documentaron todo el proceso. La torre fue iluminada por un grupo de voluntarios a pie de calle que apuntaron con los flashes y diodos de sus teléfonos móviles, con linternas, o con flashes de mano al edificio durante unos cuantos minutos, mientras los fotógrafos realizaban su exposición. Muchas formas de hacerlo, un solo sujeto, una diversidad de visiones. Creo que tiene que ver con lo que cuenta Puche.

Recomendaciones semanales - especial "cacharros" (o Photokina)

Esta semana, y sin que sirva de precedente, voy a hacer unas recomendaciones semanales distintas. En lugar de hablar de lo que realmente debería interesar a la mayoría de los fotógrafos, que es de otros fotógrafos y sus obras, que es de lo que intento hablar cada semana, voy a hablar de cacharros, chismes diversos, aparatos. Que es de lo que hablan habitualmente la mayor parte de los aficionados a la fotografía, como si eso realmente ayudase mucho a mejorar. Generalmente ayuda a mejorar la cuenta de resultados de los fabricantes de la industria fotográfica. No tengo claro que ayude mucho a los fotógrafos... especialmente a los aficionados. Los profesionales, supongo, ya saben qué y cuándo comprar. Supongo. O por lo menos algunos profesionales, que hoy en día hay muchos tipos de profesionales de la fotografía. Pero yo no lo soy, yo soy un aficionado a la fotografía, así que no me voy a meter en ese jardín.

Lo que sí que pondré, como de costumbre es el tablero de Pinterest con las fotos que me han llamado la atención esta semana. De lo más diverso.

En cuanto a las fotografías acompañante, con la llegada del otoño mejora notablemente la luz en la ciudad y sus alrededores. Y salir a pasear por la tarde se convierte en algo fotográficamente mucho más interesante. Por ejemplo, el miércoles salí con la modesta Pentax K-S1 y el treintañero SMC-A Pentax 100 mm 1:4 Macro. Y a eso me dediqué, al macro a orillas del Canal Imperial de Aragón.

Esta semana se ha celebrado la Photokina, feria de la fotografía que se celebra cada dos años, los años pares, en la ciudad alemana a orillas del Rin. Echemos un breve vistazo al aspecto que tiene la ciudad en esta época del año... aunque la fotografía tiene ya seis años.

Como consecuencia, esta semana ha estado plagada de nuevas noticias en el sector de los chismes fotográficos, aunque muchas de las novedades habían sido anunciadas de antemano, o filtradas, o como sea que sea... ya se conocía. Lo que ha permitido la feria es que una miríada de periodistas especializados (o seudoperiodistas en algunos casos), nos hayan estado contando sus sesudas y sabias impresiones. A la vez que nos permiten conocer cuales son "sus sesgos". Que en muchas ocasiones quieren decir qué marcas les untan más o menos por contar las excelencias de sus productos. Amiguitos... no os creáis todo lo que digan muchos de los "medios especializados" y blogueros sesudos. No todos nos cuentan cuando están en modo "publirreportaje". Los honestos, sí. Suelen poner en sus artículos o entradas blogueras aquello de "artículo patrocinado".

No voy a seguir un orden en especial. Iré comentando según me ha llamado la atención. Y quizá tengamos que empezar con algo que a priori diría que suena a anecdótico. De hecho, cuando unos días antes de la feria se filtró, comentó o adelantó que la prestigiosa marca alemana Leica nos presentaba como gran novedad la Leica Sofort, un cámara de fotografía instantánea a utilizar con los cartuchicos de película Fujifilm Instax Mini, algunos pensábamos que se trataba de una broma. Pero no. Dedicarse a mirar en Youtube las entrevistas a responsables de la marca intentando explicar por qué esto es un movimiento lógico dentro de la filosofía de la marca, no deja de ser una experiencia entre surrealista e hilarante. Para quien se conozca el paño, no hace falta discurrir mucho para percatarse que debajo de la Sofort reside una Fujifilm Instax Mini 90, despojada del concepto "neo classic" y con un diseño ad hoc. Lo que pagas por el punto rojo de Leica son unos 125 euros extra sobre lo que cuesta la Mini 90, para unas prestaciones muy similares. Cada cual sabrá si le sale a cuenta. Siempre me he atraído por la fotografía instantánea, pero ciertamente la Instax Mini me parece que da unas fotos excesivamente reducidas. Estamos hablando de una gama de tamaños dentro de lo que consideraríamos el formato medio. La película tiene una tamaño de 86 x 54 mm, para una tamaño de imagen de 62 x 46 mm. Un poco más grande que los tradicionales negativos de 6 x 4,5. Para entrar en lo que podría acercarse al gran formato tendríamos que buscar un modelo compatible con la película Instax Wide, que para un tamaño de pelicula de 108 x 86 mm ofrece un tamaño de imagen de 99 x 62 mm. Aún por debajo del tradicional 12 x 9 cm que es el tamaño mínimo de las cámara de gran formato. Pero por lo menos, en superficie aprovechable se acerca a las antiguas polaroids cuadradas.

Curiosamente, Fuji nos ha anunciado que al año que viene, para la primavera, lanza una Instax Square. Tengo la sensación de que el tamaño es intermedio entre las dos anteriores. Si todas tienen una altura de 62 mm en el negativo, la Mini se queda en una anchura de 46 mm, la Square tendrá los 62 mm que justifican su nombre, y la Wide se extienden a los 99 mm. En cualquier caso, más pequeña esta "square" que las polaroids tradicionales cuyo aspecto imita. Quien quiera usar una cámara Polaroid tendrá que seguir muriendo al palo del Impossible Project. Su tercera generación de películas dicen que está muy mejorada, aunque los medios especializados siguen dándole palos por su floja calidad y por su precio excesivo. De todos modos, estaba pensando en probar esta tercera generación a la vuelta de mis próximas vacaciones en otoño.

El caso es que Fujifilm, que por mucho que intente hacer negocio con sus películas Instax tiene en estado de cabreo al mundo peliculero por sus frecuentes hachazos a sus gamas de películas tradicionales y sus incrementos de precio, ha sido una de las reinas de la fiesta. Adelantó sus renovaciones en la gama X unos meses, especialmente con el de la X-T2 y algunos objetivos, con el fin de que en esta feria todo el mundo hablase de su entrada en el formato medio digital con su gama GFX. Que veremos llegar dentro de unos meses. La nueva Fujifilm GFX se proclama heredera de la tradición de la marca en formato medio. Yo tengo una Fujifilm GS645S Professional Wide 60 que me divierte mucho, y que ofrece la posibilidad de hacer buenas fotografías. Os dejo aquí un pequeño ejemplo de sus capacidades.

No estoy yo muy de acuerdo con el pedigrí de la cámara. Partiendo del sensor de imagen Sony de 50 megapíxeles que equipa buena parte de las ofertas de formato medio digital con un tamaño físico muy ligeramente por debajo del 44 x 33 mm, lo cual deja una diagonal de 55 mm (esta sería la focal estándar, más o menos x1,25 la del formato 24 x 36 mm conocido como "full frame"). Si consideramos como formato medio todo aquello que sea más grande que el antiguo formato pequeño o miniatura, hoy día conocido como "full frame",... pues es formato medio. Pero es considerablemente más pequeño que el formato medio tradicional de película. Su tamaño físico es 2/3 partes del "modesto" 6x4,5 y apenas la mitad que el 6x6. No te quiero contar ya si lo comparas con el 6x7, 6x8 o 6x9. Y es un 68% más grande que el "full frame"... Se queda por lo tanto en tierra de nadie. Lo cual incide en la estética de la fotografía, independientemente de los megapíxeles que lleve.

En cualquier caso, pretende ser un sistema modular complejo, con todo tipo de complementos. Aunque hay quien pretende ponerlo a competir con la Hasselblad X1D, por aquello de que nos son cámaras réflex, en realidad creo que su intención es más la de competir por precio con los sistemas más completos de Pentax, Phase One o Hasselblad. Con un tamaño más compacto, más ligera y mucho más bonita, la X1D sería más heredera de las antiguas Fujifilm de formato medio que esta GFX.

Eso sí. Fujifilm viene fabricando las ópticas de Hasselblad desde que abandonó el sistema V y se pasó al sistema H. Así que saber hacer en este campo tiene de sobras.

Han acaparado muchos titulares la renovaciones dentro de las marcas fieles al formato Micro Cuatro Tercios (que resumiremos como MFT siguiendo sus siglas en en inglés). Tanto Olympus como Panasonic han anunciado la renovación en pocos meses de sus buques insignias, por lo que veremos pronto una OM-D E-M1 Mark II y una GH5. Como de costumbre, esta última muy centrada en el mundo del vídeo. Quizá por ello, la también G80/G85 (según la parte del mundo dónde se venda), más orientada a la foto fija, ha recibido algunas mejoras en la construcción para subirla algún peldaño dentro de la gama de Panasonic.

Ambas marcas han anunciado también una diversidad de objetivos que se suponen de calidad elevada, como viene sucediendo como ambas marcas. Aunque tienen que luchar a brazo partido dentro del mundo de la fotografía por ir comiéndoles terreno a las réflex de Canon y Nikon, que han estado bastante anodinas en esta feria, os recuerdo que yo suelo usar cámaras MFT especialmente para los viajes o para llevarlas constantemente encima, por su buen compromiso de calidad y portabilidad. Son ligeras, abultan muy poco y ofrecen una calidad razonable. A pesar de que el tamaño de su sensor sea cuatro veces más pequeño que el del fotograma de 24 x 36 mm a mí me parecen mucho más herederas de las réflex y telemétricas de tamaño contenido de este formato de película de hace unas décadas, que las digitales "full frame", cuyos cuerpos y objetivos han sufrido unos procesos de engorde que las hacen pesadas y más propias de utilizaciones especiales que compañeras para toda situación como lo pueden ser las MFT.

Que conste que Canon ha introducido en la Photokina una sin espejo, la M5 que dicen que está bien. Pues vale. El problema es que Canon y Nikon, que dominan todavía el mercado, se han convertido en las marcas conservadoras, cuya novedades aburren a las ovejas.

No comentaré mucho la gran novedad de Sony, que se ha ido a su buque insignia en su gama de réflex de espejo fijo, con un A99 II, que particularmente creo que debe ser una cámara estupenda, extremadamente capaz, pero por lo demás un aburrimiento, en una gama que muchos daban por finiquitada, aunque parece que no.

Como ya decía, Canon y Nikon llevan su propia marcha y no anuncia grandes novedades en Photokina. Por ello, dentro de lo que es los anuncios más interesantes, sólo queda hablar del mundo de las ópticas. Los objetivos son tan importantes o más que las cámaras a la hora de obtener una buena fotografía en términos de calidad intrínseca. Sin embargo, entre los aficionados esto no acaba de comprenderse. En estos momentos se están fabricando cámaras para el sector de aficionados con sensores de 20-24 megapíxeles. El mundo del "full format" más avanzado está ya en los 24-30 megapíxeles y de ahí para arriba. Pero mucha gente se ve por ahí con ópticas de kit o económicas que hacen que sus resultados no sean mejores en calidad intrínseca que si sus cámaras estuviesen entre los 10-15 megapíxeles. Ahí van un montón de información sin aprovechar. Es cierto que conozco a poquísima gente que haga copias en tamaños interesantes de sus fotografías. En realidad, para el 90 y muchos por ciento de los aficionados, podríamos seguir con cámaras entre los 6 y los 10 megapíxeles y no se notaría la diferencia. Pero tenemos marcas que intentan ofrecer objetivos capaces de aprovechar la información que pueden recoger los sensores de imagen modernos a precios si no baratos al menos más racionales que los carísimos de las marcas más prestigiosas. Tamron no ha anunciado grandes cosas, pero Sigma sí. Y Samyang también. Sería muy prolijo detallarlas aquí, pero sugiero que investiguéis un poco. Es interesante. Pero también voy a decir algo... si alguien me pregunta por el nuevo 100/2 de Yongnuo... de antemano le digo que por 160 euros no se puede obtener la misma calidad que por 400 euros o que por 1200 euros. Imposible. Ni aun con el trabajo semiesclavo de los obreros chinos.

Y aqui viene de nuevo mi defensa de sistemas como el MFT (recuerdo, el micro cuatro tercios), que permite objetivos más compactos y precios más razonables. Especialmente en algunas focales fijas, adecuadas para las cámaras para las que se fabrican que tienen resoluciones máximas de 16 a 20 megapíxeles, de sobra para la mayor parte de los aficionados y para muchos profesionales. Si las cámaras no son de las más baratas. Con los objetivos mejora mucho el balance financiero final. Y no, ya sé que no se consiguen profundidades de campo tan reducidas como con una "full format"... pero una de estas objetivas usada a f/4 da una calidad estupenda para un montón de aplicaciones. Y la mayor parte de las fotografías de los clásicos de la fotografía que se han hecho famosas, salvo que hubiera poca luz se hicieron a f/8. Que en profundidad de campo en el mundo del formato completo es el equivalente al f/4 en las MFT.

No pretendo convencer a nadie de comprar nada en especial, pero de verdad... tampoco hay que cerrarse a no comprar lo que compra la mayoría. Hay que usar aquello con lo que uno se sienta cómodo.

Recomendaciones semanales - del 11 al 18 de septiembre de 2016

En esta mañana de domingo, me encuentro con una buena noticia y una mala noticia. La buena noticia es que desde hace un par de días tenemos nuevo álbum de Madeleine Peyroux, titulado Secular Hymns, y que por lo tanto llevo un rato ya disfrutando de la voz de la nortemericana de nombre con resonancias tan francesas. Todavía no tengo una opinión definida sobre el nuevo trabajo de la "georgiana", pero de momento aquí estoy tan feliz. La mala noticia es que por motivos que desconozco me he puesto morado de reservar artículos sobre fotografía para repasar hoy domingo, y estoy un poquito sobrepasado. Voy a tener que hacer una primera escabechina antes de centrarme en los que me parecen más interesantes. Pero no sé si podré sacar el artículo por la mañana, o tendrá que esperar a la tarde. Ya se verá. De momento, os pongo el tablero de Pinterest de la semana.

En cuanto a las fotografías acompañantes, si ayer os presentaba la salida a la comarca del Matarraña con Fotógraf@s en Zaragoza, con una selección de fotografías en color, hoy seleccionaré algunas para convertirlas a blanco y negro. A ver que tal.

En primer lugar decir que en Proyecto FC (Fotografía Creativa) destacaban que el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2016 había ido a parar al fotógrafo James NachtweyCitando una entrada de Periodismo en vena, en la que podemos ver algunas de las fotografías más destacadas del fotógrafo, siempre me ha impresionado mucho los machetazos de la guerra civil en Ruanda, a mí me parece que los siempre caprichosos jurados de este tipo de premios han estado acertados en esta ocasión, premiando a uno de los testigos de excepción de lo que no funciona bien en el mundo en las últimas cuatro décadas.

Si estuviésemos en Berlín, como nos cuentan en L'Oeil de la Photographie, podríamos acercarnos a contemplar una exposición de Berenice Abbott, una de las fotógrafas que más hizo por definir un lenguaje propio para la fotografía, distinto de otras artes visuales, en las primeras décadas del siglo XX. Un personaje fundamental en la historia de la fotografía, sobre el cual hay que volver de vez en cuando.

La fotografía de moda no suele ser lo mío, no es el género que más me atrae. Sin embargo hay fotógrafos de moda que son referencia en la historia de la fotografía por derecho propio. Como nos proponen en SMBH Mag, uno de ellos es Herb Ritts. Probablemente, porque con sus planteamientos trasciende en numerosas ocasiones el género en el que han elaborado su prestigio. En este caso, debemos agradecerle por sus retratos y desnudos, llenos de elegancia conceptual y estética.

Uno de los fotógrafos españoles más discretos, pero que atesora una gran calidad, es Juan Manuel Castro PrietoNos hablan de él en Clavoardiendo a propósito de la presentación de su trabajo Cespedosa. Castro Prieto muchas veces es más recordado por ser uno de los mejores positivadores que se pueden encontrar, ampliando las fotografías en blanco y negro de algunos de los grandes del panorama fotográfico nacional. Pero también tiene muchas cosas que decir por sí mismo, y en esta ocasión tira de memorias para profundizar en su raíces en un pueblo de la provincia de Salamanca. De pasar por Madrid con tiempo suficiente en las próximas semanas convendría acercarse a ver este trabajo.

Como siempre, hemos ido más o menos de más atrás a más adelante en el tiempo. Más o menos. Ahora ya nos introducimos plenamente en propuestas contemporáneas. Como la de Dina Litovsky recorriendo la noche del Meatpacking District de Manhattan, donde se concentra una buena parte del ambiente nocturno de la ciudad, especialmente entre los más jovenes. Una reflexión sobre los actuales ritos de integración social y seducción en un entorno urbano, especialmente centrado en las códigos de conducta de las chicas, quizá más sometidas a presión que los varones. Viendo las fotografías, a veces me sorprendo cómo los enormes esfuerzos de personalización en el arreglo personal lleva a los adolescentes más mayores y los adultos más jóvenes a parecer todos iguales. Nos lo contaban en Feature Shoot.

En varios sitios, yo he elegido el artículo de Clavoardiendo, ha aparecido el trabajo de Pachi SantiagoCopyng Claudia, en el que el artista ha ido reproduciendo en su persona algunas de las fotografías e imágenes más conocidas y representativas de la modelo alemana Claudia Schiffer. A medio camino entre el apropiacionismo, el homenaje, la fotografía, el collage y el arte conceptual, nos proporciona una potente reflexión sobre el concepto de imagen personal, y sobre lo que es la personalidad propia y la inventada.

Sigo desde hace tiempo a Susan Burnstine como redactora en la revista inglesa Black and White Photography Magazine. Pero ella es fotógrafa en sí misma, fundamentalmente en blanco y negro, con una gran peculiaridad. Sus fotografías parten de su realización con cámaras de baja calidad, tipo Holga o similares, o de cámaras fabricadas por ella misma, con el fin de obtener imágenes muy expresivas aunque sacrifiquen la calidad intrínseca de la imagen, que no la estética o conceptual. Especialmente dedicada al paisaje urbano, sus fotografías son fácilmente reconocibles. Nos la han recordado en Lenscratch, a propósito de la publicación de su último libro.

Surgieron durante la guerra fría una serie de ciudades en la Unión Soviética, fundamentalmente en la inmensidad siberiana, que no existían oficialmente. Las direcciones de sus empresas, negocios o habitantes eran códigos postales de otras ciudades más o menos cercanas, aunque estas ciudades "inexistentes" se encontraban muy aisladas. En ellas se llevaban a cabo proyectos de investigación o militares de alto secreto, que hacían que fueran muy cuidadas por el régimen, por lo que sus habitantes no vivían mal. Más de 20 años después de la caída de la Unión Soviética, aunque ya no sean un secreto, algunas de ellas mantienen su estatus de excepcionalidad. El fotógrafo Sergey Novikov, como nos cuentan en FK Magazine, ha realizado un trabajo de investigación para poner en imágenes la realidad de estas ciudades cerradas.

Finalmente, una serie de artículo en los que se reflexiona sobre la naturaleza de la fotografía. El primero de ellos un documental de RTVE que hace tres años nos hablaba de Joan Fontcuberta, que además de fotógrafo es teórico de la misma. A ver si lo puedo poner aquí enlazado para que lo podáis ver.

Joan Fontcuberta-La Postfotografía

Si no aparece, el enlace es este.

Tino Soriano, también fotógrafo especializado en viajes, nos ha hecho una reflexión sobre la transformación de la fotografía en una especie de fast food visual. Al mismo tiempo que desvirtúa el medio, que ve sufrir agresiones como la que ya comentamos la semana pasada en Facebook.

Y con menos dramatismo, para terminar relajadamente, en su blog Visual Science Lab, Kirk Turk nos habla de que no necesariamente las fotografías técnicamente imperfectas lo son realmente desde el punto de vista del interés fotografíco, sea documental o estético. La perfección técnica en fotografía no es necesariamente una exigencia fuera determinadas aplicaciones comerciales muy definidas. Aunque son muchos los fotógrafos aficionados o profesionales que dan una excesiva revelancia a las mediciones "científicas" a la hora de valorar los nuevos chismes fotográficos, sin pensar que es más importante su capacidad de adaptarse a la tarea que nos llevemos entre manos.